“브라바!”, “브라비!” 알브레히트가 몸으로 절규하며 공연이 끝나자 객석에서 터져 나온 갈채와 환호가 오페라극장 무대를 덮은 두꺼운 커튼을 거세게 두드렸다. 유니버설발레단이 4년 만에 무대에 올린 ‘지젤’을 통해 고전 낭만발레의 진가와 발레단 역량을 다시 한 번 증명했다. 지난 18일 서울 예술의전당에서 열린 이번 공연 첫 무대를 책임진 지젤 역의 홍향기는 군더더기 없는 테크닉과 균형 잡힌 감정선으로 관객을 몰입시켰다. 사랑의 환희와 배신, 광기에서 용서에 이르는 감정의 곡선을 빈틈없이 그려냈다. 파트너 알브레히트 역의 전민철은 아직 미완의 선율을 품은 젊은 귀공자 그 자체였다. 1막에서는 풋풋한 사랑의 설렘을 표현하고, 2막에서는 비극의 무게를 안고 도약했다. 특히 마지막에 윌리에게 영혼을 빼앗기지 않기 위해 끊임없이 펼쳐진 앙트르샤(양발끝을 교차하는 도약)는 많은 갈채를 받으며 차세대 스타로서 존재감을 보여줬다. 이날 공연의 정점은 알브레히트와 지젤의 2인무였다. 알브레히트의 팔 위로 가볍게 떠오른 홍향기의 몸은 공중을 부유하는 듯했다. 살아 있는 존재보다도 더 투명한 존재인 정령을 완벽하게 연기했다. 윌리들의 군무도 기대를 충족시켜줬다. 완벽하게 정렬된 라인, 한 줄기 달빛처럼 부드럽게 흐르는 팔 동작, 춤 사이사이 배어든 음울한 서정성은 관객들이 숨 죽이고 빠져들 만큼 압도적이었다. 이 군무는 단지 배경이 아닌, 서사의 또 하나의 주체로서 비극의 깊이를 더했다.4월 27일까지 공연.

유럽 예술계에서 “스페인 출신의 도발자”, “인간의 괴물을 보여주는 자”, “비주류이나 필수적인 존재”라는 평판과 명성을 얻고 있는 안헬리카 리델이 국립극장 무대에 작품을 올린다. 전통적인 연극 형식을 벗어나 강렬한 신체성, 폭력·죽음·성·광기·권력·고통 등 인간의 어두운 본질을 집요하게 파고드는 예술가의 국내 첫 공연이다. 20일 국립극장에 따르면 ‘사랑의 죽음. 피비린내가 떠나지 않아. 후안 벨몬테(사랑의 죽음)’라는 긴 이름을 지닌 작품이 해외초청작으로 5월 2∼4일 국립극장 달오름에서 국내 관객을 만난다. ‘피비린내가 눈을 떠나지 않아’는 영국 화가 프랜시스 베이컨이 고대 그리스 비극 시인 아이스킬로스의 한 시행을 변형해 자주 사용했던 문구다. 잔혹한 현실을 외면하지 않고, 비판적인 메시지를 작품에 담아내려는 리델의 예술 철학이 담겨있다. 스페인 출신의 작가이자 연출가, 배우 등으로 활동하는 전방위 예술가 리델은 강력하고 도전적인 연극을 만들며 세계무대에서 주목받아 왔다. 수준작만 초대받는 유럽 아비뇽 페스티벌에 9편 이상의 작품을 선보이기도 한 리델은 베니스 비엔날레 연극 부문 은사자상 수상 등 화려한 수상 경력을 자랑한다. 작품활동 기반으로 1993년 아트라 빌리스 컴퍼니를 창설했다. 리델의 연극은 인간의 위선과 합리적 이성의 질서를 강하게 비판하며 존재의 본질을 깊이 탐구하는 것이 특징이다. 파격적인 미장센, 가톨릭 신비주의와 결합한 자기희생적 퍼포먼스는 관객들에게 불편함과 충격을 유발하며 외면하고 싶은 진실을 직면하게 한다. 매 공연 때마다 충격을 견디지 못한 관객 일부가 중도 퇴장하곤 한다. 지난해 아비뇽 페스티벌에서도 큰 논란이 벌어졌다. ‘다몬: 베르그만의 장례식’이란 작품 공연 중 프랑스 비평가 스테판 카프롱 실명을 언급하며 비판하고, 관객에게 신체 일부를 노출한 파격적인 연출 때문이다. 비평가가 명예훼손 소송을 제기했으며 예술 표현의 자유를 놓고 유럽 현지에서 큰 논쟁이 벌어졌다. 리델의 또다른 화제작인 ‘사랑의 죽음’은 벨기에 엔티겐트 극장 상주 예술가이자 연출가 밀로 라우가 기획한 ‘연극의 역사’ 시리즈의 세 번째 작품이다. 2021년 아비뇽 페스티벌에서 초연됐다. 리하르트 바그너의 오페라를 스페인의 전설적인 투우사 후안 벨몬테의 서사와 병치하며 연극의 기원을 탐구하는 작품이다. 투우사 후안 벨몬테(1892~1962)는 ‘영적 투우’의 창시자로, 투우를 예술을 넘어선 영적 수행으로 여긴 인물이다. 리델은 “후안 벨몬테가 투우를 하듯, 나도 연극을 만든다는 것을 깨달았다”며 “사랑에 빠진 불멸의 여인이 스스로를 제물로 바치는 희생제”라고 설명한다. 자신의 예술 행위를 목숨을 건 투우와 비극적인 사랑에 비유하며, 동시에 영성과 초월성을 잃어버린 현대 사회를 신랄하게 비판한다. 노란빛의 광활한 투우장을 연상시키는 무대 위에는 거대한 황소 오브제와 소의 사체 등 전위적인 시각 요소들이 등장해서 초현실적인 이미지를 자아낸다. 작품을 구성하는 상징적 요소는 단순한 장식이 아니라, 리델의 신념을 담은 장식물로서 ‘죽음’을 표현한다. 오페라와 대중음악 등 강렬한 배경음악 또한 관객의 청각을 자극하며 몰입감을 더한다. 문제적 인물인 리델은 “나에게 중요한 것은 성공과 명예가 아니라 오직 관객이며, 그것이 내 인생의 구원”이라고 강조한다. “관객이 작품을 받아들이고 그 깨달음을 행동으로 옮긴다면, 나는 엄청난 만족감을 느낄 겁니다.” 서울 국립극장 달오름에서 5월 2∼4일. 20세 이상 관람가.

스웨덴 출신 안무가 요한 잉거가 자신의 대표작을 들고 우리나라에 온다. 2016년 브누와 드 라 당스 최우수안무상을 받으며 정상급 무용가 반열에 오른 예술가다. 스웨덴왕립발레단에서 정통 발레리노로 무용계에 들어선 후 현대무용계 거장 지리 킬리안이 이끄는 세계 최고 무용단 네덜란드댄스시어터(NDT)1에서 1990년부터 2002년까지 무용수로서 활약했다. 안무가로서는 1995년 NDT2를 위해 첫 작품을 만들면서 명성을 쌓기 시작했다. 현대무용의 ‘정제된 시인’이라는 평을 듣는 그의 작품 세계는 인간의 불안과 광기를 해체하고 재조립하며 움직임을 통해 심리의 층위를 드러내는 드라마에 가깝다. 대표작은 비제의 오페라를 현대적으로 재해석해서 브누아 라 당스 상을 수상한 ‘카르멘’, 그리고 이번에 서울시발레단을 통해 아시아 초연으로 선보일 ‘블리스’와 그리고 ‘워킹 매드’다. 안무가로서 처음 내한하는 잉거는 NDT 무용수 시절인 90년대 국내 무대에 선 바 있다. 또 ‘카르멘’은 스페인국립무용단이 2002년 내한공연했다. 그리고 이제 세종문화회관 M씨어터에서 우리나라 관객을 처음 만날 ‘워킹 매드’는 모리스 라벨의 ‘볼레로’를 지휘하는 한 유명 지휘자 모습이 점점 광기에 가까워지는 옛날 TV영상에서 영감받았다. 모리스 베자르의 ‘볼레로’와는 전혀 다른 결로 인간의 광기와 고립, 그리고 긴장감 등 관계 속 심리를 무대 위에서 시적이고도 극적으로 풀어낸다. 반복적이고 고조되는 볼레로 특유의 리듬은 막바지에 현대 작곡가 아르보 패르트의 ‘알리나를 위하여’와 결합되며 감정의 카타르시스를 거쳐 화해와 치유의 메시지로 마무리된다. 잉거는 ‘워킹 매드’가 코믹함과 비극성을 동시에 담고 있으며 극적이고 연극적인 요소와 무용이 균형을 이루도록 의도했다고 인터뷰 등에서 설명한다. ‘블리스’의 경우 재즈 피아니스트 키스 재럿의 전설적인 즉흥 피아노 연주곡 ‘쾰른 콘서트’에서 영감받아 만든 작품이다. 곡이 지닌 자유롭고 환희에 찬 에너지, 즉흥성, 그리고 세대를 관통하는 감동을 무용으로 번역했다. 무용수들이 때로는 마치 음악을 연주하듯, 때로는 즉흥적으로 몰입하듯 움직이는 리듬 중심의 안무가 특징이다. 밝고 경쾌한 색감의 의상과 자유로운 동선, 그룹과 듀엣의 유기적인 구성, 원형의 움직임 등이 무대를 채운다. 후반부에는 한 무용수가 무대 구석에서 조깅을 시작하며 다른 무용수들이 하나씩 합류해 집단적 에너지와 연결, 유쾌한 여운을 남긴다. 잉거는 ‘쾰른 콘서트’가 한 세대의 전환기를 상징적으로 포착한 음악이라고 설명한다. 그래서 이 음악과 무용수들이 어떻게 현재의 시선으로 만나고 반응할 수 있을지에 집중했다는 설명이다. “우리는 모두 이 음악과 서로에게 있어서, 경험이 많든 적든, 모두가 새로움의 입장에서 만난다”고 강조한다. “춤추는 기쁨에 대한 찬사”, “무용수와 관객 모두를 황홀경에 빠뜨리는 작품”이라는 찬사를 받았다. 키스 재럿의 음악이 지닌 즉흥성과 자유로움, 그리고 집단적 에너지와 개인의 내면적 환희를 무용으로 탁월하게 번역했다는 평가를 받고 있다. 서울시발레단의 이번 무대에는 영국국립발레단 리드 수석 이상은이 객원수석으로 출연한다. 이상은이 갈라 아닌 국내 무대에 서는 건 15년만이며 컨템포러리 작품 출연은 처음이다. 서울 세종M씨어터에서 5월 9일~18일.

“브라바!” “브라비!” 알브레히트가 몸으로 절규하며 공연이 끝나자 객석에서 환호가 터져 나왔다. 갈채는 오페라극장의 두터운 커튼을 거세게 두드렸고, 무용수들은 서너 번 무대로 불려 나와 인사했다. 유니버설발레단은 4년 만에 무대에 올린 ‘지젤’을 통해 고전 낭만발레의 진수와 발레단 역량을 다시 한 번 증명했다. 18일 첫 공연을 책임진 지젤 역의 홍향기는 군더더기 없는 테크닉과 균형 잡힌 감정선으로 관객을 몰입시켰다. 그녀는 발레리나가 어떻게 이야기꾼이 되는지를 여실히 보여주며, 사랑의 환희와 배신, 광기에서 용서에 이르는 감정의 곡선을 빈틈없이 그려냈다. 파트너 알브레히트 역의 전민철은 아직 미완의 선율을 품은 젊은 귀공자 그 자체였다. 1막에서는 풋풋한 사랑의 설렘을, 2막에서는 비극의 무게를 떠안은 절절함을 표현했다. 특히 2막에서 에너지를 발산했는데 마지막에 윌리에게 영혼을 빼앗기지 않기 위해 끊임없이 펼쳐진 앙트르샤(양발끝을 교차하는 도약)는 많은 박수를 받았다. 객석을 향한 독백 같은 도약으로 자신의 존재감을 각인시켰다. 공연의 정점은 역시 알브레히트와 지젤의 2인무였다. 알브레히트의 팔 위로 가볍게 떠오른 홍향기의 몸은 공중을 부유하는 듯했다. 살아 있는 존재보다도 더 투명한 존재로서 정령의 모습을 보여줬다. 윌리들의 군무도 기대를 배신하지 않았다. 완벽하게 정렬된 라인, 한 줄기 달빛처럼 부드럽게 흐르는 팔 동작, 그리고 춤 사이사이 배어든 음울한 서정성은 관객의 숨마저 앗아갈 정도로 압도적이었다. 단지 배경이 아닌, 서사의 또 하나의 주체로서 비극의 깊이를 더했다. 1막의 전원 풍경은 생생하게 표현됐고, 특히 패전트 6인무는 아름다웠다. 여섯 명의 무용수는 경쾌하고 유려한 동작으로 무대를 가로지르며, 마치 봄바람이 마을을 지나가는 듯한 분위기를 연출했다. 동작 하나하나가 선명하고 리드미컬하게 맞아떨어지면서도 각 무용수가 가진 개성이 드러났다. 짧은 순간이었지만, 이들의 무대는 이후의 비극적 전개와 대비되는 밝고 순수한 아름다움으로 관객의 마음에 오래 남았다. 지젤을 짝사랑하는 힐라리온 역의 알렉산드르 세이트칼리예프 연기도 인상적이었다. 풍부한 감정 연기와 안정적인 테크닉으로 극의 긴장감을 이끌었다. 서울 예술의전당에서 4월 27일까지.

청와대에서 5월 1일부터 6일까지 야간 개방 행사 ‘청와대 밤마실’이 펼쳐진다. 청와대는 일부 대선 예비 후보가 다시 대통령비서실 및 대통령 거처로 쓰겠다는 뜻을 밝히는 등 차기 정부에서 어떻게 쓰일지 주목되는 상황이다. 어쩌면 마지막 청와대 야간 개방이 될 수도 있다. 18일 청와대재단에 따르면 청와대 야간 개방은 다양한 공연과 프로그램을 함께 진행함으로써 관람객들에게 좋은 반응을 얻어 왔다. 이번 야간 개방은 5월 가정의 달을 맞아 황금연휴(5.1~6)에 저녁 7시부터 9시까지 진행된다. ‘청와대 밤마실’ 기간 청와대 본관은 한국 전통 문양을 활용한 조명으로 수놓는 ‘청와단청’으로 화려하게 변신하고, 움직임에 따라 조명이 다채롭게 반응하는 ‘빛의 길’을 통해 관람객에게 색다른 재미와 흥미를 안긴다. 또 숲 속을 거니는 듯한 몰입감을 주는 ‘빛의 숲’, 고즈넉한 관저 정원을 배경으로 음악과 조명이 어우러지는 ‘빛의 정원’ 등 청와대 곳곳이 빛의 예술로 새롭게 채워진다. 특히 구 본관 터 앞에서는 매일 저녁 7시 30분부터 ‘청와대 밤마실 뮤직 콘서트’가 열려 재즈, 국악, 밴드 등 다양한 장르의 라이브 공연을 통해 깊어져 가는 밤의 정취를 더할 예정이다. 입장은 1일 2회차(오후 7시·8시)로 나뉘어 하루 최대 4000명까지 관람할 수 있다. 청와대 누리집(opencheongwadae.kr)을 통해 선착순 마감 예약을 받고 있다.

“안무가는 세상을 이미지와 상황, 무대 연출, 움직임으로 번역하는 예술가입니다.” 춤을 언어 삼아 동시대 사회와 인간 내면을 추상적으로 표현해 온 안무가 마르코스 모라우와 그의 대표작이 한국에 온다. 17일 GS아트센터에 따르면 모라우의 ‘아파나도르’ ‘파시오나리아’ ‘죽음의 무도’가 개관 기념 무대에 오른다. 스페인 발렌시아 출신 안무가로 23세에 자신의 ‘라 베로날’ 무용단을 창단한 이래 무용뿐 아니라 영화·문학·음악·미술·사진 등 여러 장르를 탐구하며 영역간 경계를 허무는 작업을 해 온 차세대 거장이다. 구체적인 서사보다는 강렬한 이미지와 상징, 신체의 비정형적 움직임을 통해 관객의 상상과 해석을 자극한다. ‘코바(Kova)’라는 독특한 움직임 언어를 개발해, 신체의 일부가 멈추거나 비자연스러운 속도로 움직이는 등 신체와 공간, 상상 속 형태 사이의 긴장과 대화를 무대 위에 구현한다. 그러다 보니 “강렬한 형식미와 이미지에 비해 내러티브나 메시지가 모호하거나, 감정적 몰입이 부족하다”는 비평도 받고 있다. 이미 국립현대무용단과도 협업한 바 있는 모라우는 이번 내한 공연에 라 베로날 컴퍼니와 스페인 국립 플라멩코 발레단을 이끌고 온다. 첫 번째 작품 ‘아파나도르’(4월30일∼5월1일)는 사진작가 루벤 아파나도르가 오래전 촬영한 흑백 플라멩코 사진집 두 권에서 받은 영감으로 2014년 초연된 작품이다. 플라멩코 하면 떠오르는 레드가 아닌 오로지 블랙과 화이트, 빛과 그림자만으로 독보적 아름다움을 주조한다. 난해하다는 평도 나왔지만 모라우가 성공적으로 사진예술을 융합한 작품으로 평가받는다. 두 번째 작품 ‘파시오나리아’(5월16∼18일)는 ‘열정의 꽃’을 뜻하는 스페인어 제목과는 상반되게 기술의 비약적 발전이 인간의 감정을 억누른 인공적인 풍경을 그려낸다. 2000년 초연작이다. 미색 무대 풍경에는 상자를 든 배달원과 진공청소기를 든 남자 등 일상을 살아가는 8명 무용수가 감정 없이 정교한 기계처럼 움직인다. 무용수 신체가 ‘코바’를 통해 기묘하고 왜곡된 형태로 연출된다. 몽환적인 세계, 차분하고 섬세한 미장센, 위트와 즐거움을 담은 장면을 전면에 내세우며 우리 사회의 부조리함을 더욱 강렬하게 드러낸다. 마지막 작품 ‘죽음의 무도’(5월17∼18일)는 죽음의 공포를 떨쳐내려고 중세시대부터 내려오는 전통의식을 설치와 비디오, 퍼포먼스 힘을 빌어 현대적 언어로 소환한다. 격렬한 단체 군무, 마스크나 익명성 연출, 반복적 동작, 감정과 신체 사이의 소외 등이 인상적으로 표현된다. 평단 호평과 관객 박수를 함께 받은 작품이다.

매일 한 명씩 모두 33명의 배우가 무대에 오르는 연극 ‘화이트래빗 레드래빗’(포스터)이 30일부터 5월 25일까지 세종문화회관 S씨어터에서 공연된다. 16일 제작사 브러쉬씨어터에 따르면 이 작품은 이란 출신 작가 낫심 술리만푸어가 자국 검열을 피해 만든 작품이다. 감독도 리허설도 없이 매일 다른 배우가 무대에 서서 단 한 번의 낭독으로 이야기를 이끌어 간다.“배우도, 관객도, 심지어 제작진도 다음 장면을 모른다. 극장이 ‘실험실’이 되고, 관객이 ‘동행자’가 되는 이 특별한 여정에 함께하길 바란다”는 게 제작진 설명이다. 이 작품은 30개가 넘는 언어로 번역돼 3000회 넘게 공연됐다. 제네스 브래너, 우조 아두바, 네이선 레인, 시니드 쿠삭 등 해외 유명 배우들도 출연했다. 우리나라 공연에는 원로배우 박정자를 비롯해 박상원·남명렬·송옥숙·이건명·이석준·박호산·오용·홍경민·하도권·박기영·지현준·김동완·김다현·최영준·임강성·이시언·박혜나·이엘·김찬호·김재욱·정동화·주민진·최연우·한지은·박정원·송유택·강형석·원태민·최정우·문유강·김도연 등이 출연한다. 김경일 아주대학교 심리학과 교수도 이번 공연에서 배우로 나선다. 공연 직후 배우가 느낀 소감과 감사 인사를 나누는 시간도 마련될 예정이다.

‘재벌집 막내아들’, ‘화산귀환’ 등 큰 인기를 끌고 있는 웹소설이 여럿 등장하면서 지난해 웹소설 시장 규모가 약 1조3500억원에 달한다는 조사 결과가 나왔다. 16일 한국출판문화산업진흥원이 발표한 '2024년 웹소설 산업 현황 실태조사'에 따르면 주요 웹소설 플랫폼사 매출을 바탕으로 추정한 지난해 시장 규모는 약 1조3500억원이었다. 이는 2022년 1조390억원보다 3110억원 증가한 수치다. 이번 실태조사는 웹소설 공급업자(CP) 152개사와 플랫폼 10개사, 창작자 800명, 이용자 811명을 대상으로 온라인 조사를 통해 진행됐다. 초점집단면접(FGI)과 개별심층면접(IDI)도 함께 실시됐다. 웹소설 이용자 대상 조사에서는 전체 응답자의 79.0%가 웹소설 유료 결제 이용 경험이 있다고 답했다. 1회 평균 결제 금액은 8032원으로 나타났다. 웹소설 CP사 및 플랫폼사 대상 조사에서는 웹툰과 웹소설을 포함한 콘텐츠 관련 연평균 매출액이 약 164억5400만원인 것으로 파악됐다. 이 중 웹소설이 차지하는 비중은 45.3%로 연평균 매출액은 약 74억5400만원이었다. 웹소설 관련 세부 매출 항목 중에서는 출판 매출이 55.1%로 가장 높은 비중을 차지했고 유료 콘텐츠 매출이 31.8%로 뒤를 이었다. 출판진흥원은 "이번 조사 결과가 웹소설 산업의 건강한 성장을 위한 기초자료로 활용될 수 있도록, 다양한 신규 사업 추진과 정책 마련에 힘쓸 계획"이라고 전했다.

서울시오페라단이 오페라 ‘파우스트(4월10∼13일)’를 통해 ‘오페라는 종합무대 예술’이라는 명제를 다시금 입증했다. 피라미드 구조물을 중심으로 펼쳐진 상징적 미장센과 고해상도 영상, 다채로운 조명 설계가 드넓은 세종문화회관 대극장을 밀도 있게 채웠다. 정상급 주역의 노래에 압도적인 무대미술과 영상, 무용이 더해지며 감각과 지성을 자극하는 완성도 높은 무대를 펼쳤다. 괴테의 희곡을 바탕으로 샤를 구노가 작곡한 ‘파우스트’는 철학적 깊이와 낭만주의적 정서가 공존하는 프랑스 오페라 대작. 이번 공연에서 서울시오페라단은 연극과 오페라를 결합한 ‘오플레이(OPLAY)’ 형식을 도입했다. 그 결과 1막 도입부와 마지막 장면에서 노년의 파우스트를 연기한 배우 정동환은 공연 전체의 몰입도를 좌우하는 핵심축으로 기능했다. 단단한 발성과 절제된 감정, 집중력 있는 무대 장악력은 연극과 오페라 사이의 경계를 허물며 관객을 서사의 중심으로 끌어들였다. 진실을 향한 노학자의 고뇌와 갈망을 담아낸 그의 연기는 생소한 오플레이 실험을 성공시켰다. 무대미술은 이번 공연의 또 다른 주인공이었다. 신재희가 디자인한 중앙의 피라미드 구조물은 파우스트의 학문적 야심과 인간의 오만을 극적으로 보여줬다. 여기에 김윤주의 조명과 장수호의 영상은 각 장면의 분위기를 섬세하게 직조해냈다. 지나치게 커서 오페라 공연에는 약점이 될 수 있는 세종문화회관 대극장의 넓은 무대를 단단히 채우며 시각적 완성도를 끌어올렸다. 주역들의 노래도 안정적이었다. 특히 사무엘 윤은 무대 위에서 메피스토펠레스 그 자체였다는 평가를 받았다. 단순한 악역이 아니라 허무와 유혹, 냉소와 광기를 동시에 담은 ‘악마의 화신’으로 무대를 지배했다. 깊은 베이스의 울림과 노련한 무대 매너는 관객을 위협하기보다 매혹했고, 메피스토펠레스라는 인물의 사악한 기품을 설득력 있게 구현해냈다. 해외 유수 무대에서 쌓은 경험이 공연 전체의 무게중심을 안정시켰다. 발랑탱 역의 김기훈은 영국 카디프 콩쿠르에서 한국인 최초로 우승한 실력자다운 안정된 성량과 정제된 표현력으로 무게감을 더했다. 그가 부른 발랑탱의 아리아는 서사의 긴장감을 끌어올리는 데 한몫했다. 무용수들의 활약도 돋보였다. 특히 김성훈 안무가가 만든 ‘발푸르기스의 밤’ 장면은 그로테스크한 이미지와 신체의 에너지를 절묘하게 결합했다. 고딕적 악몽의 절정을 시각화하며 관객 기대를 만족하게 했다. 60명에 달하는 위너오페라합창단도 장면마다 다른 에너지를 실어 나르며 공연의 완성도를 높였다. 서울시오페라단은 창단 40주년 기념 공연으로 ‘파우스트’를 선보임으로써 새로운 시도를 두려워하지 않는 정체성과 예술적 실험정신을 입증했다.

소리꾼 이자람(사진)이 ‘눈, 눈, 눈’으로 자신이 일궈온 창작판소리의 새로운 경지를 보여줬다. 공연예술 전 영역에서 눈부신 재능을 보여주고 있는 이자람이 새로 선보인 작품의 원작은 러시아 대문호 톨스토이의 단편소설. 원작 영제는 ‘마스터 앤드 맨’인데 우리말로는 ‘주인과 하인’ 또는 ‘주인과 인간’으로 옮겨진다. 지난 9일 공연장에서 이자람은 오랜 인연으로 매년 집을 찾아가 식사까지 하는 프랑스 지인으로부터 “이자람, 그래서 판소리로 이번엔 무엇을 보여줄 거야” 하는 질문과 함께 받은 책을 읽고 마음이 움직여 작품까지 만들게 됐다고 설명했다. 특별한 배경 없이 이자람의 오랜 동지인 고수 이준형과 단둘인 무대는 소리꾼 사설이 시작되면서 온통 눈으로 뒤덮인 성탄 연휴 러시아 시골마을과 협곡으로 변한다. “일하고 싶은 만큼 일하게 하고, 일한 만큼 준다”는 단순한 원칙을 자신의 도덕성으로 자부하는 시골 부자 바실리, 묵묵하나 경험 많은 일꾼 니키타, 그리고 멋진 갈색 윤기를 자랑하는 종마 제티가 소리꾼 이야기와 창으로 무대 위에 등장한다. 굳이 말 고삐를 자신이 잡겠다고 고집부린 바실리는 안전하나 느린 길 대신 빠르나 위험한 협곡 길을 택한다. 결국 길 잃고 헤매다 간신히 도착한 이웃마을에서 주인은 쉬어가는 대신 고집을 부리며 다시 눈보라 속으로 나선다. 어리석은 바실리 선택이 계속될 때마다 자기 일인 양 객석에선 장탄식이 터져 나온다. 이자람은 ‘왜 나한테 그러냐’고 능청 섞인 볼멘 시늉을 하며 다시 이야기를 이끌어가는데 옛적 어르신이 판소리를 즐기던 광경이 이랬을까 싶다. 중반부터 이자람의 장창은 원경과 근경을 자유자재로 넘나든다. 러시아 광야 속 바실리 일행을 마치 높이 뜬 새처럼 바라보다가 어느 순간 눈밭을 헤치고 다니느라 지친 제티의 땀에 젖은 말갈기까지 클로즈업해서 보여준다. 이처럼 공연시간 110분은 한순간도 이자람에게서 눈을 뗄 수 없는 몰입의 연속이다. 제목대로 세상이 온통 ‘눈, 눈, 눈’인 극 막바지에 선명하게 떠오르는 건 원작자 톨스토이의 휴머니즘이다. 인간을 불완전한 존재로 보되, 끊임없이 자신을 돌아보고 더 나은 삶을 추구해야 하는 존재로 의미를 부여했던 대문호가 마치 이자람의 소리를 빌려 “인간은 어떻게 살아야 하는가”를 집요하게 묻는 듯하다. 오랜 고민의 결과로 이자람은 연대와 희생의 위대한 가치를 온몸으로 보여준다. 2007년 ‘사천가’, 2011년 ‘억척가’, 2014년 ‘이방인의 노래’에서 기른 힘으로 보여준 자신의 역작 ‘노인과 바다(2019)’를 넘어서는 신작이 나오는 순간이다. 브레히트와 마르케스, 헤밍웨이의 세계를 거쳐 이제 톨스토이의 눈보라 속까지 이르게 된 이자람 판소리는 계속 앞으로 나아가고 있다.