파리에서 잘나가던 변호사 장 바티스트 클라망스는 자신을 선량한 사람이라고 믿었다. 억울한 사람을 변호하고 어려운 처지에 놓인 사람을 돕는 데서 기쁨을 느꼈다. 그러나 어느 밤 센강 다리 위에서 벌어진 사건이 그의 삶을 송두리째 뒤흔든다. 그동안 베풀었던 선행은 정말 타인을 위한 것이었을까. 남들보다 도덕적으로 우월하다는 만족감을 얻기 위한 행동은 아니었을까. 관객은 파리를 떠나 네덜란드 암스테르담의 한 술집에서 세월을 보내는 클라망스와 마주한다. 그는 처음 만난 낯선 사람에게 자신의 과거를 털어놓는다. 잘나가던 변호사가 어째서 이런 곳에 흘러들어 왔을까. 스스로를 ‘고해판사’라고 소개하는 이유는 무엇일까. 연극 ‘전락’은 이 의문을 따라가는 90분간의 여정이다. 프랑스 작가 알베르 카뮈(1913∼1960)가 1956년 발표한 마지막 장편소설을 원작으로 한다. 이듬해 노벨문학상을 받은 카뮈는 ‘이방인’에서 삶의 부조리를 탐구하고 ‘페스트’에서 재난에 맞서는 인간의 연대를 그렸다. 철학적 에세이 ‘반항하는 인간’에서는 정의를 추구하는 반항이 어떻게 새로운 폭력으로 변질할 수 있는지 따져 물었다. ‘전락’에서는 그 시선을 개인의 내면으로 돌린다. 인간은 과연 자신이 믿는 만큼 선량한 존재인가. 누구에게 다른 사람을 심판할 자격이 있는가. 작품의 중심에는 클라망스의 뒤틀린 자기인식이 있다. 그가 자랑스럽게 여겼던 선행에는 남들보다 높은 곳에 서고 싶다는 욕망이 숨어 있었다. 뜻밖의 사건을 겪으면서 명망 높았던 변호사의 도덕적 우월감은 무너진다. 그렇다고 자신의 위선을 깨닫는 일이 곧 더 나은 인간이 되는 길로 이어지지는 않는다. 카뮈는 죄를 고백하는 행위조차 또 다른 위선이 될 수 있다는 불편한 가능성을 집요하게 파고든다. 이 까다로운 작품을 1인극으로 무대에 옮긴 사람은 양손프로젝트의 배우 겸 연출가 손상규다. 2022년 더줌아트센터에서 각색과 연출은 물론 출연까지 맡아 초연했다. 2023년 재연에 이어 지난해에는 국립극단 기획초청 시리즈 ‘Pick크닉’에 선정돼 명동예술극장에 올랐다. 올해는 프로젝트그룹일다가 제작을 맡고 손상규는 각색과 연출에 집중했다. 그가 연기하던 클라망스 역에는 배우 윤나무와 이동휘가 새롭게 합류했다. 손상규는 원작의 복잡한 시공간과 방대한 이야기를 덜어내고 한 남자가 자신의 과거를 털어놓는 상황에 집중했다. 원작에서 클라망스의 고백을 듣는 이름 없는 상대방을 객석의 관객으로 바꿔놓으면서 1인극이 가능해졌다. 무대에는 나란히 놓인 나무 의자와 벽에 걸린 외투 등 몇 가지 장치만 있을 뿐이다. 그러나 주인공이 입을 열면 관객의 상상 속에서 파리와 암스테르담이 펼쳐지고 그의 과거에 등장했던 사람들이 살아난다. 혼자 오롯이 무대를 책임져야 하는 1인극은 배우에게 도전이자 명예다. 공연 내내 자신에게 집중되는 관객의 시선에서 달아날 방법이 없다. 대사의 호흡이 끊겨도 이를 받아줄 상대 배우가 없고 감정의 흐름이 무너져도 다른 장면 뒤에 숨을 수 없다. 배우가 감당해야 할 압박은 상상하기도 어렵다. 그 어려움을 이겨낸 무대는 여러 배우가 등장하는 연극에서 경험하기 힘든 몰입감을 선사한다. 한 사람의 목소리와 몸짓만으로 무대에 존재하지 않는 세계를 만들어내며 관객의 상상력을 극대화하기 때문이다. 지난달 31일 만난 윤나무의 클라망스가 바로 그랬다. ‘믿고 보는 배우’라는 그동안의 평판을 입증하고도 남는 연기였다. 놀라운 집중력으로 90분을 끌고 갔다. 긴 독백을 쏟아내면서도 순간의 머뭇거림조차 느껴지지 않았다. 자신의 머릿속에 떠오르는 기억과 생각을 그 자리에서 말로 풀어내는 듯 자연스러웠다. 그 결과 관객은 배우의 연기를 감상하는 데 그치지 않고 주인공과 마주 앉아 그의 이야기를 듣는 상대방이 된 듯한 착각에 빠진다. 윤나무의 클라망스는 끊임없이 관객을 설득하고 자신의 세계로 끌어들인다. 배우 한 사람만 존재하는 무대에서 관객이 또 다른 등장인물이 되는 셈이다. 이런 연기를 뒷받침하는 것은 좋은 대본이다. 연극 ‘타인의 삶’, ‘바냐삼촌’ 등에서도 그러하듯 손상규가 각색한 대사는 살아 있는 입말이 특징이다. 이 작품에서도 소설에 담긴 사유를 훼손하지 않으면서도 카뮈 특유의 냉소와 역설, 인간 심리에 대한 집요한 관찰을 연극의 언어로 바꿔냈다. 알 듯 모를 듯한 주인공 이야기는 공연이 진행될수록 차곡차곡 쌓인다. 주인공이 자신을 ‘고해판사’라고 부르는 이유는 무엇일까. 어째서 이야기 중에 똑바로 서 있을 수도 편히 누울 수도 없는 중세의 ‘고문실’까지 등장하는 것일까. 한때 존경받던 변호사였던 남자는 대체 무엇으로부터 벗어나려는 것일까. 클라망스의 고백이 길어질수록 처음 품었던 의문들은 더욱 무거워진다. 마침내 그 의문들이 풀려가는 결말에서 윤나무가 만들어내는 감정의 여울은 크다. 그동안 쏟아낸 수많은 말이 새로운 무게로 다가온다. 관객은 누구나 지니고 있지만 좀처럼 마주하고 싶지 않은 양심의 무게를 스스로 달아보게 된다. 카뮈가 집요하게 파고든 인간의 모순과 도덕적 불안이 윤나무의 연기와 손상규의 각색을 통해 무대 위에서 살아난다. 서울 대학로 TOM 2관에서 12월 6일까지.

멜로드라마에서 대사를 뺄 수 있을까. 창작집단 ‘여기에 있다’가 가방 속 책과 창문 커튼, 노트북, 작은 개미를 앞세워 이 물음에 답한다. 평범한 사물이 인형처럼 움직이고 크기가 늘었다 줄면서 한 편의 사랑 이야기를 만든다. 연극 ‘멜로드라마 열차’가 다음달 6일부터 20일까지 서울 국립정동극장 세실 무대에 오른다. 시범 공연을 거친 작품의 재공연을 돕는 ‘2026 창작ing’의 연극 부문 선정작이다. 작품 주인공 민지는 어디로 가는지 모를 열차에 올라 창밖만 바라본다. 흔들리고 덜컹거리다 멈추기를 되풀이하는 열차 안팎에서 삶과 죽음, 희망과 사랑의 세계가 꿈틀거리기 시작한다. 작품은 아름답고 순결하며 영원해야 한다는 사랑의 기준이 오히려 현실의 사랑을 어렵게 만들 수 있다는 질문에서 출발했다. 사랑의 범위를 사람 사이에 가두지 않고 동식물과 사물, 기술까지 넓힌다. 나와 다른 존재를 살피고 기꺼이 관계를 맺으려는 태도를 사랑이라 부르는 것이다. 제목은 ‘멜로드라마’이지만 흔히 이 말에서 떠올리는 이상적 사랑을 시험대에 올린다. 말이 없으니 장면의 뜻을 정하는 몫은 관객에게 돌아간다. 사물에 숨을 불어넣는 일은 이 단체가 꾸준히 해 온 작업이다. 연출 박세련, 시노그래퍼 김지우, 배우 정대진·이래인을 중심으로 공동창작을 하며 2022년 춘천인형극제에서 인형극 ‘인형종합병원’을 올렸다. 2023년 ‘페이스 타임’은 이제 만날 수 없는 어머니의 전화번호로 영상통화를 걸면 받을까 하는 박세련의 상상에서 출발해 인형극을 극중극으로 끌어들였다. 초연 때는 소극장의 한계로 인형 조종자와 장치가 움직이는 과정을 일부 드러냈는데 이번 공연에선 프로시니엄 무대를 살려 무대 뒤 움직임을 감춘다. 손의 수고가 보이던 공연이 환상으로 옮겨 가는 셈이다. 창작과 연출은 김지우·박세련이 공동으로 맡았고 초연 멤버인 박지윤·이래인·정대진이 다시 출연한다.

고대 그리스 소포클레스가 남긴 비극을 국립창극단이 무대에 펼친다. 아버지를 죽이고 어머니와 결혼한 왕을 여성 소리꾼이 맡는다. 그의 처남 크레온도, 눈먼 예언자 테이레시아스도 여성 단원의 몸과 소리로 다시 관객앞으로 불러낸다. 창극 ‘오이디푸스’는 26일부터 다음달 5일까지 서울 중구 국립극장 달오름에서 공연된다. 국립극장은 이번 작품 출연진 전원을 국립창극단 여성 단원으로 꾸렸다. 일인다역이 기본인 판소리에서 소리꾼이 성별과 신분을 오가는 것은 자연스러운 일이다. 최진아 연출은 “비극을 특정 성별의 경험이 아닌 인간 보편의 이야기로 풀어내고 싶었다”고 말했다. 공연가에서 올해는 유독 오이디푸스를 자주 만날 수 있었다. 7월 세종문화회관 M씨어터에서는 국민배우 최수종이 오이디푸스를 연기했고 9~10월 명동예술극장에서는 국립극단이 오이디푸스를 장애인이자 이주민인 소수자로 그렸다. 이번 무대의 뼈대는 원작을 따른다. 역병이 덮친 테베 왕 오이디푸스는 선왕 라이오스를 죽인 범인을 찾아 나선다. 수사가 집요해질수록 단서는 수사관 자신을 가리킨다. 범인을 쫒는 사람이 곧 범인이라는 구조는 2400년이 넘도록 낡지 않은 이 비극의 힘이다. 이번 무대는 운명의 힘보다 그 앞에서도 진실을 안 접는 인간의 선택에 무게를 둔다. 알고 있으나 말하지 못하는 눈먼 예언자와 눈앞의 진실을 못 보는 왕의 대결이 그 중심이다. 극본은 창극 ‘트로이의 여인들’ ‘리어’를 쓴 배삼식이 맡았다. 서양 고전을 소리의 호흡에 맞는 우리말로 옮겨 온 극작가다. 최 연출에게는 첫 창극이지만 오이디푸스로는 2017년 연극 ‘오이디푸스-알려고 하는 자’로 루마니아 바벨페스티벌 연출상을 받았다. 음악은 작창가 장서윤과 작곡가 장석진이 함께 짰다. 장서윤은 2001년 국립창극단 어린이창극 주역으로 데뷔해 이 단체의 인턴단원을 거친 뒤 작창으로 나아간 소리꾼이다. 피리·대금·가야금·거문고·아쟁에 바이올린·비올라·첨로·더블베이스·건반을 더한 16인조 악단이 장단을 받치고 성부를 나눈 코러스가 인물의 노래와 교차한다. 오이디푸스는 국립창극단 이소연이 맡는다. ‘정년이’의 윤정년, ‘변강쇠 점 찍고 옹녀’의 옹녀를 맡았던 배우다. 이소연은 “오이디푸스가 겪는 불안과 갈등, 그 안의 인간적인 모습을 섬세하게 전하고 싶다”고 말했다. 이오카스테 김미진, 크레온 이연주, 테이레시아스 민은경은 모두 판소리 명창부 대통령상을 받았다. 무대는 경사진 무대에 지름 7.8m 원형 발광다이오드(LED)를 설치하고 인체 혈관에서 착안한 영상을 비춘다. 의상도 현대 의복이다.

그날따라 한산했던 지하철 객차 통로가 열 살짜리 발달장애 아이에게는 활주로처럼 보였나 보다. 지원이는 당장이라도 달려나갈 태세였고 엄마 고지선은 순간 고민에 빠졌다. ‘아, 내가 이 아이를 놔줘야 하나, 붙잡고 있어야 하나.’ 억지로 붙잡으면 벌어질 일이 눈에 선했다. 고민 끝에 엄마는 아이를 놓아주기로 한다. 그리고 아이와 함께 달린다. 언제든 돌발행동이 일어나면 자신이 나서겠다는 것을 다른 승객들에게 온몸으로 보여주면서. “열 살짜리 발달장애인이 어떤 소리를 내고 어떻게 달리는지 본 적 있으세요? 지원이는 절대로 일자로 뛰지 않습니다. 머리를 흔들면서 갈지자로 뜁니다. 아갸갸갸! 하는 소리를 내면서 뜁니다. 기분이 너무 좋다는 얘기예요!” 지원이를 상징하는 노란 모자가 객차 이쪽 끝에서 저쪽 끝으로 달리자 승객 시선이 일제히 쏠린다. 흠칫 놀라는 사람도 있다. 그러나 5분쯤에 걸쳐 변화가 일어난다. 승객들이 다시 휴대전화를 들여다보고 저마다 하던 일을 계속한다. 낯설었던 아이와 함께하는 방법을 자연스럽게 찾아낸 것이다. “사람들은요. 익숙해지면 더는 시선을 주지 않아요.” 음악극 ‘섬: 1933~2019’에서 기억에 남는 여러 장면 중 하나다. ‘격리’나 ‘소외’라는 단어로는 다 담아내기 어려운 학대와 인권유린을 겪었던 한센인들의 슬픈 과거와 오늘날 발달장애 아이를 키우는 부모의 고통을 씨줄과 날줄 삼아 엮어낸다. 무대는 오스트리아 출신 간호사 마리안느 스퇴거와 마가렛 피사렉이 소록도에서 40여 년간 한센인들을 돌본 실화에서 출발한다. 그러나 두 사람의 헌신을 기리는 데 머물지 않는다. 그들이 만났던 한센인들의 비참한 삶과 사회로부터 격리된 사람들의 고통에 시선을 돌린다. 그리고 그러한 섬이 오늘날에도 수없이 존재한다는 사실을 일깨운다. 발달장애 아이를 키우는 고지선의 가족이 그 하나다. 식당이든 극장이든 화장실이든 어디를 가든 힐끔대고 피하는 시선에 지친 장애인 가족들이 결국 제 발로 들어가는 섬이다. 작품에는 세 개의 시간이 흐른다. 1933년 일제강점기 소록도로 강제 이주된 한센인 백수선의 삶, 1966년부터 소록도에서 환자들을 돌본 마리안느와 마가렛의 삶, 2019년 서울에서 발달장애 아들 지원이를 키우는 고지선의 삶이다. 시대도 사연도 다르지만 그들을 고립시킨 사회의 편견은 크게 달라지지 않았다. 작품은 세 시대를 끊임없이 오가면서도 극의 흐름을 놓치지 않는다. 서로 다른 시간대가 교차하면 자칫 혼란을 주거나 이야기의 밀도를 떨어뜨리기 쉽지만 ‘섬’은 인물들의 감정과 장면을 촘촘하게 연결하며 이를 자연스럽게 극복한다. 한센인들을 회색 머플러로, 발달장애 아이를 노란 모자로 표현한 연출도 섬세하다. 소외된 사람들의 모습을 자극적으로 재현하지 않으면서 그들이 겪는 현실은 선명하게 드러낸다. 낡은 나무판자로 이어진 무대와 짙푸른 조명, 어둠 속에 떠오르는 둥근 달도 시대를 넘나드는 이야기에 깊이를 더한다. 다만 한센인 백수선의 후손이 고지선으로 이어지는 극중 설정은 아쉽다. 사전에 알지 못하면 두 인물의 관계를 명확하게 파악하기 어렵다. 서로 다른 시대의 두 여성을 혈연으로 연결하지 않아도 작품이 말하려는 차별과 소외의 역사는 충분히 맞닿아 있다. 묵직한 사회적 주제를 공감과 감동으로 끌어올리는 힘은 서정적 음악에서 나온다. 한센인들의 비극을 노래하는 ‘가도 가도 붉은 황톳길’, “몰라서 3년, 알고서 3년, 썩어서 3년”이라는 처절한 가사를 담은 ‘세 번 죽는다’ 등이 심장을 울리고 때로는 통곡하고 싶게 만든다. 비참한 역사를 다룬 노래와 평범한 일상의 온기를 담은 노래가 대비를 이룬다. 배우들 호흡도 좋다. 노동운동가 전태일을 그린 ‘태일’, 최초의 여성 변호사 이태영을 다룬 ‘백인당(百人堂) 태영’까지 ‘목소리 프로젝트’를 이끌어온 장우성 작가·이선영 작곡가·박소영 연출가와 세 작품에 모두 출연한 백은혜 등 배우들이 만들어내는 팀워크가 무대 곳곳에서 느껴진다. 2019년 초연, 2024년 재연을 거쳐 세 번째 시즌을 맞은 작품이 공연 때마다 호평받은 이유 중 하나다. 극의 마지막은 특수학교 설립을 놓고 벌어진 주민들의 찬반 토론 장면이다. 2017년 서울 강서구에선 장애학생 부모들이 무릎을 꿇고 학교 설립을 호소했는데 어찌 됐을까. 확인해보니 서진학교는 2020년 3월 개교했다. 지난해 8월 서울 성동구에선 또 다른 특수학교 설립안을 두고 장애학생 부모들은 서울시의회 앞에서 다시 무릎을 꿇어야 했다. 특수교육 수요는 계속 늘고 있다. 올해 전국 특수교육대상자는 12만4195명으로 4년 전보다 2만500명 증가했다. 지하철에선 5분이면 가능했는데 장애인 가족들이 더는 세상의 시선을 피해 ‘장애도’로 들어가지 않아도 되는 날은 언제쯤 올까. 국립정동극장에서 11월 22일까지.

아버지의 장례식장에 모인 가족들이 벌이는 좌충우돌 소동이 무대 위에서 펼쳐진다. 슬퍼할 틈도 없이 웃음이 터지지만, 한바탕 웃고 나면 가족의 소중함과 삶의 의미가 가슴에 남는다. 한국방송연기자협회(이사장 정준호)가 문화체육관광부와 한국콘텐츠진흥원이 주최하는 특별공연 연극 ‘장례식장 대소동’을 지난달 5일부터 12월 9일까지 전국 12개 지역에서 선보이고 있다. 이번 공연은 오랜 시간 브라운관과 무대에서 활약하며 국민의 사랑을 받아온 원로·중견 배우들이 직접 지역 관객을 찾아가는 문화 나눔 사업이다. 문화예술을 접할 기회가 상대적으로 적은 지역 주민과 어르신들에게 수준 높은 공연 관람 기회를 제공하고, 세대 간 소통의 장을 마련한다는 취지다. ‘장례식장 대소동’은 아버지의 장례식장에 모인 가족들이 사흘간 벌이는 해프닝을 그린 휴먼 코미디다. 결혼을 앞둔 아들 종혁은 오랫동안 연락을 끊고 지내던 아버지의 부고를 받고 장례식장을 찾는다. 그곳에서 처음 보는 형과 아버지의 법적 부인을 만나는 것도 당황스러운데, 친어머니와 예비신부, 예비 장모까지 등장하면서 조용해야 할 빈소는 순식간에 아수라장이 된다. 한 사람의 죽음을 둘러싸고 얽히고설킨 가족들의 관계와 감정이 폭발하며 예상치 못한 사건이 이어진다. 그러나 장례를 함께 치르는 과정에서 서로를 원망하던 가족들은 고인이 남긴 흔적을 통해 미처 알지 못했던 진심을 발견하고 조금씩 서로를 이해하게 된다. 죽음을 소재로 하지만 작품의 분위기는 무겁지 않다. 우리 주변에서 볼 법한 가족의 모습을 유쾌하게 풀어내면서 이별의 끝에서 삶의 소중함과 화해의 의미를 되새기게 한다. 이번 공연에는 방송과 연극 무대에서 오랜 연기 내공을 쌓아온 배우 28명이 참여한다. 김호영·박승태·김영임·권경하·육미라·정종준·민경진·이기열·강영하·김정균·이지형·최대철·주교빈·이환 등이 BLUE팀으로, 송경철·장영주·채유정·정미혜·노영화·김형일·기연호·전국근·이효숙·정서임·최오식·강지후·한솔·민준현 등이 RED팀으로 출연한다. 두 팀이 더블 캐스팅으로 회차별 14명씩 무대에 오른다. 원로 배우들의 깊이 있는 감정 연기와 중견·젊은 배우들의 활기찬 에너지가 어우러져 세대를 아우르는 앙상블을 선보인다. TV 화면을 통해 익숙하게 만났던 배우들을 가까운 지역 공연장에서 직접 만날 수 있다는 점도 관객들에게 특별한 즐거움이다. 관객 참여형 무대라는 점도 눈길을 끈다. 공연장에 들어서는 순간 관객들은 장례식장을 찾은 조문객이 된다. 배우들의 안내에 따라 조의록을 작성하고 영정 앞에서 예를 갖추는 등 실제 장례식장을 방문한 듯한 경험을 하게 된다. 공연 중에도 배우와 관객이 자연스럽게 호흡하며 일부 장면에 즉흥적으로 참여해 객석과 무대의 경계를 허문다. 우리 전통 장례문화의 정서를 담은 무대와 음악, 유쾌한 상황극이 어우러진다. 공연 후에는 행운권 추첨 등 관객 교류 프로그램도 진행한다. 작품의 극본은 연극과 뮤지컬을 넘나들며 활동해 온 오세혁 작가가 맡았으며, 배우이자 연출가인 김늘메가 연출한다. 생활밀착형 코미디와 생생한 캐릭터 표현을 통해 관객들이 함께 웃고 공감할 수 있는 무대를 꾸민다. 정준호 한국방송연기자협회 이사장은 “오랜 시간 국민 여러분께 사랑받아 온 배우들이 무대에서 세대를 아우르는 이야기와 특별한 추억을 선사하고자 이번 공연을 준비했다”며 “가족의 소중함과 사람 사이의 정을 되새기는 이번 공연이 지역 주민들에게 따뜻한 위로와 즐거운 추억으로 남기를 바란다”고 말했다. 1971년 창립한 한국방송연기자협회는 방송과 대중문화예술 발전에 기여해 온 연기자 단체로, 중견·원로 배우들의 지속적인 예술 활동과 문화예술을 통한 사회적 가치 확산에 힘쓰고 있다. 공연 시간은 약 90분이며 전석 무료다.

국립극단은 청년 배우 사관학교가 될 수 있을까. 청년단원 60명이 1년 동안 수련한 결과를 연극 네 편에 담은 세 번째 졸업무대가 막을 올린다. 국립극단은 청년교육단원 연극제 ‘어떤 연극’을 21일부터 12월11일까지 서울 성동구 우란문화재단 우란2경에서 연다고 5일 밝혔다. 브레히트·체호프·무아와드·셰익스피어의 희곡을 연출가 윤성호·김미란·하수민·홍성연이 한 편씩 맡는다. 청년교육단원은 문화체육관광부가 2024년부터 국립예술단체 전반으로 넓힌 제도다. 국립극단은 첫해 40명을 시작으로 지난해 80명, 올해 60명을 뽑았다. 문턱은 이미 사관학교급이다. 올해 19∼34세 배우 842명이 지원해 14대 1의 경쟁률을 기록했다. 단원들은 3월부터 화술·전통연희·뷰포인트 등을 익히며 매달 150만원의 활동지원금을 받았다. 첫 작품은 ‘한밤의 북소리’(21·22일)다. 1922년 브레히트의 초연작으로 1차 세계대전 패전 직후 베를린, 실종됐던 약혼자 크라글러가 4년 만에 돌아오고 거리에서는 스파르타쿠스단 봉기가 격렬해진다. 각색·연출을 맡은 윤성호는 지난해 ‘죽음들’에 이어 2년째 단원들과 작업한다. ‘우스꽝스럽고 안스러운 인간들’(26·27일)은 체호프 단막극을 엮은 무대다. 2022년 백상예술대상 젊은연극상을 받은 김미란이 각색·연출을 맡아, 배우 15명이 한 극단이 돼 체호프를 제각각 해석하고 연극을 만드는 과정 자체를 드러낸다. 네 편 가운데 유일한 16세 이상 관람가다. ‘하늘’(12월 3·4일)은 레바논 출신 캐나다 극작가 와즈디 무아와드의 4부작 ‘약속의 피’ 마지막 편이다. 영화 ‘그을린 사랑’의 원작 ‘화염’ 등 앞선 세 편이 자식 세대가 부모의 과거를 더듬는 여정이었다면, ‘하늘’은 부모 세대가 자식 세대를 들여다본다. 테러를 막으려 외부와 차단된 정보기관에서 암호해독가가 스스로 목숨을 끊고, 요원들은 그가 남긴 시·그림·암호를 좇는다. 극단 즉각반응 대표 하수민이 연출을 맡아 젊은 세대의 폭력적 봉기에 주목했다. 마지막 무대는 ‘한여름 밤의 꿈 더 클라운’(12월 10·11일)이 장식한다. 요정의 장난으로 연인들의 짝이 뒤엉키는 셰익스피어 희극을 광대 16명이 꿈과 사랑, 엇갈림과 실패의 놀이로 풀어낸다. ‘로미오와 줄리엣 더 클라운’으로 서울연극제 자유경연작 최우수상을 받은 홍성연이 연출을 맡아 3년째 청년교육단원과 호흡을 맞춘다.

아무리 기다려도 오지 않는 사람. 그가 나타나면 무언가 달라질 것이라는 희망 때문에 기다림을 멈출 수도 없다. 사뮈엘 베케트의 부조리극 ‘고도를 기다리며’가 던진 질문을 한국의 분단 현실로 옮긴 무대가 열린다. 3일 문화창작집단 날에 따르면 연극 ‘보부상을 기다리며’는 끝나지 않는 기다림을 남북 분단의 역사와 결합한 작품이다. 돌아오지 않는 사람과 열리지 않는 길을 기다리는 인물들을 통해 평화와 단절의 문제를 풀어낸다. 등장인물은 고 씨, 구 씨, 려 씨다. 고 씨는 한때 번창했던 공터의 기억을 간직한 광대다. 구 씨는 고립된 남과 북의 현실을 바라보는 청년이다. 려 씨는 북으로 떠난 사람에 대한 희망을 놓지 않는다. 이들이 기다리는 보부상은 단순한 방문객을 넘어 분단으로 끊어진 사람과 사람 사이의 길을 떠올리게 한다. 원작 ‘고도를 기다리며’에서 고도의 정체가 끝내 밝혀지지 않듯 이번 작품에서도 중요한 것은 기다림 그 자체다. 다만 베케트의 작품이 인간 존재의 불확실성과 부조리를 탐구했다면 ‘보부상을 기다리며’는 기다림에 분단이라는 구체적인 역사적 조건을 부여한다. 공연에는 판소리 연주도 함께한다. 국가무형유산 판소리 이수자 임상래가 무대에서 우리 가락을 연주한다. 부조리극의 대사와 판소리의 음악적 표현을 결합한 구성이다. 극본·연출을 맡은 최철은 이번 작품을 통해 분단의 역사적 기억을 특정 진영의 소유가 아니라 함께 이어받아야 할 유산으로 바라보고자 한다고 설명했다. 작품은 2022년 도봉문화원 협업 공연으로 출발했다. 제작사 자료에 따르면 2023년 정전 70주년 기념 공연과 2024년 웬연극페스티벌 공연을 거쳐 이번에 대학로 무대에 오른다. 배우 김윤태가 고 씨, 김초원이 구 씨, 노윤정이 려 씨를 연기한다. 서울 대학로 공간아울에서 11월 18일부터 22일까지.

살아 있는 엄마의 장례식을 미리 치른다. 딸은 언젠가 닥칠 이별을 준비하려 하지만 엄마를 떠나보내는 일보다 먼저 마주해야 할 것은 두 사람 사이에 쌓인 복잡한 감정이다. 엄마를 돕고 싶으면서도 엄마에게서 벗어나고 싶은 마음. 누군가에게 기대고 싶지만 자신을 지키고 싶은 마음. 연극 ‘헬프 HELP’는 이러한 모순적인 감정에서 출발한다. 두산아트센터는 2024년 두산연강예술상 공연예술부문 수상자 강보름의 신작 ‘헬프 HELP’를 25일부터 12월 13일까지 두산아트센터 스페이스111에서 선보인다. 작품의 출발점은 연출가 자신의 삶이다. 강보름은 평생 버겁게 느껴졌던 엄마 진효순의 장례를 상상한다. 그리고 실제 엄마와 네 명의 동료 배우를 극장으로 불러 모은다. 장례식을 준비하는 과정에서 딸이 기억하는 엄마의 모습과 엄마가 직접 들려주는 자신의 삶이 교차한다. 오랫동안 남편을 간병했던 엄마는 누군가를 돌보는 사람이었다. 하지만 정작 엄마에게 필요한 도움은 무엇이었을까. 딸이 엄마에게 해줄 수 있는 일은 어디까지일까. 공연은 한 가족의 이야기를 통해 돌봄의 책임과 의존의 문제를 들여다본다. 실제 모녀가 무대에 오른다는 점도 흥미롭다. 진효순은 딸의 기억 속에 존재하는 엄마에 머무르지 않고 자기 삶을 이야기하며 장면을 함께 만드는 공동창작자로 참여한다. 강보름 역시 연출가이면서 동시에 엄마와의 관계를 돌아보는 딸로 무대에 선다. 무대 형식은 뜻밖에도 버라이어티 쇼다. 장례 절차 사이로 노래와 대화, 신체 움직임을 엮는다. 엄숙한 장례식과 유쾌한 쇼라는 이질적인 형식을 충돌시켜 돌봄과 이별을 둘러싼 여러 감정을 드러내려는 시도다. 강보름은 여성과 노동, 이주, 장애 등 다양한 사람들의 목소리를 무대에 옮겨온 창작자다. 다큐멘터리와 판소리, 전시 등을 연극에 결합하는 작업으로 주목받았다. 이번 작품에서도 자신과 가족의 사적인 경험을 공동창작으로 확장한다. 공연 제목 ‘헬프’는 에리히 프롬이 ‘자유로부터의 도피’에서 설명한 ‘매직 헬퍼’ 개념에서 가져왔다. 스스로 감당하기 어려운 삶에서 자신을 구원해 줄 존재를 찾는 심리다. 작품은 누군가의 도움이 절실한 사람과 도움을 제공해야 하는 사람 사이의 관계를 묻는다.

명작 뮤지컬 ‘레미제라블’ 무대가 2028년 열린다. 영국의 전설적 프로듀서 카메론 매킨토시가 1985년 런던에서 선보인 이후 웨스트엔드에서만 40년 넘게 공연되며 최장기 공연 뮤지컬 기록을 이어가고 있는 작품이다. 제작사 레미제라블코리아는 ‘레미제라블’ 네 번째 한국 무대가 2028년 5월부터 8월까지 서울 블루스퀘어에서 열린다고 2일 밝혔다. 2024년 세 번째 시즌을 마친 지 4년 만이다. 장발장·자베르·판틴·앙졸라·에포닌·마리우스·코제트 등 주요 배역부터 앙상블까지 모든 배역을 뽑는 공개 오디션도 진행 중이다. ‘레미제라블’은 프랑스 작가 빅토르 위고가 1862년 펴낸 동명 소설을 무대로 옮긴 작품이다. 작곡가 클로드 미셸 숀버그와 작사가 알랭 부블리가 1980년 파리에서 프랑스어 공연으로 처음 선보였다. 이를 접한 매킨토시가 영어판을 제작해 1985년 10월 런던 무대에 올리면서 세계적 흥행작이 됐다. 막이 오르면 빵을 훔친 죄에 거듭된 탈옥 시도가 더해져 19년간 옥살이를 한 장발장이 죄수들과 함께 노래한다. 주교의 용서를 계기로 새 삶을 사는 장발장과 그를 끝까지 쫓는 경감 자베르, 딸을 위해 모든 것을 내던지는 판틴의 이야기가 극의 중심이다. 그 위에 1832년 파리 6월 봉기 때 바리케이드에 선 청년들과 엇갈린 사랑을 앓는 에포닌과 마리우스의 이야기가 겹겹이 쌓인다. ‘민중의 노래’·‘내일로’ 같은 명곡이 사랑받으며 57개국에서 22개 언어로 공연됐고, 누적 관객은 1억5000만명을 넘어섰다. 한국 관객이 이 작품을 처음 만난 것은 1996년 6∼7월이다. 매킨토시 제작사가 꾸린 해외 프로덕션이 예술의전당 오페라극장에서 영어 공연을 올렸다. 한국어 공연은 2012년 11월 경기 용인 포은아트홀에서 처음 막을 올렸고, 대구·부산을 거쳐 2013년 4월 서울 블루스퀘어에 입성했다. 이후 2015년과 2023∼24년 다시 무대에 올랐다. 주인공 장발장은 프롤로그부터 에필로그까지 극 전체를 짊어지는 배역이다. 19년 옥살이로 거칠어진 죄수의 목소리로 시작해, 2막 바리케이드 장면에서는 잠든 마리우스를 살려 달라고 신에게 비는 기도를 가성에 가까운 고음으로 불러야 한다. 거친 힘과 섬세한 고음을 함께 갖춰야 해서 어렵지만, 그래서 뮤지컬 남자 배우라면 무대에 서길 꿈꾸는 배역이다. ‘레미제라블’ 한국 공연은 시즌마다 이 장발장을 비롯한 전 배역을 공개 오디션으로 뽑아 왔다. 초연 때 장발장 역 경쟁률은 2000대1에 이르렀다. 여기에서 개그맨 출신 정성화가 원캐스트로 발탁돼 여러 상을 휩쓸며 뮤지컬 스타로 자리잡았다.

5만원권 지폐 뭉치가 여신의 몸 위로 쏟아졌다. 신들이 사는 성의 건축비를 치르려고 한 여성을 넘기기로 했던 거래가 그 몸을 돈으로 덮는 장면이 됐다. 신화 속 황금이 지폐가 되면서 바그너가 창조한 오페라 세계는 객석과 성큼 가까워졌다. 국립오페라단이 지난달 29일부터 이달 1일까지 서울 예술의전당 오페라극장에서 선보인 ‘라인의 황금’은 욕망이 넘실거리는 무대였다. 바그너를 몰라도 감상하는 데 문제가 없으리라던 연출가 로렌조 피오로니의 호언장담은 허언이 아니었다. 휴식 없이 이어지는 두 시간 반이 쏜살같이 흘렀다. 신들의 이야기를 금권이 지배하는 현대사회로 옮긴 연출이 장대한 서사의 물길을 텄다. ‘라인의 황금’은 네 작품이 하나로 이어지는 바그너의 연작 오페라 ‘니벨룽의 반지’, 이른바 ‘링 사이클’의 출발점이다. 1962년 창단한 국립오페라단이 ‘반지’ 전편 초연 150주년을 맞아 올해부터 2029년까지 완주에 나서는 대장정의 첫 무대이기도 하다. 비극은 ‘사랑을 포기한 자만이 황금으로 세상을 지배할 반지를 만들 수 있다’는 비밀에서 시작된다. 라인강의 세 처녀에게 구애하다 조롱당한 알베리히는 사랑을 저주하고 황금을 훔친다. 신들의 왕 보탄은 거인 형제에게 발할라 성을 짓게 하면서 처제이자 젊음의 여신인 프라이아를 대가로 약속한다. 그러나 성이 완성되자 프라이아 대신 값을 치르려고 알베리히에게서 황금과 반지를 빼앗는다. 반지를 빼앗긴 자의 저주는 새 주인을 따라가고, 반지를 넘겨받은 거인 형제 사이에선 끝내 살인이 벌어진다. 피오로니는 이 약탈의 고리를 현대사회의 계층과 권력 관계로 깔끔하게 풀었다. 멸시받던 알베리히가 부를 움켜쥐어도 더 강한 자가 나타나 빼앗는다. 신들은 1970년대 갱스터 영화 속 범죄 가문이다. 보탄은 회색 체크 양복 차림에 한쪽 눈두덩이 시퍼렇게 멍들었고, 로게는 곱슬 금발 가발에 가죽점퍼를 걸친 해결사다. 거인 형제는 공구 벨트를 찬 장인들이다. 신들의 위엄 대신 거래를 뒤집고 폭력을 휘두르는 절제 없는 욕망의 민낯이 드러났다. 연출가의 새로운 해석을 전면에 내세우는 ‘레지테아터’가 낯선 신화를 읽는 문턱을 낮춘 셈이다. 보는 재미가 두드러진 작품이었다. 무대 바닥은 검은 기름을 뒤집어쓴 듯한 마천루 모형과 쓰레기봉투가 메운 인간 세계였다. 그 위로 떠오른 구조물은 알베리히의 단칸방이 됐다가 덜 지어진 신들의 저택 거실로 바뀌었다. 목재 벽으로 둘러싸인 실내와 앙상한 철제 계단, 도시 모형 사이에 흩어진 쓰레기가 번갈아 눈에 들어오며 부를 향해 치솟는 세계와 그 밑에 쌓인 잔해가 대비를 이뤘다. 무대 양옆의 대형 화면도 장식에 머물지 않았다. 시작부터 알베리히의 거친 피부를 확대해 보여주는 카메라는 인물의 몸을 하나의 풍경으로 만들었다. 등장인물의 동선을 따라가며 객석에서는 볼 수 없는 각도와 공간을 드러내고, 얼굴과 사물을 확대해 장면의 의미를 짚었다. 무대 전체를 보는 눈과 인물에게 바짝 다가가는 눈이 교차하면서 극은 영화 같은 속도감을 얻었다. 다만 신들의 무도함을 경고하는 에르다에게 곰 인형 의상을 입힌 연출은 객석에서 헛웃음을 자아냈다. ‘탐욕은 그만’이라는 팻말을 영상 속은 물론 객석에서까지 흔드는 과잉 연출은 극의 몰입을 깼다. 공들인 미장센은 마지막 장면에서 화려하게 피어났다. 신들이 무지개다리를 건너 새 성으로 들어서는 원작 결말을 피오로니는 검은 옷을 입은 권력자들이 모이는 장례식으로 바꿨다. 샴페인 잔을 들고 희희낙락하는 모습은 파티에 가까웠다. 무대 중앙 계단에 오른 트럼펫 연주자들이 발할라 입성 음악을 울리며 화룡점정을 찍었다. 피오로니는 서면 인터뷰에서 “어쩌면 이것이 권력의 가장 무서운 능력 가운데 하나”라며 “자신이 저지른 범죄를 승리의 이미지로 바꿔버릴 수 있다”고 연출 의도를 설명했다. 시각적 이미지가 강하다 보니 음악은 묻힌 느낌이었지만 로타 쾨닉스가 지휘한 국립심포니오케스트라는 두 시간 반 동안 긴 호흡을 유지했다. 콘트라베이스의 낮은 내림마 음 하나에서 출발해 악기가 차례로 가세하며 거대한 흐름을 이루는 전주곡부터 치밀했다. 니벨룽족의 노동을 새기는 모루의 리듬에서 마지막 장면의 장엄한 울림에 이르기까지 연주는 긴장의 끈을 놓지 않았다. 극을 이끈 건 사무엘 윤이었다. 바그너 극의 명인답게 알베리히를 맡은 그는 “소유한 자는 근심에 시달릴 것이고 갖지 못한 자는 시기심에 갉아 먹히리라”라고 저주를 부르짖으며 살아 있는 감정으로 생생한 인물을 빚었다. 보탄 역 올렉산드르 푸슈냐크는 그만한 카리스마를 뿜어내지 못한 반면 파졸트 류지상, 파프너 김대영, 에르다 이단비는 객석 2층까지 울리는 풍부한 성량으로 감탄을 자아냈다.