쇼팽의 피아노 선율을 타고 마르그리트와 아르망이 숨이 멎을 만큼 아름다우면서도 어려운 2인무를 이어간다. 사랑을 잃은 아르망이 끝내 아버지를 끌어안는 결말에선 객석도 함께 회한에 젖는다. 철부지 귀공자와 화류계 여성의 통속적인 사랑 이야기가 한없이 슬픈 드라마 발레로 다시 태어난다. 지난해 한국 초연에서 드라마 발레의 정수를 보여준 국립발레단 ‘카멜리아 레이디’가 다시 무대에 오른다. 국립발레단은 11월 10∼15일 서울 예술의전당 오페라극장에서 존 노이마이어 안무 ‘카멜리아 레이디’를 7차례 공연한다고 29일 밝혔다. 알렉상드르 뒤마 피스의 소설 ‘춘희’가 원작인 이 작품은 노이마이어가 1978년 독일 슈투트가르트 발레단에서 초연했다. 노이마이어는 줄거리를 시간 순서대로 따라가지 않는다. 막이 오르면 마르그리트는 이미 세상을 떠났고, 그의 유품이 경매에 부쳐진 저택으로 아르망이 뛰어든다. 아르망이 유품 가운데 소설 ‘마농 레스코’를 끌어안고 오열하며 기억을 되짚으면서 무대는 두 사람이 사랑을 나눈 과거로 거슬러 올라간다. 아르망의 회상과 마르그리트의 일기, 극중극으로 끼워 넣은 발레 ‘마농 레스코’가 겹치며 시간과 공간이 교차한다. 사랑과 사치 사이에서 흔들리다 비극적 최후를 맞는 마농은 마르그리트의 운명을 미리 비추는 거울이다. 쇼팽 음악으로만 짜인 무대의 백미는 세 차례의 파드되(2인무)다. 마르그리트의 드레스 색에 따라 퍼플·화이트·블랙 파드되로 불린다. 연주는 마르쿠스 레티넨이 지휘하는 국립심포니오케스트라와 피아니스트 미할 비할크·박종화가 맡는다. 올해는 세 쌍의 마르그리트와 아르망이 무대에 선다. 가장 눈길을 끄는 건 국립발레단이 객원 주역으로 초청한 알리나 코조카루다. 루마니아 출신인 코조카루는 2001년 영국 로열발레단 수석무용수에 올랐다. 노이마이어가 그를 위해 만든 전막 발레 ‘릴리옴’으로 2012년 브누아 드 라 당스를 받으며 발레리나로는 처음 이 상을 두 번 받은 기록을 세웠다. 상대역 아르망은 국립발레단 신예 양준영이 맡는다. 지난해 초연에서 호흡을 맞춘 한나래·곽동현은 12일과 14일 저녁 공연에서 한층 깊어진 서사 연기를 선보인다. 지난해 개막공연에서 조연재와 함께 주역을 맡았던 변성완은 정은지와 새 짝을 이뤄 11일과 14일 낮 공연에 나선다.

드라마 ‘이상한 변호사 우영우’가 이번엔 창작 뮤지컬로 대극장에서 관객을 만난다. 29일 롯데컬처웍스와 제작사 라이브에 따르면 뮤지컬 ‘이상한 변호사 우영우’는 내년 1월 16일부터 2월 6일까지 티켓링크 1975 씨어터에서 공연된다. 원작 드라마는 배우 박은빈이 연기한 자폐 스펙트럼을 가진 신입 변호사 우영우가 자신만의 시선과 방식으로 사건을 해결하며 어엿한 법정 변호사로 성장하는 이야기를 그려 큰 인기를 얻었다. 자폐인 여성을 동정이나 보호 대상으로만 그리지 않고 일하고 사랑하며 선택하는 주체로 내세웠다는 점이 주목받았다. 장애인의 사회 참여를 대중적인 이야기 안으로 끌어들인 모범사례였다. 인지도 낮은 채널에서 방영해서 첫 회 시청률 0.9%에서 출발해 마지막 회 17.5%를 기록하며 전국 유료가구 기준 시청률이 약 19배로 뛰었고 넷플릭스에서도 비영어권 TV 부문 주간 시청시간 1위에 오르며 해외로 인기가 확산했다. 그래서 최근에는 일본판 리메이크 드라마 ‘이상한 변호사 미나미’가 만들어져서 넷플릭스 일본 TV시리즈 부문 1위, 글로벌 비영어권 TV시리즈 부문 5위에 올랐다. 이번 무대는 원작 드라마의 뮤지컬 판권을 확보한 롯데컬처웍스와 글로벌 뮤지컬 제작사 라이브가 공동제작으로 선보인다. 극작에 강병원과 김하진, 작곡에 김혜성, 연출에 김태형, 무대 디자인에 오필영 등이 창작진으로 합류했다. 윤세인 롯데컬처웍스 라이브 사업부문장은 “남들과 다른 속도와 리듬으로 세상을 살아가는 주인공을 통해 공존의 메시지를 담은 특별한 감동이 있는 무대를 만들기 위해 노력하고 있다”고 말했다. 강병원 라이브 대표는 “원작의 따뜻한 시선에 음악과 무대만이 전할 수 있는 감동을 더해, 세계 시장에서도 오래 사랑받을 수 있는 대극장 창작 뮤지컬을 완성하겠다”고 전했다.

1960년 부산. 시인 구상은 4년 전 세상을 떠난 친구 이중섭의 유작전을 준비한다. 흩어진 그림을 모으기도 벅찬데 주변에서는 만류가 끊이지 않는다. 그러던 어느 날 중섭의 환영이 나타난다. 자신의 삶도 그림도 모두 가짜였다며 유작전 준비를 그만두라고 한다. 구상은 친구에게 말한다. “중섭, 너의 찬란한 순간들을 나는 똑똑히 보았다.” ‘국민화가’라는 이름 뒤에 가려진 한 남자의 사랑과 우정을 들여다보는 창작뮤지컬 ‘중섭’이 다음 달 20일 서울 성수아트홀에서 리딩 쇼케이스로 첫선을 보인다. 정식 공연에 앞서 주요 장면과 노래를 85분 분량으로 선보이는 자리다. 이중섭(1916∼1956)은 힘찬 선으로 그린 소와 천진한 아이들로 한국인에게 친숙한 화가다. 전쟁과 가난 속에서도 가족을 향한 사랑과 그리움을 화폭에 담았다. 그림 재료를 구하기 어려울 때는 담뱃갑 속 은박지에 선을 새겨 은지화를 남겼다. 생전에는 가난과 가족과의 이별을 견뎌야 했지만 사후 한국 근대미술을 대표하는 화가로 자리매김했다. 신작은 구상이 친구 유작전을 준비하는 과정을 따라 현실과 환상을 오가며 이중섭의 삶을 되짚는다. 이야기는 1938년 일본 도쿄 문화학원으로 거슬러 올라간다. 중섭은 후배 야마모토 마사코와 사랑에 빠지고 마사코는 결혼 후 ‘남덕’이라는 한국 이름을 얻는다. 그러나 한국전쟁으로 피란길에 오른 가족에게 가난이 닥친다. 결국 남덕과 아이들은 일본으로 떠나고 중섭은 홀로 남아 그림을 그린다. 가족을 향한 그리움이 깊어질수록 은지화도 쌓여간다. 가족과 다시 함께할 날을 꿈꿨던 남편이자 아버지와 그 시간을 그림으로 견딘 예술가가 겹쳐지는 이야기다. ‘중섭’은 뮤지컬 ‘영웅’과 ‘명성황후’ 등의 프로듀서로 활동한 황보성이 “사람들이 국민화가로 추앙하는 이중섭에 대해 얼마나 알고 있을까”라는 질문에서 출발해 6년 전 개발에 착수한 작품이다. 초기부터 해외 진출을 염두에 둔 대극장 창작뮤지컬로 기획했다. 올해 예술경영지원센터가 주최하고 문화체육관광부가 후원하는 ‘대형뮤지컬 낭독공연 지원사업’에 선정됐다. 음악은 영국 작곡가 대런 클라크가 맡았다. 뮤지컬 ‘벤자민 버튼의 기묘한 이야기’로 2025년 올리비에상 음악상을 받은 작곡가다. 한국 뮤지컬 제작진과는 이번에 처음 호흡을 맞춘다. ‘정신병동에도 아침이 와요’와 ‘일라이’의 김수아 작가가 황보성과 함께 극작에 참여했고 ‘물랑루즈!’와 ‘알타보이즈’의 조지선이 연출을 맡았다. 이중섭은 ‘엘리자벳’과 ‘물랑루즈!’ 등에 출연한 박민성이 연기한다. 친구의 흔적을 좇는 구상 역에는 ‘헤이그’와 ‘빨래’의 조상웅이 나선다. 이남덕 역은 뮤지컬 ‘아가사’와 연극 ‘오이디푸스’ 등에 출연한 임강희가 맡는다. 배우 11명과 6인조 연주진이 무대에 오른다. 제작사 타임주식회사는 이번 쇼케이스를 거쳐 국내 본공연을 준비하고 2027년 영국 웨스트엔드에서도 쇼케이스와 공연을 추진할 계획이다.

‘맘마미아!’ ‘시카고’ ‘아이다’ 등으로 국내 뮤지컬 시장을 일군 1세대 프로듀서 박명성 신시컴퍼니 대표가 영국 런던에서 신작을 선보인다. 고대 로마 황제를 소재로 한 뮤지컬 ‘네로’다. 폭군이라는 이름 뒤에 가려진 예술가의 모습을 들여다보며 권력과 욕망, 독재와 대중의 관계를 묻는 작품이다. 토니상 작품상 수상작 ‘스프링 어웨이크닝’의 스티븐 세이터가 극작·작사를 맡고 던컨 시크가 음악을 쓰는 기대작. 신시컴퍼니는 영국 현지에서 개발이 중단됐던 작품에 2022년 메인 프로듀서로 합류했다. 새로운 동력을 확보한 ‘네로’는 오랜 개발 기간을 거쳐 다음 달 2일부터 12월 5일까지 런던 사우스워크 플레이하우스 엘리펀트에서 관객 반응을 살피며 작품을 다듬는 트라이아웃 공연을 펼친다. 박 대표는 29일 세계일보와 서면 인터뷰에서 “제작자는 좋은 결과에만 책임지는 사람이 아니라 작품이 제대로 만들어질 수 있는 시간을 책임지는 사람이라 생각한다”며 한국 프로듀서가 해외 현지 제작에 나선 이유와 ‘네로’ 개발 과정을 설명했다. ―‘네로’는 어떤 작품인가. “고대 로마 황제 네로라는 역사적 인물을 단순히 재현하는 작품이 아니라 권력과 욕망, 독재와 대중, 정치와 선동이라는 보편적인 주제를 현대적인 시각으로 바라보는 작품으로 발전시키고 있다. 오늘날 정치 현실과 연결해 암시적이고 풍자적인 방식으로 표현하고자 한다. 동서양을 불문하고 널리 알려진 역사적 인물 네로를 가지고 만든 이 뮤지컬은 여러모로 매력 있는 작품이다. 네로가 가진 예술가로서의 모습을 발굴해 보여준다는 것 역시 흥미롭게 다가왔다. 권력과 욕망, 인간의 불안과 고독은 2000년 전 로마에만 머무른 주제가 아니라 지금 이 시대에도 맞닿을 수 있는 보편적인 질문이라 생각했다. 그 믿음이 지금까지 이 작품을 끌고 온 가장 큰 힘이 아닐까 한다.” ―해외 현지에서 작품을 만들려는 이유는 무엇인가. “한국 뮤지컬 시장은 지난 20∼30년 동안 굉장히 빠르게 성장했다. 해외 라이선스 작품을 받아 공연하는 단계에서 시작해 이제는 한국 제작사들이 스스로 작품을 기획하고 창작하며 해외 시장을 바라볼 수 있는 인력과 기술, 경험을 갖추게 됐다. 오랫동안 쌓여온 경험이 자연스럽게 다음 단계로 연결되고 있는 것이라 느낀다. 나 역시 오랫동안 공연을 제작하며 늘 한 가지 궁금증을 가지고 있었다. ‘우리가 만든 작품이 한국이라는 시장을 넘어 다른 문화권 관객에게도 같은 감정을 전달할 수 있을까.’ 결국 그것을 확인하려면 그 시장에 직접 들어가야 한다. 한국적인 작품뿐 아니라 다양한 장르의 뮤지컬 작품들을 창작하고 끊임없이 국제 시장에 문을 두드려야 한다.” ―한국에서 먼저 공연한 후 해외에 나가는 경로를 선택하지 않은 이유는 무엇인가. “사실 ‘네로’를 한국에서 먼저 공연한 후 번역해 해외에 가져가는 방식도 가능했을 것이다. 하지만 처음부터 영어권 관객과 글로벌 시장을 염두에 두고 개발하려면 한국에서 완성된 작품을 영어로 번안하기보다 처음부터 그 언어와 문화 안에서 인물과 대사, 음악을 만들어가는 것이 더 자연스럽다고 판단했다. 창작진을 구성하는 과정은 결코 쉽지 않았다. 처음부터 해외에서 활동하고 있는 한국인 창작자들까지 포함한 여러 가능성을 고민했다. 결국 지금은 모든 창작자의 의견을 최대한 존중하면서 팀을 구성했다고 자부할 수 있다. 한 가지 문화와 시각에 국한되지 않는 다양한 배경과 경험, 국적을 가진 사람들이 함께할 수 있는 팀을 만들기 위해 노력했다. 분명 이런 서로 다른 경험과 시각이 작품에 새로운 에너지를 더해줬을 것이다.” ―트라이아웃을 눈앞에 둔 현재 개발 과정은 어떻게 진행되고 있나. “현재 ‘네로’는 완성된 공연이 아닌 작품 자체를 만들어가는 트라이아웃 단계다. 대본과 음악이 매일같이 바뀌고 있다. 연출가와 작가, 작곡가가 한자리에 모여 논의하고 저녁에 새로운 장면이나 음악을 가지고 와 시연하고 있다. 다음 날 배우들과 만나면 그 자리에서 또 수정이 이어진다. ‘네로’는 2022년부터 뉴욕과 런던에서 여섯 차례 워크숍과 쇼케이스를 거치며 개발해왔다. 나는 제작자가 좋은 결과에만 책임지는 사람이 아니라 작품이 제대로 만들어질 수 있는 시간을 책임지는 사람이라 생각한다. 트라이아웃 공연까지 오는 데만도 많은 인내와 끈기가 필요했다.” ―대극장을 목표로 하는 작품을 310석 극장에서 먼저 선보이는 이유는. “‘네로’는 분명 대극장을 목표로 하고 있는 작품이 맞다. 음악 규모와 이야기 구조, 무대적으로 확장할 수 있는 가능성을 생각하면 궁극적으로 대극장에서 완성돼야 할 작품이다. 하지만 대극장에 어울리는 작품이라고 해서 처음부터 대극장에서 시작해야 하는 것은 아니다. 지금은 얼마나 많은 좌석을 채울지 고민하는 단계가 아니라 관객이 누구에게 공감하는지 확인해 음악 편곡을 결정하고 덜어낼 미흡한 장면이 무엇인지 확인하는 단계다. 그런 의미에서 310석 규모 극장은 오히려 장점이 많다. 작은 무대인 만큼 관객들은 작품 속 장면에 더 크게 충격받고 더 크게 감동하기에 이야기를 더 쉽게 전달할 수 있다. 현지 관객뿐 아니라 공연 관계자나 평론가들이 쉽게 작품을 접할 수 있다는 점도 중요하게 봤다. 이번 트라이아웃의 목표는 성공을 선언하는 것이 아니다. 무엇이 부족한지 정확히 발견하는 것이다. 나는 그것이 작품을 더 크게 만들기 위해 반드시 필요한 과정이라 생각한다.”

바이올리니스트 권혁주는 2016년 10월 서른한 살에 세상을 떠났다. 독주와 협연뿐 아니라 동료들과 호흡을 나누는 실내악에도 열정을 쏟았던 연주자의 갑작스러운 죽음은 클래식 음악계에 큰 슬픔이 됐다. 그가 중심이 돼 2012년 결성한 ‘칼라치 콰르텟’은 남은 동료들과 새 멤버가 함께하며 무대를 이어가고 있다. 칼라치 콰르텟이 내년 1월 10일 서울 예술의전당 IBK기업은행챔버홀에서 신년무대를 연다. 바이올리니스트 장유진·박규민과 비올리스트 이한나·첼리스트 심준호가 슈베르트와 에르빈 슐호프·브리튼의 현악사중주 작품을 들려준다. ‘칼라치’는 아름다움을 뜻하는 그리스어 ‘칼론’과 끈을 뜻하는 이탈리아어 ‘라치’를 합쳐진 이름이다. 권혁주를 잃은 뒤 2023년 박규민이 정식 멤버로 합류하면서 지금의 네 연주자가 호흡을 맞추게 됐다. 이들이 쌓아온 연주 이력에는 긴 호흡을 요구하는 전곡 탐구가 자리한다. 2015년 쇼스타코비치 현악사중주 전곡 연주에 도전했고 2017∼2018년에는 베토벤 현악사중주 전곡을 선보였다. 이번 공연에서는 슈베르트 ‘현악사중주 10번’과 슐호프 ‘현악사중주를 위한 5개의 소품’에 이어 브리튼 ‘현악사중주 2번’을 연주한다. 특히 슐호프 작품은 빈 왈츠와 세레나데·체코 춤·탱고·타란텔라를 차례로 펼쳐 보인다. 같은 네 대의 현악기가 서로 다른 춤의 리듬과 성격을 어떻게 살려내는지 귀 기울일 만하다. 시대와 어법이 다른 세 작곡가를 오가며 네 연주자가 만들어낼 음색과 호흡도 관전 포인트다.

한국예술종합학교 전통예술원은 11월 5일 국립국악원 우면당에서 양금앙상블 발표회 ‘양금의 세계 : 전통과 현대’를 연다. 전통예술원은 1998년 악(樂)·가(歌)·무(舞) 중심의 전통예술을 학문적으로 연구하고 공연 역량을 극대화하여 새로운 시대에 적응할 수 있는 전문 인재를 길러내기 위해 개원했다. 한국 전통예술의 특성에 맞게 종합공연예술을 지향하도록 설계되어 음악과, 한국음악작곡과, 연희과, 무용과, 한국예술학과가 공존하며 다양한 통합교과적 수업을 통해 시너지 효과를 창출하고 있다. 이번 양금앙상블 발표회는 중국 개량 양금을 활용하여 우리 전통 국악은 물론 세계 각국의 음악을 다채롭게 선보이는 자리다. 중국 국가 1급 양금 연주자인 거장 텐웨이닝(田伟宁)을 초빙해 무대의 깊이를 더한다. 한국예술종합학교 전통예술원 재학생 및 졸업생들이 텐웨이닝과 함께 연주에 참여하여 양금의 무한한 연주 영역과 다양한 연주 기법을 선보일 예정이다. 이번 무대에서는 전통과 현대를 아우르는 총 11곡이 연주된다. ‘농촌의 아침’, ‘아리랑 환상곡’, ‘방아타령’ 등 정겨운 우리 선율을 비롯해 창작곡 ‘시르실’, ‘아름다운 아프리카’, 판소리 바탕의 ‘박타령’이 무대에 오른다. 이어 텐웨이닝의 독주곡 ‘소군원’과 앙상블곡 ‘용선’, 루마니아 민요 ‘종달새’ 등 세계 음악 레퍼토리가 이어진다. ‘경복궁 타령과 옹헤야’와 피날레 ‘아리랑과 화호월원(花好月圓)’으로 고전과 창작의 경계를 허무는 화려한 무대를 완성한다. 류경화 전통예술원장은 “이번 연주회가 한국음악과 중국음악, 전통곡과 창작곡을 이해하는 데 조금이나마 도움이 되기를 바란다”며 “양금의 현 끝에서 피어나는 맑고 깊은 공명이 관객 여러분의 마음에 오래도록 잊히지 않는 감동으로 머물길 기원한다”고 밝혔다. 연주회를 기획하고 학생들을 지도한 이은주 교수는 "이번 연주회 역시 중국 개량 양금을 이용하여 국악 및 세계 각국의 음악을 연주 소개하는 시간"이라며 "오늘 음악회가 한국음악과 중국음악, 전통곡과 창작곡을 이해하는 데 조금이나마 도움이 되었으면 한다"고 밝혔다.

“바그너에 관해 들어보셨을 법한 이야기는 모두 잊으십시오! 어렵다거나 복잡하다거나 전문가들만을 위한 것이라는 이야기 말입니다.… 극장에 오기 전에 바그너를 이해할 필요는 없습니다. 그저 그에게 마음을 열고 몸을 맡기시면 됩니다!” ‘라인의 황금’에서 ‘발퀴레’와 ‘지크프리트’를 거쳐 ‘신들의 황혼’까지. 연주시간만 약 15시간에 이르는 네 작품이 하나의 거대한 이야기로 이어진다. 바그너가 26년에 걸쳐 완성한 연작 오페라 ‘니벨룽의 반지’, 이른바 ‘링 사이클’이다. 국립오페라단이 올해부터 2029년까지 4년에 걸쳐 전편을 무대에 올린다. 방대한 음악을 소화할 성악가와 오케스트라부터 신화 속 세계를 구현할 무대까지 제작 역량을 총동원해야 하는 대장정이다. 그 첫 무대 ‘라인의 황금’을 만드는 이는 지난해 ‘세 개의 오렌지에 대한 사랑’에서 발칙한 상상력을 펼친 연출가 로렌조 피오로니. 이 명민한 연출가는 27일 세계일보와 서면 인터뷰에서 “‘니벨룽의 반지’는 공연예술 역사상 가장 대담한 모험 가운데 하나”라며 “한국 관객이 낯설다고 여겼던 인물들에게서 문득 자기 자신을 발견하기를 바란다. 그들을 보며 웃고 그들과 함께 고통스러워하며 아마 그들에게 섬뜩함도 느끼기를 바란다”고 말했다. 다음은 공연을 앞두고 서면으로 진행한 피오로니와 일문일답. ―국립오페라단의 링 사이클 도전 첫 무대를 맡았다. 당신에게도 각별한 의미가 있나. “바그너가 무대에 올리고자 한 것은 다름 아닌 온 세상이었다. 그 아름다움과 잔혹함, 갈망과 재앙까지 말이다. 말하자면 그는 문명 전체의 해부도를 음악으로 그려내려 했다. 이런 작업을 서울에서 시작한다는 것은 특별한 일이다. 우리가 들려주는 것은 머나먼 독일의 신화가 아니라 우리 인간의 꿈과 두려움, 사랑과 권력을 향한 굶주림에 관한 이야기다. 바그너의 신들은 게르만식 이름을 지녔을지 몰라도 그들이 품은 모순은 지극히 인간적이다. 어쩌면 우리가 인정하고 싶은 것보다 훨씬 더 우리와 가깝다. 내게 정말 가슴 뛰는 일은 바그너를 한국에 데려오는 것이 아니라 이곳에서 그를 새롭게 살아 숨 쉬게 하는 것이다.” ―바그너를 잘 모르는 관객에게 이 공연의 매력을 설명한다면. “‘라인의 황금’은 환상적인 범죄영화이자 신랄하기 짝이 없는 가족 코미디이며 심리 스릴러인 동시에 거대한 모험담이다. 한 외로운 남자가 사랑받기를 원하다 범죄자가 된다. 막강한 지배자는 자기 형편으로 감당할 수도 없는 궁전을 짓게 한다. 두 형제는 돈 때문에 다투다 한 사람이 다른 사람을 때려죽인다. 모두가 자신에게 권력과 행복을 가져다주리라 믿는 신비로운 반지를 뒤쫓는다. 흥미진진하면서도 때로는 거의 기괴할 정도로 우스꽝스럽다. 전능하다는 이 신들이 이따금 완전히 망가진 가족처럼 행동한다. 여기에 압도적인 음악이 더해진다. 바그너는 인물들이 입 밖에 내는 말만 작곡하는 것이 아니다. 그들이 말하지 않고 감추는 것까지 작곡한다. 이번 연출은 강렬한 이미지와 유머, 풍부한 감각적 표현과 영화 기법을 활용해 이 세계에 생명을 불어넣으려 한다.” 북유럽 신화와 게르만 서사시를 바탕으로 한 ‘니벨룽의 반지’에서 ‘라인의 황금’은 비극이 시작되는 서막이다. 라인강 처녀들에게 구애하다 조롱당한 난쟁이 알베리히는 사랑을 포기한 자만이 황금으로 세상을 지배할 반지를 만들 수 있다는 비밀을 듣는다. 그는 사랑을 저주하고 황금을 훔쳐 반지를 만든다. 한편 신들의 왕 보탄은 거인 형제에게 발할라 성을 짓게 하면서 처제이자 젊음의 여신인 프라이아를 대가로 약속한다. 성이 완성되자 보탄은 프라이아 대신 넘길 황금과 반지를 알베리히에게서 빼앗는다. 이에 알베리히는 반지를 차지하는 자에게 불행과 죽음이 닥치리라는 저주를 내린다. ―연출노트 제목이 ‘세상은 얼마인가’다. 이 작품의 본질은 무엇인가. “내가 붙들고 있는 것은 섬뜩할 만큼 단순한 질문이다. 모든 것에 가격이 매겨지는 세상에는 무슨 일이 일어날까. 사랑에도, 인간의 몸에도, 심지어 생명에도 가격이 매겨진다면 말이다. 알베리히는 사랑받고 싶어 한다. 그것이 뜻대로 되지 않자 대신 세상을 지배하려 한다. 보탄은 가족에게 빛나는 미래를 지어주고 싶어 하며 이를 위해 다른 사람들을 기꺼이 희생시키려 한다. 두 사람 모두 권력을 행복으로 착각한다. 마음속 결핍을 무언가 소유하는 것으로 메울 수 있다고 믿는다. 황금은 이 사람 손에서 저 사람 손으로 옮겨가고 그때마다 불행은 커진다. 사회 전체를 감염시키는 바이러스처럼 작용한다. 보탄과 알베리히는 섬뜩할 만큼 닮았다. 한 사람은 위에서 지배하고 다른 사람은 아래에서 올라온다. 둘 다 더 높은 곳으로 올라가려 하면서 인간성을 잃어버린다. 어쩌면 이것이 ‘반지’의 진정한 비극일 것이다. 모든 것을 돈으로 살 수 있게 된 사회는 어느 순간 가치와 가격을 구별하는 능력을 잃어버린다. 이것은 먼 과거의 이야기가 아니다. 바로 우리의 현재다.” ―당신은 “바그너가 4분 남짓한 전주곡으로 세상을 창조했다”고 썼다. 그런데 이번 무대는 라인강 대신 방 안에 홀로 있는 알베리히로 시작한다. 어떤 의도인가. “바그너는 단 하나의 음으로 온 세상을 창조한다. 더없이 시적인 발상이다. 나는 이 세계가 바깥이 아니라 한 인간의 내면에서 생겨난다면 어떨까 생각했다. 그래서 허름한 방에 있는 외로운 남자 알베리히로 시작한다. 자기 자신 말고는 더 이상 가진 것이 없는 사람이다. 카메라가 그의 몸을 관찰한다. 피부가 거대하게 확대되고 흉터는 산맥으로, 체모는 숲으로, 피부 주름은 강이 흐르는 풍경으로 바뀐다. 한 외로운 인간의 피부에서 라인강 바닥이 생겨난다. 그러고 나서 삶의 기쁨과 재치, 에너지가 넘치는 라인의 처녀들이 등장한다. 이들에게는 알베리히가 잃어버린 것이 있다. 바로 가벼움이다. 그는 그들의 육체뿐 아니라 살아가는 방식까지 갈망한다. 그것을 얻는 데 실패하자 갈망은 폭력으로 변한다. 카메라는 단순한 기술적 수단 이상이다. 아주 작은 인간을 거인으로 만들 수도 있고 막강한 지배자가 실은 보잘것없고 초라한 사내임을 폭로할 수도 있다. 어떤 시점에서 보여주느냐가 곧 권력이기 때문이다. 바그너는 어떤 의미에서는 이미 영화인이었다고 생각한다. 그의 음악은 회상과 복선, 시점 전환을 활용한다. 오케스트라는 때로 무대 위 인물들보다 더 많은 것을 알고 있다. 바그너의 오케스트라는 어쩌면 오페라 역사상 최초의 보이지 않는 카메라일 것이다. 우리는 그것을 보이게 만드는 것이다.” 바그너는 특정 인물이나 사물, 생각과 연결된 짧은 선율을 반복하고 변형해 이야기를 이어간다. 인물이 말로 밝히지 않은 속내나 과거 사건을 관객은 음악을 통해 짐작할 수 있다. 피오로니가 오케스트라를 ‘보이지 않는 카메라’에 빗댄 이유다. 이번 공연은 로타 쾨닉스가 지휘하고 국립심포니오케스트라가 연주한다. 보탄 역은 올렉산드르 푸슈냐크와 이상민이, 알베리히 역은 사무엘 윤과 양준모가 번갈아 맡는다. 프라이아는 다니엘라 쾰러·임세경이, 보탄의 아내 프리카는 김선정·양송미가 연기한다. 무대 위 카메라는 성악가들의 미세한 표정과 몸짓까지 스크린으로 옮긴다. ―성악가들에게 특히 강조하거나 세밀하게 주문한 연기가 있나. “무대에서 신화 속 기념비 같은 존재들을 보고 싶지 않다. 모순과 약점, 갈망을 품고 때로는 끔찍한 결정을 내리는 인간을 보고 싶다. 알베리히는 단순한 악당이 아니다. 무엇보다 어딘가에 속하고 싶어 절박하게 애쓰는 인간이다. 관객이 앞에서는 그를 혐오했을지라도 뒤에 가서는 문득 연민을 느끼게 되기를 바란다. 보탄 역시 양심 없는 도박꾼이자 상습적인 거짓말쟁이이기만 한 것은 아니다. 그저 음흉한 폭군도 아니다. 그에게는 매력과 재치, 사람을 끌어당기는 힘이 있어야 한다. 사람들이 왜 그를 따르는지 이해할 수 있어야 한다. 바로 그 점이 그를 위험하게 만든다. 프리카는 결코 잔소리하는 아내가 아니다. 어쩌면 그 집안에서 가장 영리한 사람이다. 다가오는 재앙을 내다보지만 아무도 그녀의 말을 듣지 않는다. 특히 관심을 두는 것은 인물이 입으로 주장하는 것과 마음속으로 느끼는 것이 다른 짧은 순간들이다. 미소가 위협을 감출 때. 강한 모습을 보이려는 몸짓 뒤로 문득 두려움이 드러날 때다. 카메라가 얼굴에 가까이 다가가면 미세한 눈길 하나가 큰 몸짓보다 더 많은 이야기를 전할 수 있다. 성악가들에게 이렇게 말한다. ‘인물이 무엇을 의미하는지 연기하지 마세요. 그 인물의 비밀을 연기하세요. 그들이 감추고 싶어 하는 것을요.’ 내게 진정한 연극은 바로 거기서 시작된다.” ―원작은 신들의 의기양양한 발할라 입성으로 끝난다. 이를 장례식으로 바꾼 이유는 무엇인가. “이 신들의 승리를 믿어서는 안 된다. 로게는 이 결말을 지켜보며 더 날카롭게 말한다. ‘자신들의 존속이 그토록 굳건하다고 믿는 자들이 제 종말을 향해 서둘러 가는구나. 저들과 어울려 일한다는 것이 거의 부끄러울 지경이다!’ 마지막에 압도적인 음악이 울려 퍼지고 무지개가 나타난다. 보탄은 가족과 함께 새 성에 들어선다. 모든 것이 멋져 보인다. 하지만 그 전에 무슨 일이 벌어졌는가. 사람들은 속임을 당하고 모욕당하고 약탈당하고 죽임을 당했다. 한 여성은 지불 수단으로 흥정의 대상이 됐다. 한 형제는 자기 형제를 때려죽였다. 그런데도 이제 축하를 하자는 것인가. 어쩌면 이것이 권력의 가장 무서운 능력 가운데 하나일 것이다. 자신이 저지른 범죄를 승리의 이미지로 바꿔버릴 수 있다는 것 말이다. 이번 무대에서는 성대하고 화려한 장례식을 통해 그렇게 한다. 정확히 누구를 매장하는지는 의도적으로 열어두려 한다. 단서 하나를 슬쩍 넣어두기는 했다. 신들의 일족이 ‘승리’하는 순간 이미 시작되고 있는 몰락과 쇠락을 보여주는 것일까. ‘라인의 황금’의 이 결말에는 사실상 ‘신들의 황혼’의 마지막을 암시하는 단서가 이미 들어 있는 것일까. 권력이 언제나 범죄 위에 세워진다면 여기서 무덤에 묻히는 것은 인간성일까. 시정(詩情)일까. 권세 있는 한 가문이 모여 조의를 표하고 악수한다. 이 일족의 마피아적 구조가 드러난다. 보탄 역시 일종의 마피아 대부다. 가족에게 보호와 안전을 약속하지만 그 대가로 절대적인 복종을 요구한다. 발할라는 그의 요새이자 외부인의 출입을 막은 전용 주거단지다. 이 사회는 우아한 검은 정장을 입고 시체를 밟고 넘어간다. 끔찍한 것은 권력자들이 어쩌면 진심으로 애도하고 있을지도 모른다는 점이다. 하지만 바로 다음 순간 그들은 이전과 똑같이 행동한다. 그리고 우리는 다시 라인의 처녀들 목소리를 듣는다. 어쩌면 바그너의 세계에서 여전히 진실을 말하는 존재는 죽은 자들뿐일지도 모른다.” ―어떤 오페라연출가는 바그너가 본질적으로 연극인이라 ‘링’ 연출이 모차르트 오페라보다 오히려 쉽다고 했다. 동의하나. ‘라인의 황금’만의 연출하는 재미와 어려움은 무엇인가. “바그너가 엄청난 규모로 미래의 연극을 꿈꾼 선구자였다는 데는 의문의 여지가 없다. 하지만 그렇다고 모차르트보다 연출하기 쉽다는 것일까. 꽤나 무리한 주장이다. 바그너가 그토록 어려운 것은 바로 그의 음악 안에 이미 믿기 어려울 만큼 많은 연극이 담겨 있기 때문이다. 오케스트라는 기억하고 반박하며 미래를 예감한다. 때로는 무대 위 인물들보다 더 많은 것을 알고 있다. 말하자면 바그너는 장면 전환과 회상, 클로즈업을 작곡한다. 무엇보다 모순을 작곡한다. 인물이 자신의 결백을 우리에게 납득시키려 애쓰는 동안 음악은 그 인물의 실체를 폭로할 수 있다. 바그너는 우리가 그저 바라볼 수 있는 세계를 만들지 않는다. 바라보면서 의심하게 되는 세계를 만든다. ‘라인의 황금’은 끊임없이 장르를 바꾼다. 거의 실험적인 설치미술처럼 시작했다가 에로틱한 코미디가 되고 스릴러로, 신랄한 가족 서사로, 마침내 비극으로 바뀐다. 나는 그 점을 사랑한다. 그래서 우리 무대도 쉼 없이 변한다. 골판지 상자와 쓰레기에서 거대한 도시가 생겨난다. 작은 인간들이 카메라를 통해 괴물이 된다. 알베리히는 고질라가 되는 꿈을 꾸지만 동시에 우리는 그가 자기 형제와 함께 쓰레기 속을 기어 다니는 모습을 본다. 우스우면서도 상당히 비극적이다. 가장 큰 도전은 이 엄청난 음악적·시각적 상상력을 인간을 아주 정밀하게 그려내는 연극과 결합하는 데 있다. 우리는 끊임없이 실제 자신보다 더 큰 존재가 되려 애쓰다가 오히려 섬뜩할 만큼 작아지는 사람들에 관한 이야기를 들려주고 있다. 공연이 끝났을 때 관객들이 무엇보다 한 가지를 원하게 되기를 바란다. 이 이야기가 다음에는 어떻게 이어지는지 반드시 알고 싶다고 말이다.” 서울 예술의전당 오페라극장에서 10월 29일부터 11월 1일까지.

약 200년 전 조선 왕실에서 열린 잔치가 창덕궁 후원에서 전통춤과 음악으로 되살아난다. 국가유산청 궁능유적본부는 한국예술종합학교 무용원 부설 세계민족무용연구소와 함께 다음 달 3~4일 오전 11시 창덕궁 후원 연경당에서 ‘조선 순조 무자년 연경당 진작례’ 공연을 개최한다고 27일 밝혔다. 진작례(進爵禮)는 왕실의 특별한 날에 신하들이 임금에게 술과 음식을 올리고 예를 표하던 의식이다. 이번 공연은 1828년 음력 6월 효명세자가 어머니 순원왕후의 40세 생일을 축하하기 위해 연경당에서 열었던 왕실 잔치를 재현한다. 공연은 당시 행사를 기록한 ‘순조무자진작의궤(純祖戊子進爵儀軌)’를 바탕으로 궁중 의례와 전통춤, 음악, 복식 등을 고증해 복원했다. 관람객들은 조선 왕실 잔치의 형식과 분위기를 오늘날의 궁궐 공간에서 만나볼 수 있다. 무대에서는 꽃 사이를 날아다니는 나비의 모습을 표현한 ‘박접무’와 나라의 태평성대를 기원하는 ‘춘광호’ 등 궁중춤이 펼쳐진다. 전통춤과 음악, 복식이 어우러져 당시 왕실 연향의 예술적 면모를 보여줄 예정이다. 공연은 창덕궁 후원 관람객이라면 누구나 관람할 수 있다. 별도의 공연 관람료는 없지만 후원 입장료는 따로 내야 한다.

연주자 전원이 발달장애인으로 구성된 하트하트오케스트라가 창단 20주년을 맞아 세계적인 지휘자 얍 판 츠베덴과 함께 기념 무대를 꾸민다. 20년 전 음악을 배우던 청소년들은 이제 자신의 음악으로 관객과 소통하는 전문 연주자로 성장했다. 하트하트재단은 오는 11월 24일 오후 7시30분 서울 예술의전당 콘서트홀에서 ‘하트하트오케스트라 창단 20주년 기념음악회’를 개최한다고 밝혔다. 서울시립교향악단 음악감독인 얍 판 츠베덴이 특별지휘자로 참여하며, 베토벤 교향곡 제9번 ‘합창’으로 공연의 대미를 장식한다. 2006년 창단한 하트하트오케스트라는 발달장애인 연주자들이 함께 음악을 배우고 무대에 서며 전문성을 쌓아온 오케스트라다. 지난 20년간 국내외에서 약 1400회 공연했고, 7개국 20개 도시의 해외 무대에 올랐다. 지금까지 만난 관객은 약 20만명에 이른다. 이번 공연은 단순한 창단 기념을 넘어 발달장애 연주자들이 꾸준한 연습과 공연을 통해 전문 예술가로 성장해 온 시간을 돌아보는 자리다. 창단 당시 중·고등학생이었던 단원들 가운데 일부는 20년 동안 오케스트라와 함께하며 지금도 무대에 서고 있다. 음악을 배우는 데서 출발한 도전이 전문 연주자로서 자신의 삶을 꾸려가는 과정으로 이어진 것이다. 예술활동을 안정적인 일자리로 연결하려는 시도도 이어지고 있다. 하트하트재단은 2025년 발달장애인 문화예술 전문기업 하트하트아트앤컬처를 출범시켰다. 현재 이곳에는 오케스트라 연주단원 40명과 하트하트아트그룹 미술작가 22명 등 발달장애 예술가 62명이 정규직으로 고용돼 있다. 예술적 역량을 키우는 데 그치지 않고, 이를 지속 가능한 직업으로 이어갈 수 있는 기반을 마련한 것이다. 이번 공연에서 얍 판 츠베덴은 모차르트 오페라 ‘마술피리’ 서곡을 지휘한다. 이들의 인연은 2024년 시작됐다. 파리 패럴림픽 문화행사 특별공연을 위해 유럽 투어에 나섰던 하트하트오케스트라가 네덜란드 파파게노 하우스에서 음악회를 열었고, 이 자리에서 얍 판 츠베덴 부부와 만났다. 자폐 아동과 가족을 지원하는 파파게노 재단을 설립한 얍 판 츠베덴은 당시 하트하트오케스트라와 함께 무대에 설 기회를 만들고 싶다는 뜻을 전했다. 그 약속이 2년 뒤 20주년 기념음악회에서 실현되는 셈이다. 이후 하트하트오케스트라 상임지휘자 안두현의 지휘로 몬티의 ‘차르다시’와 오토 니콜라이의 오페라 ‘윈저의 즐거운 아낙네들’ 서곡을 들려준다. 마지막 곡인 베토벤 교향곡 제9번 4악장 ‘합창’에는 소프라노 홍혜란, 메조소프라노 김효나, 테너 최원희, 바리톤 이동환과 KNUA콘서트콰이어, 노이오페라코러스가 함께한다. 얍 판 츠베덴은 뉴욕 필하모닉과 홍콩 필하모닉 상임지휘자를 지냈으며, 2024년부터 서울시립교향악단 음악감독으로 활동하고 있다. 1997년에는 아내 알트예와 함께 파파게노 재단을 설립해 자폐 아동과 가족을 위한 음악치료 및 지역사회 지원 프로그램을 펼쳐왔다. 오지철 하트하트재단 회장은 “20년 전 작은 울림에서 시작된 하트하트오케스트라가 이제 세계에 내놓아도 자랑스러운 성숙한 전문 예술단체로 성장했다”며 “이번 무대가 장애와 비장애의 경계를 넘어 모두가 음악으로 하나 되는 자리가 되길 바란다”고 말했다. 장진아 하트하트아트앤컬처 대표는 “발달장애 청소년들이 음악을 통해 자신의 가능성을 발견하고 전문 연주자이자 직업인으로 성장해 온 시간”이라며 “앞으로도 발달장애 예술가들이 자신의 예술을 지속 가능한 직업으로 이어갈 수 있는 환경을 만들어 가겠다”고 밝혔다.

피아니스트 조성진과 빈 필하모닉. 더 이상 설명할 필요 없는 최상의 조합으로 만들어진 무대가 25일 서울 예술의전당 콘서트홀에서 열렸다. 투간 소키에프의 지휘로 선보인 베토벤 피아노 협주곡 제4번과 브람스 교향곡 제2번은 밀도 높은 연주와 긴밀한 호흡으로 그 기대에 답했다. 조성진과 빈필의 협연에서는 베토벤 음악 고유의 격정과 논리, 그 안에 깃든 서정이 선명하게 드러났다. 피아노가 홀로 말을 건네며 시작하는 이 협주곡에서 조성진은 정교한 컨트롤과 기교를 바탕으로 빈필과 긴밀한 대화를 이어갔다. 1악장부터 독주와 합주가 서로의 말을 받아 음악의 흐름을 함께 만들어갔다. 독주의 명료함을 유지하면서도 악단과 호흡을 나누는 모습이 인상적이었다. 특히 2악장에서는 빈필 현악의 단호한 도입과 조성진의 조용한 응답이 깊은 여운을 남겼다. 현악과 피아노의 대비 속에서 조성진이 지닌 서정의 깊이가 더욱 또렷하게 드러났다. 협주곡이 끝난 뒤 조성진은 쇼팽의 왈츠 두 곡을 앙코르로 연주했다. 2부에서 연주한 브람스 교향곡 제2번은 1877년 빈필이 세계 초연한 작품이다. 이날도 빈필 특유의 황금빛 사운드를 만끽할 수 있었다. 1악장부터 밀도 높고 중량감 있는 현악의 울림이 파도처럼 객석에 밀려왔다. 소키에프는 악기군 사이의 균형과 다이내믹을 세심하게 조율해 오케스트라의 소리에 입체감을 더했다. 악기들이 빚어내는 조화가 훌륭했고, 금관의 여유에서는 정상급 악단의 역량을 실감했다. 4악장 피날레에서는 마침내 빈필의 소리가 폭포수처럼 쏟아졌다. 앞선 악장들에서 쌓아온 에너지가 눈부신 해방감으로 이어지는 순간이었다. 음악평론가 이상권은 “소키에프는 유연한 완급 조절로 브람스 교향곡 2번의 고전적인 형식을 유지하면서도 낭만성을 적절히 부여했다”며 “서정적인 순간을 오래 음미하면서도 종결은 단호하게 이끄는 등, 각 대목에 부여한 비중에서 지휘자가 추구한 비례미와 해석적 관점이 선명하게 드러났다”고 말했다. 쏟아지는 갈채에 소키에프와 악단은 세 곡의 앙코르로 화답했다. 요제프 슈트라우스의 ‘델리리엔 왈츠(Delirien)’에 이어 같은 작곡가의 ‘요쿠스 폴카(Jocus-Polka)’, 요한 슈트라우스 2세의 ‘헝가리 만세!’를 들려줬다. 풍성한 왈츠에서 빠른 폴카 두 곡으로 이어지는 앙코르는 그 자체로 작은 축제였다. 2027년 빈필 신년음악회의 지휘를 맡을 소키에프가 이끄는 무대여서, 다가올 신년음악회를 미리 만나는 듯했다. 소키에프가 빈필과 처음 호흡을 맞춘 곳도 2009년 예술의전당 콘서트홀이었다는 점에서 더욱 특별한 무대였다.