천년의 역사를 지닌 국보 성덕대왕신종(에밀레종)을 눈으로 보는 데 그치지 않고 ‘소리’로 경험할 수 있는 공연이 열린다. 종의 탄생과 고유한 울림, 종에 담긴 사람들의 염원을 음악과 영상, 무대예술로 풀어낸 기획공연을 선보인다. 국립박물관문화재단은 오는 10월 31일부터 11월 1일까지 국립중앙박물관 극장 용에서 기획공연 ‘소리: 성덕대왕신종’을 개최한다고 14일 밝혔다. 이번 공연은 우리나라를 대표하는 국보 성덕대왕신종을 ‘소리’의 관점에서 새롭게 조명하는 무대다. 신종이 만들어지는 과정부터 고유의 울림, 종에 담긴 사람들의 염원까지 생황·양금·목소리를 중심으로 음악과 영상, 무대예술을 결합해 표현한다. 특히 문화유산을 눈으로 바라보는 데 그치지 않고 ‘듣고 경험하는 문화유산’으로 확장한다는 데 의미가 있다. 관객들은 공연을 통해 성덕대왕신종이 품은 천년의 역사와 이야기를 오늘의 감각으로 경험할 수 있다. 공연은 성덕대왕신종을 둘러싼 세 가지 숫자를 모티프로 총 3부에 걸쳐 진행된다. 신종의 조형적 비례를 상징하는 ‘√2’, 깊고 낮은 울림을 보여주는 ‘64Hz’, 신종이 완성된 해인 ‘771년’이 각각 종의 ‘탄생·울림·염원’을 상징한다. 1부에서는 성덕대왕신종이 하나의 거대한 형상으로 완성되기까지의 시간을 담는다. 흙으로 틀을 만들고 불을 일으켜 쇠를 녹이는 장인의 작업부터 용뉴와 종신, 연꽃과 비천 문양이 완성되는 과정까지를 음악적으로 재해석한다. 흙과 불, 쇠가 긴 시간을 거쳐 하나의 종으로 완성되고 첫 울림을 앞둔 고요한 순간까지를 표현한다. 2부에서는 완성된 종에서 ‘소리’가 태어나는 순간을 그린다. 종을 타격하며 시작된 진동이 금속을 따라 퍼지고 공기와 만나 깊고 긴 울림으로 이어지는 과정을 음악적 언어로 표현한다. 생황의 호흡에서 시작된 소리는 양금의 금속성 울림과 만나고, 서로 다른 음색이 겹쳐지며 성덕대왕신종의 공명과 진동을 새로운 음악으로 확장한다. 3부에서는 신종이 완성된 771년에서 출발해 그 안에 담긴 사람들의 마음으로 시선을 옮긴다. 평안과 안녕을 향한 염원이 천년의 시간을 건너 오늘을 살아가는 사람들의 삶과 희망으로 이어지는 과정을 음악과 목소리로 풀어낸다. 세 가지 이야기는 각기 다른 음악적 색채를 지닌 예술가들의 소리로 구현된다. 1부에서는 생황 연주자 한지수가 흙과 불, 쇠가 하나의 형상으로 완성돼 첫 울림에 이르는 과정을 생황의 호흡과 화음으로 표현한다. 2부에서는 양금 연주자 윤은화가 금속 현을 두드려 만들어내는 맑고 강렬한 음색으로 종의 표면에서 퍼져나가는 공명의 진동을 그려낸다. 3부는 전통과 대중음악의 경계를 넘나드는 음악으로 주목받아 온 서도밴드가 맡는다. 평안과 안녕을 향한 천년의 염원을 오늘의 목소리로 풀어내 과거의 울림을 현재의 관객에게 연결한다. 정용석 국립박물관문화재단 사장은 “문화유산에 공연예술을 접목해 관객과 보다 가까이 소통하고자 이번 무대를 마련했다”며 “성덕대왕신종이 전하는 천년의 울림이 오늘을 살아가는 관객들의 일상 속에 깊은 여운으로 남기를 기대한다”고 말했다. 조용경 예술감독은 “성덕대왕신종의 형태와 소리, 그리고 그 안에 담긴 사람들의 마음을 오늘의 공연예술 언어로 새롭게 마주하고자 했다”며 “박물관에서 눈으로 바라보던 문화유산을 ‘소리’로 경험하면서 신종이 품어온 시간과 염원이 오늘의 관객에게 새로운 감각과 울림으로 이어지기를 바란다”고 밝혔다. ‘소리: 성덕대왕신종’은 10월 31일부터 11월 1일까지 이틀간 국립중앙박물관 극장 용에서 열린다. 공연은 초등학생 이상 관람할 수 있으며 약 80분간 진행된다. 티켓은 티켓링크에서 예매할 수 있다.

현실과 불화하는 인간의 본성을 파고든 극작가 테네시 윌리엄스(1911∼1983)의 대표작 ‘유리동물원’과 ‘욕망이라는 이름의 전차’가 나란히 10월 무대에서 관객을 만난다. 가족과 개인의 충돌, 현실과 환상 사이에서 흔들리는 인간의 모습을 그려낸 고전이다. 우리나라 연극사에서는 1955년 극단 신협이 ‘욕망이라는 이름의 전차’를 초연했고 ‘유리동물원’은 1957년 연희극예술연구회가 연세대 노천극장에서 공연한 기록이 남아 있다. 올해는 마포문화재단과 극단 툇마루가 10월 8일부터 11일까지 마포아트센터 아트홀맥에서 ‘욕망이라는 이름의 전차’를, 예술의전당이 17일부터 11월 22일까지 CJ토월극장에서 ‘유리동물원’을 선보인다. ◆현실과 불화하는 인간을 품은 극작가 20세기 미국 연극을 대표하는 극작가 윌리엄스는 ‘유리동물원’으로 이름을 알린 뒤 ‘욕망이라는 이름의 전차’와 ‘뜨거운 양철지붕 위의 고양이’로 각각 1948년과 1955년 퓰리처상 희곡 부문을 수상했다. 그의 작품에는 쇠락한 미국 남부와 불안정한 가족 관계가 반복해서 등장한다. 성적 욕망과 외로움도 삶을 뒤흔든다. 현실에 적응하지 못한 인물들은 환상과 기억에 의지해 자신을 지키려 하지만 세상은 좀처럼 그들에게 자리를 내주지 않는다. 어머니는 과거의 영광에 매달리고 여성은 사랑받기를 갈망한다. 청년은 다른 삶을 꿈꾸지만 현실과 타협하는 데 서툴다. 이들이 단순히 나약한 피해자로만 그려지지 않는다는 점이 윌리엄스 희곡의 힘이다. 상처받은 사람은 다른 사람에게 상처를 주고 자유를 원하는 사람은 누군가에게 의존한다. 가족을 사랑하는 마음이 간섭과 억압으로 바뀌기도 한다. 어느 한쪽을 옳고 그름으로 쉽게 재단할 수 없는 인물들은 시대가 바뀔 때마다 새로운 무대에서 새롭게 해석됐다. 가족 부양과 개인의 자유 사이에서 흔들리는 삶이나 폭력적인 관계에서 벗어나지 못하는 삶이 불러일으키는 공감도 시대불변이다. ◆‘유리동물원’… 깨진 틈 사이로 들어오는 빛 1944년 시카고에서 초연된 뒤 이듬해 브로드웨이에서 성공을 거둔 ‘유리동물원’은 윌리엄스에게 큰 명성을 안긴 작품이다. 가족이라는 좁은 공간에서 말과 침묵으로 인물들 균열을 드러내는 조용한 비극이다. 무대는 1930년대 미국 세인트루이스의 허름한 아파트다. 남편이 떠난 뒤 두 자녀를 키우는 아만다는 화려했던 젊은 시절에 기대어 산다. 딸 로라는 사람들과 어울리지 못한 채 작은 유리 동물 조각을 벗 삼아 시간을 보낸다. 구두 창고에서 일하며 가족을 부양하는 아들 톰은 자유로운 시인의 삶을 꿈꾼다. 아만다가 로라를 결혼시키려고 톰의 직장 동료 짐을 초대하면서 이들이 붙들고 있던 희망과 환상이 흔들린다. 작품은 톰이 과거를 회상하는 ‘기억극’ 형식으로 전개된다. 무대에 펼쳐지는 사건은 객관적인 현실의 재현이 아니라 톰의 기억을 거쳐 되살아난 풍경이다. 사실적인 가족 이야기에 음악과 조명 등 시적인 표현이 겹쳐지는 이유다. 그 중심에는 ‘떠나는 사람의 죄책감’이 있다. 톰은 가족을 떠나야 자신의 삶을 살 수 있지만 떠난 뒤에도 로라의 기억에서 벗어나지 못한다. 집을 벗어나도 해방되지 못하는 삶이다. 연출을 맡은 신유청은 지난 8일 예술의전당에서 열린 기자간담회에서 작품을 인터넷 접속에 빗댔다. 그는 “어느 공간에서 인터넷에 접속하려면 비밀번호를 입력해야 하지 않나. 작품 속 상징들을 읽어가다 보니 이 작가는 한 집안의 이야기를 통해 자신이 살고 있는 시대를 담았다는 생각이 들었다”고 말했다. 이어 “한 집안의 이야기 속에 당시뿐 아니라 오늘의 우리에게도 통용되는 인류의 이야기가 담겨 있는 것 같았다”고 했다. 신유청은 아만다를 “앞으로 나아가고 싶지만 너무 오래된 지도밖에 없는 사람”으로 해석했다. 자녀에게 더 나은 삶을 물려주고 싶어도 자신이 아는 낡은 방식밖에 건넬 수 없는 어머니다. 톰은 “가족에 대한 책임감 때문에 떠나지도 제대로 머물지도 못하는 인물”로 바라봤다. 로라에 대해서는 극이 결말로 향할수록 “로라의 존재와 그가 꿈꾼 세계가 작품의 핵심으로 드러난다”고 설명했다. 아만다 역은 김성령과 최정원이 나눠 맡는다. 김성령은 이번 공연이 자신의 여덟 번째 연극이라며 “무대에 설 때 가장 두렵고 불안하지만 그만큼 불안을 깨고 도전하고 싶은 곳이 무대”라고 말했다. 그는 “지금까지 출연한 연극 가운데 배우가 가장 많고 규모도 가장 크다”며 “연습 과정을 다큐멘터리로 찍고 싶다고 생각할 정도로 충만하고 행복하게 작업하고 있다”고 했다. 같은 역을 맡은 최정원은 처음 대본을 읽었을 때 작품이 우울하게 느껴졌지만 파고들수록 희망을 발견했다고 했다. 그는 “처음에는 몸에 난 상처를 다른 사람이 상처라고 해도 예쁜 액세서리라며 감추려 하지만 마지막에는 그것이 상처라는 사실을 인정하고 치료받아야 한다는 것을 깨닫는다”고 말했다. 아만다 역시 자신이 버려졌다는 사실과 딸의 아픔을 받아들이고 함께 살아가려 한다는 것이다. 최정원은 “그런 점에서 이 작품이 희망처럼 느껴졌다”고 설명했다. 톰 역에는 장승조·권율·김경남이 출연한다. 장승조는 톰을 “살아가기 위해 처절하게 몸부림치는 인물”로 봤다. 그는 “누군가에게는 별난 사람으로 보일 수 있지만 가만히 들여다보면 연민이 생긴다”며 “톰을 보면서 갈 길을 정하지 못한 채 맨땅에 몸을 내던지던 20대와 30대의 나를 마주했다”고 말했다. 이어 “관객도 각 인물을 통해 자신의 모습을 바라볼 수 있을 것”이라며 이것이 작품이 꾸준히 공연되는 이유라고 짚었다. 로라 역은 정운선·정새별·임세미가 맡는다. 정운선은 2014년과 2015년 명동예술극장 공연에 이어 11년 만에 로라로 돌아온다. 그는 처음 제안을 받았을 때 “그때의 나보다 나아질 수 있을까 하는 고민과 망설임이 있었다”고 털어놨다. 그러나 대본을 다시 읽으면서 과거에는 보지 못했던 부분을 발견했다. 정운선은 “10년 전의 내가 지금의 나와 다르듯 같은 것도 다르게 느껴졌다”며 “그 점이 흥미로워 다시 작업하게 됐다”고 말했다. 방문객 짐 역에는 문유강·배훈·최정우가 캐스팅됐다. 무대는 박상봉 무대디자이너가 맡는다. 무대미술을 ‘시각적 극작법’으로 바라보는 그는 인물의 심리와 관계를 공간으로 풀어내고 배우의 움직임과 관객의 상상을 이끄는 작업을 해왔다. 이번에는 톰의 기억과 죄책감이 밴 집을 하나의 이미지로 압축한다. 신 연출은 작품을 읽으며 성화 같은 한 폭의 그림을 떠올렸다며 “무대도 한 폭의 그림 같았으면 좋겠어서 소실점을 중심으로 디자인했다”고 설명했다. 비극의 끝에서는 희망을 찾는다. 신유청은 “비참한 고난과 큰 상처 속에서도 결국 깨진 틈 사이로 빛이 들어오고 싹이 튼다”며 “모든 것이 사라진 가운데서도 사랑이라는 싹이 틔어 오를 수 있지 않을까 하는 작은 희망으로 극을 닫고 싶다”고 말했다. ◆‘욕망이라는 이름의 전차’… 스탠리의 폭력에 던지는 질문 ‘욕망이라는 이름의 전차’는 1947년 초연된 뒤 세계적 극작가로서 윌리엄스의 위상을 굳힌 작품이다. 명배우 말론 브란도를 상징하는 작품이기도 하다. 엘리아 카잔이 연출한 브로드웨이 무대에 섰던 브란도는 1951년 영화에서도 비비언 리와 함께 출연했다. 뉴올리언스에 사는 스탠리와 스텔라 부부의 집에 스텔라의 언니 블랑쉬가 찾아오면서 극은 시작된다. 몰락한 남부 명문가 출신인 블랑쉬는 과거의 화려함과 교양으로 상처와 비밀을 가린다. 거칠고 현실적인 폴란드계 노동자 스탠리는 그의 과거를 집요하게 파헤친다. 스텔라는 언니에 대한 연민과 남편을 향한 욕망 사이에 놓인다. 스탠리의 친구 미치에게서 새 삶을 기대하던 블랑쉬는 결국 파국으로 내몰린다. 이 작품은 언어와 육체가 맞부딪치는 격렬한 심리극이다. 블랑쉬와 스탠리의 충돌은 쇠락한 남부 귀족사회와 새로운 노동계급의 대립을 드러낸다. 동시에 환상과 현실의 싸움이며 욕망이 타인을 지배하는 권력으로 바뀌는 과정이기도 하다. 누구를 중심에 놓느냐에 따라 상처받은 여성이 파괴되는 비극이 되기도 하고 폭력적인 관계 속에서 살아남으려는 사람의 선택이 부각되기도 한다. 시적인 언어와 사실적인 심리 묘사를 함께 소화해야 하기에 배우라면 한 번쯤 도전하고 싶어 하는 작품이기도 하다. 마포문화재단과 극단 툇마루의 ‘욕망이라는 이름의 전차’는 블랑쉬를 무너뜨리는 스탠리에게 시선을 돌린다. 조금희 연출은 지난달 20일 제작발표회에서 스탠리의 폭력성과 야만성을 짚으며 “우리 사회에서 이런 것들이 과연 정당한가를 한 번쯤 생각해보도록 했다”고 말했다. 소외된 이들의 고통을 외면하는 사회를 스탠리에게 겹쳐 보면서 블랑쉬가 설 자리를 잃어가는 과정을 그리겠다는 설명이다. 원작의 심리극에는 표현주의적 장치를 더한다. 블랑쉬의 독백에는 무용수의 그림자를 겹치고 인물들의 감정 변화에는 색소폰 음악을 활용해 내면을 드러낼 계획이다. 스탠리는 송일국이 연기한다. 친근하고 영웅적인 이미지로 알려진 그에게는 익숙한 모습을 벗어나는 도전이다. 그는 자신의 성격과 정반대인 인물을 만들어가는 과정이 쉽지 않다면서 “무대에서 관객들이 ‘저 사람이 송일국이었지’라는 것을 잊게 만드는 게 목표”라고 밝혔다. 블랑쉬 역의 송선미는 평온하고 안정적인 것을 좋아하는 자신과 달리 배역은 늘 불안한 상태에 놓여 있다는 점에 주목했다. 연출이 요구하는 날카로운 인물을 만들기 위해 연습하고 있다며 무대에서 “온전히 연기로 인정받고 싶다”고 말했다. 연극 무대에 처음 도전하는 사강은 스텔라를 맡는다. 그는 언니와 남편 사이에 놓인 스텔라에게도 자신의 욕망이 있다며 작품 속에서 가장 현실적인 인물로 해석했다. 관객도 스텔라의 선택을 자신의 상황에 대입해보기를 바란다고 했다.

“간을 두고 왔다”며 용왕을 속이고 살아 돌아온 토끼는 뭍에 발을 딛자마자 독수리에게 잡혀간다. 아내마저 얼마 못 가 포수의 총에 쓰러진다. 수궁에선 꾀로 벗어났는데 정작 땅으로 돌아오자마자 허무하게 끝나는 토생(兎生)이다. 삼재팔난(三災八難)을 결국 못 넘긴 것이다. 판소리 ‘수궁가’ 끝에 덧댄 또 다른 결말에서 창극 ‘귀토’는 시작한다. 주인공은 천애고아가 된 아들 토자다. 자라가 꾀지도 않았는데 스스로 수궁행을 택한다. 아비를 삼킨 땅에서는 더 살 수 없다는 결심이다. 극본과 연출을 맡은 고선웅의 ‘귀토’는 국립창극단이 2021년 초연하고 이듬해 재연한 작품이다. 4년 만에 오른 세 번째 무대는 서울 국립극장과 화성예술의전당 공연을 성료하고 18~19일 세종예술의전당 무대에 오른다. ‘귀토’의 화두는 누구나 살다가 부닥치기 마련인 삼재팔란이다. 원전에선 자라가 토끼를 꾀려고 갖다 대는 구실이었다. 제 삶이 유유자적하다 자랑하는 토끼에게 자라는 목숨을 위협하는 매와 사냥꾼과 겨울 굶주림을 늘어놓으며 “네 팔자야말로 팔란 속에 갇혀 있다”고 몰아세운다. 고선웅은 이를 아예 초반부에 작동시켜 토자를 움직이게 만든다. 하지만 재앙은 물속이라도 피할 수 없다. 배를 가르게 될 위기에 처한 토자는 꾀를 내서 팔란살이를 소리로 풀어낸다. 그 소리를 들은 수국 백성은 제 신세도 다르지 않다며 입을 연다. 쌍끌이 그물과 요상한 미끼, 해가 갈수록 오르는 수온까지 고달픔이 줄줄이 딸려 나온다. 물이나 뭍이나 거기서 거기다. 작창은 유수정·한승석이 함께 짰고 작곡과 음악감독은 한승석이 맡았다. 전통 오음계 바깥의 음을 꺼리지 않고 끌어들인 선율과 과하지 않게 다듬은 현대어 가사가 15인조 연주와 맞물려 지금의 귀에 이물감 없이 얹힌다. 새로 짠 소리 가운데 백미는 태어나 처음 바다를 본 토자의 전율과 감동이 고스란히 전해지는 ‘망해가’다. “푸르르르 푸우, 싸르르르 쏴아.” 소리꾼들이 무릎을 굽혔다 펴며 뱉어내는 음절만으로 포말이 이는 바닷가가 눈앞에 선다. 무대디자이너 이태섭은 각목 1500여 개를 촘촘히 이어 붙여 해오름극장을 통째로 경사진 언덕으로 만들었다. 배우들은 대개 상수·하수로 드나들지만 결정적인 장면에서는 무대 뒤편에서 나온다. 지평선 너머에서 인물이 다가오는 장면도 만들어진다. 이번 ‘귀토’의 또 다른 성과는 국립창극단 세대교체다. 2021년 초연 당시 토자·자라·토녀는 김준수·유태평양·민은경이었다. 이번에는 김수인·최용석·김우정이 그 자리를 받았다. 그리스 신화가 삽입된 장면은 올해도 그대로인데, 김수인과 김우정은 앞선 무대에선 오르페오와 에우리디케를 연기했고 최용석은 주꾸미를 맡았다. 무대 가장자리에 섰던 얼굴들이 한가운데로 걸어 나온 셈이다. 2020년 입단 동기이자 동갑내기인 김수인과 김우정의 토끼 연기는 발랄하고 재치가 넘친다. ‘수궁가’의 토끼는 말주변과 꾀로 강자를 조롱하고 제 목숨을 건졌다. ‘귀토’의 토자는 자신의 팔란을 소리로 풀어놓는다. 그 소리가 수국 백성의 입을 열고 공감을 만들어낸다. 여론 앞에서 용왕은 제 실정을 인정하고 무릎을 꿇는다. 원전에 없던 동시대성이 반영된 결과다. 고선웅은 “우리가 꿈꾸는 이상향은 어디에도 없다”며 “‘개똥밭에 굴러도 이승이 좋다’는 체념이 아니라, 바람 부는 대로 유연하게 흔들리며 즐기는 법을 배우자는 메시지를 전하고 싶다”고 밝혔다. 연출가의 평소 지론처럼 힘없이 살다가 운 나쁘면 총 맞고 수리 발톱에 채여 가는 삶, 그저 무탈한 것이 행복이긴하다. 세종예술의전당에서 9월 18~19일.

만화 발간 32년 만에 뮤지컬로 만들어진다는 소식이 전해지며 큰 관심을 끌었던 '남벌(南伐)' 캐스팅이 10일 공개됐다. 주인공 '오혜성' 역에는 오종혁과 선율이 더블 캐스팅됐고 '최엄지' 역은 박소은과 이재림, '카오루' 역은 김민철과 정시욱이 맡는다. 10일 제작사 감탄사에 따르면 ‘남벌’은 100만 부 이상 판매되며 신드롬을 일으킨 이현세의 동명 만화(1994년 작)를 32년 만에 무대로 옮긴다. 원작은 1994년 발표돼 단행본 누적 판매 100만 부를 돌파한 이현세 화백의 대표작. 이현세의 전작들에서부터 이어져 온 주인공 오혜성과 엄지가 등장하는 이야기는 중동에서 시작된 전쟁으로 세계적인 에너지 위기가 닥친 상황을 배경으로 한다. 석유 수입 의존도가 높은 일본은 인도네시아 마루쿠 제도의 유전을 차지하기 위해 현지 세력을 이용해 '마루쿠 공화국'을 세우고 자위대를 현지군으로 위장시켜 공작을 벌인다. 이 과정에서 유전 개발에 참여하던 한국인 약 2000명이 인질로 잡히자 한국이 구출을 위해 병력을 파견한다. 한·일 양국의 국지전은 결국 전면전으로 번진다. 후반으로 갈수록 제목이 뜻하는 의미는 더욱 노골적으로 드러난다. 한국군이 쓰시마를 점령하고 규슈와 나가사키를 포격한 뒤 해병대가 일본 본토에 상륙하는 데까지 전쟁이 확대된다. 이 작품은 일제강점기를 두고 벌어졌던 한·일 간 과거사 논쟁이 뜨거웠던 1990년대 한국 사회에서 큰 반응을 끌어냈고 비슷한 서사를 가진 작품이 유행하는 계기가 됐다. 뮤지컬은 방대한 전쟁 서사를 그대로 옮기는 대신 원작 전반부 인질 구출 작전을 둘러싼 오혜성의 고뇌와 선택에 중심을 두고 이야기를 재구성했다. 가족을 잃고 사지로 향하는 오혜성과 그의 삶을 다시 전장으로 이끄는 최엄지, 목적을 위해 수단을 가리지 않는 카오루가 서로 다른 신념으로 충돌한다. 제작진이 내세운 질문도 승패보다는 '무엇을 위해 싸우고 살아남을 것인가'에 가깝다. 작품에는 전장의 속도감을 강조한 강한 비트에서 인물의 상실과 비극을 담은 서정적인 선율까지 모두 26곡의 넘버가 쓰인다. 주인공 오혜성은 도쿄 밑바닥에서 거친 삶을 살아온 무법자에서 대한민국 최고의 특전사로 거듭나는 인물로 오종혁과 선율이 연기한다. 그룹 클릭비 출신인 오종혁은 '그날들'·'로미오와 줄리엣'·'은밀하게 위대하게' 등에서 선 굵은 연기와 강한 에너지를 보여온 배우다. 특히 해병대에서도 최정예인 수색대 출신인 만큼 오혜성의 야성적인 면모부터 모든 것을 잃은 인간의 내면까지 폭넓게 소화할 것으로 기대된다. '최엄지'는 오혜성의 첫사랑이자 경찰로, 참혹한 현실 속에서도 자신의 운명을 스스로 개척해 나가는 인물이다. '테일러'·'딜쿠샤' 등에 출연한 박소은은 안정적인 가창력으로 인물의 흔들리지 않는 내면을 그려낼 것으로 기대된다. '블랙메리포핀스'·'차미'·'파과' 등에 출연한 이재림은 사랑과 두려움, 생존 의지가 교차하는 인물의 순간들을 입체적으로 풀어낼 계획이다. 오혜성의 숙적 '카오루'는 자위대의 핵심 엘리트이자 무자비한 전략가다. '렘피카'·'에비타'·'지저스 크라이스트 수퍼스타' 등에서 내공을 쌓은 김민철은 묵직한 무대 장악력으로 카오루의 냉혹함을 전면에 내세운다. '여명의 눈동자'에서 '최대치' 역으로 호평받은 정시욱은 날카로운 표현력으로 목적을 향해 직진하는 인물의 집요함을 살릴 예정이다. 권력의 중심을 채우는 청와대 인물들도 라인업에 이름을 올렸다. 국가안전기획부 요원 '백두산' 역은 이종영, '특전대장' 역은 박민관, '대통령' 역은 김민수가 맡는다. 이 밖에 야쿠자 2세이자 추격대 대장 '긴지' 역에 표근률, 특전대장의 부관 '최소령' 역에 장탁현, 중위 '이휘란' 역에 허윤혜, 카오루의 부관 '하다' 역에 서지온이 합류해 라인업을 완성했다. 뮤지컬은 총 26곡의 넘버와 함께 150분(인터미션 20분 포함) 동안 펼쳐지며 관람등급은 14세 이상이다. 극작·작사·연출은 이종훈, 작곡은 조우인이 맡았다. 서울 티켓링크 1975 씨어터에서 10월 23일부터 11월 14일까지.

성을 통해 삶과 죽음의 욕망을 해학적으로 풀어낸 판소리 변강쇠전의 계보를 잇는 돌쇠 이야기를 국립정동극장에서 뮤지컬로 선보인다. 한국예술종합학교 연극원에서 잉태된 후 대구국제뮤지컬축제에서 참신함과 작품성을 인정받은 작품이다. 9일 정동극장에 따르면 ‘돌쇠전’(사진)은 오랜 시간 육체적 사랑과 성적 해학의 대명사처럼 소비되어 온 ‘돌쇠와 마님’의 이야기에 ‘에로스와 프시케’의 서사를 결합했다. 이를 통해 육체와 영혼이라는 사랑의 두 축을 유쾌하게 풀어낸 작품이다. 주인공들은 사소한 오해에서 출발한 사건이 욕망과 애착, 소유와 질투, 배신과 용서로 이어지는 과정을 따라간다. 웃음을 유발하는 과장된 사건과 야릇한 상황 속에서 인물들은 서로의 몸을 욕망하는 것과 마음을 사랑하는 것이 과연 분리될 수 있는지 마주하게 된다. 뮤지컬이지만 무대에는 소리꾼이 등장해 이야기를 이끌어간다. 마당놀이 형식을 적극적으로 차용해서 소리꾼은 관객과 소통하고 극의 흐름에 개입하며, 관객이 공연의 일부가 된 듯한 생생한 참여감을 선사한다. 음악은 자유분방하면서도 관능적인 정서를 표현하기 위해 재즈를 중심으로 클래식과 국악, 팝의 요소를 더한다. 물레방앗간에서 벌어지는 밀회 장면에선 우리 음악의 장단과 음계, 창법을 활용해 작품 특유의 풍류를 선보일 예정이다. 극작·작사는 김민주, 작곡·편곡은 정지연, 연출은 박한별이며 19세 이상 관람가. 서울 국립정동극장 세실에서 10월2일부터 15일까지.

국립극단 신작 ‘역행기’. 이 낯선 작품이 가진 아름다움과 감동을 만나기 위해선 무대가 설설 끓어오르는 후반부까지 기다려야 한다. 생경한 수메르 신화에 여성 3대의 고난사가 포개진 무대에서는 이 작품을 위해 새로 만들어졌을 법한 특유의 발성·화법과 몸짓 연기가 펼쳐진다. 그래서 지금 무엇을 보고 있는지 한참 헤맨 뒤에야 흩어져 있던 조각들이 하나씩 맞아 들어간다. 펜트하우스와 스카이라운지가 상류의 삶이라면 그 반대편에는 반지하 인생이 있을 터다. 햇볕조차 사치인 좁은 방에서 제대로 서지도 못하고 바닥에 붙어살던 주인공 인안나는 집이 무너지면서 그 아래 미지의 세계로 떨어진다. 작가 김주희가 동시대 고립·은둔 청년들을 보며 구상했고 자신이 어두운 방에서 보낸 시간도 투영한 인물이다. 인안나는 끝없이 아래로 내려가며 몸에 뿌리가 돋은 할머니 ‘주머니’, 망치를 짊어진 언니 ‘핑크’, 돌과 한 몸이 되어가는 ‘돌덩이’, 어머니 ‘에레쉬’를 만난다. 그들이 살아온 시간은 식민지와 빈곤, 산업화와 여성 노동, 산업재해와 감정노동, 부채와 고립으로 이어진다. 수메르 신화의 거대한 크기를 빌려 역사에 기록되지 않은 평범한 여성들의 삶을 신화만큼이나 확대한 무대다. 국립극단이 2024년 15년 만에 재개한 창작희곡공모에서 303편 가운데 대상을 받은 작품이다. 심사위원들조차 이 방대한 세계를 어떻게 무대화할지 궁금해했던 작품인데 신재훈 연출과 박동우 무대디자이너는 까다로운 문제를 단순한 무대 문법으로 풀었다. 딱 반지하 장판을 걷어내면 나타날 것 같은 시멘트 바닥. 이 무대 전체가 가운데 사각형을 남겨두고 솟아오르면서 지하 세계가 만들어진다. 실은 방이 떨어지는 것이 아니라 3톤짜리 상부 구조물이 떠오르는 것이다. 객석이 고정된 극장에서 ‘하강’을 만들어내기 위한 역발상이다. 천장으로 올라간 지하의 바닥은 그대로 스크린이 된다. 영상은 배우 뒤 벽면이 아니라 머리 위 천장으로 향한다. 관객까지 인물과 비슷한 각도로 고개를 들어 위를 보게 만드는 선택이다. 검은 암반 같던 천장이 어느 순간 일렁이는 수면으로 변한다. 이승호의 음악·음향도 빼어나다. 생경한 지하 세계를 떠도는 긴 공연을 오로지 음악이 풍요롭게 만든다. 연극 무대에서 만나기 힘든 수준의 존재감을 지닌 음악이다. 공연시간은 인터미션을 포함해 3시간 20분이다. 인안나가 지하에서 가족들과 만나고 그들이 쏟아내는 삶의 처절함을 받아들이는 과정은 관객마저 지치게 한다. 그 끝 무렵에야 비로소 인안나는 자신에게 이어진 과거를 이해하고 자신의 삶을 다시 살아낼 용기를 얻는다. 기나긴 지하 세계 기행에서 분투하는 배우들을 보노라면 감탄할 수 밖에 없다. 엄청난 분량의 대사를 일상적인 화법과 발성에서 벗어나게 발화하면서 몸으로는 태극권이나 요가를 연상시키는 자세를 취하거나 양손으로 도형을 그린다. 그렇게 일상이 아닌 세계를 무대위에 구현한다. 인안나가 회귀를 시작하는 장면이 특히 아름답고 깊은 인상을 남긴다. 절단된 팔 자리에 날개가 돋은 어머니 에레쉬는 딸의 뒤에서 검푸른 날개를 활짝 편다. 앞선 세대가 가장 어린 여성을 다시 자신들과 같은 고통 속에 남겨두지 않고 지상으로 돌려보내는 장면이다. 인안나는 뿌리를 자르지만 가족을 잊지는 않는다. 기억하되 반복하지 않는 것. 뿌리는 끊되 자신을 떠받쳐온 땅까지 부정하지 않는 것. 긴 역행 끝에 얻은 가르침이다. 집으로 돌아온 인안나가 가장 먼저 하는 일은 청소다. 창문과 방문을 열고 망가진 살림살이를 버린다. 다시 걷고 방을 치운다. 살아야 할 이유는 먼 곳에서 발견하는 것이 아니라 그렇게 삶을 다시 움직이면서 하나씩 만들어가는 것이다. 인안나는 그리고 살아야할 이유를 적는다. “행복한 기억을 떠올려 봐. 그럼 살 수 있어.” 서울 명동예술극장에서 13일까지.

그룹 방탄소년단(BTS)이 북미 12개 도시에서 총 192만명을 동원한 스타디움 투어를 성공적으로 마무리했다. 8일 소속사 빅히트 뮤직에 따르면 BTS는 지난 1~2일과 5~6일(현지시간) 미국 로스앤젤레스(LA) 소파이 스타디움 공연을 끝으로 ‘BTS 월드 투어 ‘아리랑’(ARIRANG)’’의 북미 일정을 마쳤다. 탬파에서 시작해 LA까지 이어진 총 31회 공연은 모두 매진됐다. 특히 LA 공연은 약 28만2000명의 관객을 모았다. 이로써 BTS는 소파이 스타디움 개장 이후 그룹 기준 최다 공연 횟수(누적 8회)와 최다 누적 관객 수(약 49만6000명) 기록을 세웠다. 4회차 공연은 팬 플랫폼 위버스를 통해 177개 국가·지역에 생중계됐다. 공연장에서는 정규 5집 수록곡 ‘보디 투 보디(Body to Body)’에 담긴 민요 ‘아리랑’ 선율에 맞춰 관객들이 일제히 태극기를 들어 올리는 장면도 연출됐다. 현지 주요 매체도 BTS의 문화적 영향력에 주목했다. 로스앤젤레스 타임스(LAT)는 BTS를 ‘월드 클래스 팝 아티스트’로 소개하며 “BTS가 이뤄낸 문화적 파급력은 대체 불가하다”고 평가했다. 포브스는 공연장 안팎을 넘어 LA 전역으로 확산된 열기를 조명했다. 다양한 문화권의 팬들이 ‘아리랑’을 함께 부르고, 한복과 태극선, 노리개 등 한국적 요소를 활용해 공연을 즐긴 모습을 소개했다. 한인타운을 비롯한 지역 식당과 상점에서 진행된 각종 프로모션도 언급하며, BTS가 지역 사회 전반에 미친 영향력을 높이 평가했다. 현지의 환대도 이어졌다. LA시는 1일부터 8일까지를 ‘BTS 위크’로 지정했다. 지난달 31일에는 시의회와 로스앤젤레스 관광청, 빅히트 뮤직 관계자 등이 참석한 가운데 LA 시청에서 선포식을 열었다. 9월 1일에는 시청을 신보 ‘아리랑’의 키 컬러인 붉은색으로 물들여 BTS를 환영했다. 토론토와 일리노이, 텍사스주 엘파소 등 북미 여러 지역도 기념일을 지정했다. BTS는 “어디에 있든 서로 이어져 있기를 바란다”고 소감을 전했다. 북미 일정을 마친 이들은 다음 달 2일 콜롬비아 보고타를 시작으로 페루, 칠레, 아르헨티나, 브라질을 잇는 남미 투어에 나선다.

가수 임영웅이 지난 4∼6일 고양종합운동장 주경기장에서 두 번째 스타디움 콘서트 '아임 히어로 - 더 스타디움 2'(IM HERO - THE STADIUM 2)를 열어 사흘간 약 9만5천명의 관객을 동원했다고 소속사 물고기뮤직이 7일 밝혔다. 2016년 데뷔해 올해 10주년을 맞은 임영웅은 이로써 누적 공연 관객 약 100만명이라는 금자탑도 쌓았다. 임영웅은 이번 공연에서 데뷔곡 '미워요'를 비롯해 '사랑은 늘 도망가', '모래 알갱이', '무지개', '순간을 영원처럼' 등 다양한 히트곡을 들려줬다. 그는 특히 '또또', '뉴욕'(New York), '부디 행복해질 것' 등 오는 8일 발매하는 스페셜 디지털 앨범 '아임 히어로 10'(IM HERO 10)에 수록된 신곡들도 처음으로 선보였다. 분위기가 무르익으면서 공연장은 임영웅을 상징하는 하늘빛으로 물들었고, 불꽃놀이와 드론 쇼가 볼거리를 더했다. 임영웅은 "'영웅시대'(팬덤명)와 함께였던 10년이 참 소중하고 감사했다"며 "앞으로의 10년도 함께 하고 싶고, 오래오래 열심히 노래하겠다"고 소감을 말했다.

자유분방한 소녀 엘리자벳은 나무에서 떨어지는 사고를 계기로 신비로운 존재 ‘죽음’과 처음 마주한다. 이후 오스트리아 황제 프란츠 요제프의 청혼을 받아들여 황후가 된다. 하지만 시어머니인 대공비 소피가 강요하는 엄격한 궁정 생활은 힘겹고 자유를 향한 갈망은 커져만간다. 아들 루돌프 황태자와의 관계마저 악화하면서 황실의 불화는 제국 몰락의 전조와 겹쳐진다. 2012년 국내 초연 이후 여섯 번째 시즌을 맞은 뮤지컬 ‘엘리자벳’이 10여 년 만에 무대와 의상을 대대적으로 바꾼 새 프로덕션으로 돌아왔다. 더욱 화려해진 무대가 ‘회전문 관객’을 부르는 이유를 실감케 한다. 독일 뮤지컬 ‘최고봉’으로서 미하엘 쿤체의 촘촘한 서사와 실베스터 르베이의 강렬한 음악에 시각적 효과와 무대 완성도까지 한 단계 끌어올렸다. 1992년 오스트리아 빈에서 초연된 후 14개국에서 10개 언어로 공연돼 세계 누적 관객 1270만명을 넘긴 뮤지컬이다. 이 작품의 매력은 황후가 된 한 소녀의 파란만장한 일생을 따라가는 성장극이면서, 동시에 한 시대의 몰락을 바라보는 역사극이라는 데 있다. 실존하지 않는 초월적 존재 ‘ 죽음’이 엘리자벳을 내내 따라다니며 저승의 평안으로 함께 가자고 유혹하는 설정이 극에 독특한 결을 더한다. 사후 100년째 재판을 받으며 엘리자벳 일생을 관객에서 해설하는 황후 암살범 루이지 루케니가 노래로 부르는 사회 비판도 흥미롭다. 덕분에 ‘엘리자벳’은 흔한 황실 로맨스물의 범주를 훌쩍 벗어난다. “황후는 빛나야 한다”며 제국의 상징으로서 역할을 강요하는 궁정에 맞서 엘리자벳은 끊임없이 자기 삶의 주인이 되려 한다. 그 선언이 이 뮤지컬을 대표하는 노래 ‘나는 나만의 것’으로 압축된다. 엘리자벳은 헝가리에서 열린 대관식 후 ‘내가 춤추고 싶을 때’에 이르면 삶의 시간과 장소, 춤까지 스스로 결정하겠다며 ‘죽음’에게 맞선다. 한 여성의 자아 찾기가 이러한 무대를 통해서 대중적이면서도 선명하게 실현된다. 그래서 많은 여배우가 탐내는 주인공이다. 무대 뒤편에는 합스부르크 제국의 쇠락이 쉼 없이 흐른다. 1848년 혁명의 상처가 남은 젊은 황제의 통치에서 시작해 헝가리 민족주의의 대두, 빈 시민사회의 구체제에 대한 냉소, 황태자 루돌프와 황제의 정치적 대립까지 이어지며 영화롭던 제국에는 균열이 차곡차곡 쌓인다. 황족이라는 특수한 신분을 가진 가정의 비극이 구체제 몰락과 겹쳐지는 서사는 ‘엘리자벳’이 여성극인 동시에 역사극으로 읽히는 까닭이다. 이번 시즌에는 이 역사적 스케일을 담는 그릇도 완전히 달라졌다. 엘리자벳의 부채를 모티프로 거대한 프로시니엄을 세우고, 합스부르크 제국을 상징하는 독수리 조형물을 무대 곳곳에 배치했다. 이전 무대 중심에 놓였던 거대한 황후 초상화는 사라지고 엘리자벳의 화려한 머리 장식을 본뜬 대형 액자와 드레스 오브제가 이를 대신한다. 승강형 플랫폼이 오르내리며 무대에 입체감을 더했으나, 작동이 매끄럽지만은 않은건 옥에 티다. 무대는 한 장면 한 장면이 대형 회화처럼 펼쳐진다. 검푸른 황실 공간을 내려다보는 거대한 독수리, 헝가리 삼색기가 무대를 가득 채우는 대관식, 붉은 깃발과 불길이 뒤엉키는 혁명의 거리, 안개가 흐르는 호숫가와 외로운 나무까지 영상과 세트가 빠르게 결합한다. 프로시니엄 후면을 가득 채우는 영상의 선명도가 특히 돋보인다. 다만 일부 장면은 영상에만 의존하다 보니 다소 휑하게 느껴지기도 했다. 반면 화려한 궁정과 어둡고 불안한 민중의 공간을 극단적으로 대비시킨 장면들에서는 영상과 세트, 의상이 함께 어우러지며 제국 말기의 불온한 공기를 효과적으로 빚어냈다. 의상도 볼거리다. 이번 시즌 엘리자벳을 위해서만 의상 16벌을 새로 만들었고, 시대별 실루엣을 달리하기 위해 패티코트도 6종을 제작했다. 소녀에서 황후로, 다시 검은 상복을 입고 유럽을 떠도는 고독한 여인으로 변해가는 시간이 갖가지 의상으로 표현된다. 2일 저녁 공연에서는 이지혜가 엘리자벳, 서경수가 죽음, 박은태가 루케니, 민영기가 프란츠 요제프로 호흡을 맞췄다. 2022년에 이어 다시 엘리자벳을 맡은 이지혜는 한층 안정된 무대를 보여줬다. 자유분방한 소녀에서 황후로 성장해서 비극을 거듭 겪으며 고독해지는 중년의 여인까지 긴 시간을 자연스럽게 관통했다. 정확한 발성과 쭉 뻗는 고음, 대극장을 채우는 성량이 돋보였다. 이번 시즌 처음 ‘죽음’을 맡은 서경수와 박은태 역시 베테랑 뮤지컬 배우다운 매력을 마음껏 발산했다. 자유를 추구한 한 여성의 삶을 따라가다 대제국이 무너지는 광경까지 보여주는 멋진 뮤지컬이다.

현대화된 한국군이 자원 분쟁을 도발한 일본을 혼쭐내서 강렬한 카타르시스를 선사했던 이현세 화백의 대작 ‘남벌(南伐)’이 출간 30여년만에 뮤지컬로 관객을 만난다. 6일 제작사에 따르면 뮤지컬 ‘남벌’은 10월 23일부터 11월 14일까지 서울 티켓링크 1975 씨어터에서 초연된다. ‘2026 대형 뮤지컬 시범공연 지원 선정작’으로 만들어지는 공연시간 150분짜리 대형 창작뮤지컬이다. 원작 ‘남벌’은 1994년 발표돼 단행본 누적 판매 100만부를 돌파한 이현세의 대표작이다. 그의 작품들 주인공인 오혜성과 엄지가 등장하는 이야기는 중동에서 시작된 전쟁으로 세계적인 에너지 위기가 닥친 상황을 배경으로 한다. 석유 수입 의존도가 높은 일본은 인도네시아 마루쿠 제도의 유전을 차지하기 위해 현지 세력을 이용해 ‘마루쿠 공화국’을 세우고 자위대를 현지군으로 위장시켜 공작을 벌인다. 이 과정에서 유전 개발에 참여하던 한국인 약 2000명이 인질로 잡히자 한국이 구출을 위해 병력을 파견한다. 한·일 양국의 국지전은 결국 전면전으로 번진다. 후반으로 갈수록 제목이 뜻하는 의미는 더욱 노골적으로 드러난다. 한국군이 쓰시마를 점령하고 규슈와 나가사키를 포격한 뒤 해병대가 일본 본토에 상륙하는 데까지 전쟁이 확대된다. 이 작품은 일제강점기를 두고 벌어졌던 한·일간 과거사 논쟁이 뜨거웠던 1990년대 한국 사회에서 큰 반응을 끌어냈고 비슷한 서사를 가진 작품이 유행하는 계기가 됐다. 뮤지컬은 방대한 전쟁 서사를 그대로 옮기는 대신 원작 전반부 인질 구출 작전을 둘러싼 오혜성의 고뇌와 선택에 중심을 두고 이야기를 재구성했다. 가족을 잃고 사지로 향하는 오혜성과 그의 삶을 다시 전장으로 이끄는 최엄지, 목적을 위해 수단을 가리지 않는 카오루가 서로 다른 신념으로 충돌한다. 제작진이 내세운 질문도 승패보다는 ‘무엇을 위해 싸우고 살아남을 것인가’에 가깝다. 작품에는 전장의 속도감을 강조한 강한 비트에서 인물의 상실과 비극을 담은 서정적인 선율까지 모두 26곡의 넘버가 쓰인다. 극작·작사·연출은 이종훈, 작곡은 조우인이 맡았다.