가요 ‘나는 몰라요’, ‘이웃사촌’ 등으로 1970년대 인기를 누린 가수 옥희(본명 김광숙)가 지난 20일 별세했다. 향년 73세. 고인은 5인조 걸그룹 서울시스터즈 리더로 데뷔해 해외 활동을 펼치고 귀국 후 솔로로 전향해 큰 사랑을 받은 가수다. 박성서 평론가는 “히트곡 제목 ‘이웃사촌’처럼 밝고 친근한 이미지와 노래를 향한 꺾이지 않은 그의 열정은 오래도록 기억될 것”이라고 말했다.

현대 영어 오페라의 걸작으로 꼽히는 벤저민 브리튼의 ‘피터 그라임스’가 18일 국립오페라단 무대에 올랐다. 1945년 영국 초연 이후 81년, 1979년 세종문화회관 개관 당시 콜린 데이비스가 이끈 영국 로열 오페라단 내한으로 국내에 처음 소개된 지 47년 만에 이뤄진 국내 제작 초연이다. 작품은 어린 견습 소년을 조수로 부리는 관행이 남아 있던 영국 동해안의 작은 어촌을 배경으로 한다. 데려온 소년들을 잇달아 잃은 어부 피터 그라임스에게 마을은 의심과 소문으로 린치를 가하고, 끝내 그를 바다로 내몬다. 사회적 타살이다. 사랑을 노래하는 여느 오페라와 달리, 이 작품에는 사랑을 속삭이는 아리아가 없다. 제 처지를 탄식하는 인물들의 음울한 노래가 불협화음처럼 이어질 뿐이다. 무엇보다 극을 끌고 가는 것은 합창이다. 54명에 이르는 합창단이 소문과 지레짐작을 사실로 단정하며 한 사람을 몰아가는 집단으로 살아 움직인다. 바다 빛에서 군청빛으로 물들인 그러데이션 의상을 똑같이 걸친 이들은, 무대 위에서 개별성을 지운 하나의 거대한 집단처럼 보인다. 연출가 줄리앙 샤바는 이 작품을 “신화나 동화가 아니라 동시대적이고 보편적인 사회 드라마”라고 말했다. 혐오와 배제, 집단 린치라는 주제는 마녀사냥의 시대에서 온라인 여론 재판의 시대로 옷만 갈아입었을 뿐, 조금도 낡지 않았다. 다만 ‘오해와 소문이 빚은 비극’이라는 작품 홍보 문구는 보기에 따라선 동의하기 쉽지 않다. 집단이 한 개인을 극한으로 몰아간다는 구도는 지켜지나, 국립오페라단 무대 속 주인공 그라임스는 그렇게 결백하지 않다. 소년이 거듭 죽어 나가는데도 그의 태도는 변하지 않는다. 게다가 국립오페라단 무대에선 견습소년으로서는 너무 어려 보이는 어린이를 무대에 올렸다. 그런데도 그라임스는 더 나은 삶으로 올라서겠다는 맹목적 욕심에 사로잡혀 아이들의 희생 앞에서도 일말의 반성을 내비치지 않는다. 그를 구원하려는 이웃 엘렌 오포드의 헌신이 어리석어 보일 지경이다. 조지 크래브의 원작 시에서 그라임스는 연민도 가책도 없는 가해자였다. 브리튼은 이를 오페라로 만들면서 그라임스를 향한 혐의를 직접적 살해에서 과실과 방임 쪽으로 옮겨 유죄와 무죄 어느 쪽으로도 단정하지 못하게 만들었다. 그래서 질문은 피터가 아니라 객석으로 되돌아온다. 결코 무죄이기 힘든 피터를 향한 마을 사람들의 단죄는 과연 정당한가. 연출은 이 질문을 냉정하게 다룬다. 2024년 국립오페라단 ‘죽음의 도시’에서 절제된 미학과 섬세한 연출로 호평받은 샤바는 중간중간 심해어 탈을 쓴 사람들의 춤 등 고개를 갸웃거리게 만드는 장면도 넣었으나, 3막에서 연출력을 폭발시켰다. 마을 사람들이 피터를 조리돌리는 장면에서 무용수 김채희가 연기하는 꼭두각시로 피터를 등장시켜 압도적인 한 장면을 빚어냈다. 노란·파란 우비를 뒤집어쓴 채 얼굴이 지워진 인형이 군중의 손에 밧줄로 끌려다니고, 사람들이 머리 위로 플라스틱 상자를 치켜드는 순간, 단죄의 폭력성이 응축된다. 인간이 인간을 인형처럼 끌고 다니는 그 장면은 이 무대가 도달한 정점이었다. 혼이 나간 듯한 피터를 죽은 아이들의 영혼이 손전등 불빛으로 비추며 추궁하는 대목도 서늘하다. 피투성이 러닝셔츠와 반바지 차림으로 텅 빈 무대에 홀로 선 피터가 절규하는 마지막, ‘먼바다로 나아가 배를 가라앉히라’는 냉정한 조언을 따라 무대 뒤편으로 사라지는 대목도 깊은 여운을 남긴다. 무대 디자이너 앰버 판덴훅이 설계한 무대는 1·2막에서 회전무대 위 해체된 녹슨 철제 선체를 선술집·바닷가·피터의 집으로 변모시키며 불안정한 정서를 시각화했다. 거대한 배의 골조가 각도를 틀 때마다 공간의 성격이 바뀌고, 그 틈으로 인물들이 오르내린다. 마지막에 이르러선 그 장치를 모두 비워 냈다. 텅 빈 공간을 조명과 연기(煙氣)만으로 망망대해로 바꿔 놓은 극적 전환이 묵직한 잔상을 남겼다. 다만 주변 인물들의 의상은 카우보이모자를 쓴 여인숙 주인, 흰 가운의 약제사처럼 시대와 출처가 뒤섞이며, 녹슨 배가 빚어낸 무대의 사실적 질감과 다소 겉도는 느낌을 줬다. 18일 공연 출연진의 가창은 편차가 있었다. 엘렌 오포드를 맡은 소프라노 문수진은 풍부한 성량으로 극을 떠받쳤다. 타이틀 롤의 테너 크리스토퍼 벤트리스는 3막에서야 제 실력을 펼쳐 보였다. 알렉산더 조엘이 지휘한 국립심포니오케스트라는 흠잡을 데 없는 연주로 클래식 팬들의 기대가 컸던 바다 간주곡의 매력을 충실히 끌어내는 등 좋은 연주를 들려줬다.

예술은 길고 고된 정련의 결과물이다. 몸으로 정직하게 관객을 만나야 하는 무용수는 더욱 그렇다. 그래서 발레단에서 오전마다 한 시간 남짓 열리는 클래스(일일 훈련)는 무용수들이 매일 예술에 바치는 제의이자, 흐트러진 자신을 다시 다잡는 시간이다. 서울시발레단은 여름철 이 클래스의 문을 외부에 연다. 해외에서 활동하는 무용수가 휴가차 귀국하고 전공 학생들이 방학을 맞는 시기라는 데 착안한 기획이다. 올해도 유망한 전공생과 여름을 맞아 일시 귀국한 K발레 무용수들이 함께 바를 잡았다. 샌프란시스코발레단 솔리스트 최지현과 캐나다 앨버타 발레단 입단을 앞둔 김호연도 그 자리에 있었다. “여섯 살에 발레를 시작한 그때부터 클래스를 해왔습니다. 클래스는 제게 초심을 찾는 시간입니다. ‘플리에’처럼 유치원생 때 하던 것과 크게 다르지 않은 기본 동작을 십수 년째 하고 있습니다. 아침마다 오늘 하루를 어떻게 시작할지 정하는 명상 같은 시간입니다. 오늘 집중해야 할 것은 무엇인지, 아픈 곳이 있다면 그 부위를 어떻게 쓸지 점검합니다.”(최지현) “초등학교 4학년 때 발레를 시작했고 그때부터 클래스를 해왔습니다. 제게 클래스는 간단하지만 무조건 필요한 것입니다. 발레를 하는 이상 가장 기본적이고 절대 빠질 수 없는 요소입니다.”(김호연) 지난 17일 서울 마포 노들섬 서울시발레단 연습실에서 한 시간 남짓 진행된 클래스는 그 자체가 기승전결을 갖춘 하나의 무대였다. 한 손으로 바를 잡고 플리에로 발목·무릎·고관절을 차례로 열며 몸의 수직축과 회전 기능을 점검한다. 발끝을 바닥에 밀어내는 탕뒤로 다리의 선을 가다듬고, 다리로 원을 그리는 롱 드 장브로 골반의 안정을 확인한다. 바를 놓고 무대 한가운데로 나오면 이제 중심을 스스로 잡아야 한다. 느린 아다지오로 균형과 상체의 표현을 다스리고, 빠른 알레그로로 리듬과 발의 민첩함을 끌어올린다. 그리고 클래스의 끝에서 무대를 가로지르며 허공에 솟구치는 그랑 알레그로의 도약이 만들어진다. 매일 같은 순서를 반복하는 이 정비의 시간 끝에서야 무대 위에서 도약하고 비상할 수 있다. 최지현은 “샌프란시스코발레단에서는 클래스가 유급 시간이 아니라 선택 사항”이라며 “그래도 매일 나간다. 어쩌다 못 나가면 친구들한테 ‘너 죽었니’라고 전화 온다”고 말했다. 최지현이 몸담은 샌프란시스코발레단은 1933년 창단된 미국에서 가장 오래된 발레단이다. ‘백조의 호수’, ‘호두까기 인형’ 등을 미국에서 처음 전막공연했다. 최지현은 서울예고 재학 중 출전한 2019년 스위스 로잔 콩쿠르에서 샌프란시스코발레학교 교장의 제안을 받아 전액 장학금으로 유학길에 올랐다. 가자마자 코로나19 대유행으로 힘든 시기를 겪었으나 군무 단원으로 입단한 뒤, 지난해 두 단계를 한 번에 올라 솔리스트가 됐다. “코로나 때는 공연도 리허설도 없어 다른 길을 시작해야 하나 싶을 만큼 힘들었습니다. 집이나 스튜디오를 빌려 혼자 클래스를 하고, 영상을 많이 보면서 이미지 트레이닝을 했습니다.” 배역을 맡는 솔리스트로서의 마음가짐을 묻자 그는 데미 솔리스트 단계를 건너뛰고 곧장 솔리스트가 된 경우라 부담도 컸다고 했다. “코르 드 발레 시절은 정말 힘들었어요. 전막 발레에서 군무를 하면서 어쩌다 솔로 기회가 오면 그것도 해내야 합니다. 그럴 때마다 ‘내가 이것도 할 수 있는 사람’이라는 걸 증명해야 해요.” 이제 솔리스트로서 더 많은 기회를 갖게된 최지현은 앞으로 서고 싶은 무대로 ‘지젤’을 꼽았다. “‘지젤’은 긴 튀튀(무용복)를 입고 ‘폴 드 브라(팔동작)’를 많이 쓰는데, 그 팔의 움직임과 각도가 좋습니다. 아다지오를 좋아해요.” 최지현은 최근 전설적 안무가 윌리엄 포사이스에게 직접 지도도 받았다. “이번에 포사이스의 ‘블레이크 웍스’를 추고 왔습니다. 포사이스가 직접 와서 지도했는데 정말 재미있었습니다. 제임스 블레이크의 음악을 쓰는 작품입니다. 오케스트라가 아니라 보컬과 드럼이 있는 음악인데, 무대 위에서 누군가의 캐릭터가 되는 것이 아니라 최지현으로서 몸을 쓰는 느낌이 좋았습니다.” 선화예고·아메리칸 발레 시어터(ABT) 재클린 케네디 오나시스 스쿨을 거친 김호연이 입단을 앞둔 무용단은 캐나다 주요 발레단이다. 그의 첫 프로 계약 역시 클래스에서 시작됐다. 대규모 청소년 발레 경연인 유스 아메리카 그랑프리(YAGP)에 참가했는데, 그 과정에 마련된 스칼라십 클래스에서 앨버타 발레단에 발탁됐다. 여러 발레단 예술감독이 지켜보는 클래스가 끝나자 한 관계자가 김호연의 참가번호를 불렀다. “그때 제 번호가 870번이었습니다. 객석으로 가보니 앨버타 발레단 단장이 계셨고, 계약을 주고 싶다고 하셨습니다.” 이제 프로 무용수 생활을 시작하는 김호연은 발레를 처음부터 좋아한 것은 아니라고 했다. 어릴 때는 인라인스케이트나 축구·야구·농구를 좋아했고, 발레를 시작한 첫 한 달은 정말 싫었다고 한다. 그러나 선화예중에서 발레를 전공하면서 발레의 매력에 빠져들었다. “압도적으로 잘하면 자연스럽게 사랑하게 될 수도 있겠지만, 저는 오히려 ‘이것밖에 없을 것 같다’는 생각으로 더 열심히 하게 됐습니다.” 그는 앨버타 발레단에서 만날 첫 작품이 ‘지젤’로 알고 있다며 “열심히 해서 주역으로 춤추는 것이 목표”라고 포부를 밝혔다. 먼저 해외 무대에 자리 잡은 최지현은 후배에게 “중견 발레단이 오히려 더 많이 춤추고 더 많이 성장할 수 있다”며 조언을 건넸다. 대형 발레단은 경쟁이 치열해 승급이 어렵고 기회가 짧을 수 있지만, 중소 규모에서는 작품에 잘 맞으면 계급과 상관없이 중요한 배역을 맡으며 대폭 성장할 수 있다는 것이다. 무용수는 직업 수명이 짧은 만큼 어리고 건강할 때 많이 춰보는 것이 중요하다고 그는 강조했다. 최지현, 김호연 모두 해외 콩쿠르 등에서 발탁된 경우여서 한국 무대에 서는 것도 지금 가진 꿈 중 하나다. 최지현은 “기회가 있다면 한국 무대에 너무 감사하게 서고 싶다”며 “매일 기도하는 소원 중 하나”라고 말했다.

현대 영어 오페라의 걸작으로 꼽히는 벤저민 브리튼의 ‘피터 그라임스’가 18일 국립오페라단 무대에 올랐다. 1945년 영국 초연 이후 81년, 1979년 세종문화회관 개관 당시 콜린 데이비스가 이끈 영국 로열 오페라단 내한으로 국내에 처음 소개된 지 47년 만에 이뤄진 국내 제작 초연이다. 작품은 어린 견습 소년을 조수로 부리는 관행이 남아 있던 영국 동해안의 작은 어촌을 배경으로 한다. 데려온 소년들을 잇달아 잃은 어부 피터 그라임스에게 마을은 의심과 소문으로 린치를 가하고, 끝내 그를 바다로 내몬다. 사회적 타살이다. 사랑을 노래하는 여느 오페라와 달리, 이 작품에는 사랑을 속삭이는 아리아가 없다. 제 처지를 탄식하는 인물들의 음울한 노래가 불협화음처럼 이어질 뿐이다. 무엇보다 극을 끌고 가는 것은 합창이다. 54명에 이르는 합창단이 소문과 지레짐작을 사실로 단정하며 한 사람을 몰아가는 집단으로 살아 움직인다. 바다 빛에서 군청빛으로 물들인 그라데이션 의상을 똑같이 걸친 이들은, 무대 위에서 개별성을 지운 하나의 거대한 집단처럼 보인다. 연출가 줄리앙 샤바는 이 작품을 “신화나 동화가 아니라 동시대적이고 보편적인 사회 드라마”라고 말했다. 혐오와 배제, 집단 린치라는 주제는 마녀사냥의 시대에서 온라인 여론 재판의 시대로 옷만 갈아입었을 뿐, 조금도 낡지 않았다. 다만 ‘오해와 소문이 빚은 비극’이라는 작품 홍보 문구는 보기에 따라선 동의하기 쉽지 않다. 집단이 한 개인을 극한으로 몰아간다는 구도는 지켜지나, 국립오페라단 무대 속 주인공 그라임스는 그렇게 결백하지 않다. 소년이 거듭 죽어 나가는데도 그의 태도는 변하지 않는다. 게다가 국립오페라단 무대에선 견습소년으로서는 너무 어려보이는 어린이를 무대에 올렸다. 그런데도 그라임스는 더 나은 삶으로 올라서겠다는 맹목적 욕심에 사로잡혀 아이들의 희생 앞에서도 일말의 반성을 내비치지 않는다. 그를 구원하려는 이웃 엘렌 오포드의 헌신이 어리석어 보일 지경이다. 조지 크래브의 원작 시에서 그라임스는 연민도 가책도 없는 가해자였다. 브리튼은 이를 오페라로 만들면서 그라임스를 향한 혐의를 직접적 살해에서 과실과 방임 쪽으로 옮겨 유죄와 무죄 어느 쪽으로도 단정하지 못하게 만들었다. 그래서 질문은 피터가 아니라 객석으로 되돌아온다. 결코 무죄이기 힘든 피터를 향한 마을 사람들의 단죄는 과연 정당한가. 연출은 이 질문을 냉정하게 다룬다. 2024년 국립오페라단 ‘죽음의 도시’에서 절제된 미학과 섬세한 연출로 호평받은 샤바는 중간중간 심해어 탈을 쓴 사람들의 춤 등 고개를 갸웃거리게 만드는 장면도 넣었으나, 3막에서 연출력을 폭발시켰다. 마을 사람들이 피터를 조리돌리는 장면에서 무용수 김채희가 연기하는 꼭두각시로 피터를 등장시켜 압도적인 한 장면을 빚어냈다. 노란·파란 우비를 뒤집어쓴 채 얼굴이 지워진 인형이 군중의 손에 밧줄로 끌려다니고, 사람들이 머리 위로 플라스틱 상자를 치켜드는 순간, 단죄의 폭력성이 응축된다. 인간이 인간을 인형처럼 끌고 다니는 그 장면은 이 무대가 도달한 정점이었다. 혼이 나간 듯한 피터를 죽은 아이들의 영혼이 손전등 불빛으로 비추며 추궁하는 대목도 서늘하다. 피투성이 러닝셔츠와 반바지 차림으로 텅 빈 무대에 홀로 선 피터가 절규하는 마지막, ‘먼바다로 나아가 배를 가라앉히라’는 냉정한 조언을 따라 무대 뒤편으로 사라지는 대목도 깊은 여운을 남긴다. 무대 디자이너 앰버 판덴훅이 설계한 무대는 1·2막에서 회전무대 위 해체된 녹슨 철제 선체를 선술집·바닷가·피터의 집으로 변모시키며 불안정한 정서를 시각화했다. 거대한 배의 골조가 각도를 틀 때마다 공간의 성격이 바뀌고, 그 틈으로 인물들이 오르내린다. 마지막에 이르러선 그 장치를 모두 비워 냈다. 텅 빈 공간을 조명과 연기(煙氣)만으로 망망대해로 바꿔 놓은 극적 전환이 묵직한 잔상을 남겼다. 다만 주변 인물들의 의상은 카우보이 모자를 쓴 여인숙 주인, 흰 가운의 약제사처럼 시대와 출처가 뒤섞이며, 녹슨 배가 빚어낸 무대의 사실적 질감과 다소 겉도는 느낌을 줬다. 18일 공연 출연진의 가창은 편차가 있었다. 엘렌 오포드를 맡은 소프라노 문수진은 풍부한 성량으로 극을 떠받쳤다. 타이틀 롤의 테너 크리스토퍼 벤트리스는 3막에서야 제 실력을 펼쳐 보였다. 알렉산더 조엘이 지휘한 국립심포니오케스트라는 흠잡을 데 없는 연주로 클래식 팬들의 기대가 컸던 바다 간주곡의 매력을 충실히 끌어내는 등 좋은 연주를 들려줬다. 흔한 사랑의 이중창 하나 없이 한 인간이 공동체에 의해 바다로 내몰리는 과정을 응시한다는 점에서 ‘피터 그라임스’는 오페라가 연애 서사를 넘어 당대의 사회를 정면으로 비판하는 가능성을 보여준 작품이다. 1945년 초연 이후 현대 영어 오페라의 대표작으로 자리 잡은 이 문제작을 국내 관객은 수십 년 만에 만났다. 그런데 최근 취임한 박혜진 국립오페라단 단장은 첫 언론 인터뷰에서 “‘피터 그라임스’는 대중적으로 꽤 난해한 작품”이라며 “점심시간에 전 직원이 샌드위치를 먹으며 작품을 함께 공부하는 프리뷰 시간을 만들었다”고 소개했다. 그러면서 “단장 개인의 지적 호기심이나 제작적 만족감을 채우기 위한 난해한 오페라는 지양해야 한다”는 입장을 밝혔다. 흥행 부담에서 비교적 자유로운 국립오페라단 무대에서조차 ‘피터 그라임스’ 같은 작품을 다시 만나기란 당분간 쉽지 않을 듯하다.

중부권 메가시티 사용설명서/ 김시덕/ 열린책들/ 2만4000원 2018년 ‘서울선언’이후 다섯 번째로 나온 한국 도시 아카이브 시리즈. 발로 쓴 책이라 해도 과언이 아니다. “(청주)봉명주공1단지에 도착한 저는 큰 충격을 받았습니다. 주한미군 기지나 산업도시의 사택 단지 같은 경관이 펼쳐져 있던 것입니다. 저는 태어나서 거의 대부분을 아파트단지에서 살아왔습니다. 잠실·반포·개포주공1단지 같은 유명한 주공아파트들을 거쳐왔고, 그런 추억이 있다 보니 여러 대도시의 주공아파트도 적극적으로 답사하고 있습니다. 하지만 청주의 봉명주공1단지 같은 곳은 처음이었습니다. 처음에는 1층짜리 건물들의 집합체를 과연 주공아파트라고 부를 수 있을까 하는 의아함이 들었다가, 조금 시간이 지난 뒤에는 그곳의 경관에 감탄하며 사진을 찍었습니다.” 도시 인문학자이자 답사가인 저자는 이처럼 대전·세종·청주를 잇는 중부권 메가시티를 샅샅이 훑는다. 행정 권력과 산업, 교통망과 생활권의 변화 속에서 세종권역 등 대한민국의 새로운 중심축이 어떻게 형성되고 있는지를 입체적으로 보여준다. 중부권에는 두 개의 거대한 힘이 동시에 작동하고 있다. 하나는 청주 서북부의 오송·오창·SK하이닉스 등 서울과 강남을 향해 인구·자본·산업이 끌어당겨지는 중부권의 원심력이고, 다른 하나는 국가 권력과 행정 기능을 바탕으로 세종과 대전을 중심에 모아내는 구심력이다. 대전·세종·청주를 잇는 중부권 메가시티는 바로 이 두 흐름이 충돌하고 교차하며 새로운 질서를 만들어가는 현장이다. 부동산 관련 서적은 넘쳐나지만 이 책은 도시를 단순한 개발이나 부동산의 관점 그 이상의 본질적인 관점으로 바라볼 기회를 제공한다. 충주에서 청주로, 공주에서 대전으로 이동한 충청권의 중심축을 따라가며 교통망과 산업 구조가 어떻게 지역의 운명을 바꾸었는지를 보여준다. 또한 세종시의 형성과 오송역의 성장, 청주 서북부 반도체 산업의 확대를 통해 국가 정책과 기업의 투자, 인구 이동이 하나의 거대한 생활권을 어떻게 만들어내는지를 추적한다. 당대 한국 경제와 산업의 흐름을 이해할 수 있는 통찰이 담겨있다.

러시아 마린스키 발레단에서 활약 중인 스타 발레리노 전민철(사진)이 고전 발레의 정점 ‘백조의 호수’로 고국 관객을 만난다. 예술의전당은 8월 14∼23일 오페라극장에서 상연하는 유니버설발레단 ‘백조의 호수’에서 백조 오데트와 사랑에 빠지는 왕자 지크프리트로 마린스키 발레단 퍼스트 솔로이스트인 전민철이 출연한다고 18일 밝혔다. 전민철은 지난해 세계적 발레 콩쿠르인 미국 유스 아메리카 그랑프리(YAGP)에서 대상을 차지했으며, 김기민에 이어 한국인 무용수로는 두 번째로 마린스키 발레단에 입단했다. 전민철과 함께 유니버설발레단 수석무용수 이동탁과 임선우, 이승민, 이현준, 유주형이 번갈아 지크프리트로 출연한다. 유니버설발레단 수석무용수이자 간판스타 홍향기가 지난해에 이어 백조 오데트를 연기한다. 수석무용수 엘리자베타 체프라소바를 비롯해 이유림, 전여진, 서혜원도 오데트에 캐스팅됐다. 음악은 국립심포니오케스트라가 연주하며 올해부터 악단의 청년 오케스트라단(KNCO) 음악감독을 맡은 김성진이 지휘봉을 잡는다. ‘백조의 호수’는 차이콥스키의 웅장한 음악으로 유명하며 고전 발레 3대 걸작 중 하나로 손꼽히는 작품이다. 작품은 마법에 빠져 백조로 변하는 공주 오데트와 왕자 지크프리트의 사랑 이야기를 담았다. 유니버설발레단은 이 작품을 1992년 처음 선보였으며 지난해엔 초연 이후 처음으로 무대 의상을 전면 교체했다.

미국과 이란의 종전 양해각서(MOU) 서명식이 오는 19일 (현지시간) 스위스 휴양지 뷔르겐슈토크에서 열린다고 스위스 정부가 16일 밝혔다. 서명식은 당초 유엔 사무국 등 국제기구가 모여 있는 스위스 제네바에서 열린다고 알려졌다. 그러나 스위스 외무부는 미국과 이란, 중재국 파키스탄과 카타르가 뷔르겐슈토크를 서명식 장소로 제안했다면서 이들 4개국과 소통하며 외교적 여건을 조성하고 있다고 말했다. 스위스 중부 니드발덴주에 있는 뷔르겐슈토크는 알프스 산악지대 휴양단지다. 루체른 호수와 주변 산을 조망하는 명소로서 호수보다 약 500m 높은 산등성이에 있어 호수와 알프스가 한눈에 내려다보인다. 고급리조트가 모인 곳인데 2024년 우크라이나 평화회의를 비롯한 국제행사가 종종 열린다. 스위스 외무부는 현재로서는 서명식 절차와 세부 사항을 알릴 수 없다고 설명했다. 미국과 이란은 이미 지난 14일 종전 MOU에 전자 서명한 상태다. 양측은 협상 대표인 JD 밴스 미국 부통령과 모하마드 바게르 갈리바프 이란의회 의장 등이 참석하는 MOU공식 서명식에 이어 후속 실무협상을 할 예정이다.

무대를 집어삼킬 듯 건반 위를 질주하는 피아니스트. 2022년 반 클라이번 국제 피아노 콩쿠르 우승 이후 클래식팬 기억에 강력히 각인된 임윤찬의 이미지다. 15일 서울 송파구 롯데콘서트홀에서 만난 임윤찬은 달랐다. 천재 소년으로 출발해 세계적 피아니스트로 단숨에 올라선 그가 이번엔 ‘여유’와 ‘성숙’으로 또 한 단계 성장한 모습을 보여줬다. 이날 임윤찬의 연주회는 여러모로 특별했다. 그간 독주회나 정상급 오케스트라와의 협연을 주로 선보여 온 그가 70년 넘는 역사를 지닌 오스트리아 실내악단 카메라타 잘츠부르크, 소프라노 임선혜와 함께 모차르트 협주곡 두 곡과 아리아를 한 무대에 올렸다. 올해 모차르트 탄생 270주년을 맞아 그가 펼치는 ‘모차르트 순례’의 한 걸음으로 프로그램과 출연진까지 임윤찬이 직접 짠 무대였다. 임윤찬은 프로그램북에 기획 의도까지 손수 적어 관객에게 건넸다. 연주자가 무대 밖의 글로 마음을 전하는 일은 흔치 않다. 그는 모차르트의 음악을 들을 때마다 “이 세상은 어쩌면 맑고 순수한 장난뿐”이라는 생각에 어린 시절의 자신으로 돌아가 건반 앞에 앉게 된다고 적었다. 1부를 연 피아노 협주곡 제25번 다장조에서부터 임윤찬은 악단과 긴밀히 호흡했다. 예전의 임윤찬이 피아노를 통해 세계를 자기 안으로 끌어당기는 연주자였다면 이날의 그는 주변의 소리에 귀를 열고 기다릴 줄 아는 연주자였다. 2부에선 여유와 성숙이 한층 더 돋보였다. 첫 곡은 콘서트 아리아 ‘어찌 그대를 잊으리’. 소프라노 임선혜와 함께 만든 무대였다. 임윤찬이 성악과 호흡을 맞추는 건 보기 드문 장면이다. 피아노가 노래를 떠받치고 노래가 다시 피아노를 부르는 대화가 오갔다. 임윤찬은 이 곡이 지난해 힘들었던 시기에 자신에게 큰 위로가 됐고 그 순간이 이번 공연 기획의 영감이 됐다고 밝혔다. 본관이 같은 풍천 임씨인 임선혜와 오래전부터 이 곡을 함께하고 싶었다는 사연도 덧붙였다. 동료와 무대를 함께 만들어 가는 예술가로서 한 뼘 더 자란 모습이었다. ‘천재 피아니스트’라는 수식어를 지나서 자신이 원하는 무대를 설계하고 그 안에서 다른 연주자들과 호흡하는 단계로 들어선 것이다. 마지막 연주로 선택한 피아노 협주곡 제24번 다단조에서 임윤찬은 1·3악장 솔로에서 특유의 열정을 토해 내면서도, 카메라타의 정교한 앙상블을 여유 있게 지켜보며 합을 맞췄다. 이상권 평론가는 “이날 공연은 단순히 1786년에 탄생한 모차르트의 작품을 묶는 것이 아니라, 그가 이미 오페라와 실내악, 협주곡의 감각을 하나의 언어로 통합하고 있었음을 들려준 자리였다”며 “카메라타 잘츠부르크가 절제된 음향과 기민한 응답으로 그 언어의 골격을 세웠다면, 임윤찬은 피아노의 발화와 공명을 바탕으로 그 안의 노래와 긴장, 침묵을 현재의 감각으로 들리게 했다”고 평했다.

‘거제 야호!’로 온라인에서 폭발적인 반응을 얻은 5인조 그룹 리센느(사진)가 해외 진출에 정부 지원을 받게 됐다. 문화체육관광부와 한국콘텐츠진흥원은 대중음악 중소기획사의 해외시장 진출을 지원하는 ‘중소기획사 글로벌 도약 지원’ 사업을 시작한다고 16일 밝혔다. K팝 시장의 지속 가능한 성장을 위해 올해 처음 추진하는 사업으로, 첫 지원 대상에는 리센느, 싸이커스, 튜넥스, 키라스, 캔트비블루, 82메이저, 빅오션, 유스피어, 엑신, 에잇턴 등 10개 그룹이 선정됐다. 문체부는 매년 역량 있는 중소기획사 10곳을 선정해 연간 최대 약 3억원씩 지원할 계획이다. 성과를 낸 중소기획사는 평가 절차를 통해 최대 3년간 지원받을 수 있다. 각 기획사는 지원금을 수출용 음반 및 뮤직비디오 제작, 해외 현지 마케팅 및 홍보, 해외 공연 개최 등 해외 진출에 필요한 분야 내에서 자율적으로 선택해 사용할 수 있다. 그룹 리센느는 일본과 미국 활동에 주력할 계획이다. 최근 일본에서 진행된 ‘케이콘 재팬’에서 공연한 리센느는 오는 8월엔 ‘케이콘 엘에이’에도 출연한다. 이외에 그룹 튜넥스가 인도 진출을 시도하고, 그룹 키라스가 말레이시아 등 아시아 시장을 중심으로 활동한다. 지원 대상 중 유일한 밴드인 캔트비블루는 해외 단독 공연과 프로모션 등을 통해 해외 팬덤을 구축한다.

토니상 6개 부문을 석권하며 대학로 뮤지컬 브로드웨이 흥행 신화를 만들어낸 ‘어쩌면 해피엔딩’이 전국 투어 매진 기록도 세웠다. NHN링크는 서울에서 시작해 전국 16개 도시를 돌며 총 190회 열린 ‘어쩌면 해피엔딩’ 10주년 기념공연이 14일 제주를 마지막으로 전회차 매진 기록을 세웠다고 15일 밝혔다. 올 2월 부산에서 시작된 이번 전국 투어는 대전, 광주, 용인, 인천, 세종, 전주, 평택, 수원, 창원, 대구, 천안, 울산, 당진, 고양, 제주까지 16개 도시에서 총 78회 공연이 펼쳐졌다. 10주년 기념공연을 놓치지 않으려는 관객이 지방 공연에서도 몰리며 평균 객석 점유율 100%(유료 기준 92%)를 기록했다. 지난해 10월부터 올해 1월까지 진행된 서울 공연 역시 112회 전 회차 매진을 기록한 바 있다. 인간을 돕기 위해 만들어진 ‘헬퍼봇’ 올리버와 클레어의 사랑 이야기를 다룬 ‘어쩌면 해피엔딩’은 2016년 초연 때부터 꾸준히 사랑받은 작품이다. 미국 진출에도 성공해서 2004년 브로드웨이에서 ‘메이비 해피 엔딩’으로 개막한 후 지난해 토니상에서 작품상, 극본상, 음악상(작곡 및 작사) 등 6개 부문을 수상했다. 10주년 기념공연에서 올리버역을 맡은 김재범, 신성민, 전성우, 정휘 배우는 “뮤지컬 ‘어쩌면 해피엔딩’과 함께한 여행이 정말 행복했다”, “공연을 하며 있었던 수많은 이야기가 확실한 해피엔딩으로 남을 듯하다” 등의 메시지를 남겼다. 클레어역을 맡은 최수진, 박지연, 박진주, 방민아 배우는 “로봇이지만 인간 못지않은 다채로운 감정을 느낀 아름다운 공연이었다”, “이번 시즌 공연하는 동안 오히려 제가 큰 위로와 힘을 얻었다” 등과 같이 마음을 전했다. ‘최고의 클레어’로 큰 사랑을 받은 배우 전미도는 “극장에 찾아와 주신 관객 여러분 덕분에 ‘해피엔딩’ 같은 시간들을 보낼 수 있었다. 함께해 주신 모든 분들께 진심으로 감사드린다”는 소감을 밝혔다.