'건축계의 노벨상'으로 불리는 프리츠커상. 올해는 칠레가 가져갔다. 갈 길 먼 한국 프리츠커상 재단은 올해 수상자로 칠레 건축가 스밀얀 라디치(60)를 선정했다고 12일 발표했다. 수상자에겐 상금 10만 달러와 청동 메달이 수여된다. 라디치는 런던 서펜타인 파빌리온(2014)과 칠레 콘셉시온의 비오비오 지역극장(2018) 등으로 국제 건축계의 주목을 받아온 건축가다. 이번 수상으로 그는 2016년 알레한드로 아라베나에 이어 두 번째 칠레 출신 프리츠커상 수상자가 됐다. 그의 건축은 조각적 형태와 자연환경을 결합한 독창적인 작업으로 평가받는다. 특히 빛과 시간의 흐름을 공간 속에 끌어들이는 실험적 접근으로 건축계와 예술계에서 높은 평가를 받아왔다. 아내이자 조각가인 마르셀라 코레아와의 공동 작업인 대표작 '직각의 시를 위한 집'(2013)은 르 코르뷔지에의 석판화 연작 '직각의 시'에서 영감을 받아 설계한 주택이다. 위쪽을 향한 개구부를 통해 빛과 시간의 흐름을 받아들이며 사유와 명상의 공간을 만들어낸다. 프리츠커상 심사위원단은 "라디치의 건축은 형태보다 재료와 질감, 공간의 경험을 통해 이야기를 만든다"며 "건축의 가장 근본적인 요소로 돌아가 인간과 환경의 관계를 탐구한다"고 평가했다. ◆건축계 최고 영예, 수상자 일본인 최다 1979년 시카고의 프리츠커(Pritzker) 가문이 하얏트 재단을 통해 설립한 프리츠커상(Pritzker Architecture Prize)은 명실상부한 세계 최고 권위의 건축상이다. 특정 건물 1개가 아니라 '완성된 건축 작업의 총체(body of built work)'를 대상으로 건축사무소·법인이 아니라 개별 '건축가'에게 수여된다. 인종·국적·이념 등과 무관하게 후보가 될 수 있으며 전 세계에서 추천을 받는다. 애초 노벨상 모델을 참고해 제도를 설계했다고 한다. 수상자 선정은 5~9명의 독립적 전문가로 구성된 심사위원단이 외부 영향 없이 독립적으로 결정하며 심의는 비공개로 진행된다. 대체로 살아있는 건축가의 축적된 활동의 성취를 평가한다는 점이 핵심이다. 다만 학계에선 선정 담론이 고정돼 있지 않다고 분석한다. 이념·양식 중심에서 새로움·혁신을 중시하다 최근에는 공공성·사회성으로 평가 기준이 이동하는 경향을 보인다는 분석도 나와 있다. 시상식은 매년 전 세계 건축적으로 의미 있는 장소에서 열린다. 미국 건축가 필립 존슨이 처음 상을 탄 후 공동 수상을 포함해 올해까지 총 55인이 수상의 영예를 얻었다. 대체로 유럽 건축가가 가장 많고 아시아에선 일본이 월등하다. 이중국적자 때문에 집계 기준에 따라 다소 달라지나 수상자 다수 국가는 일본이 9명으로 1위다. 이중국적 복수 반영시 미국 8명, 영국 5명, 프랑스·스페인 각 4명, 이탈리아·아일랜드·스위스 각 3명이다. ◆한국인 수상자는 언제? 한국은 건축 설계 분야에서 세계적인 경쟁력을 갖춘 나라지만 아직 프리츠커상 수상자를 배출하지 못했다. 건축계에서는 그 이유가 건축가 개인의 역량 부족이라기보다 국제 건축 환경과 제도적 구조가 복합적으로 작용한 결과라는 분석이 지배적이다. 우선 국제 건축계의 중심이 여전히 미국과 유럽에 쏠려 있다는 점이 꼽힌다. 주요 건축 저널, 건축학교, 국제 전시, 학술 네트워크가 대부분 서구에 집중된 탓에 한국 건축가의 작업이 국제 담론 속에서 충분히 소개되지 못하고 평가 과정에서도 불리한 위치에 놓이기 쉽다. 일본이 아시아에서 유독 높은 평가를 받아온 데는 그만한 배경이 있다. 일본은 1960년대 이후 건축 연구·출판·전시 체계를 꾸준히 구축해 왔다. 건축가들의 작업을 영어 단행본과 국제 학술지, 해외 전시를 통해 꾸준히 알려온 결과, 자연과 공간을 중시하는 독자적인 건축 언어가 세계 건축계의 공용어처럼 자리 잡았다. 안도 다다오·이토 도요오·세지마 가즈요·반 시게루 등 9명의 수상자는 그 집적의 산물이다. 심사 방식도 변수다. 프리츠커상 심사위원들은 후보 건축가의 주요 작품을 직접 방문해 공간 경험을 평가한다. 국제적으로 알려지고 접근하기 쉬운 프로젝트가 많을수록 유리할 수밖에 없는 구조다. 수상 경향의 변화도 주목할 필요가 있다. 프리츠커상은 과거에는 조형성과 디자인 혁신에 무게를 뒀지만, 최근에는 공공성·사회적 기여·지속가능성 같은 가치를 더 중시하는 흐름이다. 학교·도서관·공공주택을 통해 사회 속에서 건축의 역할을 보여준 건축가들이 잇따라 선정되고 있다. 이 점에서 한국 건축 환경의 구조적 한계가 드러난다. 국내 건축 시장은 민간 개발 중심이어서 건축가가 장기간 철학을 실험할 수 있는 공공 프로젝트의 절대량이 부족하다. 개인의 작업 세계가 도시와 사회 속에서 두껍게 쌓이기 어려운 토양이다. 건축 기록의 빈곤도 문제다. 건축가의 작품을 도면·사진·연구서·사용자 증언으로 체계적으로 축적하는 문화가 국제 건축계에서는 일종의 관행인데, 한국은 그 인프라가 취약하다. 전문가들은 영어 모노그래프 출판과 공개 아카이브 구축을 서두르는 한편, 공공 건축 발주 방식도 단기 비용·일정 중심에서 벗어나 설계 품질과 사회적 성과를 함께 평가하는 방향으로 바꿔야 한다고 지적한다. 한국 건축가들이 베니스 건축 비엔날레와 해외 대학, 국제 설계 공모 등에서 활동 반경을 넓히고 있는 것은 고무적인 변화다. 구체적인 성과가 나오려면 개별 건축가의 역량을 뒷받침할 제도와 기록 문화가 함께 성숙해야 한다는 게 건축계의 공통된 시각이다.

바라만 보던 무대 위에서 자신의 목소리 희곡 속 인물의 삶을 깨운다. 연극이 관람이 아닌 체험이 되는 순간이다. 대본 속 활자에 직접 숨결을 불어넣는 경험은 일상에 가려져 있던 또 다른 '나'를 발견하게 하는 해방의 시간이다. 국립극단은 시민들이 직접 희곡을 읽고 낭독하며 연극의 즐거움을 발견하는 2026 시민 희곡 낭독 아카데미 '명동: 낭독으로 잇다'의 참가자를 모집한다. 시민에게 능동적인 예술 경험을 제공하고, 극장을 일상적인 문화 플랫폼으로 인식하도록 돕기 위해 기획된 국립극단의 대표적인 참여형 예술사업이다. 지난해 '1년 365일 문 연 극장'을 표방하며 첫선을 보였던 '명동: 낭독으로 잇다'는 시민들의 폭발적인 관심을 받았다. 개설 당시 총 45명 모집에 354명이 지원하며 약 7.9대 1의 높은 경쟁률을 기록했다. 올해는 이 같은 성과를 이어받아 일회성 체험을 넘어선 심화 예술 교육으로 정착시키고, 관객이 목소리의 주인공으로 거듭나는 명동만의 새로운 전통을 세울 계획이다. 프로그램은 단순히 희곡을 읽는 교육을 넘어 시민과 극장 사이의 심리적 거리를 좁히는 데 방점을 찍는다. 참여자들은 텍스트 속에 숨겨진 인물의 삶을 자신의 목소리로 복원하며, 일상에 가려져 있던 내면을 발견하는 특별한 시간을 갖게 된다. 지난해 참가자 중 한 명은 "나 자신도 열지 못했던 깊은 곳의 오래된 문이 열리며 해방감을 느꼈다"고 소감을 밝혔다. 특히 이번 아카데미는 국립극단 무대에서 깊은 공력을 쌓아온 배우들이 직접 시민의 멘토로 나선다. 화요일 저녁반의 이상은은 '안티고네' '보존과학자' 등에서 활약한 시즌단원 출신으로 무대 언어의 정수를 전수한다. 수요일 오후반의 안병식은 극단 돌파구의 창단 멤버이자 풍부한 시민 연극 지도 경험을 바탕으로 참가자들의 잠재력을 끌어올린다. 목요일 오전반을 이끄는 문예주는 국립극단 시즌단원 활동을 통해 다져진 탄탄한 연기력으로 시민들과 깊이 있게 교감하며 예술의 일상화를 실천할 계획이다. 교육은 4월 14일부터 10주간 진행되며 호흡·발성 훈련, 작품 분석, 장면 실습으로 이어진다. 대미를 장식할 최종 낭독 발표회는 명동예술극장 연습실에서 열린다. 실제 배우들이 작품을 빚어내는 가장 뜨거운 현장인 연습실에서 참가자들은 10주간 갈고닦은 목소리를 선보인다. 화려한 무대 장치 대신 오직 목소리와 희곡에만 집중하는 발표회는 수수하지만 가장 뜨거운 예술적 순간이 될 전망이다. 박정희 단장 겸 예술감독은 "지난해 '명동: 낭독으로 잇다'에 보내주신 시민들의 폭발적인 성원을 통해, 연극이라는 예술이 우리 일상과 얼마나 긴밀하게 호흡하고 있는지를 다시 한번 확인했다"며 "단순히 희곡을 읽는 행위를 넘어, 배우들의 숨결이 깃든 연습실에서 자신의 목소리로 작품을 깨우는 이 특별한 경험이 시민들에게는 예술적 해방감을, 명동예술극장에는 새로운 생명력을 불어넣는 소중한 계기가 되길 바란다"고 전했다. 참가 신청은 3월 12일부터 26일까지 국립극단 홈페이지에서 진행된다. 참가비 5만원에 전원 추첨제로 운영되며 성인이라면 누구나 지원 가능하다.

뉘른베르크, 나치와 정신과의사/잭 엘하이/채재용 옮김/히포크라테스/1만8000원 TV로 중계되는 12·3 내란 재판을 보노라면 어떻게 그런 일이 벌어졌는지 보통의 상식으로는 이해하기 힘들다. 인류 역사상 최악의 범죄를 저지른 나치 전범들도 그랬다. 신간은 1945년 뉘른베르크 국제군사재판을 앞두고 전범 22명의 곁에 파견된 미국 육군 정신과의사 더글러스 맥글래션 켈리 대위의 이야기다. 러셀 크로우·라미 말렉 주연 영화 ‘뉘른베르크’의 원작이기도 하다. 그에게 맡겨진 공식 임무는 단순했다. “수감자들이 최종 처분을 받을 때까지 재판을 치를 수 있도록, 그들의 정신상태를 유지시키는 일”이었다. 하지만 야심찬 정신과의사였던 켈리에게는 개인적 목표가 있었다. 참혹한 범죄를 저지른 이들에게서 ‘공통된 결함, 악행을 서슴지 않는 성향의 흔적’을 찾아내는 것이었다. 그러나 어떤 일관된 악마적 면모도 발견하지 못했다. 오히려 루프트바페(독일 공군) 초대 총사령관이자 나치 독일의 이인자 헤르만 괴링의 압도적인 카리스마와 지적 매력에 빠져든다. 괴링은 제국의회 의장, 프로이센 수상, 제국 원수 등 수많은 직함을 거머쥔 인물로, 법정에서 유대인 말살 ‘최종 해결책’을 자신은 몰랐다고 주장해 좌중을 경악시켰다. 심지어 히틀러조차 마찬가지였다는 주장을 폈다. 아무도 그 말을 믿지 않았지만, 괴링은 끝까지 카리스마를 잃지 않았다. 데칼코마니 형태의 잉크 반점을 활용하는 로르샤흐 검사에서부터 재판 전 과정까지, 책은 전범들의 인간상을 놀라울 정도로 선명하게 되살린다. 총통 대리 루돌프 헤스, 반유대 신문 ‘돌격수’ 발행인 율리우스 슈트라이허, 동부 제국 장관 알프레트 로젠베르크 등 전범들의 면면도 집중적으로 그려 독자들을 악의 실체 가까이로 이끈다. 저자는 역사적 자료와 추가로 입수한 문서들, 그리고 켈리의 아들 더글러스 켈리 주니어와의 인터뷰를 바탕으로 뉘른베르크의 결정적 장면들을 마치 한 편의 소설처럼 서술한다. 켈리가 도달한 결론은 충격적이었다. “그들은 특별한 사람들이 아니다.” 권력을 향해 막대한 에너지를 쏟아붓고 어떤 수단이든 이용하는 사람이라면 누구나 나치 전범이 될 수 있다는 것이다. 그는 뉘른베르크 이후 수많은 강연에서 “최고위 나치들이 끔찍한 행위를 자행하고 묵인하도록 이끈 자질은 세계 곳곳에서 살아가는 수많은 사람들 안에도 존재한다”고 역설했다. 책은 이 주장에 전적으로 수긍하도록 강요하지 않는다. 그 대신 저자 잭 엘하이는 켈리의 삶이 걸어간 아이러니를 집요하게 뒤쫓는다. 집행 직전 시안화칼륨을 삼키고 자살한 괴링에 대해 켈리는 “노련하면서도 심지어 눈부시다고까지 할 만한 마무리”라는 평을 남겼다. 그러나 켈리 자신도 1958년 1월 폭주하는 야망 끝에 똑같은 방식으로 생을 마감했다. 두 사람의 삶은 한 쌍의 데칼코마니였다. 권위는 언제나 사악하며, 그 악은 적에게서든 우리 자신에게서든 쉽게 모습을 드러내지 않는다.

영국의 전설적 록 밴드 딥 퍼플(Deep Purple)이 16년만에 내한 공연한다. 기획사 위얼라이브는 딥 퍼플이 4월 18일 인천 영종도 파라다이스시티 컬처파크에서 공연한다고 13일 밝혔다. 2010년 마지막으로 한국을 찾은 딥 퍼플은 록 역사에서 가장 빛나는 밴드 중 하나다. 1968년 런던에서 결성된 후 레드 제플린(Led Zeppelin), 블랙 사바스(Black Sabbath)와 함께 1970년대 초중반 브리티시 하드록·헤비메탈의 황금시대를 열었다. 사이키델릭 록과 프로그레시브 록으로 출발한 밴드는 1970년 앨범 'Deep Purple in Rock'을 기점으로 무겁고 강렬한 사운드로 전환하며 하드록과 헤비메탈 장르 형성에 핵심적 역할을 했다. 창립멤버는 보컬 로드 에반스(Rod Evans), 기타 리치 블랙모어(Ritchie Blackmore), 베이스 닉 심퍼(Nick Simper), 키보드 존 로드(Jon Lord), 드럼 이안 페이스(Ian Paice). 이후 에반스와 심퍼가 탈퇴하고 이안 길런(Ian Gillan)과 로저 글로버(Roger Glover)가 합류하면서 밴드 역사상 가장 전성기로 평가받는 라인업이 완성됐다. 이들은 네 장의 스튜디오 앨범과 라이브 앨범 을 발표하며 하드록·헤비메탈 장르의 토대를 다졌다. 특히 '머신 헤드(Machine Head)'에 수록된 '스모크 온 더 워터(Smoke on the Water)'는 기타를 처음 잡는 이들이 반드시 거치는 리프로 유명해졌다. '하이웨이 스타(Highway Star)'와 '차일드 인 타임(Child in Time)' 등 셀 수 없이 많은 명곡을 남겼다. 또 1975년 기네스 세계기록은 1972년 런던 레인보우 씨어터 공연을 근거로 딥 퍼플을 '세계에서 가장 시끄러운 밴드'로 등재했다. 그러나 밴드는 수차례 멤버 교체와 해산·재결합을 거쳤다. 레인보우(Rainbow), 화이트스네이크(Whitesnake), 길런(Gillan) 등이 모두 딥 퍼플 출신 뮤지션들이 만든 밴드다. 현재 라인업은 이안 길런(보컬), 로저 글로버(베이스), 이안 페이스(드럼), 돈 에이리(키보드), 사이먼 맥브라이드(기타)의 5인 체제다. 창립 멤버 중에는 페이스만이 유일하게 남아 있다. 주최사는 "시대를 넘나들며 독보적인 음악적 유산을 남긴 딥 퍼플은 이번 내한 공연에서 시간이 흘러도 변치 않는 거장의 품격과 압도적인 사운드를 다시 한 번 한국 팬들에게 각인시킬 예정"이라고 밝혔다.

제정 러시아 시대 샹들리에 불빛이 넘실거리는 무도회장, 밀밭이 끝없이 펼쳐지는 대평원, 그리고 혁명의 기운이 감도는 모스크바역까지. 어지간한 작품이라면 길을 잃고 헤맬 정도로 넓다란 세종문화회관 대극장이 파노라마처럼 채워진다. LED 화면과 융합한 트러스교와 기둥 네 개가 움직이며 만들어내는 이미지는 화려하고 생생하다. 허영에 쌓인 귀족 사회에 대한 성찰과 노동하는 인간에 대한 애정이 담긴 톨스토이의 세계가 펼쳐진다. 러시아 혈통을 자랑하는 뮤지컬 ‘안나 카레니나’가 7년 만에 돌아왔다. 톨스토이가 1877년 발표한 원작은 두 쌍의 이야기가 평행으로 흐른다. 상류층 유부녀 안나 카레니나는 젊은 귀족 장교 브론스키를 만나 금지된 사랑에 빠진다. 남편 카레닌과의 이혼이 좌절되고 아들마저 빼앗긴 채 사교계에서 추방된 안나는 브론스키와의 관계마저 무너지자 결국 기차에 몸을 던진다. 톨스토이가 애정을 갖고 만든 또다른 커플 레빈과 키티의 이야기는 정반대 방향으로 흐른다. 브론스키에게 한때 마음을 빼앗겼던 키티는 상처를 딛고 레빈과 결혼해 농촌의 대지 위에 삶을 뿌리내린다. 두 여인의 엇갈린 삶이 만들어내는 대위법은 이 소설을 19세기 러시아 문학의 걸작 반열에 올려놓았다. 농노 해방 이후 급변하는 귀족 사회, 위선과 체면으로 유지되는 사교계의 이중성, 그리고 그 구조 안에서 진실한 감정을 품은 한 여성의 파멸을 그렸다. 단순한 불륜 치정극이 아니라 사회가 개인을 어떻게 파괴하는지를 해부한 사회소설이다. 뮤지컬로 옮겨진 이 작품을 온전히 즐기려면 두 가지 전제가 필요하다. 안나가 무도회장에서 단 한 번 만난 남자와 단숨에 사랑에 빠져 가정을 버린다는 것, 그리고 그렇게 불같이 타올랐던 브론스키의 사랑이 2막에선 별다른 설명 없이 식은 상태로 등장한다는 것. 무려 민음사판 기준 3권 총 1800여 쪽에 달하는 대작을 옮기려다 보니 어쩔 수 없는 선택이다. 원작을 읽으며 머릿속으로 상상했던 장면을 무대에서 본다는 것에 의미가 있다. 그만큼 화려한 무대는 어느 한 장면 부족함 없이 제정 러시아 곳곳을 재현한다. 연인이 스케이트를 타는 첫 장면부터 산업화 시대의 상징적인 장소인 기차역과 이에 대비되는 시골 장원, 그리고 귀족 대저택 등이 속도감 있게 나타났다 사라진다. LED 화면에 지나치게 의존하는 요즘 무대 유행과 달리 영상이 무대를 강화하는 수준에서 선을 지킨다. 가장 빼어난 장면은 광활한 대평원이 순식간에 기차역으로 전환되는 순간이다. 스케이트장에서 펼쳐지는 화려한 군무와 밀밭 농부들의 춤도 인상적이다. 19세기 러시아의 숨결이 살아있다. 뮤지컬 ‘안나 카레니나’에서 단 하나의 장면을 꼽으라면 오페라 극장 씬이다. 사교계에서 외면당한 채 홀로 극장에 남겨진 안나는 전설적 소프라노 패티가 노래하는 모습에 몰입한다. 패티가 무대 뒤편 높은 곳에서 아리아를 뽑아내는 동안, 무대 전면에서 이를 홀로 바라보는 안나 모습이 마치 한 컷의 회화처럼 고정된다. ‘오, 나의 사랑하는 이여!(Oh, My Love)’를 듣는 안나의 표정만으로 많은 것이 설명된다. 사교계에서 추방된 여인이 무대 위 예술 앞에서 잠시 자유로워지는 순간이다. 특히 10일 공연에서 패티로 무대에 오른 소프라노 강혜정이 불러 준 아리아는 전율 돋을 만큼 아름다웠다. 결국 이 공연의 가장 큰 과제는 안나의 내면을 보여주기다. 원작이 위대한 이유는 독자가 안나의 의식 속에 함께 있기 때문. 질투, 도취, 자기혐오가 뒤섞인 그 내면을 따라가며 독자는 그녀의 선택을 이해하고 공감할 수 있다. 뮤지컬에선 노래로 감정이 형성되는 과정을 보여주기는 쉽지 않다. 그래서 뮤지컬 속 안나는 무도회 한 번으로 모든 것을 버리는 사랑의 주인공이 되어야 한다. 설명 없이 식어버린 연인, 맥락 없이 폭발하는 질투에 안나는 매력적인 인물 대신 답답한 캐릭터가 됐다. 옥주현·김소향·이지혜가 돌아가며 안나로 무대에 서는데, 이 과제를 어떻게 풀어내느냐가 연기 성공의 관건이다. 원작과 달리 비중이 확 줄어든 뮤지컬 무대임에도 키티는 더 많은 공감을 얻는다. 레빈과 키티 커플의 서사가 오히려 설득력 있게 전달된 덕분이다. 그래서 2막에서 안나와 키티가 화해하는 장면은 아름다웠다. 반면 1막에서 안나가 스스로 눈가루를 뿌리며 춤추는 장면은 기이하다. 오랫동안 뮤지컬 톱스타로 자리를 지켜온 옥주현은 이번 무대 총 38회 공연 중 20회 이상을 혼자 소화한다. ‘배역 몰아주기’ 논란이 벌어졌는데 2막 중 아이를 안고 반주 없이 목소리만으로 부르는 자장가 장면에서 안나의 비극이 비로소 무대 위에서 살아나며 감동을 줬다. 서울 세종문화회관 대극장에서 29일까지.

‘적토마(赤兎馬)’가 바라본 인간사와 영웅 서사를 무대에 펼치는 뮤지컬 ‘적토_고삐와 안장의 역사’가 개막했다. 극단 ‘죽도록달린다’의 서재형 연출·한아름 작가의 신작이자 제18회 공연예술창작산실 ‘올해의 신작’ 선정작으로 지난해부터 기대를 모은 작품이다. 주인공은 중국 고전 ‘삼국지’ 속 명마. 붉은 빛이 도는 털에 토끼처럼 빠른 속도를 자랑했다. 하루에 천리를 달릴 수 있었다. 동탁에서 여포, 조조로 주인이 바뀌었다가 관우와 함께 수많은 전장을 누볐다. 관우가 죽은 후에는 마충이 새 주인이 됐으나 굶어 죽음으로써 주인 뒤를 따랐다는 이야기가 전해진다. ‘적토’에선 주인공이 붉은 털을 지녔지만 대척점에 선 두 마리의 말 ‘토적토(붉은 토끼)’와 ‘호적토(붉은 호랑이)’로 확장된다. 또한 조조의 명마 ‘절영마’를 비롯하여 삼국시대의 난세를 거쳐 간 수많은 군마의 삶을 함께 조명한다. “영웅의 서사에는 늘 말이 함께 하지만, 그 말의 이야기는 누구도 묻지 않았다”는 발상에서 출발한 작품으로 전쟁 속 말의 운명과 인간의 인생이 다르지 않음을 이야기한다. 주인공 ‘토적토’의 생은 권력의 이동, 충성의 전이, 전쟁의 구조를 압축적으로 보여주는 궤적이다. 역사 속에 축적된 피의 상흔을 전쟁 같은 인간의 삶으로 치환하여 관객이 이를 이해하도록 이끄는 서사적 통로 역할을 한다. 말의 역동성은 전자기타 현에서 나오는 예측 불가능한 질감으로 표현되며 회전 무대와 수직적인 레이어링의 2층 구조의 무대로 전장 등이 연출된다. 주인공 ‘토적토’가 주인의 변화와 권력의 이동 속에서 겪는 드라마틱한 여정을 다양한 장르의 음악으로 구현했다. 삼국지 속 장수들과 군마들이 펼쳐내는 전장의 풍경을 역동적인 움직임과 빠른 장면 전환으로 장대하게 그려낸다. ‘토적토’ 역에 신은총·조민호, ‘절영·해설’ 역에 최수형·박민성이 출연하며 총 열두 명의 배우가 등장한다. 서울 SH아트홀에서 3월 29일까지.

우리나라 공연산업이 20% 가까이 성장했다. 문화체육관광부·예술경영지원센터가 11일 발표한 ‘2025년 공연시장 티켓판매 현황 분석 보고서’에 따르면 지난해 각종 공연 관람권 총판매액은 1조7326억원으로 전년 대비 18.8% 증가했다. 건수로는 9.6%(2만3608건) 늘었으며 관람권 1매당 평균 가격도 전년보다 약 5000원 상승한 6만9928원으로 집계됐다. 공연산업 성장의 중심은 대중음악이다. 체육관 등에서 대규모 K팝 공연이 흥행에 성공하면서 대중음악 공연 관람권 총판매액은 9817억원으로 전년 대비 29.0% 증가했다. 공연 건수는 17.0%, 관람권 예매 수는 19.9% 늘어났다. 이는 1만석 이상 대형 공연 증가 등이 복합적으로 작용한 결과로 분석된다. 뮤지컬 분야는 공연 건수 13.9%, 공연 회차 14.6%, 관람권 예매 수 8.9% 증가하며 전체 관람권 판매액도 4989억원으로 전년 대비 7.2% 늘었다. 장기간 공연이 전석 매진을 기록한 ‘어쩌면 해피엔딩’ 등 유명 작품들의 개막이 관객층 시선을 끈 것으로 보인다. 무용 분야 역시 관람권 판매액이 29.5% 증가해 267억원을 기록했다. 공연 건수, 회차, 예매 수 모두 두 자릿수 성장세를 보였다. 해외 현대무용 작품의 활발한 내한공연이 시장 확대에 기여한 것으로 풀이된다. 연극 무대의 경우 전년 대비 모든 실적이 증가하긴 했으나 티켓 판매액(781억원) 등의 증가율이 비교적 낮았다. 공급은 늘어난 반면 수요는 정체된 모습이다. 클래식 공연(831억원) 역시 전년 대비 공연건수나 티켓 예매수는 증가했으나 판매액은 17%나 감소했다. 무료 또는 저렴한 티켓 공연이 많았던 것으로 풀이된다. 세계적 밴드 ‘콜드플레이’, ‘오아시스’의 내한공연과 뮤지컬 ‘알라딘’, ‘웃는 남자’, 가수 싸이의 ‘흠뻑쇼(사진)’ 등이 연간 흥행 상위권을 차지했다. 무대예술 분야에선 ‘라이프 오브 파이’, ‘호두까기 인형’(유니버설발레단,국립발레단), ‘셰익스피어 인 러브’, ‘꽃의 비밀’, ‘진격의 거인 콘서트’, ‘월드오브스트릿 우먼파이터’, ‘미러’, 한뼘사이’ 등이 상위 10위권을 이뤘다.

문화체육관광부가 그룹 방탄소년단(BTS)의 광화문·고양 공연 암표 거래에 대해 경찰 수사를 의뢰하고 법적 제재에 착수했다. 문체부는 BTS의 이번 컴백 공연 예매개시일인 1월 23일 이후 3월 9일까지 주요 온라인 중고거래 플랫폼을 집중적으로 모니터링한 결과 총 1868장(중복 포함)의 암표 판매 게시글을 확인했다고 11일 밝혔다. 공연별로는 고양 콘서트 1853장(중고나라 1398장·티켓베이 455장), 광화문 콘서트 15장(중고나라)이다. 문체부는 이 중 동일 회차 티켓 여러 장을 확보해 고액의 웃돈(프리미엄)을 붙여 판매하려 한 사례 등 불법 암표 판매가 의심되는 4건 105매에 대해 경찰청에 수사를 의뢰했다. 해당 공연들은 1인 1매, 양도 불가 원칙이 적용된다. 특히 광화문 공연의 경우 모바일 QR코드 캡처 사용 금지, 최초 스캔 이후 재발급·재스캔 불가, 입장 시 전체 관객 신분증 본인확인 및 재부착 불가 팔찌 패용, 입장 후 무작위 본인확인 등 철저한 양도 차단 절차가 적용된다. 문체부는 암표 문제 근절을 위해 ‘공연법’과 ‘국민체육진흥법’을 개정(시행 8월 28일)한 바 있다. 개정법은 매크로 사용 여부와 관계없이 모든 부정거래를 금지하며, 판매금액의 최대 50배 이하 과징금 부과와 신고포상금 지원, 사업자의 부정거래 방지조치 의무 등을 신설했다. 문체부는 광화문 공연 추가 예매(3월 12일 오후 8시 예정)를 전후로 암표 판매 및 사기 범죄 가능성이 급증할 수 있다고 보고, 주최 측과 예매처·플랫폼 사업자에게 위반 게시물 즉각 삭제와 현장 본인확인 강화를 재차 요청했다. 이에 따라 중고나라는 3월 11일부터 고양 공연에 대해서도 즉각적인 게시글 삭제와 키워드 필터링 조치를 완료했다. 최휘영 문체부 장관은 “암표는 건전한 공연 시장의 유통 질서를 교란하고 팬들의 순수한 애정을 악용하는 사회적 문제”라며 “이번 수사 의뢰를 시작으로 암표가 근절될 때까지 단호한 조치를 이어가겠다”고 밝혔다. 최 장관은 “암표는 구매자가 없으면 사라질 문제”라면서 “강화된 본인확인 절차로 실질적 양도·양수가 불가능하고 사기 피해 위험도 크므로 반드시 공식 예매처를 이용해야 한다”고 강조했다.

유니버설발레단이 2026년 시즌 개막작으로 ‘발레 한류’의 시작점인 ‘심청’을 선보인다. 1986년 초연 이후 올해로 창작 40주년을 맞이한 한국 창작발레의 이정표를 세운 작품이다. 10일 유니버설발레단에 따르면 이번 공연은 제16회 대한민국발레축제 공식 초청작으로 선정되어 5월 1일부터 3일까지 예술의전당 오페라극장에서 기념비적인 무대를 펼칠 예정이다. 기획 단계부터 세계 무대를 겨냥해 탄생한 ‘심청’은 초연 이후 프랑스, 러시아, 미국 등 전 세계 12개국 40여 도시에서 찬사를 받으며 K발레를 개척한 작품이다. 40년간 안무와 연출, 무대와 의상을 지속적으로 수정 보완하며 동시대성을 이뤄왔다. 특히 가정의 달인 5월에 우리 고유의 정서인 ‘효(孝)’를 아름다운 발레 언어로 풀어낼 것으로 기대된다. ‘심청’만의 특별한 무대는 선원들의 역동적인 군무, 폭풍우가 몰아치는 인당수, 신비로운 바다 요정들의 유려한 움직임과 처연한 달빛 아래 펼쳐지는 ‘문라이트 파드되’ 등이다. 이번 40주년 ‘심청’ 무대는 발레단의 역사를 관통하는 무용수들이 출연한다. 관록의 수석무용수 강미선·홍향기와 신예 이유림이 선보이는 3인 3색의 ‘심청’을 비롯해, 부상을 딛고 돌아온 강민우의 복귀작이다. 또 전설적인 수석무용수 엄재용 지도위원이 ‘왕’ 역으로 특별 출연해 40주년 축제의 의미를 더한다. 수석무용수 임선우가 ‘용왕’과 ‘선장’ 역으로, 올해 입단한 신예 유주형이 ‘용왕’ 역으로 데뷔해 차세대 스타로서의 면모를 각인시킬 예정이다. 특히 마지막 공연에는 강미선, 이현준, 콘스탄틴 노보셀로프, 엄재용 등 유니버설발레단의 황금기를 일궈온 40대 베테랑들이 피날레를 책임진다. 문훈숙 유니버설발레단장은 “1986년 초연 이후 40년간 꾸준히 사랑받아온 ‘심청’은 발레단의 역사이자 자부심이며, 한국 발레의 소중한 자산”이라며 “세계 어디에서도 볼 수 없는 K정신인 효(孝)를 발레로 풀어낸 이 작품으로 오늘의 관객과 다시 호흡하며 미래로 나아가는 의미 있는 시간을 만들겠다”고 밝혔다.

셰익스피어의 ‘맥베스’가 서울 남산 국립극장에서 ‘칼로막베스’로 거듭났다. 주인공은 “맥베스는 보리쌀 침대에서 잠들 팔자, 나는 맥베드가 싫다. 칼로 막 베는 막베스!”라고 외친다. 만화책에서 튀어나온 듯한 인물들이 펼치는 액션활극은 역대급이다. “아름다운 것은 추하고, 추한 것은 아름답다(Fair is foul, foul is fair)”고 일갈한 영국 대문호 작품에 연출가 고선웅은 ‘색즉시공 공즉시색(色不異空 空不異色)’을 더했다. 선·악 이분법 자체가 무의미한 수라도(修羅道)에 벌어지는 살육전을 보여준다. “맥베스가 왕이 되리라”라는 마녀들 예언에 고무된 장군 맥베스가 부인과 공모해 던컨 왕을 시해하고 왕위를 찬탈하는 원작에서 고선웅은 줄거리 큰 골격만 가져왔다. 1장 ‘배경설명’부터 24장 ‘최후’까지 치밀하게 나뉜 단락을 궤도 삼아 속도감 있게 이야기를 펴나가는데 시대 설정을 중세 스코틀랜드에서 죄수·반동분자만 모아놓은 디스토피아적 미래 시대 수감시설 ‘세렝게티 베이’로 바꿔놓았다. ‘세렝게티 베이’는 악이 발생하는 공간이 아니라 악이 발생하도록 설계된 공간이다. 그 안에서도 폭력조직으로 무리지은 악한들이 스스로 도태되도록 정상 사회와 격리된 땅이다. 바깥세상은 그 소멸을 촉진하기 위해 스님과 맹인술사를 들여보내 분열과 대립을 조장한다. 원작의 세 마녀가 노승(스님)과 맹인술사(점쟁이)로 분화된 것. “예언이 없어도 왕이 됐을 것”이라며 맥베스 운명을 연민하는 노승과 달리 맹인술사는 ‘세렝게티 베이’는 소멸을 위해 설계된 공간이고, 그 소멸을 촉진하는 것이 자신의 역할이라는 입장이다. 그러나 원작이 설정한 범위를 한참 넘어서는 결말에선 둘 다 무의미해진다. 선을 주장한 자나 악을 집행한 자 그리고 둘의 논쟁 자체도 등가로 소멸한다. 결국 허무로 수렴하는데 이는 막을 닫으면서 “금방이구나 인생은, 그저 좋게만 사시다 가시기를”이라고 관객에게 고하는 ‘조씨고아, 복수의 씨앗’과 같은 선상에 놓여 있다. ‘악은 응징되고 정의는 회복된다’는 셰익스피어식 도덕적 위안을 싹 걷어내고 비정한 세상의 민낯을 보여주는 것이다. 고선웅 연극의 DNA인 ‘긴장과 이완의 교차’도 여전하다. 관객만 듣기로 약속된 방백을 하던 배우가 폭군이 된 막베스에게 칼을 맞는다. “방백인데…”라고 푸념하자 막베스는 “이제는 방백마저도 용서하지 않겠다”고 눙치고 넘어간다. 더없이 비정한 장면에서도 피식 웃음이 터진다. 웃음이 비극을 더 비극적으로 만드는 건 이 작품이 가진 힘이자 매력이다. 배우들 연기가 멋진 무대다. 막베스 역의 김호산은 이 공연의 기둥이다. 검도 5단·택견 3단 등 무술 도합 10단의 실력을 바탕으로 연극 무대에서 보기 드문 사실적 액션을 구현했다. 그러나 이 공연에서 김호산의 진짜 힘은 액션이 아니라 내면의 변화다. 극 초반 혈기방장한 중간보스에서 독재자로 최후를 맞는 마지막에 이르기까지, 욕망과 양심의 분열, 극심한 공포, 감각의 마비 그리고 자아붕괴와 공허에 이르는 과정을 온몸에서 뿜어내는 기운으로 보여준다. 국립창극단에서 나온 후 연극 무대에 처음 오른 김준수도 맹활약했다. 레이디 막베스를 맡아 욕망의 화신으로서 교태·분노·탐욕의 감정을 자유자재로 오가며 팜므파탈을 입체적으로 구현했다. 창극 ‘트로이의 여인들’, ‘패왕별희’, ‘살로메’ 등에서 보여준 여장 배역 연기로 갈채 받은 그대로다. 몽유병 장면에서 뿜어내는 귀곡성에 가까운 연기가 억압된 죄의식이 어떻게 인성을 파괴할 수 있는지 실감 나게 보여준다. 마방진 공연에서 늘 든든한 기둥 역할을 해온 장재호(맥다프)와 김도완(방커)이 이번에도 극의 비극적 골격을 받쳐주며 믿음직한 연기를 보여준다. 말콤 역의 홍준기는 후반부로 갈수록 힘이 실리는 연기가 돋보인다. 탁월한 배우들 액션 연기와 연출은 ‘칼로막베스’의 큰 매력이다. 집단 난투에서 일대일까지 다양한 격돌이 펼쳐진다. 단순한 볼거리가 아니라 극의 중요한 골격을 이룬다. 십수 명이 서로 칼로 베고 주먹으로 치고 맞고 쓰러지는 장면을 보노라면 저 합을 맞추기까지 수없이 반복했을 고된 연습 장면이 절로 상상이 된다. 막베스와 맥다프의 일대일 대결은 연극판 역대급 액션이다. 다른 작품에서 어이없어 실소했던 슬로모션이 이 장면에선 뛰어난 이미지를 만들어낸다. 연극을 공연하기엔 음향 면에서 벅찬 구조인 3면 개방구조 돔형 무대도 훌륭하게 활용된다. 다만 그 한계가 지닌 벽이 아쉽다. 배우들은 확성 없이 육성만으로 공연하는데 목소리가 안 들리거나 배우가 등을 돌리는 순간 대사가 소실되는 경우도 있다. 그럼에도 배우들 열연은 한계를 극복하며 16년 만에 재연된 이 작품을 빛낸다. 더없이 비정한 세상을 이야기하면서도 관객이 결국 웃고야 마는 무대에서 아름다운 것은 추하고, 추한 것은 아름답다. “하루하루 지껄여대지만 점점 더 죽음으로 기어가. 그래서 인생이란 다 지나고 나면 하찮은 이야기일 뿐…. 잘하지 못했던 일들과 불편했던 시절만 머릿속을 맴도는구나….”(막베스의 마지막 대사) 서울 남산 국립극장 하늘에서 15일까지.