리하르트 바그너(1813~1883)가 남긴 여러 걸작 중에서도 ‘트리스탄과 이졸데’는 음악사에서 특별한 위상을 지닌다. 전통적인 화성학의 규칙을 과감히 무너뜨린 혁신적 화성법 ‘트리스탄 화음’을 선보여 현대 음악의 ‘빅뱅’을 일으킨 작품 중 하나로 평가받는다. ‘채워지지 않는 갈망’을 표현하기 위해 기존 오페라의 관습이었던 아리아와 레치타티보의 경계를 허물고 처음부터 끝까지 음악이 끊어지지 않고 흐르는 무한선율 기법을 도입한 바그너 음악의 ‘인장(印章)’같은 오페라다. 1865년 6월 10일 독일 뮌헨 궁정극장 세계 초연 이후 160년 만에 ‘트리스탄과 이졸데’가 서울 예술의전당 오페라극장에서 4∼7일 전막 공연됐다. 국립오페라단이 이 작품 한국 초연을 위해 기울인 노력은 각별했다. 바그너 작품 녹음으로 최근 상을 받은 얍 판 츠베덴이 이끄는 서울시립교향악단과 함께 무대를 만들면서 ‘헬덴테너(바그너 전문 테너)’로 유명한 스튜어트 스켈톤(트리스탄), 캐서린 포스터(이졸데) 등을 불러 모았다. 연출 역시 2023년 독일 콧부스 국립극장에서 같은 작품을 올려 주목받은 스위스 출신 연출가 슈테판 메르키에게 맡겼다. 하지만 “우주선 안에서 펼쳐지는 ‘무한한 우주, 무한한 사랑’, 멀티버스 속 다시 태어난 바그너의 세계”를 표방했던 이 작품은 ‘중력’이란 암초를 피하지 못했다. 애초 연출가는 거대한 우주선 세트와 나선형 구조물, 별빛을 형상화한 조명과 거울을 통해 멀티버스 속을 떠도는 연인들의 사랑과 죽음을 그리는 ‘코스믹 오페라’를 구상했다. 하지만 무대 안전을 위해 바그너 특유의 이분법적 세계관과 현실과 또 다른 세계의 경계를 허무는 모습을 상징적으로 보여줄 예정이었던 나선형 구조물 설치 등이 취소되고 3막을 장식할 예정이었던 잔디밭도 사라졌다. 대신 무대를 원형으로 에워싼 반사판과 성계(星界)를 상징하는 상부 원형 구조물, 그리고 후면 LED 배경이 공연 내내 웅장한 코스믹 이미지를 시각화했다. 하지만 ‘멀티버스와 우주여행, 통제로 둘러싸인 세계를 박차고 나가는 두 인물의 선택’이란 애초 연출의도를 구현하기에는 역부족이었다. 스튜어트 스켈톤이 연기한 트리스탄 역시 세심한 표현력에선 ‘헬덴테너’로서 역량을 입증했지만 이 작품 특유의 사랑과 광기, 절망을 밀어붙이는 추진력은 느슨하게 느껴졌다. 육중한 트리스탄은 무대 위 거동조차 쉬워 보이지 않는 순간이 자주 포착됐다. 다섯 시간에 걸친 대작 공연 추동력은 이졸데를 연기한 캐서린 포스터로부터 나왔다. 한계를 드러내는 순간도 있었으나 노련한 무대가 돋보였다. 투명한 고음과 풍성하고 따뜻한 중저음으로 모든 음역에서 균형잡힌 소리를 들려줬다. 3막 마지막 ‘사랑의 죽음’에선 명불허전의 집중력을 보여줬다. 객석 바로 앞까지 걸어 나와 홀로 스포트라이트를 받으며 삶과 죽음, 낮과 밤, 나와 너의 구분이 사라진 환희의 세계로 나가는 신비한 과정을 아름답게 보여줬다. 호불호가 엇갈린 두 주역과 달리 홀로 존재감을 각인시킨 건 마르케 왕을 맡은 베이스 박종민이다. 배신당한 군주이자 늦게 찾아온 사랑과 신뢰가 무너지는 비극적 인물을 그리는 그의 노래는 2막 긴 독백에서 진가를 발휘했다. 풍부한 성량의 낮게 깔린 레치타티보와 성부를 가득 채우는 긴 호흡으로 상처 입은 왕의 고독과 쓸쓸함을 설득력 있게 형상화했다. ‘트리스탄과 이졸데’ 국내 초연 무대에서 가장 안정감 있는 성취를 보여준 쪽은 서울시립교향악단이다. 15년 만에 오케스트라 반주에 나선 서울시향은 난이도 높은 대작을 훌륭하게 소화했다. 서곡의 ‘트리스탄 화음’에서부터 3막 종결까지 이어지는 긴장과 해소의 파동을 안정적으로 그려냈다. 현악군은 두터우면서도 유연한 음향으로 바그너 특유의 ‘끝나지 않는 선율’을 지탱했고, 목관과 금관은 위험수위의 음량과 조화를 오가며 극의 밀도를 끌어올리는 데 성공했다. 츠베덴의 지휘 역시 무대의 제약과 성악진의 컨디션을 살피며 각 막의 구조를 선명하게 드러내는 데 중점을 두고 극을 이끌었다. 국내 최고 수준의 악단으로서 역량을 유감없이 보여준 무대였다.

독일에서 각광받고 있는 극작가 롤란트 쉼멜페니히 대표작을 한국 정서에 맞게 새로 만든 연극 ‘안산, 황금용’이 공연된다. 7일 창작집단 상상두목에 따르면 ‘안산, 황금용’은 최치언 윤색·연출작으로 12일부터 21일까지 서울 씨어터 쿰에서 관객을 만난다. 원작 문학성을 최대한 살리면서도 극작가로서 ‘공간’을 희곡 안에서 중요한 기제로 사용해온 최치언 연출가의 시각으로 재배치 되어 한국의 사회〮 경제적 맥락에 맞게 재해석 된다. 독일 괴팅겐 출생인 롤란트 쉼멜페니히는 현재 독일을 대표하는 극작가다. 뮌헨에 있는 오토 팔켄베르크 연극학교에서 연출을 전공한 후 뮌헨의 캄머슈필레 극장을 시작으로 베를린의 샤우뷔네, 비엔나 부르크 극장, 베를린 폴크스퀴네 등 저명한 극장에서 일했다. 그의 작품들은 전 세계의 극장들에서 활발하게 공연되고 있다. 우리나라에서도 국립극단이 그의 고대 도시 테베 관련 연작을 2년에 걸쳐 공연중이다. 2009년 비엔나 부르크 극장에서 작·연출로 세계 초연된 ‘황금용’은 2010년 뮐하임 극작가상을 수상한 화제작. 시인·극작가·연출가로 활동해온 최치언은 원작의 보편성에 한국 이주노동 현실을 입혀 또 하나의 독립적 미학을 시도한다. 무대는 이주민 10만 명이 사는 경기 안산 다문화 거리. 타이·차이나·베트남 식당 ‘황금용’에서 일하는 베트남 청년 ‘꼬마’를 중심으로, 불법 체류, 노동 착취, 고립과 차별 등 이주노동자가 맞닥뜨린 현실이 다층적 에피소드로 펼쳐진다. 치료받지 못한 치통과 이의 부패라는 극적 장치를 통해 신체적 고통을 사회 구조의 은유로 치환한다. 주변의 한국인 또한 불행과 불안 속에 놓여 있다는 점을 드러내며, 이주민 문제를 ‘타자’가 아닌 ‘우리 모두의 이야기’로 확장한다. 형식 실험 역시 두드러진다. 작품은 7개의 에피소드, 48개의 장면으로 구성되는 비선형 구조다. 여섯 명의 배우가 17개의 배역을 오가며, 젠더와 나이 경계를 넘는 일인다역을 수행한다. 인물 재현과 배우의 현존이 교차하는 포스트 서사극의 형식을 취해 장면은 쇼트 컷처럼 빠르게 전환되고, 관객은 퍼즐을 맞추듯 서사를 완성하게 된다. 연출은 여기에 코러스를 도입해 파편화된 서사를 연결하고 리듬감을 부여한다. ‘순풍산부인과’에서 ‘미달이’로 이름을 알린 배우 김성은이 출연해 주목된다. 박혜령, 서민균, 서진, 원인진, 임지성 등 상상두목 단체의 주력 배우들이 합류해 무대를 이끈다.

프로이센-프랑스 전쟁 1870-1871/ 레이철 크라스틸/ 이진모 옮김/ 책과함께/ 4만3000원 비스마르크가 이끄는 프로이센이 나폴레옹 3세 치하 프랑스를 압도한 ‘프로이센-프랑스 전쟁’. 독일 통일을 앞세운 프로이센이 프랑스를 격파하면서 유럽의 세력균형이 바뀌었고, 20세기 세계대전의 구조적 원인이 마련됐다. 외교적 갈등에서 비롯된 전쟁은 단기간에 끝났지만 정치·군사·사회에 남긴 파장은 장기적이었다. 원제가 ‘비스마르크의 전쟁(Bismarck’s War)’인 신간은 이 전쟁의 전모를 긴 세월 축적된 사료와 생생한 증언으로 되살려낸다. 워털루 전쟁 이후부터 제1차 세계대전 이전까지 유럽에서 벌어진 가장 큰 규모의 무력 충돌은 근대 유럽을 구성하는 국가와 국민, 전쟁과 사회에 대한 새로운 정의를 낳았다. 특히 외교와 기만으로 점철된 개전 과정을 생생하게 보여준다. 스페인 왕위 계승 문제와 그에 따른 외교 갈등이 어떻게 전쟁으로 전화됐는지 그리고 그 중심에 서 있었던 비스마르크의 정치적 책략이 독자에게 명확하게 드러난다. 이후 벌어지는 세계대전에서 본격화된 ‘동원’(모빌리제이션)과 ‘총력전’(토털 워)이라는 전쟁의 새로운 국면이 어떻게 민간인을 비롯한 모든 사회 구성원을 전쟁의 일부로 만들어갔는지도 상세히 묘사한다. 저자는 “이 전쟁은 군인에게만 해당한 것이 아니라, 민간인까지 포함된 전 국가적 동원의 시작이었다”고 쓴다. 시민의 삶과 정체성이 총칼과 포탄의 구경 속에 휘말렸던 당시의 광경이 독자 앞에 소환된다. 군사 작전과 병법 서술도 치밀하다. 소총·기관총 등 신식화기, 철도와 전신망, 열기구 정찰과 같은 기술적·제도적 변화가 어떻게 전술과 전략을 완전히 바꿨는지 생생하게 보여준다. 거대한 승리를 가능케 한 프로이센군의 ‘운송과 기동’, ‘참모본부 체계’, ‘보병 및 포병의 융합 운영’이 이후 현대전의 뼈대를 세웠음을 설득력 있게 입증한다. 그 결과, 프로이센은 단숨에 유럽의 구도를 뒤엎는 승리를 거두고 1871년 1월 프랑스의 심장 베르사유 궁전에서 독일 제국 수립을 선포한다. 동시에 프랑스는 제2제정을 잃고 공화정으로 전환하며 유럽의 균형은 완전히 독일 쪽으로 기울었다. 유럽 운명이 바뀌고 세계대전의 씨앗이 뿌려진 사건이다.

세계 주요 콩쿠르 관계자들이 콩쿠르 수상이 경력을 보장하는 시대는 가고, 연주자의 독창성·진정성이 더욱 요구되는 시대가 됐다고 입을 모았다. 우승을 목표로 달리는 구조에서 벗어나, 콩쿠르가 오히려 예술가의 정체성과 방향성을 발견하는 공간이 돼야 한다는 제언이다. 한국문화예술위원회는 국제음악콩쿠르연맹(WFIMC)과 공동으로 5일 서울 종로구 대학로 예술가의 집에서 포럼 ‘비욘드 더 스테이지 2025’를 개최했다. 6일까지 열리는 이번 포럼은 차세대 연주자들에게 새로운 비전을 제시하고 콩쿠르의 미래 방향을 논의하는 자리로, 세계 클래식계 주요 기관 관계자들이 모였다. 피터 폴 카인라드 WFIMC 회장은 ‘오늘날의 예술적 정체성’을 주제로 기조연설을 했다. 카인라드 회장은 “우승이 본질이 아니다”라며 “많은 콩쿠르가 (연주자에게) 희망을 주지만 모든 기대를 실현하지는 못한다”고 말했다. 이어 “악보 너머의 연주를 하는 것이 어렵고 두렵다는 것을 잘 안다. 그러나 음악 자체가 아닌 자신만의 이야기를 하는 노력이 필요하다”며 “기존의 것의 복제가 아닌 개성, 진정성, 독창성이 중요하다”고 강조했다. 그는 관객 환경의 변화를 들어 콩쿠르와 연주자 모두 변화해야 한다고 주장했다. “클래식 관객층이 지금처럼 넓었던 적이 없어요. 이제 공연 외에도 음악 스트리밍 플랫폼으로 쉽게 음악을 들을 수 있잖아요. 우리는 젊은 예술가들이 더 과감하고 자유롭고 개성 있는 도전을 할 수 있도록 격려해야 해요. 모든 산업에서 발명가가 필요하듯, 예술가들이 우리 산업(음악)의 발명가입니다. 그들의 영향력을 잊어선 안 되고, 클래식 음악의 패러다임 전환은 지금이 적기입니다.” 이어진 세션에서는 ‘오늘날 콩쿠르는 어떻게 커리어를 지원하는가’를 주제로 각 기관 운영자들이 연사로 나섰다. 박선희 GS문화재단 대표는 “콩쿠르가 연주자 개인이 자신의 길을 발견하는 질문의 장이 돼야 한다”고 강조했다. 박 대표는 “콩쿠르의 역할에 대한 새로운 인식이 필요하다”며 예술가가 스스로에게 던져야 할 3가지 질문을 제시했다. 첫 번째는 “내 연주가 왜 지금 이 시대에 필요한지, 청중에게 어떤 감동을 줄 수 있는지”, 두 번째는 성장의 여정을 함께할 파트너십이 중요한 만큼 “누구와 함께할 것인가”에 대한 고민이다. 그는 이어 “요즘은 전통 레퍼토리와 현대 작품을 엮어내는 기획력, 디지털 플랫폼에서의 소통 능력 등이 필수 역량으로 떠오르고 있다”며 “‘경계를 어떻게 넘을 것인가’라는 질문도 중요하다”고 강조했다. 글렌 곽 인디애나폴리스 콩쿠르 대표와 디디에 슈노르크 제네바 콩쿠르 사무총장은 예술가 성장 플랫폼으로서 콩쿠르의 지원 방식을 다른 기관들과 공유했다. 디디에 슈노르크 제네바 콩쿠르 사무총장은 콩쿠르가 예술가를 성장시키는 플랫폼이 돼야 한다고 강조했다. 그는 “제네바 콩쿠르는 처음엔 단순한 콘서트 기회 제공에서 출발했지만, 지금은 코칭, 전문 컨설팅, 맞춤형 커리어 개발을 아우르는 통합 멘토십 제도로 발전했다”고 말했다. 포럼을 기획·추진한 정병국 예술위원장은 “한국이 콩쿠르 강국은 맞지만 그게 전부는 아니라는 점을 확인했다”며 “우리가 지금까지 지원한 방법이 과연 옳은가에 대해 논의하기 위해 이번 자리를 마련했다”고 말했다.

어린 관객을 위한 맞춤형 ‘호두까기 인형’이 무대에 오른다. 우리나라를 대표하는 남자 무용수로 활약한 김용걸 작품이다. 공연기획사 아트앤아티스트는 ‘호두까기 인형: 해설이 있는 명품 발레’를 5일부터 13일까지 서울 이화여대 ECC 삼성홀에서 공연한다고 4일 밝혔다. 이 작품은 지난해 공연한 콘서트형 발레 ‘설탕요정이 읽어주는 호두까기 인형’을 한층 발전시켜 작품성과 무대에 더욱 집중하며 완성도를 강화했다. 특히 대한민국 발레 1세대인 김용걸이 안무와 연출을 맡아 어린이와 가족 관객 모두가 작품의 흐름과 무대를 자연스럽게 이해할 수 있도록 구성했다. 김용걸은 1995년 국립발레단 수석무용수로 발탁된 후 2000년 파리오페라발레단 한국인 최초 솔리스트를 거쳐 대한민국을 대표하는 발레리노로 자리매김했다. 이번 공연은 발레 입문자와 어린이 관객을 위해 작품 속 마법사 드로셀마이어가 직접 무대 위 해설자로 등장, 이야기의 맥락과 감정을 쉽고 친근하게 전달한다. 발광다이오드(LED)를 활용한 동화 같은 영상과 무대, 화려하고 세련된 의상, 차이콥스키의 우아한 선율이 결합해 동화 속 겨울 왕국이 생생히 펼쳐진다.

독일 WDR쾰른방송오케스트라(WDR·사진)가 2026년 3월 8년 만의 내한 무대를 연다. WDR은 제2차 세계대전 종전 직후인 1947년 당시 영국 관할이었던 북서독일 방송국(NWDR) 쾰른 지국 소속으로 출범한 악단. 나치 정권하에서 금기시되었던 유대계 작곡가들의 작품을 부활시키고 아방가르드 음악을 적극적으로 수용하며 ‘현대 음악의 요람’ 역할을 자처했다. 세련된 음색, 풍부한 다양성, 높은 예술적 완성도와 정통 독일 사운드를 간직한 악단으로서 내한 공연은 2018년 유카 페카 사라스테와 내한한 이후 8년 만이다. 4일 공연기획사 라보라에 따르면 WDR의 이번 내한 무대는 2026년 3월 5일 부산 낙동아트센터를 시작으로 진주 경남문화예술회관(6일), 구미문화예술회관(7일), 부천아트센터(8일)를 거쳐 11일 서울 예술의전당 콘서트홀 무대에서 마무리된다. 지휘봉은 라트비아 출신 안드리스 포가가 잡으며 젊은 첼로 명인 다니엘 뮐러 쇼트와 바이올리니스트 김서현이 협연할 예정이다. 투어의 공통 프로그램인 브람스 이중협주곡은 첼로의 중후함과 바이올린의 예리함을 모두 감상할 수 있는 명곡이다. 이와 함께 차이콥스키 교항곡 4번, 브루크너 교향곡 4번 등을 선사할 예정이다.

개신교 연합기구 한국교회총연합(한교총)의 새 대표회장으로 김정석(사진) 기독교대한감리회 감독회장이 선임됐다. 김 신임 대표회장은 4일 서울 종로구 한국교회100주년기념관에서 열린 한교총 제9회 정기총회에서 공식 취임했다. 임기는 1년이다. 김 회장은 부친 고(故) 김선도 목사에 이어 2001년부터 지난해 10월까지 광림교회 담임목사로 사역했으며, 이후 감리회를 대표하는 감독회장직을 맡았다.

드라마나 영화에 가상의 배경을 삽입해주는 국내 최대 규모의 가상 스튜디오가 문을 연다. 문화체육관광부와 한국콘텐츠진흥원은 3일 대전 유성구 스튜디오큐브에서 ‘버추얼 스튜디오’를 개관했다고 밝혔다. 스튜디오큐브의 버추얼 스튜디오는 대형 발광다이오드(LED) 화면과 실시간 3차원 그래픽 기술을 통해 실제 촬영 현장과 가상의 배경을 결합하는 버추얼(가상) 프로덕션 제작시스템이다. 길이 60m, 높이 8m의 LED 벽에 가상 배경을 구현하고 카메라 움직임에 따라 화면이 함께 반응해 실감 나는 입체적 장면을 촬영할 수 있다. 이날 개관식에서는 카메라 촬영과 동시에 특수효과를 화면에 구현하는 기술인 ‘인-카메라 브이에프엑스(ICVFX)’를 시연했다. 현장에서 촬영된 화면이 가상 배경과 결합해 콘텐츠로 구현되는 과정을 직접 확인할 수 있는 설비다. 문체부는 우선 이달 11∼17일과 내년 3월 16∼31일 두 차례 시범운영사업을 진행해 버추얼 스튜디오에서의 영화·드라마 촬영을 지원한다. 또 이달 4∼8일에는 방송영상콘텐츠 현업 종사자들을 대상으로 ‘버추얼 스튜디오 실무 활용 마스터 클래스’도 연다.

한국발레협회가 1일 서울 서초구 더 리버사이드호텔에서 개최한 한국발레협회상 시상식에서 당쇠르 노브르상, 신인 발레리나상을 각각 수상한 유니버설발레단 임선우(오른쪽), 전여진(왼쪽)이 유병헌 유니버설발레단 예술감독과 함께 기념 촬영을 하고 있다. 임선우는 올해 ‘지젤’, ‘백조의 호수’, ‘돈키호테’ 세 편의 클래식 전막 작품에서 주역으로 데뷔해서 폭넓은 역량을 입증했다. 그 결과 지난해 한국발레협회 신인 발레리노상에 이어 올해 당쇠르 노브르상까지 연이어 받았다. 신인 발레리나상을 수상한 전여진은 올해 ‘지젤’과 ‘백조의 호수’에서 주역을 맡아 캐릭터에 대한 섬세한 표현력으로 성공적인 주역 데뷔를 치렀다.

연극 ‘조씨고아, 복수의 씨앗’이 초연 10주년 기념 공연을 성료(11.21∼30)했다. 2015년 첫 무대에서 한국 연극이 거둔 값진 성취로 평가받으며 대중과 평단의 갈채를 한몸에 받았던 작품이다. 특히 이번 공연은 초연 이후 줄곧 ‘조씨고아’를 품어온 명동예술극장을 떠나 국립극장 해오름에 올랐다는 점에서 의미가 남달랐다. 10년간 쌓아온 서사와 배우들의 호흡이 대극장이라는 낯선 공간을 만나 새로운 파동을 일으켰다. ‘조씨고아’는 중국 원나라 극작가 기군상의 희곡을 고선웅 연출이 현대적으로 각색한 작품. 진나라 도안고 장군의 모략으로 조씨 문중 300명이 몰살된 뒤, 유일한 생존자인 조씨고아가 가문을 드나들던 시골 의원 정영에게 극적으로 구조된다. 정영은 낯선 아이를 살리기 위해 수많은 죽음을 견뎌야 했고, 마흔다섯에 얻은 늦둥이를 대신 바치는 극단적 선택에 이른다. 그렇게 20여 년 동안 벼린 복수는 마침내 완성되지만 그 자리에 남는 감정은 통쾌함이 아니라 깊은 허무다. 고선웅이 던진 질문은 선명하다. “복수는 정답인가. 이 끝없는 고리는 어떻게 끊어야 하는가.” 이번 시즌에서도 ‘고선웅표’ 연출의 미학은 힘을 잃지 않았다. 절묘한 타이밍의 유머와 냉정한 비극을 오가는 감정의 리듬, 생활어의 숨결을 살린 배우들의 조리 있는 발성, 그리고 장면 곳곳에 삽입된 묵자(墨子)의 개입이 촘촘히 배치되며 작품의 독특한 음악성을 이룬다. 이번 공연에서 가장 큰 변화는 무대의 규모다. 객석 수만 놓고 보면 명동예술극장의 547석에서 해오름의 1221석으로 약 두 배 늘어난 정도지만, 체감은 훨씬 크다. 실제 무대 면적으로 비교하면 126.5㎡에서 1334.4㎡로 열 배 이상 확장됐다. 초반에는 이 커진 스케일이 오히려 작품의 밀도를 낮춘 듯한 느낌을 주기도 했다. 배우들의 동선이 길어지면서 장면 간 티키타카가 다소 느슨해지고, 농축된 정서가 넓은 공간으로 빠르게 퍼져나가 ‘에스프레소’에서 ‘아메리카노’로 바뀐 듯한 인상을 준 것이다. 이에 대해 고선웅은 “여러 지방 대극장에서 공연해보니 서사의 중량감과 미장센이 오히려 더 잘 살아나는 경우가 있었다. 언젠가 해오름극장에서 올려보고 싶다는 여망이 늘 있었다”고 프로그램북을 통해 설명했다. 실제 무대가 익숙해지면서 연출가가 말한 ‘서사의 중량감’과 ‘미장센’이 눈에 들어오기 시작했다. 제작진은 이태섭 디자이너의 미니멀한 무대를 해오름에 거의 그대로 옮겼다. 텅 빈 마루와 수직으로 내려오는 커튼, 정영 가족의 조촐한 묘, 거대한 쇠사슬로 여닫는 성문, 그리고 잘린 팔과 같은 상징적 소품들이 대극장 특유의 깊이와 높이 속에서 새로운 질감을 만들어냈다. 장치가 과하지 않은 만큼 인물의 고독과 무력함이 오히려 더 크게 울렸다. 커진 공간이 인간의 운명적 왜소함을 한 층 더 부각한 셈이다. 특히 하성광이 연기한 늙은 정영의 허무는 대극장에서 더욱 증폭됐다. 굽은 등, 바닥에 스미는 목소리, 무릎 꿇은 뒷모습 등 몸짓 하나하나가 거대한 무대 한가운데를 버티며 서사의 무게를 온전히 받아낸다. 아들을 희생해야 하는 아비의 비통, 그리고 20년 만에 조씨고아에게 진실을 털어놓는 장면에서 데뷔 30년차 배우의 공력이 폭발하며 극장에 감정의 파고(波高)를 일으켰다. 진나라 왕 ‘영공’부터 성문지기까지 배역의 경중없이 모든 출연진이 뚜렷한 존재감있는 연기를 펼쳤다. 원작에 없으나 고선웅이 등장시켜 객석 곳곳에서 눈물이 나오게 만든 정영의 처 이지현 배우, 그리고 젊은이를 위해 여생을 미련없이 버리는 공손저구 정진각 연기가 묵직했다. 무엇보다 도완고 역을 맡은 장두이의 압도적 카리스마가 대극장 무대의 긴장감을 견인했다.