뮤지컬 ‘어쩌면 해피엔딩’ 초연 10주년 기념공연 출연진이 공개됐다. 초연 때부터 여러 시즌에 걸쳐 주인공 클레어 역을 맡아 큰 인기를 끌었던 전미도(사진)가 다시 한 번 사랑스러운 헬퍼봇으로 무대에 오른다. 8일 제작사 NHN링크에 따르면 ‘어쩌면 해피엔딩’ 10주년 공연이 10월30일부터 내년 1월25일까지 서울 종로구 두산아트센터 연강홀에서 열린다. 올해 토니상에서 6관왕을 차지한 작품이다. 가까운 미래의 서울을 배경으로 인간을 돕기 위해 만들어진 헬퍼봇 올리버와 클레어가 사랑이라는 감정을 알아가는 과정을 그린 작품이다. ‘윌휴 콤비’로 알려진 작곡가 윌 애런슨과 작가 박천휴 두 창작자의 대표작으로, 2015년 트라이아웃 공연을 시작으로 2016년 국내 초연을 거쳐 2024년까지 총 다섯 시즌 공연됐다. 올리버 역에는 초연에 참여했던 김재범을 비롯한 신성민, 전성우, 정휘가 맡는다. 클레어 역에도 초연에 참여했던 전미도와 최수진이 참여한다. 박지연, 박진주, 방민아도 함께 인물을 연기한다. 제임스 역에는 초연 무대에 올랐던 고훈정이 맡는다. 또 이시안, 박세훈이 참여한다. 전미도와 함께 많은 팬이 출연을 희망했던 배우 정문성 캐스팅은 불발됐다.

전통보다 개성을 중시하는 밀레니얼 세대가 40대 중반에 접어든 세상에서 ‘효’는 어떤 가치를 지닐까. 지금 세상에서도 심청이는 인당수에 몸을 던져야 하는가. 국립창극단 신작 ‘심청’이 관습을 깨뜨린 자리에서 새로운 미학과 담론을 탄생시키며 고전 재해석의 진수를 보여줬다. ‘심청전’의 모든 요소를 과감히 뒤집어 동시대성을 불어넣고 강렬한 메시지를 창출해냈다. 역대급 전복(顚覆)을 연출해낸 이는 요나 김. 유럽 주요 오페라 극장에서 활약 중인 연출가다. 창극을 처음 연출하면서도 오랜시간 공들여서 판소리 ‘심청가’의 주요 대목을 원형 그대로 사용하되, 순서를 바꾸고 상황을 재구성해 상상하기 힘든 서사를 만들어냈다. 원작이 미화해온 시대불변의 덕목 ‘효’를 정면으로 부정하며 우리 사회 가장 약한 존재로서 희생당한 딸들을 위한 진혼제를 무대에 펼쳐 보였다. 줄거리는 원작과 다르지 않다. 난산끝에 어미는 죽고 심봉사는 젖동냥으로 심청을 키운다. 스님은 공양미 삼백석이면 눈을 뜰 수 있다 하고, 뱃사람에게 팔려간 심청은 인당수에 몸을 던진다. 다만 심봉사는 공양미 삼백 석 이야기를 딸에게 세 차례나 되풀이하며 효를 강요한다. 자포자기한 듯 심청은 잠든 아버지 목을 조르려다 제풀에 놀라 멈추고, 깬 심봉사는 아는 듯 모르는 듯 딸을 다독인다. 원작에선 심청을 구하려던 장승상 댁 부인도 이번 무대에선 무심한 방관자에 가깝다. 수양딸 삼겠다던 심청이 자신의 세 아들에게 패악질 당하는 것도 못 본 채 서화 감상에만 골몰한다. 심청이 자신의 구원을 거부하자 “니 진정 그럴진댄 너의 화상이나 그려 널 본듯이 보것노라”라며 그림 놀이에만 몰두한다. 요나 김과 함께 온 유럽 제작진이 만들어낸 ‘심청’의 무대는 간결하지만 미장센과 상징으로 가득하다. ‘치치직’ 소리가 들릴 것 같은 정파 화면만 흐르는 브라운관TV와 한 때는 화려했을 법한 빛바랜 벽지는 영락(零落)한 양반 심봉사 처지를 잘 보여준다. 요나 김이 자신의 무대에서 즐겨 사용하는 라이브 카메라 기법은 이번에 한층 확대되었다. 무선 스테디캠으로 촬영한 영상이 무대 상부 스크린에 전면적으로 투영된다. 냉장고 속 인형, 넋 나간 심청의 얼굴 등이 확대되며 극적 긴장을 높였다. 객석에서 본 심봉사 집은 안방과 거실이 가벽으로 나뉘는 단순한 구조지만, 영상 속에서는 현관-거실-안방으로 이어지는 심도 깊은 공간이 새롭게 구성된다. 차곡차곡 쌓아 올린 파격의 서사는 피날레에서 폭발하듯 분출한다. 용궁도 심황후도 등장하지 않는다. 대신 배우들이 눈을 감은 채 눈꺼풀 위에 눈동자를 그리고 무대를 헤매다 서로 부딪치고 쓰러진다. 눈을 떴으되 눈먼 자들의 도시인 셈이다. 경비병에게 붙잡힌 심봉사는 잔칫상 대신 “아이고 아버지, 여태 눈을 못 뜨셨소”라는 딸의 질책을 듣는다. “두리둥 두리둥 둥둥둥” 심청가의 ‘범피중류’가 흘러나오며 화들짝 놀라 눈을 뜬 심봉사 앞에는 자신의 딸이 바다에 던져지는 참극이 펼쳐진다. 심봉사는 그제야 죄책감에 무너지고 이후 무대에는 어린아이부터 할머니까지 다양한 심청이 등장하는 ‘멀티버스’가 펼쳐진다. 어린 심청은 무심한 눈으로 객석을 바라보고, 노파심청은 여자 아이들을 보호한다. 소녀 심청은 깜빡이는 가로등 기둥을 힘겹게 올라가 전구를 갈아 낀 뒤 내려와서 쓰러진다. 그리고 후드티를 눌러쓴 진짜 심청은 담배 한 대를 맛있게 피워 물고 극장 밖으로 걸어나간다. 국립극장 ‘창극 중심 세계음악극축제’ 개막작(3∼6일,국립극장 해오름)으로서 첫 공연에선 김준수(심봉사 역)와 김우정(심청 역)이 열연했다. 국립창극단 간판스타 김준수는 원숙한 기량을 이번 무대에서도 유감없이 보여줬다. 김우정은 일변하는 표정과 압도적인 눈빛 연기 등이 강렬한 인상을 남겼다. 학대당하는 소녀 역할을 훌륭하게 보여주며 무대 바닥에 누워서 소리하는 등 어려운 장면도 뛰어난 가창력으로 소화해냈다. 줄곧 침묵의 관찰자로 무대를 지켰던 뺑덕어멈 이소연의 연기와 노파심청을 맡은 김미진의 가창도 인상적이었다.

“지난 3년은 저에게 환상적인 인간적·음악적 모험이었습니다. 한국이라는 나라와 삶·일·음악의 방식을 배우며 지냈고, 제 안에 남은 가장 큰 감정은 감사함입니다. 이 시기는 제 인생에서 아주 중요한 단계였고, 저는 여기서 엄청나게 많이 배웠습니다.” 다비트 라일란트 국립심포니오케스트라 초대 음악감독이 지난 5일 정기연주회에서 3년 임기를 끝마쳤다. ‘코리안심포니’가 ‘국립심포니’로 새출발한 2022년부터 악단을 이끌어 온 벨기에 출신 세계적 지휘자다. 연주회가 끝난 후 단원은 석별의 아쉬움을 담은 ‘올드 랭 사인(Auld Lang Syne)’을 연주했고 실력만큼이나 훌륭한 품성으로 단원들을 매료시킨 이 마에스트로는 오랫동안 눈물 흘렸다. 지난 3일 서울 서초동 국립심포니 연습실에서 열린 기자회견(3일)에서 라일란트는 “어떤 지휘자가 아니라 ‘좋은 인간’으로 기억되기를 바란다”며 “미래는 여러분(한국)에게 있고, 과거는 우리(유럽)에게 있다”고 말했다. -지난 3년간 악단의 가장 큰 음악적 변화는 무엇입니까. 라벨 등 프랑스 음악을 집중적으로 선보인 노력은 국립심포니에 어떤 영향을 남길까요. “음악적으로 어떤 변화를 이끌었는지 제가 직접 말하기는 어렵습니다. 하지만 관객들의 반응을 통해 그들이 새로운 경험을 하고 있음을 느낄 수 있었습니다. 모든 음악에는 각기 다른 사명이 있습니다. 품질, 정확성, 투명성, 그리고 다양한 감정을 전달하는 것이죠. 오케스트라의 임무는 이 모든 것을 소화하는 것입니다. 3년은 길다면 길고 짧다면 짧은 시간이지만, 개인적으로 매우 풍부한 문화적 경험을 했습니다. 특히 국립심포니를 통해 베를리오즈의 '로미오와 줄리엣', 라벨의 '다프니스와 클로에' 같은 작품을 성공적으로 연주했습니다. 이는 투명하고 가벼우면서도 음악에 새로운 빛을 비추는 프랑스 음악의 특성을 잘 보여준 사례입니다. 브람스와는 아주 다르죠. 오케스트라가 다양한 종류의 음악을 모두 소화할 수 있어야 한다는 점에서, 프랑스 음악을 함께 경험한 것은 모두에게 풍부한 자산이 되었다고 생각하며, 이는 저 자신에게도 새로운 변화를 가져왔습니다.” -3년간 함께 한 국립심포니 단원에게 어떤 인상을 받았고 어떤 조언을 남기고 싶은가요. “당연히 관객만큼이나 단원들도 문화에 따라 차이가 있습니다. 특히 정치적으로 복잡하고 상황이 다른 프랑스와 비교하면 더욱 그렇습니다. 한국에서 느낀 가장 큰 점은, 모든 단원이 자신의 역량을 최대한 발휘하려는 마음의 준비가 되어 있다는 것입니다. 모두 제시간에 모여 마지막 순간까지 200%의 집중력을 유지합니다. 유럽에서는 연주가 끝나기 10분 전쯤이면 집중력이 흐트러지곤 하는데, 한국 단원들은 끝까지 집중력을 잃지 않습니다. 또한 각 단원들이 ‘나의 재능을 어떻게 전체를 위해 잘 사용할 수 있을까’를 항상 고민하며 연습하는 모습이 인상 깊었습니다. 개인의 성공보다 전체의 조화를 중시하는 것이죠. 유럽은 개인이 어떻게 더 빛날까를 고민하는 경우가 많은데 이러한 생각의 차이는 결국 음악 소리 자체에 영향을 미칩니다. 그래서 제 작업은 일종의 중심을 찾는 과정이었습니다. 개인주의적인 프랑스 연주자와 공동체적인 한국 연주자 사이에서 균형을 맞추며 음악이 말하고자 하는 진실을 전달하는 과정은 매우 흥미로웠습니다. 오늘 아침 단원들에게 이런 이야기를 했습니다. ‘미래는 여러분에게 있고, 과거는 우리(유럽)에게 있다.’ 유럽이 수백 년의 음악 전통을 가졌지만 현재와 미래를 만들어갈 주역은 바로 여러분입니다. 지금 한국의 젊은 솔리스트들이 전 세계 콩쿠르를 휩쓸며 기술적으로 높은 수준을 보여주고 있습니다. 여기에 여러분의 문화에 대한 호기심과 존중을 더해 기술적 능력과 문화적 깊이를 융합한다면, 세상에 영원히 기억될 음악을 남길 수 있을 것입니다.” -초대 국립심포니 예술감독으로서 가장 막중하게 다가왔던 책임은 무엇이며 처음 설정한 비전은 얼마나 달성했나요. 단원에게 어떤 지휘자로 기억되고 싶습니까. “엄청난 압박감이 있었습니다. 첫 번째 책임은 신뢰에 보답하는 것이었습니다. 사람들의 기대를 뛰어넘고 싶었고, 타협하고 싶지 않았습니다. 제 목표는 단원들이 자신의 연주를 듣고 ‘내가 이렇게 잘할 수 있었단 말이야’ 하고 스스로 놀라게 하는 것이었고, 그것을 해내야 한다는 부담감이 컸습니다. 또한 외국인으로서 한국의 문화를 이해하고 존중하며, 나아가 기여해야 한다는 책임감도 느꼈습니다. 3년이라는 짧은 시간에 기여한다는 것이 미미하게 느껴졌지만, 이를 위해 부단히 노력했습니다. 예술가의 비전은 복잡하고 다차원적이어서 시간이 더 필요하다고 느낍니다. 하지만 짧은 시간 동안 슈만으로 시작해 프랑스 작품, 녹음 작업, 유럽 투어까지 많은 것을 함께했습니다. 더 많은 것을 할 수도 있었겠지만, 한계 속에서 많은 것을 함께했던 소중한 기억이 있습니다. 마지막으로, 저는 '어떤 지휘자'가 아니라 '좋은 인간'으로 기억되기를 바랍니다. 우리는 모두 평등한 음악가이자, 각자의 역할 속에서 전체를 이루는 협력자일 뿐입니다. 저의 멘토인 니콜라우스 아르농쿠르는 ‘우리 모두는 미래의 유령’이라고 말했습니다. 우리는 모두 언젠가 영혼으로 돌아갈 존재이기에, 하루하루를 더욱 겸허하게 살아야 합니다. 저는 지휘자가 아닌 한 인간으로 기억되고 싶습니다.” -관객과 교감에 대해 많이 언급하셨습니다. 청중의 반응을 콘서트 중에 어떻게 인지하시나요? 또한 많은 협연자와 무대는 어떻게 기억하는가요. “청중의 가장 아름다운 반응은 아마도 침묵의 밀도에 있을 겁니다. 그 소리 없는 울림은 거의 물리적으로 느껴집니다. 오케스트라가 연주하는 동안, 악장과 악장 사이, 그리고 음악이 끝난 직후의 그 찰나의 정적, 그 강렬함은 박수나 어떤 말보다 더 많은 것을 이야기해줍니다. 그것은 거의 형이상학적인, 정말 물리적인 경험입니다. 두 번째 질문에 대해, 모든 협연자는 우리를 다른 세계, 특별한 에너지로 이끕니다. 협연자는 오케스트라에 영감을 줄 책임이 있고, 그 에너지 교환은 매우 중요합니다. 저는 환상적인 사람들을 만날 수 있었기에 정말 감사합니다. 특히 젊은 한국 연주자들은 작품에 대한 자신만의 비전을 가져옵니다. 때로는 제가 생각하거나 느끼지 못했던 방식이지만, 그들의 연주에 설득당합니다. 그것이 바로 진정한 실력의 정의입니다.” -마지막 연주회 곡목인 무소르그스키의 '전람회의 그림'은 특별한 의미가 있습니까? “솔직히 이 작품이 마지막이 될 줄은 몰랐습니다. 시즌 계획과 솔리스트 일정을 조율하다 보니 우연히 마지막 곡이 되었습니다. 하지만 돌이켜보면 이 작품은 저의 이중적 정체성과도 관련이 깊습니다. 원곡은 러시아 피아노곡이지만, 프랑스 작곡가 라벨이 관현악으로 편곡해 두 얼굴을 가진 작품이 되었죠. 이 두 가지 측면이 저와 연결된다고 생각합니다. 개인적인 의미도 있습니다. 제가 여섯 살 때 처음 연주회에서 들은 곡이 바로 이 곡이었고, 무대 위 색소폰 소리에 매료되어 음악을 시작하게 된 계기가 되었습니다. 제 기억 속 어딘가에 그때 들었던 '전람회의 그림'이 아직도 울리고 있습니다. 또한 이 작품은 현재 복잡한 정치적 맥락을 가집니다. 마지막 곡인 '키예프의 대문'은 지금은 사라졌지만, 당시 러시아 문화의 중심지였던 우크라이나의 역사를 상기시킵니다. 전쟁으로 파괴된 그곳의 복잡한 정치적 의미를 담고 있기에, 지난 두 시즌 동안 이 곡을 세 번 연주하며 그 현재적 의미를 되새기고자 했습니다.” -마지막으로 남기고 싶은 말은 무엇인가요. “이 오케스트라가 여러 질풍노도의 시간을 겪었지만, 앞으로도 오래도록 계속 발전하기를 바랍니다. 저에게도 지난 3년은 음악적으로, 인간적으로도 가장 중요하고 결정적 시기였습니다. 독일어로 '아우프 비더젠(Auf Wiedersehen)'이라고 하죠. 이것이 마지막 인사가 아니라 ‘다시 만납시다’이길 바랍니다. 감사합니다.”

다니엘 라부아(Daniel Lavoie·76). 프랑스·캐나다의 국민가수·예술가이면서 프렌치 뮤지컬 명작 ‘노트르담 드 파리’의 프롤로 신부로 1000번 넘게 무대에 선 배우다. ‘그들은 서로를 사랑한다(Ils s’aiment·1984)’로 프랑스권 국민가수가 됐고 49세 때 새로운 도전삼아 무대에 오른 ‘노트르담 드 파리’ 초연에서 프랑스를 대표하는 뮤지컬 배우가 됐다. 엄청난 흥행을 기록한 초연 이후 다시 가수·방송인의 삶을 살다가 60대 이후 ‘노트르담 드 파리’ 세계 순회공연에 종종 참여하고 있다. 우리나라에서도 코로나 19 시대였던 2021년에 이어 올해 다시 서울 세종문화회관에서 집시 에스메랄다에 영혼을 빼앗겨 고뇌하는 신부로 열연하고 있다. 2일 공연장 인근 호텔에서 만난 노배우는 “노래하는 것을 좋아하기 때문에 가끔 참여하지만, 투어 자체를 좋아하지는 않는다. 중국에서 10개월 투어를 했을 때도 상하이에서 딱 한 번만 무대에 섰다. 하지만 서울에는 왔다”며 “한국 관객은 정말 대단하다. 한국을 아주 좋아하고 이곳에 다시 오고 싶었기 때문”이라고 말했다. -4년여 만에 한국에 다시 온 감회가 궁금합니다. 코로나 대유행 시기에 이뤄졌던 한국 공연은 어떤 기억으로 남아있는가요. “정말 특별한 기억으로 남아있습니다. 당시 한국과 대만은 우리가 여전히 노래할 수 있었던 유일한 장소였기 때문입니다. 그래서 마치 자유를 되찾은 것 같았어요. 캐나다와 프랑스에서는 상황이 매우 엄격했고, 그 모든 것을 견뎌내기가 아주 힘들었거든요. 그래서 한국에 와서 거리를 걷고 가게에 갈 수 있다는 것이 매우 즐거웠습니다. 특히 노래할 수 있다는 것이요.” -1998년 초연 이후 30여년 가까운 세월 동안 프롤로 신부를 연기하고 있습니다. 그토록 오랫동안 한 배역을 연기하는 감흥은 어떤가요. “처음 프롤로를 연기했을 때는 제가 그 역할을 발견하고 창조해나가는 과정이었어요. 처음 연기되는 것이었으니까요. 제가 어떤 일에 뛰어들고 있는지, 이게 성공할지, 먼 미래 지금처럼 한국에서 프롤로를 노래하게 될지 전혀 몰랐습니다. 1년, 어쩌면 2년 정도 공연하고 끝날 것이라고 생각했죠. 실제로 2년 반 후 저는 ‘노트르담 드 파리’를 떠나 18년 동안 다른 일을 했습니다. 그러다 월드 투어 버전을 다시 만들기로 결정했을 때 제 역할로 돌아왔습니다. 다시 이 작품 노래를 부르는 것이 즐거울 것 같았기 때문이죠. 저는 뤽 플라몽동(작사가)의 가사를 정말 정말 좋아합니다. 그리고 18년 동안 떠나 있었던 프롤로가 내 안에서, 무대 위에서 어떻게 변해있을지 궁금했어요.” -초연 당시와 지금 프롤로 신부를 해석하는 것에 많은 변화가 있었을 텐데 어떻게 달라졌나요. “많이 바뀌었습니다. 저는 프롤로를 더 내면화했다고 생각합니다. 그를 더 잘 이해하고, 더 현실적으로 살아 숨 쉬게 하려고 노력했어요. 프롤로의 머릿속으로, 그의 영혼으로 정말 들어가서, 이 인물의 실제 모습일 것이라고 제가 생각하는 바에 부합하는 캐릭터를 만들려고 합니다. 빅토르 위고(뮤지컬 원작소설 ‘노트르담의 꼽추’ 작가)의 인물들이 꽤 전형적이고 일반적이라는 점은 인정해야 하지만요. 이런 원형에 생명을 불어넣기가 항상 쉽지는 않지만, 그럼에도 불구하고 저는 그에게 인간성을 부여하려고 노력합니다.” -이전 공연 영상을 보면 젊은 시절 프롤로에선 ‘거친 욕망’이 느껴진다면 지금의 프롤로는 ‘가지지 못한 것에 대한 갈망’이 느껴집니다. 연기하실 때 의도적으로 준 변화는 무엇인가요. “지금은 예전보다 프롤로의 약점이 더 크게 보입니다. 항상 프롤로를 독신을 선택한 남자, 즉 종교인으로서 여성이 무엇인지도 제대로 알지 못한 채 여성을 가까이해서는 안 되는 사람이라고 생각했어요. 그리고 사랑, 사랑이 그를 덮친 거죠. 그가 겪는 것은... 한국에서도 그렇게 부르는지 모르겠지만, ‘벼락같은 사랑(un coup de foudre)’이라는 것이 있습니다. 왜 그런지도 모른 채 누군가와 사랑에 빠지는 것 말입니다. 저는 프롤로에게 일어난 일이 바로 그것이라고 생각해요. 단순히 소유하고 싶어 하는 것이 아니라, 그는 그녀를 사랑한다고 느끼는 겁니다. 그의 반응 방식이 미숙하고 좀 이상할지라도, 모든 가사가 시종일관 그것을 말해주고 있죠. 프롤로는 에스메랄다에게 자신을 사랑할지 말지에 대한 선택권을 항상 주고 있습니다. 물론 목적을 위해 좀 비열한 수단을 사용하긴 하지만요. ‘선택권을 주겠다, 나와 죽음 사이에서 선택해라’라고 말하는 식이죠. ‘너를 갖겠다’가 아니라 ‘선택권을 주겠다’는 거죠. 여전히 이성적인 사람으로 남아있는 겁니다. 그리고 그것이 제가 아주 좋아하는 프롤로의 흥미로운 측면입니다.” -처음 무대에 오르셨을 때 이 작품이 이렇게까지 오래 공연되며 흥행에 대성공하리라 예상했습니까. 언제 성공을 확신했습니까. “(뮤지컬에서 따로 음반 발매된)첫 곡은 성공하지 못했어요. 아무 일도 일어나지 않았죠. 그래서 ‘우리가 해낼 수 있을까’라고 생각했습니다. 하지만 '벨(Belle)'이 나왔을 때, 반응이 너무나 강력해서 성공할 거라는 걸 알게 됐습니다. 그리고 아주 빠르게 집단적인 열광 상태가 되었어요. ‘프랑스의 비틀스’ 같았죠. 광란이었습니다. 그때 프랑스에서는 아주 잘 될 거라는 걸 금방 알았습니다. 하지만 전 세계에서 '노트르담'을 공연하게 될 줄은 전혀 상상하지 못했어요. 그건 상상하기 더 어려웠습니다.” -시대를 넘어서며 세계인 사랑을 받게 된 '노트르담 드 파리'의 성공 비결과 매력은 무엇인가요. “이런 질문에는 절대로 답할 수 없다는 걸 잘 아실 겁니다. 만약 그 비밀을 안다면, 내일 당장 또 다른 '노트르담 드 파리'를 만들겠죠. 여러 요소들이 신비하게 섞여 있는 것 같습니다. 우선, 빅토르 위고의 약간은 전형적이고, 매우 단순하며 이해하기 쉬운, 거의 어린아이 같기까지 한 이야기가 있습니다. 뤽 플라몽동의 명확하고 깔끔한 각색, 리카르도 코치안테의 아주 아름다운 노래와 멜로디가 있고요. 질 마외(Gilles Maheu)의 단순하고 미니멀한 연출은 완벽하게 맞아떨어집니다. 왜인지는 모르겠지만 그냥 통하는 거죠. 텅 빈 듯한 이상한 무대 장치도 완벽하게 작동하고 캐릭터들이 모든 사람의 마음을 움직입니다. 악당, 선한 사람, 사랑에 빠진 사람 등, 어린 시절에도 쉽게 이해할 수 있는 그런 인물들이죠. 파리에서 만원 관중 앞에서 공연하던 초창기가 기억납니다. 공연이 끝나면 모두가 배우들을 더 가까이 보려고 무대 앞으로 몰려들었죠. 거기에는 7살짜리 아이도, 십 대 소녀도, 나이 든 할아버지도 있었어요. 모든 연령대의 마음을 움직였죠. 그래서 저는 그 비밀 중 하나가 바로 모든 연령대를 감동시킨다는 점이라고 생각합니다.” -이번 공연은 지난 내한공연 당시와 겹치는 출연진이 많습니다. 젊은 동료 배우와 무대 밖에선 어떻게 지내는가요. “잘 지냅니다. 저는 일반적으로 모든 사람과 꽤 잘 지내는 편입니다. 젊은 사람들과 함께 일하는 것은 큰 행복입니다. 그들에게는 제가 항상 가지고 있지는 않은 에너지가 있거든요. 그들에게서 많은 에너지를 받고, 그 대가로 저는 아마 약간의 평온함, 약간의 평정심을 주는 것 같습니다. 잘은 모르겠지만, 서로 주고받는 교감이 완벽하게 잘 이루어집니다. 이 모든 사람들과 함께 일하게 되어 매우 행복합니다.” -지난 8월 캐나다 퀘벡에서 가루(Garou), 브루노 펠티에(Bruno Pelletier) 등 초연 멤버들과 오랜만에 한 무대에 서는 특별한 공연이 있었습니다. 오랜만에 함께한 소감이 어땠나요. “우리는 만날 때마다 행복합니다. 우리는 함께 매우 강렬하고 강한 무언가를 겪었거든요. '노트르담 드 파리' 초반 2∼3년 동안은 정말 대단했기 때문에, 우리는 서로 매우 가깝게 지냈습니다. 그래서 엄청난 친구는 아닐지라도, 대단한 동지가 되었습니다. 퀘벡에서 다시 만난 것은 정말 즐거웠습니다. 다시 만나 함께 노래하게 되어 매우 행복했어요. 정말 멋진 3일이었습니다.” -해외 인터뷰에서 “스트리밍 서비스 때문에 음악의 가치가 떨어졌다"고 말씀하셨습니다. 빠르게 변하는 현재의 음악 시장에 대한 생각은 여전하신가요. “음악을 너무 편하게 소비할 수 있는 세상이 되면서 음악은 더 이상 그 자체로 진정한 가치를 갖지 않게 됐습니다. 소비하고 버리는 무언가가 되었죠. 비닐 앨범 한장이 소중한 물건이었던 시대와 비교하게 됩니다. 어떤 그룹이나 가수가 앨범을 내면 우리는 초조하게 기다렸다가 가게로 달려가 사서 집으로 돌아와 소중히 틀어보곤 했죠. 이제 그런 시절은 갔습니다. 이것이 인생이죠. 인터넷과 스트리밍은 음악의 가치와 우리가 음악으로 살아가는 방식을 바꿔놓았습니다. 예전에는 저작권, 로열티 등이 있어서 음악으로 생활할 수 있었죠. 이제 그 모든 것이 사라졌습니다. '테크 자이언트'들이 우리에게 속했던 돈을 가져가 자신들의 것으로 만들었죠. 그리고 우리는 아무것도 아닌 부스러기만 받습니다. 어쩔 수 없는 일이죠. 우리는 그것을 받아들이고 우리가 사랑하는 일을 계속해야 합니다. 그게 제가 하는 일입니다. 덧붙이자면, 무료 공연의 관객은 종종 최악입니다. 여름 축제 같은 무료 공연에서는 집중하지 않고 왔다 갔다 하죠. 반면 티켓을 사고 오는 관객은 공연을 갈망하고 즐기기 때문에 훨씬 진지합니다. 이것도 스트리밍과 비슷합니다. 공짜인 것은 가치를 잃습니다.” -70대의 나이에도 끊임없이 창작 활동을 이어가시는 원동력은 무엇인가요. 그리고 준비 중이신 새로운 뮤지컬은 어떻게 진행되고 있는지 궁금합니다. “원동력은 저도 전혀 모르겠습니다. 저는 삶을 사랑하고, 제 직업을 사랑합니다. 일할 때, 작곡할 때 행복해요. 그러니 그것은 행복을 향한, 창의성을 향한 끝없는 탐구일 겁니다. 왜 그런지는 모르겠어요. 설명할 수가 없네요. 아마 하늘이 주신 선물이겠죠. (뮤지컬은) 꽤 많이 진행되었습니다. 두 번째와 세 번째 작품도 시작했고요. 뮤지컬 하나를 완성까지 이끄는 것은 매우 길고 복잡한 과정이기 때문입니다. 그래서 하나가 진행되는 동안 다른 하나를 시작하고, 또 다른 것도 시작하죠. 동시에 2,3가지 일을 하고 있습니다.” -한국에도 팬이 많은데 한국 관객에게 전하고 싶은 메시지는 무엇인가요. 프롤로가 부르는 노래를 제외하고 '노트르담 드 파리'에서 가장 좋아하는 넘버는 무엇인가요. “저는 '노트르담 드 파리'를 항상 하지는 않습니다. 노래하는 것을 계속 좋아하기 때문에 가끔 참여하지만, 투어 자체를 하고 싶지는 않아요. 중국에서 10개월 투어를 했을 때도 저는 상하이에서 딱 한 번만 섰어요. 하지만 서울에는 왔습니다. 한국을 아주 좋아하고, 이곳에 다시 오고 싶었기 때문입니다. 그리고 한국 관객은 정말 대단합니다. 우리가 공연하는 이 멋진 세종문화회관은 제가 전 세계에서 공연해 본 곳 중 가장 아름다운 극장이라고 생각합니다. 그래서 이곳에 다시 와서 공연하게 된 것은 큰 행복입니다. 한국 관객들이 감동하고, 쇼를 보며 행복해하셨으면 좋겠습니다. 한국에 오게 되어 기쁘고, 이번엔 제 아내도 함께 와서 새로운 한국을 발견하게 될 겁니다. 가장 좋아하는 곡은... 항상, 여러 가지 이유로, 아마 제가 제 역할을 마치고 죽어서 무대 뒤로 내려갈 때일 겁니다. 그때 콰지모도가 '춤을 춰요, 나의 에스메랄다'를 노래하고 천사들이 하늘로 올라가죠. 천사들이 하늘로 올라가는 것을 볼 때마다 항상 눈물이 났습니다. 그래서 그 곡이 항상 제가 가장 좋아하는 곡이었습니다. 노래 자체도 매우 아름답고, 쇼의 마지막이기도 해서 저를 매우 감동하게 하는 무언가가 있습니다.”

‘라이프 오브 파이’는 개막을 기다리는 올해 공연가 마지막 대작. 영국 맨부커상을 받은 원작 소설의 뛰어난 서사와 상상력을 고스란히 영화로 옮겨 크게 호평받았던 작품을 다시 무대로 옮겼다. 뮤지컬도 연극도 아닌 ‘라이브 온 스테이지’라는 새로운 장르를 자부하는 공연이다. 2019년 영국 셰필드 초연 후 런던 웨스트엔드, 미국 뉴욕 브로드웨이 등으로 진출하며 2022년 영국 로런스 올리비에 어워드 작품상을 포함한 5개 부문 수상, 2023년 토니 어워드 3개 부문 수상의 기록을 세웠다. 초연 당시 영국 매체 가디언과 타임스 등은 “청중을 ‘특별한 여행’으로 안내하는 놀라운 쇼”, “경외감을 불러일으키는 작품”, “단점이 있다면 그것은 한 번 더 보고 싶게 만든다는 점” 등으로 극찬했다. 뮤지컬 ‘라이언 킹’처럼 오리지널 퍼펫(인형)의 살아 움직이는 듯한 연기가 인상적인 작품. 12월 2일 서울 GS아트센터에서 개막할 예정이다. 5일 제작사 에스앤코에 따르면 ‘라이프 오브 파이’의 한국 초연은 파이 역에 박정민·박강현, 아버지 역에 서현철·황만익, 엄마 외 역에 주아·송인성, 오카모토 외 역에 진상현·정호준, 루루 첸 역에 임민영·김지혜 등이 맡는다. 활자에서 스크린으로, 다시 무대의 언어로 구현된 ‘라이프 오브 파이’는 예측 불가능한 스펙터클한 모험, 거대한 자연을 마주하는 경이로움과 두려움 등 희로애락을 표현해야 하는 파이의 연기가 특히 중요하다. 배우가 가진 역량은 물론 육체적, 정신적인 에너지를 쏟아내야만 하는 역할이다. 믿고 보는 배우로 인정받는 박정민의 무대 연기는 ‘로미오와 줄리엣’ 이후 8년 만이다. 박강현은 ‘알라딘’, ‘하데스타운’ 등에서 활약하며 신인상, 조연상, 그리고 주연상까지 차례로 거머쥔 바 있다. 이들을 발탁하기 위해 초연 프로덕션부터 참여해 현재 전 세계 투어를 이끌고 있는 인터내셔널 연출 리 토니와 무브먼트·퍼펫 디렉터 등 해외 크리에이터와 국내 제작진은 지난해 8월부터 공개 오디션을 진행했다. 신체적인 표현력을 보는 오디션부터 자신의 이야기에 상상력을 더하는 연기와 퍼펫과의 호흡을 보는 워크숍을 거쳐 마침내 배우와 퍼펫티어 27명의 퍼즐 조각이 모여 한국 초연의 여정을 이끌 주역들이 완성되었다. 신동원 프로듀서는 “1500여 명의 지원자를 대상으로 각별하고 엄격한 오디션을 진행해서 27명의 주역을 찾았습니다. 최고의 역량을 지닌 이 배우들과 함께 한국 초연을 만들어간다는 것에 설레고 이 배우들이 완성할 무대를 떠올리는 것만으로도 가슴이 뜁니다. 한자리에 모인 것 자체가 하나의 이야기가 될, 보석 같은 배우들의 연기를 보는 것만으로도 관람의 가치는 충분할 것입니다”라고 자부했다.

붉은 굶주림/ 앤 애플바움/ 함규진/ 글항아리/ 4만8000원 2022년 2월 러시아 전면 침공으로 시작된 러시아·우크라이나 전쟁이 3년째 이어지고 있다. 단기전으로 끝나리라는 예상과 달리 장기 소모전으로 이어지면서 양측은 막대한 사상자를 내며 참호선을 따라 대치하고 있다. 러시아의 2014년도 크름반도 병합과 2022년 우크라이나 침공은 뿌리 깊은 두 민족 갈등이 다시 빚어낸 비극이다. 워싱턴포스트에서 15년간 칼럼니스트로 활동한 언론인이자 역사학자인 저자는 서구권에선 그 참상이 제대로 조명되지 못했던 ‘홀로도모르’를 통해 그 근원을 조명한다. 800쪽 분량의 방대한 저술로 우크라이나를 독립 주권 국가로 인정하지 않으려는 스탈린 시대부터 시작된 러시아의 오랜 야욕이 지금 푸틴 시대에까지 이어지고 있다는 것이다. 우크라이나는 어떤 땅인가. 고대 역사가 헤로도토스 때부터 “이 땅만큼 작물이 잘 자라는 땅은 어디에도 없다. 곡물을 파종하지 않은 곳에는 세계에서 가장 울창하게 우거진 수풀이 있다”란 기록이 남겨진 기름진 땅이다. 이처럼 값진 땅을 이웃 나라 폴란드와 러시아는 ‘미개한 변방, 문화와 국가의 기틀이 세워져야 하는 곳’, ‘풍성한 빵 바구니 같은 땅’쯤으로 여기며 오랫동안 수탈했다. 이런 우크라이나에서 대기근이 발생한 건 1932년 초봄이었다. 농민들이 자기 땅을 포기하고 집단 농장에 들어가도록 몰아붙이며, ‘쿨라크(kulaks)’라 불리는 부농을 내쫓은 역사상 최악의 독재자 소련 공산당 서기장 이오시프 스탈린의 정책 때문에 벌어진 일이다. 상황은 계속 악화했다. 1932년 가을 최고지도부인 소련 정치국은 우크라이나 농촌의 기근을 확대·심화하는 일련의 결정을 내리면서 농민이 식량을 찾아 우크라이나 공화국 밖으로 나가는 것조차 금지했다. 소련은 수많은 우크라이나인이 굶어 죽는 와중에도 개별 농가와 집단 농장을 뒤져 징발한 곡물을 외국에 수출했다. 종자까지 모두 빼앗긴 농민들이 이듬해 파종하지 못해 홀로도모르의 두 번째 해인 1933년 기근은 더욱 심해졌다. 그 결과 1931년부터 1934년까지 소련 전역에서 최소한 500만명이 굶어 죽었다. 그들 가운데 390만명이 우크라이나인이었다. 우크라이나 국립과학원 산하 우크라이나 역사연구소의 조사에 따르면 홀로도모르 당시 식인행위로 유죄판결을 받은 사람이 2500명을 넘었다고 한다. ‘굶주림’을 뜻하는 우크라이나어 ‘홀로드(holod)’와 ‘멸종’을 뜻하는 ‘모르(mor)’가 합쳐진 ‘홀로도모르’라는 단어가 생겨났다. 지금도 매년 11월 넷째 주 토요일에 우크라이나가 ‘홀로도모르’를 애도하는 건 대기근 때문만이 아니다. 농민들이 들에서 죽어가던 때에 소련 비밀경찰은 우크라이나의 지성계와 정계 엘리트들을 사냥했다. 홀로도모르와 우크라이나 지성계·정계를 겨냥한 탄압은 소련의 유일 지배에 맞설 우크라이나 도전 일체의 무력화를 가져왔다. 이후에도 소련 지도자들은 줄곧 우크라이나 민족주의를 거칠게 짓밟았다. 우크라이나 역사는 교과 과정에서 사라졌고 ‘홀로도모르’도 역사에서 지워졌다. 1991년 우크라이나가 독립을 선언하면서 비로소 ‘홀로도모르’는 역사로 살아났다. 아이러니하게도 우크라이나의 소비에트 연방 탈퇴 결의로 소련은 끝났다. 독립된 주권 국가 우크라이나가 사상 최초로 등장했다. 새로운 세대의 우크라이나 역사가·언론인 등이 노력한 덕분에 1932년과 1933년에 벌어졌던 대기근의 진상이 세상에 제대로 알려질 수 있었다. 워싱턴포스트에서 14년간 칼럼니스트로 활약했던 저자는 ‘붉은 대기근’의 과거와 현재의 연속성에도 주목한다. 스탈린이 우크라이나를 잠재적 위협으로 본 이유는 분명했다. 독립적 농민 공동체, 민족주의적 지식인 집단, 유럽과 맞닿은 지정학적 위치 등 우크라이나의 모든 것이 중앙집권 체제를 흔들 수 있는 불씨였기 때문이다. 이는 오늘날 러시아의 시각과 크게 다르지 않다. 푸틴 정권 역시 민주적이고 유럽 지향적인 우크라이나가 러시아 국민에게 던질 메시지를 두려워한다. “왜 우리는 그렇게 할 수 없는가”라는 질문이 러시아 내부에서 나오게 된다면 체제 불안으로 직결된다. 이 때문에 러시아는 2014년 크름반도 병합과 동부 돈바스 지역 침공을 ‘반나치 투쟁’으로 포장하며 대규모 허위정보전을 벌였다. 우크라이나 민족주의자들이 아이를 십자가에 못 박았다는 식의 가짜 뉴스까지 만들어냈다. 이는 전자 매체와 소셜미디어를 활용한 현대적 방식이었지만, 본질에서는 스탈린 시대의 선전술과 다르지 않았다. ‘붉은 대기근’은 국가 정체성을 말살하려는 폭력은 결코 완전히 성공할 수 없는 교훈도 남긴다. 우크라이나에선 1930년대에 희생된 세대가 사라졌지만 그들의 유산은 1960~80년대 지하운동으로 이어졌고 결국 1991년 독립과 2014년 유로마이단 혁명으로 되살아났다. 우크라이나 국가 가사의 “우크라이나는 죽지 않았다”라는 구절은 단순한 수사가 아니라, 역사 속에서 증명된 사실이다. 권위주의적 강대국을 이웃으로 둔 나라는 언제든지 우크라이나와 비슷한 비극에 처할 수 있다. 강대국이 역사적 서사를 어떻게 자의적으로 해석하고 군사적 침략의 명분으로 삼을 수 있는지 생생히 보여주는 사례다. 과거 비극을 제대로 기억하고 힘을 만들어놓지 않으면 그 비극은 다른 모습으로 언제든 재현될 수 있다. 힘의 논리가 지배하는 국제무대에서 일제강점기 참혹한 수탈을 겪은 우리나라 역시 과거로부터 얻은 교훈을 끊임없이 성찰하고 미래를 대비해야 한다.

문화체육관광부가 올해보다 10.3% 늘어난 7조7962억원으로 내년 예산안을 편성했다. 5일 문체부에 따르면 이는 2020년 이후 가장 큰 폭으로 늘어난 규모다. 부문별로 살펴보면 문화예술 부문에 올해 예산 대비 2564억원이 증가한 2조6388억원을 편성했다. 콘텐츠 부문은 26.5%(3369억원) 증가한 1조6103억원을 배치, 부문별에서 가장 많은 증가율과 증가액을 보였다. 관광 부문에는 9.4% 증가한 1조4740억원, 체육 부문은 0.3% 오른 1조6795억원을 배치했다. 문체부는 새 정부의 핵심사업을 원활하게 추진하기 위해 ▲'K-컬처' 300조원 시대 개막을 위한 콘텐츠 산업의 국가전략산업화 추진 ▲문화예술 향유 기회 확대 및 예술창작·복지 강화 ▲국민 모두가 즐기는 스포츠, 온 국민이 함께 누리는 관광 환경 조성 등 세 가지 주제에 전략적으로 예산을 편성했다고 설명했다. 콘텐츠산업 성장 관련 정부는 K-콘텐츠의 글로벌 경쟁력 강화를 위해 인프라·투자·기술 지원을 확장한다. 중대형 규모의 공연형 아레나 구축을 위한 기본 연구(5억원)를 추진하고, 콘텐츠 인공지능(AI) 전환 혁신의 기반이 될 K-콘텐츠 펀드 출자를 4650억원으로 대폭 확대한다. 또한 콘텐츠 인공지능(AI) 창·제작 전문인력 및 실무인력을 양성하는 AI 특화 콘텐츠 아카데미에 192억원을 신규 편성하고, AI 콘텐츠 제작 사업 지원도 238억원으로 늘린다. 대중문화예술인의 공헌과 업적을 기리고, 영상산업의 역사·문화·교육적 전시를 결합한 복합문화공간 조성을 위해 155억원을 투입한다. 청년들이 국제적 감각과 역량을 기를 수 있도록 '청년 K-컬처 글로벌 프론티어 사업'을 새로 추진하며 70억원을 편성했다. 현재 분산돼 있는 재외한국문화원, 한국관광공사 해외지사 등 해외 문화 기반을 독일 프랑크푸르트, 인도네시아 자카르타, 아랍에미리트(UAE) 두바이 등 주요 도시를 중심으로 집적화하고 협업사업을 확대하는 등 '글로벌 K-컬처 허브'의 단계적 구축을 위해 내년 2597억원을 배정했다. 예술기업이 자생력을 키울 수 있도록 신용 및 담보력을 지원하는 예술산업 분야 금융지원 사업도 신설된다. 예술산업 금융지원은 융자 200억원, 보증 50억원이, 예술인 복지금고는 50억원이 새로 편성됐다. 청년예술인에 대한 지원도 확대, K-아트 청년창작자 지원에 180억원이 신규 투입된다. 최근 노벨문학상과 토니상 수상 등 세계적 성과를 내고 있는 문학과 뮤지컬에 대한 투자도 확대된다. 한국 문학의 세계 진출을 위한 번역출판 및 번역아카데미 지원사업을 늘리며 K-문학 지원에 내년 206억원을 배정했다. 뮤지컬 분야에서는 창·제작 복합공간 임차 및 시범 공연 제작 지원, 해외 시범 공연 지원 등 신규사업을 추진한다. 내년 K-뮤지컬 지원에는 241억원을 배치했다. 스포츠 분야에서는 기술 혁신 기업 육성을 위해 100억원 규모의 테크펀드를 새롭게 마련한다. 관광분야에서는 6405억원 규모의 융자와 730억원 규모의 관광기업 육성 펀드를 조성한다. 특히 관광기업 육성 펀드에 지역관광 활성화와 AI 특성화 분야를 처음으로 도입해 관광사업의 혁신과 미래 경쟁력 제고를 동시에 추진한다는 계획이다. 인구감소 지역을 대상으로 국민이 해당 지역을 여행할 때 지출한 금액 일부를 지역사랑 상품권으로 환급해주는 신규사업을 도입, 65억원을 편성했다. 정부·기업·근로자가 함께 휴가비를 적립해 근로자의 국내 여행경비를 지원하는 근로자 휴가지원에는 107억원을 배치했다. 고령화 사회에 맞춰 생활체육 참여 기회 확대를 위해 공공체육시설 개·보수를 위해 883억원을 지원한다. 어르신 대상 스포츠 프로그램도 신설, 75억원을 배정했다. 아울러 문화향유 기회가 적은 저소득층과 청년들의 문화예술 경험 기회 보장을 위해 통합문화이용권(문화누리카드) 지원금을 연간 15만원으로 1만원 인상한다. 청소년과 생애전환기에 해당하는 대상자에는 1만원을 추가 지원한다.

“‘이대로만 간다면 어디까지 갈 수 있을까’하는 문화강국에 대한 기대, 희망이 어느 때보나 넘쳐나는 시절입니다. 하지만 현장에서 보고 듣고 느낀 현실은 너무 달랐습니다. ‘지금이 정점이다. 앞으로는 내려가는 일만 남았다’는 목소리가 꽤 많이 나오고 있습니다.” 취임 한 달여를 맞은 최휘영 문화체육관광부 장관이 4일 서울 서대문구 모두예술극장에서 열린 기자간담회에서 “안일하게 축제와 잔치로 흥겨워만 한다면 어두운 수렁에 빠질 수밖에 없는 게 우리가 맞닥친 현실”이라며 K컬처 지원을 위한 정책 정비를 다짐했다. 최 장관은 “여러 현장을 돌아다니면서 보고 듣고 느낀 현실은 화려한 모습과 너무 달라 당혹스럽고 당황스러웠다”며 특히 영화 산업의 위기가 심각하다고 지적했다. 그는 “올해 국내에서 제작되는 제작비 30억원 이상의 영화가 20편도 안 된다고 한다”면서 “영화인들이 생계를 이어 나갈 수 없을 정도로 영화 산업의 생태계가 무너지고 있는 것”이라고 우려를 표명했다. 기자·네이버 최고경영자 출신으로 인터넷·벤처업계에서 공직으로 옮겨 온 최 장관은 “엄청 답답함을 느낀다”고도 말했다. 그는 “장관으로서 맞닥뜨리는 여러 상황이 낯설기도 하고 당황스럽기도 하다. 법과 제도, 예산·원칙 등 수많은 변수가 빠르고 능동적으로 대처하는 데 걸림돌이 된다”며 “현장에서 당연히 빨리 결정돼야 할 사안이 있는데도 안 되는 경우가 많아 엄청난 답답함을 느꼈다”고 토로했다. 그러면서도 그는 “민간의 일과는 달리 공적 영역에서는 투명성·공정성·공익성을 고려해야 한다. 자칫 서두르다 보면 공적 영역이 지켜야 할 원칙을 해칠 수 있다”고 강조했다. 국립예술단체장 인사에 대해서는 신중한 입장을 보였다. 최 장관은 “전임 장관이 추진했던 예술단체장 사전 선임제와 인사 투명화 방침을 찬찬히 살펴보고 있다”며 “차관들과 협의 중이며 문제가 있다면 개선 방안을 찾겠다”고 말했다. 향후 정책 방향에 대해서는 제도 혁신과 조직 개편을 병행하겠다는 의지를 드러냈다. 그는 “법과 제도의 틀을 바꾸면 조직 변화도 당연히 수반돼야 한다”며 대통령 직속으로 문화를 다루는 범부처 민관합동위원회 설치 논의가 상당 부분 진전됐음을 알렸다. 소니·넷플릭스 제작 ‘케이팝 데몬 헌터스’의 세계적 흥행으로 쟁점이 된 K컬처 국제 협업 방식에 대해서도 최 장관은 “꼭 ‘메이드 인 코리아’만 고집할 필요는 없다. ‘메이드 위드 코리아’도 우리의 기회로 만들어야 한다”며 글로벌 공동 제작과 협업을 정책적으로 지원할 수 있는 환경을 조성하겠다고 말했다.

대한불교조계종과 조계종 제6교구 본사 마곡사는 국외 유출된 충남 금산군 보석사 신중도(사진)를 독일 경매에서 낙찰받아 되찾았다고 2일 밝혔다. 보석사 신중도는 1928년 입적한 마곡사 화승인 금호 약효 스님이 1886년 그린 것으로 그의 초기 화풍을 살펴볼 수 있는 작품이다. 조계종은 국외소재문화유산재단으로부터 제공받은 국외 한국문화유산 경매 모니터링 자료를 통해 신중도가 출품된 것을 파악하고, 이 불화의 봉안처였던 보석사의 본사인 마곡사와 협의해 경매에 참여했다. 낙찰받은 신중도는 지난달 21일 국내로 반입됐으며 현재 마곡사 성보박물관에 보관 중이다. 이 불화가 국외로 유출된 경위는 확인되지 않았다. 보석사 신중도 상단에는 제석천과 범천이 그려져 있으며, 화면 중앙에는 깃털로 장식된 투구를 쓴 위태천이 표현돼 있다. 붉은 색조를 바탕으로 부분부분 푸른색과 녹색이 강렬한 대비를 이룬 것이 특징이다. 약효 스님은 1879년 봉녕사 석가설법도를 비롯해 100점이 넘는 불화를 남긴 근대의 대표적인 불모(佛母·불상을 그리는 사람)라고 조계종은 전했다. 조계종 관계자는 “약효 스님의 초기 화풍을 확인할 수 있는 중요한 작품”이라고 평가했다.

첼리스트 박유신과 독일 뮌헨 ARD콩쿠르 우승 피아니스트 손정범이 한 무대에 선다. 2일 공연기획사 빈체로에 따르면 어텀실내악페스티벌·포항국제음악제 예술감독으로 활약 중인 박유신이 기획한 이번 공연은 10월12일 서울 예술의전당 IBK기업은행챔버홀에서 열린다. 서로 다른 문화적 배경을 지닌 네 나라(독일, 미국, 체코, 폴란드) 명작을 아우르며 첼로와 피아노가 엮어내는 폭넓은 감정과 색채를 선보이는 무대다. 야나체크·루빈슈타인·브람스 콩쿠르 등을 석권한 박유신은 음반 발매 및 순회 연주 등으로 활동하면서 음악축제 기획자로서도 역량을 입증해왔다. 박유신과 호흡을 맞출 손정범은 뮌헨 ARD콩쿠르에서 한국인 최초로 만장일치 우승을 거둔 신예다. 둘은 첼로가 표현할 수 있는 깊은 낭만과 드라마를 중심으로 각기 다른 시대를 대표하는 작곡가들의 작품을 통해 음악의 다채로운 감정을 공유할 계획이다. 베토벤의 ‘모차르트 마술피리 주제에 의한 7개의 변주곡’과 바버의 ‘첼로 소나타 c단조’ 등에 이어 체코의 정서를 느낄 수 있는 드보르자크의 ‘4개의 로맨틱 소품’ 등을 연주한다. 마지막으로 연주되는 쇼팽의 유일한 첼로 소나타인 ‘첼로 소나타 g단조’는 그의 명성처럼 가늘고 세밀한 서정성의 극치를 보여준다. 첼로와 피아노가 나누는 내밀한 대화는 낭만적 감성을 최고조로 이끌며 깊은 여운을 남기는 작품이다. 각기 다른 시대와 문화적 배경을 품고 있지만 첼로가 표현할 수 있는 폭넓은 감정의 스펙트럼 안에서 자연스럽게 하나로 이어지는 무대가 기대된다. 빈체로는 작곡가의 국적 및 시대에 따라 미묘하게 달라지는 음악의 색채와 첼로의 다채로운 매력을 동시에 만끽하는 공연이 될 것이라고 설명했다.