세계적 작곡가 진은숙, 수필가 피천득의 외손주인 바이올리니스트 스테판 재키브, 유명 지휘 콩쿠르 첫 여성 우승자 메이안 첸. 서울시립교향악단 9월 연주회를 장식하는 음악가들이다. 서울시향은 시카고 신포니에타 음악감독 메이안 첸 지휘로 9월 4, 5일 롯데콘서트홀에서 연주회를 연다고 25일 밝혔다. 서울시향에선 처음 지휘봉을 잡는 메이안 첸은 1965년부터 시작된 말코 지휘 콩쿠르에서 2005년 우승하며 이름을 알린 대만계 마에스트라다. 역동적이며 열정적 지휘 스타일로 찬사를 받는데 이번 무대에선 러시아 낭만주의의 정수를 담은 림스키코르사코프의 ‘셰에라자드’를 선보일 예정이다. 우리나라 대표적 작곡가인 진은숙의 ‘수비토 콘 포르차’도 이번 무대 첫 곡으로 연주된다. 베토벤 탄생 250주년을 기념해 영국 BBC 라디오, 쾰른 필하모닉, 로열 콘세르트헤바우 오케스트라 공동 위촉으로 2020년 9월 암스테르담에서 세계 초연된 곡이다. 베토벤 음악이 지닌 폭발적인 에너지와 정적인 침묵, 그리고 강렬한 역동성 사이의 서사적 긴장을 약 5분가량의 짧은 시간 안에 응축해서 들려주는데 현대음악으로서 자주 연주되는 인기곡에 속한다. 한국계 미국인 바이올리니스트 스테판 재키브도 서울시향과 세 번째 협연으로 브루흐의 스코틀랜드 환상곡을 펼친다. 피천득 선생의 외손주로 알려진 재키브는 하와이 실내악 페스티벌(HCMF) 예술감독으로 활동 중이다.

음악을 예법과 더불어 국가의 기둥으로 삼아 이상적인 사회를 구현하려 했던 조선 왕실 음악 정수인 ‘사직제례악’이 공연된다. 국립국악원은 9월 3일부터 5일까지 예악당에서 ‘사직제례악’을 선보인다고 25일 밝혔다. 왕이 직접 제관으로 참여하여 땅의 신(社·사)과 곡식의 신(稷·직)에게 나라의 안녕과 풍요를 기원하던 사직대제의 재현이다. 특히 이번 무대는 대한제국 시기 황제국의 예법으로 새롭게 제정된 ‘대한예전(大韓禮典, 1898)’에 근거해서 공연 형식으로 되살려낸 작품이다. ‘영신-전폐-진찬-초헌-아헌-종헌-음복례-철변두-송신-망례’의 제례 절차를 총 130여 명의 연주단과 제관이 황제국의 위엄과 격식을 고스란히 담아낸 고품격 공연으로 재탄생시켰다. 연출은 박동우 홍대 교수가 맡아 제례 자체보다 음악과 춤에 무게를 두고, 지나친 현대화보다 전통의 재현에 가까운 공연 양식을 추구했다. 제상이 놓이는 사직단과 악대가 위치하는 등가와 헌가 등 제례가 펼쳐지는 공간을 본래 미감을 살려 무대에 모두 담았다. 또 생소한 무대인 만큼 공연에 앞서 김영운 전 국립국악원장의 해설도 함께한다. 강대금 국립국악원장 직무대리는 “이번 공연은 사직대제의 본뜻을 살려 오늘날 대한민국의 눈부신 발전과 국민의 풍요로운 삶을 기원하는 의미를 담았다”며 “문화재적 가치가 큰 공연”이라고 설명했다.

‘슬립 노 모어’가 대한민국 공연 역사에 새로운 기록을 세우고 있다. 이 작품은 1970∼80년대 아시아 최대 극장으로 충무로 영화판의 전성시대를 구가했던 옛 대한극장 7개 층을 통으로 새단장한 ‘매키탄 호텔’에서 밤마다 펼쳐지는 관객몰입극이다. ‘매키탄 호텔’ 내부 공간의 강렬한 미장센과 리얼함은 입이 떡 벌어질 수준이다. 1930년대 스코틀랜드 호텔을 재현하기 위해 초기 제작비로만 250억원이 투입됐는데 국내 공연 역사상 최대 규모로 추정된다. 역대급 무대의 제작자는 이머시브콘텐츠 기획·제작사 미쓰잭슨의 박주영 대표. 최근 세계일보와 매키탄 호텔에서 만난 박 대표는 “처음부터 이 공연은 미술과 건축, 음악과 조명 등 인간이 체험할 수 있는 모든 예술적 가치를 다 가지고 있다고 생각했다. 그런 경험을 한국 관객에게 선보이고 싶었다”며 “지난한 과정일 것이라고 생각했지만 정말 산을 옮기는 정도의 힘든 과정이 있었다”고 말했다. “2013년 영화 투자·배급 분야에서 일할 때 뉴욕에서 ‘슬립 노 모어’를 봤는데 히치콕 영화 안에 내가 들어간 경험이더라고요. 평소 스크린과 객석의 경계를 허물고 싶다는 고민을 하던 차라 너무 반갑고 한국 관객과 이 특별한 경험을 공유하고 싶다는 생각을 했어요. 그때부터 국내 공연을 추진하게 됐죠.” 미국 뉴욕에서만 14년 동안 공연되고 중국 상하이에서 초대박을 터트린 이 작품은 애초 대학가 실험극으로 출발했다. 이를 만든 ‘펀치드렁크’ 역시 예술성이 강한 창작집단이다. 그래서 박 대표는 오랫동안 그들의 예술세계를 서울에서 제대로 펼쳐 보일 수 있다는 확신을 주기 위한 신뢰관계 형성에 노력했다고 한다. 그렇게 준비하다 2018년 국내 공연이 결정되고 최대 관건인 공연장도 최적 후보지를 찾았지만 ‘코로나19’라는 예상치 못한 변수를 만났다. 결국 수년간 다시 숙성과정을 거쳐 지난 20일 정식 개막했다. 대한극장이 ‘매키탄 호텔’로 변신한 과정도 극적이다. 연면적 3000평 이상으로 관객이 쉽게 찾아올 수 있는 역세권이면서 장기 공연이 가능한 곳을 찾기 위해 서울에서만 100개 이상의 공간을 살펴봐야 했다. 병원과 호텔, 웨딩홀이나 학원·학교도 후보군이었다. 2023년 어느 날 남산 인근 후보지를 보러 가던 중 우연히 대한극장 건물이 박 대표 시야에 들어왔다. 충무로역 바로 옆 단독건물인 데다 극장인 만큼 층고도 높은 최적 후보였다. 6개월에 걸친 검토 끝에 ‘슬립 노 모어’의 가치를 인정한 대한극장 측과 손잡을 수 있었다. 공사가 시작되면서 대한극장 내 11개 극장은 대부분 평탄화됐다. 내부를 1930년대 스코틀랜드풍의 매키탄 호텔로 다시 짓는 데만 1년 이상 걸렸다. 설계 단계에서부터 한 치의 타협도 없었다. 박 대표는 “이 공연에 활용되는 모든 요소가 다 목적이 있어야 한다”며 “‘하나의 소품을 놔도, 하나의 가구를 놔도 다 이유가 있다’고 생각하고 준비했다”고 설명했다. 영국 창작진과 협업하여 1년 동안 건축 설계를 진행했고, 무대에 보이는 가구나 소품은 물론 바닥의 먼지 한 톨까지도 연출 의도가 담기도록 세세하게 구성했다. 그 결과 초기투자비만 250여억원이 투입됐다. 국내 공연사상 드문 규모다. 제작비 대부분은 공연장 구축과 세트·인테리어에 집중됐다. “스토리와의 개연성, 현실성, 진정성이 제일 중요합니다. 그것이 이 작품의 가치거든요. 보시는 것들은 다 저희가 직접 만든 겁니다. 저희 워크숍 공간이 따로 있어서, 디자이너들이 매일 모여 소품을 한땀 한땀 손수 제작하고 있습니다. 작은 책자, 편지, 성냥갑 같은 소품 하나까지도 전부 저희가 직접 만들었어요.” 공간 규모부터 ‘매키탄 호텔’은 본진 격인 뉴욕이나 상하이보다 크다. 4층 규모 뉴욕 공연장에서 활약했던 출연진 일부는 서울 공연장을 처음 둘러본 후 더 커진 규모에 감동해서 눈물을 보였을 정도라고. ‘벤허’와 ‘타이타닉’ 등 걸작 영화가 초대형 스크린으로 상영됐던 7층 대형극장 구조를 살린 병원으로 가는 언덕길도 공간 전체를 둘러싸는 음악이 흘러내리는 순간 그냥 서서 음악을 듣는 것만으로도 하나의 영화를 보는 것처럼 감동이 느껴진다고 박 대표는 전했다. “대한극장의 유산을 매우 아름답게 살려 놓아서 볼 때마다 감격해요. 이렇게 멋진 공간, 멋진 장면은 대한극장이 아니었으면 있을 수가 없거든요.” 100개 넘는 공간을 돌아다니며 다양한 인물과 사건을 만나 스스로 이야기를 만들어나가야 하는 ‘슬립 노 모어’를 관람하는 요령으로 박 대표는 ‘조우(遭遇·우연한 만남)’를 추천했다. “우리가 어렸을 때부터 인생을 계획하고 살진 않잖아요. 살다 보면 이런 사람도 만나고 저런 길도 가고, 그런 인생처럼 그냥 조우하는 거죠. 발길 이끄는 대로 가면서 퍼즐을 맞춰가는 게 핵심이에요. 대신 최대한 많이 보시기를 권장해 드립니다.”

‘슬립 노 모어’가 대한민국 공연 역사에 새로운 기록을 세우고 있다. 1970∼80년대 아시아 최대 극장으로 충무로 영화판의 전성시대를 구가했던 옛 대한극장 7개 층을 통으로 새로 단장한 ‘매키탄 호텔’에서 밤마다 펼쳐지는 관객몰입극이다. ‘슬립 노 모어가 왔다’는 입소문만으로 프리뷰 공연이 매진을 기록했다. 영화 거장 히치콕 풍 누아르로 재해석한 셰익스피어의 맥베스가 펼쳐지는 ‘매키탄 호텔’ 내부 공간의 강렬한 미장센과 리얼함은 입이 떡 벌어질 수준이다. 1930년대 스코틀랜드 호텔을 재현하기 위해 초기 제작비로만 250억원이 투입됐는데 국내 공연 역사상 최대 규모로 추정된다. 역대급 무대의 제작자는 이머시브콘텐츠 기획·제작사 미쓰잭슨의 박주영 대표. 10여 년 전 뉴욕 출장길에 ‘슬립 노 모어’를 처음 만난 후 국내 관객에게 선사하기까지 그야말로 ‘산을 옮기는 수준의 역경’이 있었다고 한다. 최근 세계일보와 매키탄 호텔에서 만난 박 대표는 “처음부터 이 공연은 미술과 건축 음악과 조명 등 인간이 체험할 수 있는 모든 예술적 가치를 다 가지고 있다고 생각했다. 그런 경험을 한국 관객에게 선보이고 싶었다”며 “지난한 과정일 것이라고 생각했지만 실제로 정말 산을 옮기는 정도의 힘든 과정이 있었다”고 말했다. “2013년 영화 투자·배급분야에서 일하던 당시 뉴욕에서 ‘슬립 노 모어’를 봤는데 히치콕 영화 안에 내가 들어간 경험이더라고요. 평소 스크린과 객석의 경계를 허물고 싶다는 고민을 하던 차라 너무 반갑고 한국 관객과 이 특별한 경험을 공유하고 싶다는 생각을 하고 그때부터 국내 공연을 추진하게 됐죠.” 뉴욕에서만 14년 동안 공연되고 상하이에선 초대박을 터트렸지만 애초 대학가 실험극으로 출발한 작품이다. 이를 만든 ‘펀치드렁크’ 역시 예술성이 강한 창작집단. 그래서 박 대표는 오랫동안 그들의 예술세계를 제대로 서울에서 펼쳐 보일 수 있다는 확신을 주기 위한 신뢰관계 형성에 노력했다고 한다. 그렇게 준비하다 2018년 국내 공연이 결정되고 최대 관건인 공연장도 최적 후보지를 찾았지만 ‘코로나19’라는 예상치 못한 변수가 생겨났다. 결국 수년간 다시 숙성과정을 거쳐 지난 20일 정식 개막했다. 대한극장이 ‘맥키탄 호텔’로 변신한 과정도 극적이다. 연면적 3000평 이상으로 관객이 쉽게 찾아올 수 있는 역세권이면서 장기 공연이 가능한 곳을 찾기 위해 서울에서만 100여개 이상의 공간을 살펴봐야했다. 병원·호텔에 웨딩홀이나 학원·학교도 후보군이었다. “정말 다양한 공간들을 봤어요. 아무래도 피날레 장면을 구현하기 위해 층고가 높은 공간을 선호하다 보니 웨딩홀이나 방송국 스튜디오로 썼던 공간을 위주로 많이 봤죠.” 2023년 어느 날에도 남산 인근 후보지를 보러 가던 중 우연히 대한극장 건물이 박 대표 시야에 들어왔다. 충무로역 바로 옆 단독건물인 데다 극장인 만큼 층고도 높은 최적 후보였다. 마침 대한극장 측은 새로운 활로를 찾던 터였다. 6개월에 걸친 검토 끝에 ‘슬립 노 모어’의 가치를 인정한 대한극장 측과 협력관계를 구축할 수 있었다. 공사가 시작되면서 대한극장 내 11개 극장은 대부분 평탄화됐다. 내부를 1930년대 스코틀랜드풍의 매키탄 호텔로 다시 짓는 데만 1년 이상이 소요됐다. 설계 단계에서부터 한 치의 타협도 없었다. 박 대표는 “이 공연에 활용되는 모든 요소가 다 목적이 있어야 한다”며 “‘하나의 소품을 놔도, 하나의 가구를 놔도 다 이유가 있다’고 생각하고 준비했다”고 설명했다. 영국 창작진과 협업하여 1년 동안 건축 설계를 진행했고, 무대에 보이는 가구나 소품은 물론 바닥의 먼지 한 톨까지도 연출 의도가 담긴 디테일로 구성했다. 그 결과 초기투자비만 250여억원이 투입됐다. 국내 공연사상 드문 규모다. 박 대표는 “대극장 뮤지컬의 5~10배 물량에 달하는 규모”라며 “공연장을 새로 짓는 것과 같았기 때문에 역대급 제작비라고 보실 수 있을 것”이라고 했다. 제작비 대부분은 공연장 구축과 세트·인테리어에 집중됐다. “국내에서 구할 수 없는 가구·소품을 해외에서 공수했고, 수백 개의 하이엔드 조명과 음향 장비까지 장착했다”며 “세계관을 구현하는 데 가장 큰 비용이 들었다”고 설명했다. “스토리와의 개연성, 현실성, 진정성이 제일 중요합니다. 그것이 이 작품의 가치거든요. 보시는 것들은 다 저희가 직접 만든 겁니다. 저희 워크숍 공간이 따로 있어서, 디자이너들이 매일 모여 소품을 한땀 한땀 손수 제작하고 있습니다. 작은 책자, 편지, 성냥갑 같은 소품 하나까지도 전부 저희가 직접 만들었어요.” 음향 역시 뉴욕·상하이보다 훨씬 진보한 설계·시공이 이뤄졌다. 몰입형 사운드 시스템인 ‘사운드스케이프’를 개발한 독일 d&b 제품이 채택됐는데 박 대표는 “완전한 몰입 경험을 위해 세계 최고 수준의 장비를 썼다. 상하이나 뉴욕에서도 들을 수 없는 최고 사양의 이머시브 사운드 장치로서 시각·촉각·후각도 자극되지만, 특히 청각만큼은 세계 어디에도 뒤지지 않는 최고의 경험을 드릴 수 있다고 자부한다”고 말했다. 공간 규모부터 ‘매키탄 호텔’은 본진격인 뉴욕이나 상하이보다 크다. 4층 규모 뉴욕 공연장에서 활약했던 출연진 일부는 서울 공연장을 처음 둘러본 후 더 커진 규모에 감동해서 눈물을 보였을 정도라고 한다. 박 대표는 이 공간에서 가장 마음에 드는 구역으로 4층에 재현된 맨덜레이 바를 꼽았다. 그는 “뉴욕·상하이 공연에는 단층이라 잘 안 보였던 거대 장면을 여기서는 사방에서 (위에서도, 옆에서도) 볼 수 있다”고 설명했다. 벤허, 타이타닉 등 걸작영화가 초대형 스크린으로 상영됐던 7층 대형극장 구조를 살린 병원으로 가는 언덕길도 공간 전체를 둘러싸는 음악이 흘러내리는 순간 그냥 서서 음악을 듣는 것만으로도 하나의 영화를 보는 것처럼 감동이 느껴진다고 박 대표는 전했다. “대한극장의 유산을 매우 아름답게 살려 놓아서 볼 때마다 감격해요. 이렇게 멋진 공간, 멋진 장면은 대한극장이 아니었으면 있을 수가 없거든요.” 박 대표는 가장 어려웠던 순간에 대해 “영화관을 1930년대 호텔로 바꾸는 과정 그 자체였다”며 “관객이 온전히 몰입하고 배우가 편히 이동할 수 있는 환경을 만들기 위해 신경 쓰지 않은 부분이 없었다”고 말했다. 그는 “미술·디자인·조명·음향 등 모든 영역에서 최고를 보여주겠다는 집단 지성과 창의력으로 결과물을 만들었다”며 “스스로에게 도전한다는 포부로 임했다. 그 노력을 알아봐 주셨으면 한다”고 강조했다. 100여개 넘는 공간을 돌아다니며 다양한 인물과 사건을 만나 스스로 이야기를 만들어나가야 하는 ‘슬립 노 모어’를 어떻게 관람하는 요령으로 박 대표는 ‘조우(遭遇·우연한 만남)’를 추천했다. “인생을 우리가 어렸을 때부터 계획을 하고 살진 않잖아요. 살다 보면 이런 사람도 만나고 저런 길도 가고, 그런 인생처럼 그냥 조우하는 거죠. 발길 이끄는 대로 가면서 퍼즐을 맞춰가는 게 핵심이다. 대신 최대한 많이 보시기를 권장해 드립니다.”

‘슬립 노 모어’가 옛 대한극장에 들어선 공연장 ‘매키탄호텔’에서 시작됐다. 고대 그리스 시대부터 전해진 극의 3 요소 ‘배우·관객·무대’의 경계를 완전히 무너뜨린 작품이다. 지난해 국내 공연이 예고됐을 때부터 과연 어떤 작품일지 큰 관심과 기대를 모았다. 오랜 준비 기간을 거쳐 드러낸 대작의 정체성은 ‘압도적인 리얼’이다. 셰익스피어의 맥베스를 스릴러 거장 히치콕의 누아르 풍으로 재해석한 서사는 그다지 눈에 들어오지 않는다. 압도적 현실감이 느껴지는 의문의 공간을 마치 스릴러 영화 속 주인공처럼 살펴 나가는 체험이 워낙 독보적이기 때문이다. ‘먼지 한 톨’까지 신경 썼다는 제작사 설명만치나 모든 공간과 그 속 물체는 ‘디테일’이 살아있다. 철저한 체크인 과정을 거친 후 어둑한 복도를 통과해서 공연장에 입장한 순간부터 느껴지는 공간향마저 인상적이다. 굉음 수준이나 찌그러짐 없이 들리는 배경음악은 희뿌연 공기를 뒤흔들고 정교하게 설계된 조명은 이를 비춘다. 사운드 디자이너 스티븐 도비는 “서울 공연은 기술적 사운드 구현에서 지금까지의 최고치”라며 “청각적으로도 완전한 몰입을 경험할 수 있도록 건물 전체를 입체 음향 시스템으로 설계했다”고 21일 개막회견에서 설명했다. 이 모든 것이 합쳐진 ‘슬립 노 모어’ 미쟝센의 ‘리얼함’은 왜 이 작품이 2003년 런던 초연 이래 ‘이머시브 시어터’의 선도적 작품으로 오랫동안 자리를 지켜왔는지 실감케 한다. ‘슬립 노 모어’는 2000년대 초 영국에서 예술감독 펠릭스 바렛이 창립한 극집단 ‘펀치드렁크’의 대표작. ‘이머시브 시어터(몰입형 연극)’라는 새로운 장르를 개척한 이들은 무엇보다 관객이 객석에 앉아 수동적으로 관람하는 방식을 거부한다. 대신 무대 속으로 들어가 자유롭게 이동하며 이야기를 ‘체험’하게 만든다. 이 과정에서 공연장은 특정 공간을 극의 배경으로 변형하는 형식을 취한다. 관객은 가면을 착용해 배우와 구분되는 동시에 몰입감을 높인다. 연극과 무용, 설치미술, 사운드 디자인을 결합한 전신적 경험으로 평가받으며 “감각 전체로 관객을 삼켜버리는 예술”이라는 찬사를 받아왔다. ‘슬립 노 모어’ 이후에도 ‘파우스트’, ‘더 드라운드 맨: 할리우드 페이블’, ‘더 번트 시티’ 등을 내놓으며 무대 예술의 경계를 확장하고 있다. ‘슬립 노 모어’ 개막을 위해 방한한 펠릭스 바렛은 “단순한 공연이 아닌 하나의 세상을 만드는 것”이라며 “이 환경은 살아 숨 쉬고 있는 곳이다. 관객은 내러티브를 원하는 대로 따라가고 탐험을 떠날 수 있다. 여기에 정답이나 옳고 그름은 없다”고 설명했다. 무대 디자인을 맡은 피터 빌모트는 “대한극장은 배우들에게 완전히 새로운 움직임의 세계를 줬다”면서 “뉴욕과 상하이에서는 할 수 없었던 대담한 동선과 장면이 가능해졌다”고 강조했다. 역대급으로 조성된 몰입형 공간의 주인공은 맥베스, 레이디 맥베스를 필두로 다양한 배역을 맡은 23인의 배우들이다. 3시간 동안 각자 맡은 역할을 한 시간에 한 번씩 총 3회 선보인다. 관객은 100개가 넘는 장소를 직접 찾아다니며 자신만의 기승전결을 만들어야 한다. 둘이 손잡고 들어가도 여러 선택의 분기점에서 결국 홀로 돌아다니며 나만의 감상을 끝마친 후 극장 밖에서 만나 서로의 경험을 나누는 게 보통이다. 특유의 흰 마스크를 쓴 관객과 물리적 거리가 제로에 수렴하는 배우들은 하나같이 엄청난 카리스마를 분출하며 사건이 벌어지는 장소에서 장소로 관객을 이끌고 다닌다. 연출과 안무를 맡은 맥신 도일은 “언어가 아닌 몸과 감정으로 관객을 이끈다”며 “움직임과 퍼포먼스를 통해 야망과 광기, 죄책감 같은 정서를 전달한다”고 말했다. 주된 서사는 스코틀랜드 장군 맥베스의 운명. 마녀의 예언을 계기로 권력욕에 눈이 멀어 왕위를 차지하기 위해 살인을 저지르고 자신과 주변을 파괴하는 과정인데 레이디 맥베스는 욕망의 도화선이자 파멸의 출발점이다. 체험의 절정은 주요 등장 인물이 한자리에 모이는 순간이다. 눈빛과 표정, 그리고 몸짓으로 이뤄진 대화와 사건 전개 한가운데 서 있는 관객은 영화 속 한 장면에 들어와 있는 몰입감을 느끼게 된다. 공연 특성상 놓치는 장면이 많을 수밖에 없고 직접 목격한 장면도 어떤 맥락인지 이해하기 어려운 때가 많으나 특별한 느낌은 충만한다. 한달여 기간 동안 이뤄진 프리뷰 중에도 이미 반복 관람을 하는 팬이 생겨났다고 하나 호불호가 엇갈릴 수밖에 없다. 서울 퇴계로 212번지 매키탄 호텔(옛 대한극장)에서 폐막 때까지.

이주, 경계, 꿈/ 권준희/ 고미연 옮김/ 생각의힘/ 2만2000원 연변 조선족. 우리 일상에 너무도 깊숙이 들어와 있지만 그들에 대해 알고 있는 건 많지 않다. 책은 훈련된 인류학자가 2004년부터 16년까지 연변을 수차례 방문해 조사한 후 장시간에 걸쳐 집필한 조선족, 초국적 노동자의 삶에 대한 현장보고서다. 조선족의 뿌리는 19세기 말 더 나은 경작지를 찾아 두만강을 건넌 한반도 출신 조선인 후예다. 1949년 중화인민공화국 수립 후 55개 중국 내 소수민족 중 하나로 인정받으며 중국 공민이 됐다. 중국인으로서 자긍심을 가진 이들에게 냉전 시대 한국은 ‘악독한 자본주의의 온상’이었으나 1992년 한·중 수교 이후 상황은 급변한다. 한국에서 재외동포로 인정받으면서 노동 이주가 대규모로 시작됐다. “걸을 수 있는 사람은 모두 한국에 갔다.” 200만명에 달하는 중국 조선족 중 72만6000여명이 일자리를 찾아 한국에 이주했다. 이들이 단기간에 벌어들인 돈으로 연변에 장만한 번듯한 새집들은 ‘만원호(萬元戶)’로 불리며 이웃 시샘을 샀다. 또 연변에 불어닥친 ‘한국바람’은 한국에서 일한 부모가 보낸 ‘한국 돈’으로 자녀가 중국 대도시에 정착하거나 더 멀리 이주하는 밑거름이 됐다. 조선족은 더 나은 삶을 꿈꾸며 국경을 넘었고, 한국 사회는 이들을 값싸고 성실한 노동력으로 환대하면서도 한편으론 법적 제한과 편견 어린 시선으로 냉대하는 이중적 태도를 보였다. 저자는 조선족의 이주경로와 비자 문제로 연변에선 소비와 휴식만 하고 한국에선 일에 집중하는 분할된 삶 등을 인터뷰와 참여관찰로 생생히 그려낸다. 특히 중국 경제가 비약적으로 성장하자 연변에서 ‘한국바람’이 한풀 꺾이고 그 자리를 차이나 드림이 차지하는 과정이 인상적이다. 이제는 “아직도 한국 가냐”는 핀잔 때문에 한국에서 일하는 것을 숨길 정도라고 한다. 저자는 이제 조선족 사회에는 코리안 드림이나 차이나 드림에만 매달리지 않고 새로운 길을 모색하는 세대가 등장하고 있다고 진단한다. 그들은 국경을 넘나드는 대안적 진로를 개척하거나 연변을 새롭게 정의하고 있다.

리틀엔젤스예술단이 서울특별시, 자원봉사애원(이사장 김미은)과 함께 진행한 ‘장애인 문화예술활동 배리어프리를 위한 공연배달-오늘은 나도 리틀엔젤스’(이하 오나리)가 성공적으로 마무리됐다. 22일 리틀엔젤스에 따르면 ‘오나리’는 참가자들이 한국무용의 기본 동작을 배우고 부채·소고·족두리 등 전통 소품을 활용해 보는 체험형 예술교육 프로그램이다. 지난달 28일부터 이날까지 서울 주요 장애인복지시설과 특수학교 10곳을 찾은 리틀엔젤스는 총 254명의 장애인과 한국무용의 매력을 나누며 문화 향유의 기회를 넓혔다. 리틀엔젤스는 설날 풍속을 바탕으로 한 전통무용 공연 ‘설날아침’도 함께 선보여 참가자들의 큰 호응을 받았다. 리틀엔젤스는 이번 방문형 프로그램 외에도 전통문화 저변 확대와 세계화를 위한 예술교육을 꾸준히 이어가고 있다. 매월 1회, 6~10세 어린이를 대상으로 한 체험교실을 운영하고 있으며, 외국인을 위한 맞춤형 한국무용 체험 프로그램도 지속하고 있다. 또한 국내외 공연을 통한 전통문화 확산에도 힘쓰고 있다. 국내에서는 정기공연을 비롯해 다양한 무대에서 전통공연을 선보이고 있으며, 현대적 요소를 가미한 새로운 한국무용 작품 개발에도 적극 나서고 있다. 해외에서는 각국 문화예술 행사와 초청공연 등을 통해 한국문화를 널리 알리고 있다. 리틀엔젤스 관계자는 “이번에 특별히 진행된 ‘오나리’는 장애인과 비장애인이 함께 어우러지는 무대와 체험을 통해, 문화예술이 가진 통합적인 힘을 확인한 시간이었다”며 “앞으로도 다양한 방식으로 문화예술의 배리어프리 가치 실현과 전통문화 확산을 위한 활동을 이어가겠다”고 밝혔다.

기초지방자치단체로선 보기 드물게 큰 규모인 서울 마포구의 M클래식축제(포스터)가 올해로 10회째를 맞아 22일부터 12월 6일까지 열린다. 21일 마포문화재단에 따르면 M 클래식 축제는 지난 9년간 총 580여회 공연과 8800여명의 아티스트가 참여했고 70만 관객이 다녀갔다. 올해는 10주년을 맞아 ‘낭만시대’의 대중적인 명곡들을 집중 조명한다. 베토벤, 브람스, 슈베르트, 쇼팽, 드보르자크 등 인기 작곡가들의 작품을 중심으로 교향악, 실내악, 성악 등 22개 다채로운 공연 프로그램을 마포아트센터 아트홀맥 등지에서 선보일 예정이다. 첫 순서로 22~23일, 도심 속 공원에서 즐기는 야외 콘서트가 마포새빛문화숲 잔디마당 특설무대에서 열린다. 22일에는 대한민국 대표 마에스트로 김광현의 지휘로 프라임 필하모닉 오케스트라와 마포문화재단 상주음악가 바리톤 박주성, 소프라노 노희재가 무대에 오른다. 23일에는 바리톤 고성현, 소프라노 최정원과 안혜수, 테너 이정원, 피아니스트 이경민이 대중적인 오페라 아리아로 더위로 지친 일상에 낭만을 충전한다. 다음 달 24~25일 ‘심포니 시리즈’에서는 축제 10주년을 기념해 베토벤, 드보르자크, 슈베르트 등 시대를 대표하는 작곡가들의 교향곡을 선보인다. 특히 네덜란드 로열 콘세르트헤바우 오케스트라 무대에서 지휘자로 데뷔하며 세계무대에서 활약 중인 권민석이 이번 축제를 위해 특별히 조직된 M 클래식 페스티벌 오케스트라를 이끈다. 같은 달 24일, ‘베토벤 NO.5’는 베토벤을 대표하는 작품들을 피아니스트 정지원의 협연으로 선보인다. 비극적 운명에 맞서는 영웅의 모습을 그린 ‘코리올란 서곡’, 베토벤의 전성기를 상징하는 ‘피아노 협주곡 5번 황제’와 ‘교향곡 5번 운명’을 연주한다. 25일 ‘드보르자크&슈베르트’는 드보르자크의 ‘첼로 협주곡 B단조 Op.104’를 첼리스트 이경준의 협연으로 만난다. ‘실내악 시리즈’도 화려한 구성을 갖췄다. 26일 ‘바흐 스페셜’은 첼리스트 양성원이 피아니스트 엔리코 파체와 바흐의 걸작들을 연주한다. 11월 11일에는 피아니스트 백혜선, 14일에는 바이올리니스트 강동석을 중심으로 한 클래식 어벤저스가 공연한다. ‘노래의 날개 위에’ 성악가 리사이틀 시리즈는 이번 축제의 하이라이트이다. 소프라노 임선혜, 소프라노 박혜상, 테너 김민석, 바리톤 박주성까지 4인 4색 성악가의 로맨틱한 목소리가 울려 퍼질 예정이다. 자세한 정보는 마포문화재단 홈페이지 확인할 수 있다.

인도 뭄바이의 거대한 빨래터에서 들여다본 자본사회 속 인생의 모순과 위선을 비추는 연극 ‘도비왈라’가 공연된다. 국립정동극장은 2025년 ‘창작ing’ 일곱 번째 작품으로 ‘도비왈라’(작·연출 이왕혁, 작품개발 프로젝트 GOYA)를 9월 21일부터 10월 3일까지 국립정동극장 세실에서 공연한다고 21일 밝혔다. 빨래하는 사람들을 뜻하는 ‘도비왈라’는 인도 뭄바이의 거대한 빨래터 도비가트의 빨래 노동자들이다. 이들은 매일 갠지스 강변에서 온종일 고된 세탁 일에 시달린다. 그러던 어느 날 최신식 세탁기가 도입될 거란 소식이 들려오고 평화롭던 마을은 세탁기 이용 찬성파와 반대파로 나뉘어 갈라진다. 도비가트의 유일한 여자 빨래꾼인 ‘실파’는 세탁기가 자신을 학교에 보내줄 것이라 굳게 믿는다. 동생 ‘프리타’는 날이 갈수록 세탁기에 집착하는 언니의 모습에 이상함을 느낀다. 도비왈라는 인도 카스트 제도의 최하위 계급인 ‘수드라’에도 속하지 못하는 불가촉천민으로 분류된다. 교육은 물론 삶을 선택할 기회조차 얻지 못한 이들은 부유층 옷을 하루 종일 빨며 고된 노동에 시달린다. 가난과 교육 기회의 박탈로 자녀 세대도 동일한 직업과 빈곤을 대물림한다. 도비왈라 내부에서도 ‘세탁·다림질·배달’로 나뉜 또 다른 계급과 차별이 존재한다. 이는 이 작품의 중요한 배경이다. 서로의 삶에 무관심한 채 각자의 역할에만 몰두하는 빨래꾼들의 모습은 현대 산업사회 속 노동자의 모습을 연상케 한다. 선대의 경제력이 교육 수준을, 교육이 직업과 계급을, 계급이 권리를 결정짓는 뭄바이 빨래터의 구조는 오늘날 우리 사회와도 크게 다르지 않다. 2021년 안산문화재단 전문예술창작지원에 선정되어 처음 관객과 만난 후 작품 발전 과정을 거쳐 우수 창작에 무대를 제공하는 ‘창작 ing’ 선정작으로 뽑혀 총 14회 공연으로 다시 무대에 오른다.

바람을 부르고 구름을 타는 도사 전우치가 서울예술단 창작가무극 무대에 오른다. 서울예술단은 신작 ‘전우치’(포스터)를 10월 25일부터 11월 2일까지 예술의전당 CJ토월극장에서 공연한다고 20일 밝혔다. 조선 중종 시대 인물로 기록된 전우치의 신비롭고 기이한 행적과 설화를 현대적 감각과 결합해서 새롭게 만든 총체극이다. 환술과 도술을 통해 부패한 권력을 응징하고 백성을 구제했던 전우치 이야기가 음악, 춤과 함께 무대에 오른다. 극작과 작사는 경민선, 연출은 이대웅, 작곡은 황호준이다. 제작진은 전통 설화의 입체적 해석과 전통 장단을 활용한 리듬 설계, 동양적이면서도 현대적인 무대 미학과 연극적 미장센을 강조하고 있다. 안무는 정보경이 맡아서 작품의 신화적·환상적 이미지를 독창적인 무용 언어로 구성할 예정이다. 이은결이 마술 장면 감독으로 참여해서 현실과 환상을 넘나드는 환술적 무대를 완성한다. 전우치 역에는 압도적인 존재감과 섬세한 감정선을 동시에 표현할 수 있는 배우들이 캐스팅됐다. 서울예술단에서 활약 중인 이한수와 다양한 무대에서 활약한 그룹 하이라이트의 손동운이 무대에 오른다. 전우치를 성장시키고 올바른 길로 이끄는 스승 서화담 역에는 감미로운 목소리와 뛰어난 연기력으로 매 작품 호평을 받아온 최인형이 출연한다. 전우치의 누명을 벗기고 진실을 향해 함께 나아가는 구미호 역은 탄탄한 무용 실력과 표현력을 겸비한 이은솔이 맡으며 완벽한 지상 세계를 만들려는 욕망에 사로잡힌 옥황상제 역으로 금승훈이 출연한다. 최경화 서울예술단 공연기획팀장은 “한국적 설화에 기반한 서사를 서울예술단만의 독창적이고 현대적인 무대 언어로 재해석한 작품으로, 연극적 감성과 아날로그적 무대 미학 속에서 만날 수 있는 ‘한국형 슈퍼 히어로 공연’의 새로운 가능성을 제시할 것”이라고 밝혔다.