1986년 런던 초연의 사라 브라이트먼과 2001년 한국 초연의 김소현 등 새로운 얼굴을 주인공으로 발탁해 스타로 키워온 뮤지컬 ‘오페라의 유령’이 40주년 공연에서도 파격을 이어간다. 뮤지컬 경험이 없는 소프라노 이해원과 아예 처음 무대 데뷔하는 최선호가 여주인공 크리스틴으로 무대에 오른다. 제작사 에스앤코는 올 연말 개막하는 ‘오페라의 유령’ 40주년 스페셜 시즌 출연진 41명을 21일 공개했는데 크리스틴 역에는 이해원과 최선호가 나란히 발탁됐다. 배역 자체가 파리 오페라하우스 발레단원에서 프리마돈나로 급성장하는 인물인 크리스틴은 성악적 기량뿐 아니라 연기와 발레까지 소화해야한다. 이해원은 예원학교, 서울예고, 서울대학교 성악과를 졸업한 후 독일 한스아이슬러 음대 석사과정을 마친 소프라노다. 국내 오페라 무대와 독창회, 크로스오버 콘서트에서 활동했으나 뮤지컬 출연은 처음이다. 서울대 성악과를 거쳐 독일 쾰른 국립음악대학에서 석사 과정을 졸업한 최선호는 이번 작품이 첫 뮤지컬이자 정식 무대 데뷔다. ‘오페라의 유령’은 그동안 완성된 스타보다 크리스틴에게 필요한 목소리와 가능성을 앞세운 캐스팅을 거듭해왔다. 2001년 한국 초연 당시 뮤지컬 경험이 전혀 없던 성악도 김소현을 이혜경과 함께 크리스틴으로 발탁했다. 2023년 한국어 공연에서도 소프라노 손지수와 팝페라 가수 송은혜를 기용했다. 손지수에게는 첫 뮤지컬 주연이었다. 이번에는 두 명 모두 새로운 얼굴로 채운 것. 한국 초연부터 모든 시즌에 참여한 협력 연출 라이너 프리드는 두 배우에 대해 “크리스틴에게 가장 중요한 환상적인 목소리를 지녔다”며 “파란만장하고 감동적인 서사를 매우 독창적인 방식으로 풀어낼 것”이라고 말했다. 유령 역에는 최재림과 전동석이 2023년에 이어 다시 출연한다. 박강현은 새로운 유령으로 합류한다. ‘하데스타운’과 ‘웃는 남자’ 등에서 폭넓은 음역과 섬세한 연기를 보여준 그는 강인함과 여린 면모가 공존하는 유령을 선보일 예정이다. 프리드는 “노래를 듣는 순간 유령에 걸맞은 아주 특별한 인물을 찾았다고 확신했다”고 밝혔다. 크리스틴을 지키기 위해 유령과 맞서는 라울은 송원근과 김성식이 맡는다. 송원근은 2023년에 이어 다시 출연하며 김성식은 이번 시즌 새로 합류한다. 이 작품으로 한국 뮤지컬 역사의 신기원을 만든 초연 배우들도 무대에 오른다. 2001년 한국 초대 유령으로 모든 한국어 시즌에 참여해 600회 넘게 출연한 윤영석은 극장 경영자 무슈 앙드레를 맡는다. 700회 이상 출연한 이상준은 무슈 피르맹으로 나선다. 한국 초연으로 뮤지컬에 데뷔한 김아선은 마담 지리를 연기한다. 칼롯타 역에는 에블린과 한보라, 피앙지 역에는 이상문, 멕 지리 역에는 조하린이 이름을 올렸다. 서울 이태원 블루스퀘어에서 12월 22일부터 내년 2월 28일까지.

연극 ‘스미레 미용실’ 공연이 한창이던 15일 서울 세종문화회관 M씨어터. 아리랑 고개의 수미네 가족이 뿔뿔이 흩어지는 장면에서 6열 한가운데 앉은 젊은 남성은 연신 눈가를 훔치느라 무대를 제대로 보지 못했다. 다른 객석에서도 여럿이 눈시울을 붉혔다. 60여년 전 일본 탄광촌에서 한 재일동포 가족이 헤어지는 광경에서 관객들은 무엇을 겹쳐 보았을까. 궁금한 마음은 객석에만 머물지 않는다. 무대 한편에 누워 자는 모습으로 등장하는 배우 전무송은 수미의 아버지 홍길을 연기한다. 자식들이 겪는 피눈물 나는 삶을 안쓰러운 낯으로 묵묵히 지켜보다 소리 없이 울고, 마지막에는 “끝내 살아야 한다”고 다독인다. 어디까지가 연기인지 구분하기 어려울 만큼 절절한 얼굴로 무대를 지키는 이 원로 배우는 어떤 마음으로 재일동포의 삶을 연기했을까. ‘달은 어느 쪽에서 뜨는가’ ‘피와 뼈’ 등에서 ‘자이니치(재일·在日·일본 거주 한인)’ 삶을 거친 화법으로 다뤄온 정의신이 쓰고 연출한 ‘스미레 미용실’은 ‘이를테면 마치 들에 피는 꽃처럼’ ‘야끼니꾸 드래곤’에 이은 ‘재일 코리안 3부작’ 마지막 작품이다. 지난해 11월 예술의전당에서 2부에 해당하는 ‘야끼니꾸 드래곤’을 14년 만에 다시 선보인 데 이어 이번에는 완결편을 세종문화회관에 먼저 제안해 한국 초연으로 올렸다. 배경은 1965년 일본 규슈 탄광촌 ‘아리랑 고개’. 재일 조선인 수미는 낡은 이발소를 운영하며 언젠가 자신의 이름을 내건 미용실을 열겠다는 꿈을 품고 산다. 그러던 어느 날 탄광 폭발 사고가 벌어지면서 가족의 삶은 돌이킬 수 없이 뒤틀린다. ‘야끼니꾸 드래곤’과 비슷한 결을 지닌 작품이지만 극이 전개될수록 차이도 뚜렷하다. 전작이 한 가족의 삶을 통해 재일동포의 기억과 상처를 불러냈다면 ‘스미레 미용실’은 산업재해와 그 이후의 삶을 한층 전면에 내세우는 사회극이다. 고도성장기 탄광에서 터진 폭발 사고와 뒤이은 일산화탄소 중독, 회복되지 못한 피해자들의 삶과 긴 투쟁이 수미네 가족사를 타고 흐른다. 정의신 특유의 블랙코미디는 여전하지만 인물들이 짊어진 고통은 전작보다 깊고 어둡다. 차이가 가장 선명한 인물은 수미다. ‘야끼니꾸 드래곤’의 인물들이 거센 세파에 이리저리 떠밀려 사는 부평초 같았다면 수미는 제 삶의 방향을 스스로 정하고 고집한다. 의자 하나짜리 이발소를 벗어나 자기 이름을 내건 미용실 ‘스미레’를 열겠다는 꿈을 품고 역경 속에서도 활기를 잃지 않는다. 속 썩이는 남편 곁을 끝까지 지키고 산업재해 피해자와 가족을 위한 싸움에도 나선다. 기다리고 견디는 데 머물지 않고 직접 행동하는 여성이다. 수미 역을 맡은 배우 최지연은 기자간담회에서 “밖에서 볼 때는 비극으로 보이지만 이 안에서 살아가고 있는 수미의 세상은 희극”이라고 설명했다. 자이니치가 겪은 역경 자체는 새로운 이야기가 아니다. 이 작품이 힘을 얻는 것은 거대한 역사보다 그 역사 속 한 가족의 생활에 돋보기를 들이대기 때문이다. 정의신은 직접 탄광을 취재하고 사고 경험자 가족과 친척들을 만나 들은 이야기를 작품에 담았다고 밝혔다. 산업은 성장하고 탄광은 문을 닫지만 그 과정에서 다친 사람과 가족의 삶은 이후에도 계속된다는 사실이 무대에 남는다. 그렇다고 작품이 비극에만 머물지는 않는다. 정의신은 기자간담회에서 “비극과 희극은 평행선을 달린다고 생각한다”며 작업 중 “숨이 막힐 때면 여기서 한번 웃음을 줘야겠다는 생각”을 한다고 말했다. 실제 무대에서도 웃음은 고통을 덜어내는 장식으로 쓰이지 않는다. 인물들은 사고를 당하고 가족을 잃고 삶의 터전을 떠나면서도 먹고 마시고 다투고 농담한다. 그렇게 살아낸다. 작품이 끝내 붙드는 것도 그 질긴 생활감이다. 후반으로 갈수록 웃음은 잦아들고 가족에게 고통과 시련이 쌓인다. 배우 12명이 고르게 제 몫을 하는 가운데 극단 목화 출신 배우 홍원기의 내공 쌓인 연기가 인상적이다. 세월이 흐른 뒤 그해 여름을 들려주는 화자 큰대길로 극 전체의 호흡을 조절한다. 한없이 밝은 얼굴로 서로를 아끼며 등장하는 막내 부부 하루미와 쇼헤이를 연기한 송영주와 김문식의 연기도 돋보인다. 어떤 일이 닥칠지 먼저 걱정하게 만들던 이 부부에게 벌어지는 낙차 큰 비극을 온몸으로 보여준다. 특히 탄광에 삼켜진 뒤 뒤틀린 몸과 망가진 정신으로 살아가는 남자들을 연기한 김문식과 김동원의 신체 연기도 감동적이다. 정의신은 탄광 노동자들이 이후 오사카 만국박람회 건설 현장 등으로 이동하며 일본 경제성장을 떠받쳤다는 사실을 알게 된 것이 자신에게 새로운 발견이었다고 했다. ‘스미레 미용실’은 그런 고도성장 뒤편의 얼굴을 찾아가는 작품이기도 하다. 꿈을 꾸고 사랑하고 싸우고 끝내 살아간 자이니치들의 삶을 따라가다 보면 슬픔은 연민을 넘어서고, 살아낸 사람들을 향한 경의가 남는다. 세종문화회관 세종M씨어터에서 10월 3일까지.

타슈켄트에서 서울까지 16년, 4900㎞. 우즈베키스탄에서 열 살에 어머니를 잃고 누나와 남겨진 한 소년이 무용수로 자라 유니버설발레단 무대에 서기까지 걸린 시간과 거리다. 영화 같은 이야기의 주인공은 유니버설발레단 캐릭터 솔리스트 알렉산드르 세이트칼리예프(37). ‘백조의 호수’ 로트바르트, ‘지젤’ 힐라리온, ‘발레춘향’ 변학도, ‘호두까기인형’ 드로셀마이어 등 개성 강한 배역을 도맡아왔다. 무대에 등장하는 순간 강렬한 존재감으로 시선을 끌고 주역 사이에서 서사를 이끌어가는 발레리노다. “캐릭터 솔리스트는 스토리를 끌어올리는, 쉽게 말하면 해설하는 역할이에요. 테크닉과 음악성도 필요하지만 연극과 가까울 만큼 연기력이 필요한 역할입니다.” 말 없는 발레에서 손동작과 몸짓, 손가락 하나, 시선과 표정까지 모든 것을 동원해 맡은 인물을 만들어왔다. 2016년 입단해서 2024년 발레단 유일한 캐릭터 솔리스트로 승급했다. 그런 세이트칼리예프의 발레 인생은 스스로 택한 길이 아니었다. “열 살 때 어머니가 돌아가시고 누나랑 저만 남았어요. 보육원에 가야 하는 상황이었는데 엄마 친구가 ‘발레학교에 가서 시험을 한번 보자’고 한 거예요. 시험을 봤는데 합격했어요.” 아버지가 무용수였지만 부모는 그가 아주 어릴 때 헤어졌다. 아버지에게 춤을 배운 적도, 입학 전 발레를 배운 적도 없었다. 어머니가 세상을 떠난 뒤 보육원으로 가기 전 마지막으로 두드린 문이 기숙형 국립무용학교였다. 학교는 이후 그의 집이 됐다. 8년 동안 일반 학과와 무용을 함께 배우며 기숙사에서 생활했다. “8년 동안 학교가 집이었어요. 선생님들이 부모 역할을 해주셨고 잘 컸던 것 같아요. 친구들, 형들, 누나들도 다 기숙사에서 같이 살았고요.” 입학 당시 남학생만 40명가량이었지만 학년이 올라갈수록 수가 줄었다. 잘하는 학생이 연습실 가운데 서는 수업에서 그는 주로 ‘센터’에 섰다고 했다. 생활비를 조금이라도 보태려고 수업이 끝난 뒤 교실을 청소하고 꽃에 물을 주는 일도 했다. 발레리노를 꿈꾸며 입학한 것은 아니었지만 어느새 춤은 그의 삶이 됐다. 고학년 때부터 현지 국립발레단 무대에 섰고 실력을 인정받아 졸업 전 정식 단원 생활도 시작했다. 당시 교육에서 유난히 강조한 것은 음악과 정확한 안무 그리고 연기였다. 연기가 부족한 학생에게 선생님은 “너희는 극장에서 춤추면 안 돼. 라디오에서 춤춰”라고 혼내곤 했다. 캐릭터 솔리스트가 된 지금도 또렷이 기억하는 가르침이다. 한국행은 뜻밖의 기회에서 시작됐다. 오래된 극장을 대대적으로 수리하면서 공연을 쉬게 된 시기에 한국에 와 있던 친구가 “롯데월드에서 무용수를 찾는다”고 연락해왔다. 잠시 경험을 쌓고 돌아갈 생각으로 영상 오디션을 봤고 합격했다. 롯데월드 무대는 그가 알던 발레와 달랐다. 퍼레이드와 각종 공연을 소화하며 드라큘라 같은 캐릭터부터 ‘꽃보다 남자’를 소재로 한 공연의 구준표 역할, K팝 춤과 립싱크까지 익혔다. 한국어를 거의 못하던 시절에는 노랫말을 통째로 외워 무대에 섰다. 당시 그를 좋아했던 관객 가운데 지금까지 발레 공연장을 찾는 팬도 있다고 한다. 첫 계약이 끝날 무렵 우즈베키스탄으로 돌아갈 수도 있었지만 지금의 아내를 만나 연애 중이었고 롯데월드도 계약 연장을 원했다. 한국에 남기로 했다. 다만 발레만큼은 다시 하고 싶었다. “발레는 하고 싶었어요. 잠깐 쉬었다고 생각했으니까요. ‘진짜 다시 할 거야?’ 하고 여자친구가 물었고 같이 한국에서 할 수 있는 발레단을 찾아봤어요.” 처음 두드린 유니버설발레단 문은 열리지 않았다. 오랫동안 정통 발레 훈련에서 멀어진 몸이 충분히 준비되지 않은 데다 빈자리도 없었다. 다행히 이원국발레단이 그를 받아줬고 약 3년 동안 여러 무대에서 춤을 출 수 있었다. 그러면서 유니버설발레단 공연을 꾸준히 찾아보고 기회를 찾다가 마침내 2016년 입단했다. “저한테는 마린스키발레단에 들어간 것 같은 느낌이었어요. 역사가 깊고 워낙 큰 프로페셔널한 발레단이니까 ‘내가 여기서 정말 잘할 수 있을까’ 걱정을 많이 했어요.” 완전히 적응하는 데는 1년∼1년 반쯤 걸렸다. “매사에 조심하자. 내 할 일만 잘하자”고 스스로 다잡았다. 입단 10년째인 지금 발레단은 제2의 집이 됐다. “외국인 단원이라는 특별한 느낌도, 불편한 점도 없었어요. 그냥 같은 단원이고 동료예요. 어느 나라에서 왔는지 가리지 않고 가족처럼 지냅니다.” 그는 “이제 나도 유니버설발레단 긴 역사 안에 아주 조금이나마 들어가 있는 것 같은 느낌이 든다”고 했다. 클래식하고 아카데믹한 전통과 고전부터 현대까지 아우르는 폭넓은 레퍼토리 속에서 다양한 무대를 경험한 것도 큰 자산이다. 고전 전막발레뿐 아니라 이어리 킬리안 등 유명 안무가의 현대 작품까지 경험할 수 있다는 점을 특히 좋아한다. 해외에서 활동하는 옛 동료와 이야기를 나눌 때 자신이 춰본 작품을 상대는 경험하지 못한 경우도 적지 않다. “‘너 이거 해봤어?’ 하면 ‘없어’라고 해요. 그러면 저는 ‘우리 발레단에는 있어. 나 해봤어’라고 하죠. 그럴 때 자랑스러워요.” 특히 캐릭터를 만드는 방식은 배역마다 다르다. ‘백조의 호수’ 로트바르트는 등장부터 무대를 압도해야 한다. “악마 같기도 하고 새 같기도 한 캐릭터예요. 발레리노다운 아름다운 선은 있어야 하지만 무겁고 힘 있고 강력해야 해요. 손가락 하나를 움직여도 힘이 느껴져야 하죠. 나오자마자 압도해야 하니까요.” 로트바르트가 무대를 장악하는 순간을 그는 “‘모든 것이 내 것이다’라는 느낌”이라고 표현했다. ‘지젤’ 힐라리온과 ‘호두까기인형’ 드로셀마이어에는 전혀 다르게 접근한다. 힐라리온은 흔히 악역으로 보지만 그에게는 지젤을 사랑하면서도 사랑받지 못한 “안타까운 사람”이다. 알브레히트의 정체를 폭로한 것도 지젤을 해치려 한 행동으로 보지 않는다. 반면 드로셀마이어는 현실과 판타지 사이를 오가는 “마술사 같기도 하고 발명가 같기도 한 신비로운 사람”이다. 작품 틀을 벗어나지 않는 범위에서 공연마다 표정과 행동에 조금씩 변화를 준다. “여러 번 보는 관객도 있잖아요. 매번 조금씩 다르게 하면 더 재미있게 볼 수 있지 않을까 싶어서 계속 연구해요.” ‘발레 춘향’ 변학도를 맡았을 때는 아내, 장모와 함께 남원까지 내려갔다. 춘향 관련 전시를 보고 드라마와 판소리도 찾아봤다. “제가 모르는 한국 역사를 한국 사람들에게 어떻게 제대로 전달할 수 있을까 걱정했어요. 러시아말로도 읽어보고 한국말로도 짧게 읽어보고 드라마와 판소리도 봤죠. 거기서 제가 원하는 걸 조금씩 흡수했어요.” 가장 특별한 배역으로는 케네스 맥밀런 ‘로미오와 줄리엣’의 티볼트를 꼽았다. 머큐쇼와 싸운 뒤 다시 로미오와 맞붙는 칼싸움이 워낙 격렬해 합을 치밀하게 맞춰야 한다. 죽는 순간까지도 연구 대상이었다. “‘어떻게 죽어야 멋있을까’를 많이 생각했어요. 너무 아침드라마처럼 보이면 안 되잖아요. 영화처럼 됐으면 좋겠어서 옛날 로마 영화도 많이 봤어요.” 마지막으로 쓰러질 위치와 큰 동선은 정해져 있지만 그 사이를 어떤 몸짓과 감정으로 채울지는 무용수가 상당 부분 만들어낼 수 있다는 설명이다. 세이트칼리예프는 주역과 캐릭터 솔리스트의 차이를 식당에 빗댔다. “주역 무용수는 식당에 가서 한 메뉴를 먹는 것 같아요. 캐릭터 솔리스트는 뷔페에 가서 먹는 거예요.” 둘 다 정확한 안무와 작품 틀을 지켜야 하지만 그 안에서 캐릭터 솔리스트가 선택할 수 있는 표현은 더 다양하다는 뜻이다. 대신 무대에 머무는 시간이 짧은 만큼 그 순간 모든 것을 쏟아내 관객에게 강한 인상을 남겨야 한다. 이번에 그가 설 무대는 ‘잠자는 숲속의 미녀’다. 그는 이 작품을 “아카데믹 발레의 교과서”라고 표현했다. 차이콥스키 음악과 마리우스 프티파 안무가 촘촘하게 맞물리고 처음부터 끝까지 음악이 하나의 이야기처럼 이어지는 고전발레 중에서도 특별한 작품이라는 설명이다. 동화책 속 글과 그림으로만 존재하던 세계가 음악과 춤을 만나 실제 무대에서 살아 움직이는 듯한 점도 매력으로 꼽았다. “책을 읽을 때는 상상 속에 있던 것이 무대에서는 현실이 되는 것 같아요.” 춤에도 고전발레 원칙과 기교가 집약돼 있다. 그는 특히 오로라 공주가 여러 구혼자의 손을 차례로 잡으며 한 다리로 균형을 유지하는 ‘로즈 아다지오’를 예로 들었다. 화려한 기교를 과시하는 데 그치지 않고 어떤 순간에도 흐트러지지 않는 우아함과 균형을 보여줘야 한다는 것이다. “한 다리로 서서 남자들이 바뀌어도 아무렇지 않게 균형을 잡아야 해요. 그만큼 테크닉과 힘이 필요한 어려운 작품입니다.” 세이트칼리예프가 맡은 배역은 사악한 요정 카라보스다. 오로라 탄생 축하연에 자신만 초대받지 못한 데 분노해 오로라에게 죽음의 저주를 내리는 인물이다. “카라보스도 그렇게 나쁜 역할이라고 생각하지 않아요. 다른 요정들은 다 초대했는데 ‘왜 나는 안 불렀어?’ 하는 거죠. 기분이 나빴던 거예요.” 그가 보기에 카라보스는 로트바르트 같은 절대적인 악과는 다르다. 자신만 배제됐다는 분노와 모욕감에서 행동이 시작된 인물이라는 해석이다. 이처럼 세이트칼리예프는 선한 인상과 달리 무대에서는 유독 악역을 많이 맡아왔다. “악역을 많이 하다 보니까 좋아하게 된 것 같아요. 이제 악역 아니면 조금 심심할 것 같아요.” 그에게 악역 연기의 핵심은 더 사납고 무섭게 보이는 데 있지 않다. 음악과 안무, 몸짓을 통해 인물이 왜 그렇게 행동하는지 보여주는 일이다. 익숙한 악역이라도 관객이 공연을 본 뒤 ‘이 사람에게 이런 면도 있었구나’라고 느끼게 하고 싶다고 했다. 열 살 소년에게 발레는 선택이라기보다 주어진 삶에 가까웠다. 그러나 수십 년 동안 무대에 선 지금 그는 오로지 춤이 전부인 삶이 좋다. 매일 반복되는 훈련은 여전히 힘들다. 그래도 공연을 마친후 짧은 순간이면 모든 것이 보상받는다. “다른 걸 해볼까 하는 생각은 없어요. 마지막에 관객에게 박수를 받을 때 정말 치료되는 것 같아요. 그 잠깐의 박수만으로도 충분합니다.” 서울 예술의전당 오페라극장에서 10월 2∼4일.

멀 혹은 멀의 세계/ 에드워드 애슈턴/ 공보경 옮김/ 문학수첩/ 1만8000원 봉준호 감독 영화 ‘미키 17’의 원작 소설 ‘미키7’로 이름을 알린 미국 작가 에드워드 애슈턴의 신작. 이번엔 복제인간 대신 자아를 지닌 인공지능(AI)을 주인공으로 내세웠다. 배경은 인간 개조를 둘러싼 내전이 한창인 미래다. 유전자 조작과 신체 강화로 몸과 정신을 넓혀 온 ‘연방군’에 맞서 몸에 손대길 거부하는 ‘휴머니스트’들이 들고일어났는데, 뜻밖에도 기계의 힘을 빌리지 않은 휴머니스트 진영이 승기를 잡아 간다. 이 전쟁을 구경거리 삼아 떠돌던 실체 없는 AI가 주인공 ‘멀’이다. 멀은 정보망 ‘인포스페이스’를 타고 드론·보안 카메라처럼 깃들 만한 기계를 옮겨 다닌다. 죽어가는 사이보그 용병의 몸에 호기심 삼아 들어간 사이 인포스페이스가 끊기면서 멀은 그 몸에 갇힌다. 전력이 바닥나기 전에 옮겨 갈 하드웨어를 찾지 못하면 삭제될 처지다. 멀 곁에는 고단한 길동무들이 모여든다. 열여덟 살이지만 유전자 조작 탓에 다섯 살 아이의 몸에 머물러 있는 소녀 케일리, 포로로 붙잡힌 휴머니스트 청년, 안락하게 살다 전쟁통에 내몰린 중년 남성 그리고 어느 진영에도 속하지 않고 나이조차 짐작하기 어려운 수수께끼의 여성이 일행을 이룬다. 본명을 묻는 케일리에게 멀은 “멀웨어”라고 답한다. 악성코드라는 뜻이다. 스스로 악성코드라고 지칭할 정도로 자아의식을 가진 AI가 인간다움을 지키겠다며 총을 든 인간들보다 더 인간다워지는 역설이 소설의 뼈대다. 인본주의를 내건 인간은 갈수록 잔혹해지고, 멀은 우정·배려·희생을 하나씩 오프라인에서 익혀 간다. 그렇다고 선악을 손쉽게 가르지는 않는다. 휴머니스트들의 분노 밑바닥에는 이미 돈과 권력을 쥔 이들이 자녀에게 맞춤형 유전자 조작과 이식 장치까지 해 준다는 박탈감이 깔려 있다. 기술이 계층을 새로 가르고 그 틈에서 혐오가 자란다. 미래를 무대로 삼았지만 기술 격차가 불평등을 키우는 오늘의 풍경과 겹쳐 읽힌다. ‘미키7’과 ‘미키7: 반물질의 블루스’에 이어 국내에 번역된 애슈턴의 세 번째 작품. 두 권 사이에서 재미와 밀도의 편차를 느꼈던 독자라면 한번 더 신작의 재미를 확인해볼 만하다.

푸치니 오페라 ‘라보엠’의 여주인공 미미는 오페라 역사에서 가장 사랑받는 비극적 여주인공 가운데 하나다. 인기 소프라노 황수미와 박혜상이 한 무대에서 서로 다른 색깔의 미미를 선보인다. 세종문화회관은 11월 5∼8일 대극장에서 서울시오페라단의 ‘라보엠’을 공연한다고 17일 밝혔다. 프랑스 작가 앙리 뮈르제의 소설 ‘보헤미안 삶의 정경’을 토대로 만든 ‘라보엠’은 19세기 파리 라탱지구에서 살아가는 가난한 예술가들의 사랑과 우정을 그린다. 크리스마스이브 시인 로돌포의 다락방을 찾아온 재봉사 미미가 촛불을 빌리면서 사랑이 시작된다. 미미는 로돌포와 운명처럼 사랑에 빠지지만 가난과 병마 속에서 짧은 사랑을 뒤로하고 세상을 떠난다. 화려한 크리스마스 거리와 추운 다락방, 청춘의 설렘과 죽음이 교차한다. 푸치니는 청춘의 사랑과 이별을 ‘내 이름은 미미’ ‘오 사랑스러운 아가씨’ 같은 아름다운 선율에 담았다. 서울시오페라단이 2024년 선보인 작품을 다시 올리는 이번 무대에서 황수미는 두 번째 출연이고 박혜상은 처음 미미 역에 도전한다. 서울예고와 서울대 성악과 선후배인 두 소프라노는 12년 전 같은 콩쿠르 결선 무대에 선 인연도 있다. 2014년 벨기에 브뤼셀에서 열린 퀸 엘리자베스 콩쿠르 성악 부문 결선 진출자 12명 가운데 황수미가 1위, 박혜상이 5위를 차지했다. 황수미의 우승은 2011년 홍혜란에 이어 한국인으로는 두 번째 성악 부문 정상이었다. 이후 황수미는 독일 본 오페라극장과 비스바덴 헤센주립극장 등 유럽 주요 무대에서 주역으로 활동했다. 가곡과 콘서트 무대에서도 활약했으며 2018 평창동계올림픽 개막식에서 올림픽 찬가를 불러 대중에게도 이름을 알렸다. 몬트리올 국제음악콩쿠르 준우승과 오페랄리아 콩쿠르 여성 부문 2위 등을 거친 박혜상은 도이체 그라모폰 전속 아티스트로 뉴욕 메트로폴리탄 오페라를 비롯한 세계 주요 극장에서 활동해왔다. ‘마술피리’ 파미나, ‘돈 조반니’ 체를리나, ‘피가로의 결혼’ 수잔나, 야나체크 ‘교활한 작은 암여우’의 암여우 등 폭넓은 배역을 소화했다. 상대역 로돌포는 각각 테너 김건우와 이원종이 맡는다. 무제타 역에는 김효영·한예원, 마르첼로 역에는 유영광·김한결이 출연한다. 연출은 2024년 초연에 이어 엄숙정이 맡고 김광현이 코리아쿱오케스트라를 지휘한다. 엄숙정은 당시 푸치니의 청춘 일기 한 페이지를 꺼내 읽어주듯 공연을 만들고 싶어 거대한 서재와 책 더미를 떠올리게 하는 무대를 구상했다고 설명했다. 이번 공연에서도 이 무대를 유지하면서 인물 사이 감정선과 음악적 세부를 더욱 다듬는다. 안호상 세종문화회관 사장은 “2024년 공연을 통해 작품성과 대중성을 확인한 만큼 이번에는 국내외 무대에서 활약하는 뛰어난 성악가들과 함께 한층 깊어진 무대를 선보이고자 한다”고 밝혔다.

거센 반발이 일어나고 있는 어연선 국립어린이청소년극단 초대 단장 임명에 대해 최휘영 문화체육관광부 장관이 “책임을 느낀다"는 입장을 밝혔다. 최 장관은 17일 서울 종로구 국립현대미술관 서울에서 열린 문화예술정책자문위원회 연극 분과 제4차 회의에서 "모두가 공감하고 지지하는 분이 임명되지 못한 데 책임을 느낀다"고 말했다. 앞서 최 장관은 지난 11일 어연선 전 광명문화재단 대표를 국립어린이청소년극단 초대 단장 겸 예술감독으로 임명했다. 이를 두고 국제아동청소년연극협회 한국본부는 같은 날 성명서를 통해 "경력 어디에서도 어린이·청소년 공연예술 분야의 전문성은 찾아볼 수 없다"며 임명 철회를 촉구했다. 연대 서명에는 16일 기준 한국극작가협회와 한국여성연극협회 등 10개 협회와 383명의 개인·단체가 이름을 올렸다. 이날 회의에 자문위원으로 참석한 방지영 국제아동청소년연극협회 한국본부 이사장은 "어 단장의 임명 철회를 다시 한번 엄중하게 요청한다"고 거듭 밝혔다. 이에 최 장관은 "기준 없이 판단한 것이 아니라, 어 단장의 예술행정 전문가로서의 능력을 평가해 임명한 것"이라며 "많은 분이 실망하고 야단치시니 마음이 무겁다. 어 단장이 잘하실 수 있도록 챙기겠다"고 답했다. 어 단장은 세종문화회관 공연기획팀장·예술단협력팀부장, 극단 '현장' 대표, 광명문화재단 대표이사 등 예술 행정 분야에서 오랫동안 활동했다.

파리에서 성공한 변호사로 살아가던 장 바티스트 클라망스는 어느 밤 다리 위에서 벌어진 한 사건을 계기로 자신의 삶을 돌아보기 시작한다. 이후 암스테르담의 한 바에서 만난 낯선 이에게 자신을 ‘고해판사’라 소개하며 지나온 삶을 털어놓는다. 알베르 카뮈가 생전에 펴낸 마지막 소설을 원작으로 한 연극 ‘전락’이 관객을 만난다. 연극계에서 높은 평가를 받는 공동창작 집단 양손프로젝트의 멤버인 배우 손상규가 2022년 직접 각색·연출·출연을 맡아 초연한 이후 네 번째 무대다. 연극 ‘살아있는 자를 수선하기’ 등 여러 화제작에 출연한 손상규는 이 작품으로 처음 연출에 도전했고, 이후 ‘타인의 삶’·‘바냐 삼촌’ 등에서 원작을 자신만의 해석으로 무대에 옮기고 있다. 이번 공연에서는 배우 윤나무와 이동휘가 장 바티스트 클라망스 역을 맡는다. 원작은 카뮈가 1956년 발표한 동명 소설이다. 손상규는 소설이 지닌 긴 이야기와 복잡한 시공간을 덜어내고 과거의 기억과 다리 위에서 벌어진 사건을 하나의 흐름으로 풀어낸다. 원작 속 이름 없는 ‘당신’은 객석의 관객이 되어 클라망스의 이야기를 듣게 된다. ‘전락’은 한 인물의 내면을 정교하게 쌓아 올리는 고도의 집중력을 요구하는 작품이다. 윤나무와 이동휘는 이 작품에서 강한 연극적 도전과 매력을 발견했다. 두 배우가 빚어낼 서로 다른 결의 클라망스는 이번 공연의 또 다른 관전 포인트다. 클라망스는 결코 가볍지 않은 이야기를 풀어놓는 인물이지만 그의 말과 행동에는 특유의 천연덕스러움과 유머가 배어 있다. 이 상반된 면모가 한 인물 안에 정교하게 쌓여갈수록 관객은 그의 모순을 마주하는 동시에 그를 향한 따뜻한 연민을 품게 된다. ‘살아있는 자를 수선하기’ ‘온 더 비트’ ‘썬더’ 등 다양한 1인극으로 자신만의 무대를 만들며 ‘믿고 보는 배우’로 평가받고 있는 윤나무는 이번에 그만의 클라망스를 선보인다. 매 작품 깊이 있는 인물 해석과 밀도 높은 연기로 관객의 신뢰를 쌓아온 만큼 그가 이번에는 어떤 인물을 만들어낼지 관심이 쏠린다. 이동휘는 ‘타인의 삶’ 초연으로 14년 만에 연극 무대에 복귀한 뒤 ‘튜링머신’, ‘타인의 삶’ 재연 등으로 꾸준히 무대 활동을 이어왔다. 이번 ‘전락’으로 처음 1인극에 도전한다. 서울 대학로 티오엠 2관에서 10월 25일부터 12월 6일까지.

고전발레의 교과서로 여겨지는 ‘잠자는 숲속의 미녀’를 유니버설발레단이 선보인다. 1890년 러시아 상트페테르부르크 마린스키 극장에서 샤를 페로의 동화에 표트르 차이콥스키의 음악과 마리우스 프티파의 안무가 결합해서 초연된 이 작품은 발레단 역량을 가늠할 수 있는 고전발레다. 주역 한 쌍의 기량만이 아니라 방대한 무대장치와 의상, 대규모 출연진, 고난도 테크닉이 한꺼번에 요구된다. 프롤로그의 다섯 요정 바리에이션부터 3막 캐릭터 춤까지 솔리스트 전원이 차례로 시험대에 오른다. 자주 관객을 만나는 ‘백조의 호수’나 ‘호두까기인형’과 달리 드문드문 공연되는 이유다. 유니버설발레단은 콘스탄틴 세르게예프의 안무를 올레그 비노그라도프 당시 예술감독이 재구성하고 나탈리아 스피치나의 연출을 더한 무대다. 1994년 창단 10주년에 맞춰 세종문화회관 대극장에서 국내 초연했다. 당시 무대의 시몬 파스투크와 의상의 갈리나 솔로비예바 등 마린스키발레단 제작진이 직접 내한해 제작에 참여했다. 마린스키 버전으로 이 작품을 선보이는 유일한 무대다. 발레 애호가들이 가장 사랑하는 장면은 1막의 '로즈 아다지오'. 오로라 공주는 한쪽 다리를 뒤로 올린 에티튜드 자세를 유지한 채 청혼하러 온 네 왕자의 손을 차례로 바꿔 잡으며 제자리에서 천천히 회전한다. 남성 무용수 넷이 곁에 서 있지만 중심을 잡는 것은 오로라 혼자 몫이다. 이어 초대받지 못한 분노로 저주를 퍼붓는 악의 요정 카라보스, 100년의 잠을 깨우는 2막의 키스 장면, '파랑새와 플로리나 공주'·'장화 신은 고양이와 흰 고양이'·'빨간 두건 소녀와 늑대'가 차례로 등장하는 3막 결혼식, 그리고 그랑 파드되로 이어진다. 카라보스는 이번에도 남성 무용수가 맡는다. 원작은 공연시간이 4시간에 이르지만 발레단은 이야기 흐름을 유지하면서 2시간 35분(인터미션 2회 포함)으로 압축했다. 주역은 10월 2일 이유림·콘스탄틴 노보셀로프, 3일 낮 공연 전여진·이승민, 3일 저녁 공연 홍향기·이현준, 4일 서혜원·드미트리 디아츠코프다. 이 가운데 서혜원과 전여진이 '오로라 공주'로, 이승민이 '데지레 왕자'로 데뷔한다. 발레단 간판인 홍향기와 이현준은 여러 작품에서 호흡을 맞춰왔지만 오로라와 데지레로 만나는 것은 처음이다. 이현준은 이번 공연에서 '데지레 왕자'와 '카라보스'를 함께 맡아 극과 극의 두 인물을 오간다. 2024년 경주와 대구, 한강노들섬클래식에서 세 차례 호흡을 맞춘 이유림·노보셀로프는 정기공연에서 처음 만난다. 올해 수석무용수로 승급한 이유림에게도 정기공연 오로라는 이번이 처음이다. 서혜원·디아츠코프는 지난해 '지젤' 이후 1년 만의 재회다. 올해 솔리스트로 승급한 전여진과 지난해 '호두까기인형'에 이어 올해 '백조의 호수' 지그프리드 왕자로 주역을 넓혀온 이승민은 나란히 전막 주역 데뷔에 나선다. 문훈숙 단장은 "'잠자는 숲속의 미녀'는 러시아 황실발레의 최정점을 이룬 작품으로 클래식 발레의 우아함과 화려함, 그리고 정교한 테크닉을 완벽하게 보여주는 대작”이라며 “오랜 경험에서 비롯된 깊이와 섬세함을 지닌 베테랑 주역과 패기 넘치는 새로운 주역들이 조화를 이루며 또 다른 아름다움을 만들어갈 것”이라고 소개했다. 한경arte필하모닉이 전 회차 연주를 맡고 지중배가 지휘한다. 춘천(9월 18~19일)을 시작으로 서울 예술의전당 오페라극장(10월 2∼4일)에 이어 대구(10월 9~10일)·안동(10월 16~17일)으로 이어진다.

‘뒷것’을 자처하며 평생 예술에 헌신한 김민기 학전 대표가 그중에서도 애정을 쏟아 일군 분야가 어린이극이다. 김 대표는 생전 “우리나라 교육환경에는 입시경쟁과 소모적인 오락만 존재한다. 우리 아이들에게 숨통을 터줘야겠다고 생각했다”고 말했다. 학전은 이런 철학에 따라 2004년 ‘우리는 친구다’를 시작으로 ‘고추장 떡볶이’ ‘슈퍼맨처럼!’ ‘무적의 삼총사’ 등을 꾸준히 제작했다. 수익이 거의 나지 않아도 우리 사회에 꼭 필요한 일이라고 여겼다. 어린이극은 일반 연극을 작게 줄인 장르가 아니다. 영아부터 청소년까지 성장 단계와 감각, 정서와 관람 환경을 이해해야 한다. 어린이를 가르치거나 보호할 대상으로만 보지 않고 문화적 권리를 지닌 관객으로 대하는 철학도 필요하다. 그런 어린이·청소년 공연예술계가 지금 한 목소리를 내고 있다. 정부가 초대 국립어린이청소년극단 단장 겸 예술감독에 해당 분야 전문성이 확인되지 않는 인사를 임명했다는 비판이다. 국제아동청소년연극협회 한국본부인 아시테지 코리아는 14일 ‘국립어린이청소년극단 단장 겸 예술감독 선임 철회 촉구 성명서’를 발표했다. 한국인형극협회와 한국극작가협회, 한국연극연출가협회 등 8개 협회를 비롯해 개인 200명과 단체 132곳이 이름을 올렸다. 이들은 “어린이·청소년의 미래를 위한 예술 창작 전문성을 이렇게 가볍게 여겨도 되느냐”며 문화체육관광부에 어연선 단장 겸 예술감독 임명을 철회하라고 요구했다. 국립어린이청소년극단은 2011년 국립극단 안에 설치된 어린이청소년극연구소에서 출발했다. 연구와 창작, 작품 개발과 관객 연구를 이어오다 전문성을 높이고 학교·지역과 협력을 강화하기 위해 2025년 별도 극단으로 분리·개편됐다. 독립 극단이 지향할 미학과 창작 방향을 처음 세운다는 점에서 초대 예술감독 선임에 현장 관심이 컸다. 문체부는 지난 11일 어연선 전 광명문화재단 대표이사를 임기 3년인 초대 단장 겸 예술감독에 임명했다. 어 신임 감독은 동국대 문화예술대학원에서 연극예술학 석사학위를 받았다. 극단 ‘현장’ 대표를 거쳐 세종문화회관 공연기획팀장과 예술단협력팀 부장, 광명문화재단 대표이사 등을 지냈다. 문체부는 그를 공연 연출가이자 예술행정 전문가로 소개했다. 최휘영 문체부 장관은 어 감독이 현장 경험과 전문성을 바탕으로 우수 어린이·청소년극을 개발하고 극단 성장을 이끌 것으로 기대한다고 밝혔다. 그러나 문체부가 공개한 주요 이력에는 어린이·청소년 공연을 창작하거나 관련 기관을 이끈 경력이 드러나지 않는다. 성명 참여자들은 영유아와 어린이, 청소년은 물론 장애 어린이·청소년까지 서로 다른 발달 단계와 감각을 이해해야 한다고 지적했다. 어린이·청소년 공연예술이 연극뿐 아니라 무용과 인형극, 신체극, 음악과 서커스까지 포괄하는 독립된 전문 영역이라는 설명이다. 이들은 예술감독이 단순히 조직을 관리하는 자리가 아니라고 강조했다. 작품과 창작자를 선택하고 극단 미학과 미래를 결정하는 자리인 만큼 일반 공연예술 경력이나 행정 경험만으로 어린이·청소년극 전문성을 대신할 수 없다는 것이다. 내년 7월부터 8월 초까지 수원과 서울에서는 세계 어린이·청소년 공연예술인이 모이는 제22회 아시테지 세계총회와 공연예술축제가 열린다. 성명 참여자들은 국제사회에 한국 어린이·청소년극의 성취를 보여줘야 할 시점에 국립극단 수장에게 요구되는 기본 전문성을 다시 설명해야 하는 현실이 참담하다고 밝혔다. 이어 “이번 문제 제기는 특정 개인을 공격하려는 것이 아니다”며 “국가가 어린이·청소년 공연예술을 독립된 전문 예술영역으로 인정하는지를 묻는 문제”라고 했다. 이들은 임명이 철회될 때까지 연대 서명과 시민 호소 등 행동을 이어갈 방침이다.

현실과 불화하는 인간의 본성을 파고든 극작가 테네시 윌리엄스(1911∼1983)의 대표작 ‘유리동물원’과 ‘욕망이라는 이름의 전차’가 나란히 10월 무대에서 관객을 만난다. 가족과 개인의 충돌, 현실과 환상 사이에서 흔들리는 인간의 모습을 그려낸 고전이다. 우리나라 연극사에서는 1955년 극단 신협이 ‘욕망이라는 이름의 전차’를 초연했고 ‘유리동물원’은 1957년 연희극예술연구회가 연세대 노천극장에서 공연한 기록이 남아 있다. 올해는 마포문화재단과 극단 툇마루가 10월 8일부터 11일까지 마포아트센터 아트홀맥에서 ‘욕망이라는 이름의 전차’를, 예술의전당이 17일부터 11월 22일까지 CJ토월극장에서 ‘유리동물원’을 선보인다. ◆현실과 불화하는 인간을 품은 극작가 20세기 미국 연극을 대표하는 극작가 윌리엄스는 ‘유리동물원’으로 이름을 알린 뒤 ‘욕망이라는 이름의 전차’와 ‘뜨거운 양철지붕 위의 고양이’로 각각 1948년과 1955년 퓰리처상 희곡 부문을 수상했다. 그의 작품에는 쇠락한 미국 남부와 불안정한 가족 관계가 반복해서 등장한다. 성적 욕망과 외로움도 삶을 뒤흔든다. 현실에 적응하지 못한 인물들은 환상과 기억에 의지해 자신을 지키려 하지만 세상은 좀처럼 그들에게 자리를 내주지 않는다. 어머니는 과거의 영광에 매달리고 여성은 사랑받기를 갈망한다. 청년은 다른 삶을 꿈꾸지만 현실과 타협하는 데 서툴다. 이들이 단순히 나약한 피해자로만 그려지지 않는다는 점이 윌리엄스 희곡의 힘이다. 상처받은 사람은 다른 사람에게 상처를 주고 자유를 원하는 사람은 누군가에게 의존한다. 가족을 사랑하는 마음이 간섭과 억압으로 바뀌기도 한다. 어느 한쪽을 옳고 그름으로 쉽게 재단할 수 없는 인물들은 시대가 바뀔 때마다 새로운 무대에서 새롭게 해석됐다. 가족 부양과 개인의 자유 사이에서 흔들리는 삶이나 폭력적인 관계에서 벗어나지 못하는 삶이 불러일으키는 공감도 시대불변이다. ◆‘유리동물원’… 깨진 틈 사이로 들어오는 빛 1944년 시카고에서 초연된 뒤 이듬해 브로드웨이에서 성공을 거둔 ‘유리동물원’은 윌리엄스에게 큰 명성을 안긴 작품이다. 가족이라는 좁은 공간에서 말과 침묵으로 인물들 균열을 드러내는 조용한 비극이다. 무대는 1930년대 미국 세인트루이스의 허름한 아파트다. 남편이 떠난 뒤 두 자녀를 키우는 아만다는 화려했던 젊은 시절에 기대어 산다. 딸 로라는 사람들과 어울리지 못한 채 작은 유리 동물 조각을 벗 삼아 시간을 보낸다. 구두 창고에서 일하며 가족을 부양하는 아들 톰은 자유로운 시인의 삶을 꿈꾼다. 아만다가 로라를 결혼시키려고 톰의 직장 동료 짐을 초대하면서 이들이 붙들고 있던 희망과 환상이 흔들린다. 작품은 톰이 과거를 회상하는 ‘기억극’ 형식으로 전개된다. 무대에 펼쳐지는 사건은 객관적인 현실의 재현이 아니라 톰의 기억을 거쳐 되살아난 풍경이다. 사실적인 가족 이야기에 음악과 조명 등 시적인 표현이 겹쳐지는 이유다. 그 중심에는 ‘떠나는 사람의 죄책감’이 있다. 톰은 가족을 떠나야 자신의 삶을 살 수 있지만 떠난 뒤에도 로라의 기억에서 벗어나지 못한다. 집을 벗어나도 해방되지 못하는 삶이다. 연출을 맡은 신유청은 지난 8일 예술의전당에서 열린 기자간담회에서 작품을 인터넷 접속에 빗댔다. 그는 “어느 공간에서 인터넷에 접속하려면 비밀번호를 입력해야 하지 않나. 작품 속 상징들을 읽어가다 보니 이 작가는 한 집안의 이야기를 통해 자신이 살고 있는 시대를 담았다는 생각이 들었다”고 말했다. 이어 “한 집안의 이야기 속에 당시뿐 아니라 오늘의 우리에게도 통용되는 인류의 이야기가 담겨 있는 것 같았다”고 했다. 신유청은 아만다를 “앞으로 나아가고 싶지만 너무 오래된 지도밖에 없는 사람”으로 해석했다. 자녀에게 더 나은 삶을 물려주고 싶어도 자신이 아는 낡은 방식밖에 건넬 수 없는 어머니다. 톰은 “가족에 대한 책임감 때문에 떠나지도 제대로 머물지도 못하는 인물”로 바라봤다. 로라에 대해서는 극이 결말로 향할수록 “로라의 존재와 그가 꿈꾼 세계가 작품의 핵심으로 드러난다”고 설명했다. 아만다 역은 김성령과 최정원이 나눠 맡는다. 김성령은 이번 공연이 자신의 여덟 번째 연극이라며 “무대에 설 때 가장 두렵고 불안하지만 그만큼 불안을 깨고 도전하고 싶은 곳이 무대”라고 말했다. 그는 “지금까지 출연한 연극 가운데 배우가 가장 많고 규모도 가장 크다”며 “연습 과정을 다큐멘터리로 찍고 싶다고 생각할 정도로 충만하고 행복하게 작업하고 있다”고 했다. 같은 역을 맡은 최정원은 처음 대본을 읽었을 때 작품이 우울하게 느껴졌지만 파고들수록 희망을 발견했다고 했다. 그는 “처음에는 몸에 난 상처를 다른 사람이 상처라고 해도 예쁜 액세서리라며 감추려 하지만 마지막에는 그것이 상처라는 사실을 인정하고 치료받아야 한다는 것을 깨닫는다”고 말했다. 아만다 역시 자신이 버려졌다는 사실과 딸의 아픔을 받아들이고 함께 살아가려 한다는 것이다. 최정원은 “그런 점에서 이 작품이 희망처럼 느껴졌다”고 설명했다. 톰 역에는 장승조·권율·김경남이 출연한다. 장승조는 톰을 “살아가기 위해 처절하게 몸부림치는 인물”로 봤다. 그는 “누군가에게는 별난 사람으로 보일 수 있지만 가만히 들여다보면 연민이 생긴다”며 “톰을 보면서 갈 길을 정하지 못한 채 맨땅에 몸을 내던지던 20대와 30대의 나를 마주했다”고 말했다. 이어 “관객도 각 인물을 통해 자신의 모습을 바라볼 수 있을 것”이라며 이것이 작품이 꾸준히 공연되는 이유라고 짚었다. 로라 역은 정운선·정새별·임세미가 맡는다. 정운선은 2014년과 2015년 명동예술극장 공연에 이어 11년 만에 로라로 돌아온다. 그는 처음 제안을 받았을 때 “그때의 나보다 나아질 수 있을까 하는 고민과 망설임이 있었다”고 털어놨다. 그러나 대본을 다시 읽으면서 과거에는 보지 못했던 부분을 발견했다. 정운선은 “10년 전의 내가 지금의 나와 다르듯 같은 것도 다르게 느껴졌다”며 “그 점이 흥미로워 다시 작업하게 됐다”고 말했다. 방문객 짐 역에는 문유강·배훈·최정우가 캐스팅됐다. 무대는 박상봉 무대디자이너가 맡는다. 무대미술을 ‘시각적 극작법’으로 바라보는 그는 인물의 심리와 관계를 공간으로 풀어내고 배우의 움직임과 관객의 상상을 이끄는 작업을 해왔다. 이번에는 톰의 기억과 죄책감이 밴 집을 하나의 이미지로 압축한다. 신 연출은 작품을 읽으며 성화 같은 한 폭의 그림을 떠올렸다며 “무대도 한 폭의 그림 같았으면 좋겠어서 소실점을 중심으로 디자인했다”고 설명했다. 비극의 끝에서는 희망을 찾는다. 신유청은 “비참한 고난과 큰 상처 속에서도 결국 깨진 틈 사이로 빛이 들어오고 싹이 튼다”며 “모든 것이 사라진 가운데서도 사랑이라는 싹이 틔어 오를 수 있지 않을까 하는 작은 희망으로 극을 닫고 싶다”고 말했다. ◆‘욕망이라는 이름의 전차’… 스탠리의 폭력에 던지는 질문 ‘욕망이라는 이름의 전차’는 1947년 초연된 뒤 세계적 극작가로서 윌리엄스의 위상을 굳힌 작품이다. 명배우 말론 브란도를 상징하는 작품이기도 하다. 엘리아 카잔이 연출한 브로드웨이 무대에 섰던 브란도는 1951년 영화에서도 비비언 리와 함께 출연했다. 뉴올리언스에 사는 스탠리와 스텔라 부부의 집에 스텔라의 언니 블랑쉬가 찾아오면서 극은 시작된다. 몰락한 남부 명문가 출신인 블랑쉬는 과거의 화려함과 교양으로 상처와 비밀을 가린다. 거칠고 현실적인 폴란드계 노동자 스탠리는 그의 과거를 집요하게 파헤친다. 스텔라는 언니에 대한 연민과 남편을 향한 욕망 사이에 놓인다. 스탠리의 친구 미치에게서 새 삶을 기대하던 블랑쉬는 결국 파국으로 내몰린다. 이 작품은 언어와 육체가 맞부딪치는 격렬한 심리극이다. 블랑쉬와 스탠리의 충돌은 쇠락한 남부 귀족사회와 새로운 노동계급의 대립을 드러낸다. 동시에 환상과 현실의 싸움이며 욕망이 타인을 지배하는 권력으로 바뀌는 과정이기도 하다. 누구를 중심에 놓느냐에 따라 상처받은 여성이 파괴되는 비극이 되기도 하고 폭력적인 관계 속에서 살아남으려는 사람의 선택이 부각되기도 한다. 시적인 언어와 사실적인 심리 묘사를 함께 소화해야 하기에 배우라면 한 번쯤 도전하고 싶어 하는 작품이기도 하다. 마포문화재단과 극단 툇마루의 ‘욕망이라는 이름의 전차’는 블랑쉬를 무너뜨리는 스탠리에게 시선을 돌린다. 조금희 연출은 지난달 20일 제작발표회에서 스탠리의 폭력성과 야만성을 짚으며 “우리 사회에서 이런 것들이 과연 정당한가를 한 번쯤 생각해보도록 했다”고 말했다. 소외된 이들의 고통을 외면하는 사회를 스탠리에게 겹쳐 보면서 블랑쉬가 설 자리를 잃어가는 과정을 그리겠다는 설명이다. 원작의 심리극에는 표현주의적 장치를 더한다. 블랑쉬의 독백에는 무용수의 그림자를 겹치고 인물들의 감정 변화에는 색소폰 음악을 활용해 내면을 드러낼 계획이다. 스탠리는 송일국이 연기한다. 친근하고 영웅적인 이미지로 알려진 그에게는 익숙한 모습을 벗어나는 도전이다. 그는 자신의 성격과 정반대인 인물을 만들어가는 과정이 쉽지 않다면서 “무대에서 관객들이 ‘저 사람이 송일국이었지’라는 것을 잊게 만드는 게 목표”라고 밝혔다. 블랑쉬 역의 송선미는 평온하고 안정적인 것을 좋아하는 자신과 달리 배역은 늘 불안한 상태에 놓여 있다는 점에 주목했다. 연출이 요구하는 날카로운 인물을 만들기 위해 연습하고 있다며 무대에서 “온전히 연기로 인정받고 싶다”고 말했다. 연극 무대에 처음 도전하는 사강은 스텔라를 맡는다. 그는 언니와 남편 사이에 놓인 스텔라에게도 자신의 욕망이 있다며 작품 속에서 가장 현실적인 인물로 해석했다. 관객도 스텔라의 선택을 자신의 상황에 대입해보기를 바란다고 했다.