대형 파이프 오르간이 설치된 클래식 전용 콘서트홀을 갖춘 부천아트센터(BAC)가 오는 5월 개관한다. 15일 부천아트센터에 따르면, 경기 부천 중동에 들어선 부천아트센터는 1148억원을 들여 2019년 6월 착공해 지하 2층 지상 5층 규모로 완공됐다. 메인홀인 콘서트홀은 1445석 객석이 무대를 감싸는 빈야드 형태와 풍부한 반사음향을 추구하기 위한 직사각형 형태의 슈박스 형태를 조합했다. 건축음향 권위자인 나카지마 다테오와 그의 소속사인 영국 에이럽 사가 공연장에 적합한 최적의 음향을 구현했다. 천장에는 은빛 음향반사판과 음향조절용 배너 커튼이 달려 장르별 소리 울림을 조정한다. 무대 후면에는 ‘악기의 제왕’이라 불리는 대형 파이프 오르간이 위용을 자랑한다. 카사방 프레르 사가 제작한 오르간은 4576개 파이프와 63개 스톱, 2대의 연주 콘솔로 구성됐다. 콘서트홀 개관 축제는 ‘BAC CONNECTED’를 주제로 5월19일부터 열린다. BAC CONNECTED는 음악의 ‘음표’와 삶의 ‘쉼표’가 공존하는 공간, 사람과 예술을 연결하는 공간이라는 의미가 담겼다. 19일 개막 무대는 상주 오케스트라인 부천필하모닉오케스트라(지휘자 장윤성)와 차세대 예술가가 함께 펼친다. 개관을 선포하는 오르가니스트 이민준의 축전 서곡 및 퀸 엘리자베스 콩쿠르 우승자 바이올리니스트 임지영, 독일 드레스덴 슈타츠카펠레 수석 주자로 활약했던 한국계 독일 첼리스트 이상 엔더스, 신박 듀오의 부천 출신 피아니스트 박상욱이 베토벤 삼중협주곡을 선보인다. 이 무대는 다음달 24일 오후 2시부터 부천아트센터 홈페이지를 통해 신청받은 선착순 500명을 대상으로 전석 무료로 진행된다. 이어 다음날 고음악의 세계적 거장 지휘자 필리프 헤레베허와 그가 창단한 샹젤리제 오케스트라가 관객과 만난다. 28일에는 에이브리 피셔상에 빛나는 실내악팀 에머슨 스트링 콰르텟의 리사이틀이, 6월 13일에는 지휘자 장한나가 이끄는 빈 심포니와 2021년 쇼팽 콩쿠르 우승자 브루스 리우가 협연한다. 베르네-메클레의 국내 초연 오르간 듀오 리사이틀(6월 17일), KBS 교향악단과 전설적인 바이올리니스트 기돈 크레머의 협연(6월25일), 세계적 소프라노 조수미와 베를린 필 12 첼리스트 공연(7월8일), 한국을 대표하는 피아니스트 조성진 독주회(7월9일)도 예정돼 있다. 304석 규모의 소공연장은 블랙박스형 극장으로 설계해 연극·무용·국악·소규모 오페라 등 다채로운 예술 장르 공연을 소화할 수 있도록 했다. 소공연장에서는 국내 초연되는 바로크 오페라, 륄리와 몰리에르의 ‘귀족되기 대작전’(6월30일 7월1일)을 비롯해, 싱어송라이터 김사월과 소리꾼 이자람이 이끄는 아마도이자람밴드(7월15일), 경기시나위오케스트라(예술감독 원일)의 신명나는 ‘시나위 일렉트로니카-Frontier‘(7월22일), 우리나라 전통연희 계승자 음마갱깽(대표 음대진)이 한국과 동아시아의 괴물을 주제로 한 가족 인형극 ‘괴물도감’(7월29∼30일) 초연 등이 이어진다. 이 밖에 스트라디바리 등 명장의 전통을 그대로 계승한 크레모나 제작자들의 명기 전시인 ‘현(呟) : 울림‘(5월19∼20일) 등 무료로 감상하는 소규모 전시 프로그램과 아카데미 시범 프로그램도 마련된다. 태승진 부천아트센터 대표는 “부천아트센터는 앞으로 시민들에게 수준 높은 예술을 제공하는 동시에 동아시아 권역의 클래식 허브로 성장하기 위하여 박차를 가할 것”이라고 말했다. 공연정보는 이날 오후 2시부터 홈페이지(www.bac.or.kr)를 통해 확인할 수 있으며, 개관 페스티벌 티켓은 다음달 5일 오후 2시부터 홈페이지에서 패키지 예매를 시작으로 판매된다.

한국을 대표하는 세계적 피아니스트 손열음(37)이 모차르트 피아노 소나타 전곡을 들고 돌아온다. 오는 17일 프랑스 음반사 나이브를 통해 모차르트 피아노 소나타 전곡(18곡) 음반을 발매하고, 5월 서울, 원주, 통영, 6월 광주, 대구, 고양, 김해에서 관객과 만난다. 손열음은 14일 서울 서대문구 금호아트홀 연세에서 기자간담회를 갖고 “저에게 모차르트는 항상 집이나 모국어 같고 저를 가장 편안하게 받아주는 작곡가”라며 “모차르트를 다시 연주하니 집에 돌아온 기분”이라고 말했다. 그는 피아노 소나타 전곡을 녹음한 계기에 대해 “지난해 초 통영국제음악당에서 녹음 기회가 생겨 5개 소나타를 녹음한 뒤 ‘안 되겠다. 다해야겠다’는 생각이 들어 다 녹음하게 됐다”며 “(전곡 녹음해보니) 너무 자유를 얻은 느낌이 들어 좋았다”고 했다. 이 과정에서 그에게 모차르트는 어떻게 다가왔을까. “어렸을 때 생각했던 모차르트 음악과 소나타 한두 곡을 표현할 때랑 다르더라”며 “모차르트가 열정을 갖고 이것저것 다양하게 해보고 싶었던 바람이 담긴 음악으로 느껴져 이번 음반도 즉흥 음악처럼 만들었다”고 소개했다. 모차르트 음악은 마치 하늘에서 뚝 떨어진 것처럼 자연스럽게 만들어진 곡이 많다고 생각해서 최대한 자유롭고 편하게 연주했다는 것이다. 손열음의 모차르트 사랑이 각별한 건 익히 알려졌다. 그는 2011년 차이콥스키 국제 피아노 콩쿠르에서 준우승과 모차르트 협주곡 최고 연주상을 받아 세계 음악계 주목을 받았다. 당시 연주한 모차르트 협주곡 21번 연주 영상은 유튜브에서 2100만 이상의 조회수를 기록했다. 손열음이 2016년 영화 ‘아마데우스’ 음악감독과 함께 같은 곡을 녹음했을 때는 “보기 힘든 모차르트적 데뷔”(그라모폰) 등의 찬사가 쏟아졌다. 손열음은 모차르트 협주곡 녹음 계획에 대해선 “협주곡을 녹음하는 게 꿈이지만 소나타랑 다른 것 같다. 소나타는 일기장이나 여러 가지를 실험해 프로토타입(시제품)을 만드는 장르라면 협주곡은 모차르트의 가장 좋은 음악들이 완벽하게 들어간 장르”라고 설명했다. 손열음은 국내 최대 규모 음악 축제 중 하나인 평창대관령음악제의 음악감독으로 활약하기도 했다. 그는 “제가 물러 터지고 별로인 줄 알았는데 음악제 통해서 그렇게 근성이 있었는지 등 배운 게 많아요. 더 할 수 없을 만큼 정말 열심히 했습니다. 앞으로도 뭔가 세상에 도움되는 일이고 제가 도울 수 있다면 열심히 도우며 살 겁니다.”

문화체육관광부가 13일 국립중앙극장 신임 극장장에 박인건(67) 전 대구오페라하우스 대표이사를 임명했다. 임기는 2026년 3월12일까지 3년이다. 국립극장은 기관장에게 자율성과 성과에 따른 책임을 부여한 책임운영기관으로 극장장 임명은 관련 법령에 따라 인사혁신처 공개모집을 통해 이뤄졌다. 박 신임 극장장은 경희대 기악과(바이올린)를 거쳐 경희대 대학원 음악교육학 석사 과정을 졸업했다. 서울 예술의전당 공연기획부장과 세종문화회관 공연기획부장을 거쳐 경기아트센터 사장, KBS교향악단 사장, 대구오페라하우스 대표이사 등을 역임했다. 문체부 관계자는 “신임 극장장은 30년 이상의 문화예술 경영 전문가로서 다양한 공연문화예술 현장에서 활동해온 경험과 노하우를 바탕으로 국립극장의 위상을 높이고 기관의 글로벌 역량을 강화하는 데 선도적 역할을 할 것으로 기대한다”고 밝혔다.

‘한국 바이올린계의 대모’로 불리던 김남윤 한국예술종합학교 명예교수가 12일 지병으로 별세했다. 향년 74세. 김 교수는 1974년 세계적인 권위의 스위스 티보바가 국제 콩쿠르에서 우승하며 세계적인 연주자로 입지를 다진 뒤 1977년 28세의 나이에 경희대 음악대학 교수로 취임했다. 이후 서울대를 거쳐 1993년 한국예술종합학교 음악원 창설 멤버로 합류했으며 음악원 기악과 교수와 한예종 영재교육원장, 명예교수 등을 지내며 최근까지 교육 활동을 계속해왔다. 2001년 한국 연주자로는 처음으로 퀸 엘리자베스 콩쿠르 심사위원으로 초청받았고 이후 파가니니 콩쿠르, 시벨리우스 콩쿠르, 차이콥스키 콩쿠르 등 여러 국제 콩쿠르의 심사위원으로 활약했다. 장례는 한예종 음악원장으로 열리며 빈소는 삼성서울병원 장례식장, 발인은 15일이다.

세대에 따라, 좋아하는 공연 장르에 따라 사람마다 다르게 떠올리는 예술가가 있다. 50대 이상이라면 ‘예솔아∼할아버지께서 부르셔’로 시작하는 국민 히트송을 부른 귀여운 꼬마 ‘예솔이’로, 판소리·창극을 좋아한다면 소리꾼과 작창가(창을 짓는 사람)로, 인디 음악이나 연극·뮤지컬에 관심이 많은 젊은 세대라면 ‘아마도이자람밴드’ 리더 등 뮤지션이나 배우로 말이다. 누군가에겐 공연예술가나 작가, 작곡가, 음악감독이 더 친숙할 수 있고, 언젠가 대학 강단에 선 교수님으로 불릴 수도 있다. 그야말로 입을 쩍 벌어지게 할 만한 이 재주꾼은 별명도 ‘이잘함’이다. 요즘은 창극 ‘정년이’를 작창한 음악감독의 옷을 입고 있다. 국립창극단 신작인 ‘정년이’는 소리꾼 이야기를 다룬 동명의 인기 웹툰을 창극화한 것으로 오는 17∼29일 서울 중구 국립극장 달오름극장 무대에 오른다. 천생 소리꾼이지만 ‘창작가’나 ‘공연예술가’라 불려도 좋다는 이자람(44) ‘정년이’ 음악감독을 지난 8일 국립극장에서 만났다. 그동안 근현대 희곡이나 소설을 바탕으로 새 판소리를 창작해온 이자람에게 처음인 웹툰 작창은 어땠는지부터 물었다. “사실 되게 어려워야 하는데 신기하게 수월했고 작창 속도도 (지금까지 했던 작품 중) 제일 빨랐습니다. 주인공이 소리꾼이어서 완전히 감정이입이 됐고, 제 삶도 정년이가 겪은 성장기와 별로 다를 바 없었거든요.” 창극 ‘정년이’에 대한 관심은 개막 전부터 뜨겁다. 티켓 오픈 직후 모든 회차(9회)가 매진됐고, 3회 추가 공연 표도 다 팔렸다. 앞서 이자람은 독일 극작가 베르톨트 브레히트(1898∼1956)의 ‘사천의 선인’, ‘억척어멈과 그 자식들’을 각각 판소리 ‘사천가’(2007)와 ‘억척가’(2011)로 창작해 국내외 공연계에 큰 반향을 일으켰다. 이어 노벨문학상을 받은 대문호 가브리엘 가르시아 마르케스(1927∼2014)의 ‘대통령 각하, 즐거운 여행을’과 어니스트 헤밍웨이(1899∼1961)의 ‘노인과 바다’도 각각 판소리극 ‘이방인의 노래’(2016)와 ‘노인과 바다’(2019)로 선보여 갈채를 받았다. 특히 지난해 12월 서울 강서구 마곡동 LG아트센터에서 공연한 ‘노인과 바다’는 1300여석 규모의 대극장에 이틀 연속 관객이 가득 찰 만큼 작품성과 대중성을 자랑했다. 이자람은 “저의 최대 역작은 ‘노인과 바다’”라며 “(제가 배우고 경험한 판소리의) 모든 정수를 정제해 쏟아부어서 음악의 질이 가장 높고, ‘판소리의 격’(판소리의 원형이자 음악적 기본 어법)도 살아 있는 작품”이라고 소개했다. 이자람은 방대한 원작 소설을 재기발랄한 상상력으로 압축해 ‘노인과 바다’를 만들었다. 작은 체구임에도 엄청난 에너지와 무대 장악력으로 모든 관객이 드넓은 바다에서 청새치와 사투를 벌이는 주인공의 기분을 느끼게 한다. ‘만능 엔터테이너’인 이자람에게 ‘보통 사람은 한 가지도 제대로 하기 벅찬데 대단한 것 같다. 그런 에너지의 근원이 뭐냐’고 묻자 “저 대단한 사람 아니다”라며 이렇게 덧붙였다. “흥미를 느껴 무언가를 할 때 ‘이자람이니까 잘해야지’라는 생각도, ‘무슨 대단한 일을 한다’는 생각도 안 하려고 노력해요. 그래서 (일을) 즐길 수 있고, 무대에서도 힘을 빼고 더 잘할 수 있는 것 같습니다. (주변에서) ‘대단하다’고 하는 말을 먹기 시작하면 최고가 되려 하고, 그러다 보면 재미가 없어지잖아요.” 비슷한 맥락에서 판소리 대중화나 성평등과 인권·동물권·환경 보호 등 사회적·지구적 이슈와 관련해 ‘뭔가 역할을 해야겠다’는 사명감도 떨쳐냈다고 한다. “제가 좋아하는 일에 온전히 충실할 때 사회적 영향력도 생기는 것 같아요. 그래서 ‘주제넘게 뭘 하려 하지 말자’고 생각했습니다.” 그는 직접 나서거나 목소리를 내지 않지만 판소리 대중화와 사회적 이슈에 관심이 많고 창작과 공연 등 다양한 활동 과정에서 그런 메시지를 전하곤 한다. 판소리 다섯 바탕 중 ‘심청가’(1997)를 시작으로 ‘춘향가’(1999·최연소 8시간 완창), ‘수궁가’(2007), ‘적벽가’(2010)를 완창한 이자람이 이들 전통 판소리를 할 때 지금 시대에 맞게 일부 각색해 부르는 이유이기도 하다. “‘춘향가’와 ‘흥보가’도 그렇고, (오늘날) 젠더·계급 감수성과 안 맞는 게 너무 많아 각색하지 않는 한 부르기 어려워요. 그래서 ‘춘향가’를 할 때는 춘향이랑 이몽룡이 서로 존댓말을 쓴다든가, ‘수궁가’를 할 때 별주부 와이프가 스스로를 ‘첩’이라고 하는 단어를 뺀다든가 하죠.” 그가 스승 송순섭 명창과 함께 완창한 ‘흥보가’(2015)는 엄밀히 말하면 절반씩 나눠 부른 거라 ‘반창’이지만 굳이 완창 욕심을 내지 않는 것도 마찬가지다. 흥보 아내를 깔보고 모욕하는 놀부와 흥보의 언행 등 ‘흥보가’ 내용이 제일 마음에 안 들어 불러주고 싶지 않다는 것이다. “판소리는 (역사적으로) 동시대성을 흡수하면서 사설과 음악 변화 등 재창작이 활발하게 일어났던 ‘현대적 장르’예요. 저도 그럴 테고 많은 소리꾼이 판소리 다섯 바탕을 토대로 새롭게 현재화를 계속할 거라고 봅니다. 그러면 언젠가 ‘이자람제 판소리’도 나오지 않을까요.” 이자람이 창작 판소리의 대표 주자가 된 배경도 엿볼 수 있는 대목이다. 그는 다만 소리꾼들이 자기만의 판소리를 만들어 무대에 올릴 수 있도록 작가와 작창가, 공연기획자 등을 지원하는 시스템이 절실하다고 했다. 정작 본인은 직접 글과 창을 짓고 무대에까지 올리는 능력자다. 이자람은 ‘도대체 못 하는 게 뭐냐’는 질문에 “못하는 게 많다”며 쑥스러워했지만 지난해 말 박사 학위 논문(이자람 창작 판소리 ‘노인과 바다’ 연구)까지 썼다. 내년이면 판소리에 입문한 지 35주년을 맞는 이자람은 ‘예솔이’와 떼어놓을 수 없다. 1984년 아버지와 함께 부른 노래 ‘내 이름(예솔아!)’으로 ‘국민 꼬마 스타’가 돼 방송 활동을 하던 중 10살 때 한 어린이 국악 프로그램에서 만난 은희진(1947∼2000) 명창의 제자로 판소리를 시작했기 때문이다. 아직도 따라다니는 ‘예솔이’란 꼬리표가 지겹거나 부담스럽지 않을까. “아니요. 사춘기 때나 예솔이가 저보다 더 컸을(큰 존재였을) 때는 (그 이름이) 너무 싫었는데 지금은 그렇지 않고, (예솔이를) 아는 사람도 거의 없어요.(웃음)” ‘뼛속까지 판소리꾼’인 그는 “공연장에 판소리 속을 잘 아는 ‘귀명창’ 관객이 가득 차 추임새를 날려주는 무대에 서보는 게 소원”이라며 “소리 한 자락 툭 했을 때 어느 정도 수준의 소리꾼인지 바로 아는 관객(귀명창)으로 가득 찬 무대는 엄청 무섭겠지만 정말 해보고 싶다”고 했다. 그는 공연을 시작하기 전 관객들에게 추임새를 설명한다. 관객들이 ‘편하게 반응하기’란 판소리의 장르적 특성을 이해하면서 즐기고 판소리에 가까워질 수 있도록 하기 위해서다. 추임새는 소리꾼과 고수의 에너지와 흥, 공연 완성도에도 영향을 준다. 지난해 펴낸 에세이 ‘오늘도 자람’에서 판소리에 대한 애정과 간절함을 이렇게 표현하기도 했다. “세상이 멸망하지 않는 한 나의 이름은 한국 판소리 역사에 아주 중요하게 남을 것이니 당신은 내가 살아 있는 동안 한 번이라도 내 작품을 직접 보는 편이 좋을 것이다. 그래야 ‘나 이자람 공연 봤어! 나 이자람 살아 있을 때 객석에서 같이 추임새 했어!’ 하고 자랑할 수 있지 않겠는가.” 이자람은 다음 달 아트센터인천에서 ‘노인과 바다’를 공연한 뒤, 5월 서울 예술의전당에서 개막하는 셰익스피어 연극 ‘오셀로’에 출연한다.

세대에 따라, 좋아하는 공연 장르에 따라 사람마다 다르게 떠올리는 예술가가 있다. 50대 이상이라면 ‘예솔아∼할아버지께서 부르셔’로 시작하는 히트송을 부른 귀여운 꼬마 ‘예솔이’로, 판소리·창극을 좋아한다면 소리꾼과 작창가(창을 짓는 사람)로, 인디 음악이나 연극·뮤지컬에 관심이 많은 젊은 세대라면 ‘아마도이자람밴드’ 리더 등 뮤지션이나 배우로 말이다. 누군가에겐 공연예술가나 작가, 작곡가, 음악감독이 더 친숙할 수 있고, 언젠가 대학 강단에 선 교수님으로 불릴 수도 있다. 그야말로 입을 쩍 벌어지게 할 만한 이 재주꾼은 별명도 ‘이잘함’이다. 요즘은 창극 ‘정년이’를 작창한 음악감독의 옷을 입고 있다. 국립창극단 신작인 ‘정년이’는 소리꾼 이야기를 다룬 동명의 인기 웹툰을 창극화한 것으로 오는 17∼29일 서울 중구 국립극장 달오름극장 무대에 오른다. 천생 소리꾼이지만 ‘창작가’나 ‘공연예술가’라 불려도 좋다는 이자람(44) ‘정년이’ 음악감독을 지난 8일 국립극장에서 만났다. 그동안 근현대 희곡이나 소설을 바탕으로 새 판소리를 창작해온 이자람에게 처음인 웹툰 작창은 어땠는지부터 물었다. “사실 되게 어려워야 하는데 신기하게 수월했고 작창 속도도 (지금까지 했던 작품 중) 제일 빨랐습니다. 주인공이 소리꾼이어서 완전히 감정이입이 됐고, 제 삶도 정년이가 겪은 성장기와 별로 다를 바 없었거든요.” 창극 ‘정년이’에 대한 관심은 뜨겁다. 티켓 오픈 직후 모든 회차(9회)가 매진됐고, 3회 추가 공연 표도 다 팔렸다. 앞서 이자람은 독일 극작가 베르톨트 브레히트(1898∼1956)의 ‘사천의 선인’, ‘억척어멈과 그 자식들’을 각각 판소리 ‘사천가’(2007)와 ‘억척가’(2011)로 창작해 국내외 공연계에 큰 반향을 일으켰다. 이어 노벨문학상을 받은 대문호 가브리엘 가르시아 마르케스(1927∼2014)의 ‘대통령 각하, 즐거운 여행을’과 어니스트 헤밍웨이(1899∼1961)의 ‘노인과 바다’도 각각 판소리극 ‘이방인의 노래’(2016)와 ‘노인과 바다’(2019)로 선보여 갈채를 받았다. 특히 지난해 12월 서울 강서구 마곡동 LG아트센터에서 공연한 ‘노인과 바다’는 1300여석 규모의 대극장에 이틀 연속 관객이 가득 찰 만큼 작품성과 대중성을 자랑했다. 이자람은 “다른 사람들은 ’억척가’라고도 하는데 저의 최대 역작은 ‘노인과 바다’”라며 “(제가 배우고 경험한 판소리의) 모든 정수를 정제해 쏟아부어서 음악의 질이 가장 높고, ‘판소리의 격’(판소리의 원형이자 음악적 기본 어법)도 살아 있는 작품”이라고 소개했다. 이자람은 방대한 원작 소설을 재기 발랄한 상상력으로 압축한 ‘노인과 바다’를 공연할 때 엄청난 에너지와 무대 장악력으로 모든 관객이 드넓은 바다에서 청새치와 사투를 벌이는 주인공의 기분을 느끼게 한다. 그는 이어 “(새 판소리를 만들 때는) 전통 소리꾼이 들어도 납득할 수 있을 정도로 판소리 원형이 변형되지 않는 선에서 자유롭게 작업하려 한다”면서 “판소리(원형을) 지키는데 판소리가 아닌 것처럼 들리고, 따지고 보면 판소리 맞는 거 (만드는 걸) 제가 참 잘한다”며 웃었다. ‘만능 엔터테이너’인 이자람에게 ‘보통 사람은 한 가지도 제대로 하기 벅찬데 대단한 것 같다. 그런 에너지의 근원이 뭐냐’고 묻자 “저 대단한 사람 아니다”라며 이렇게 덧붙였다. “흥미를 느껴 무언가를 할 때 ‘이자람이니까 잘해야지’라는 생각도, ‘무슨 대단한 일을 한다’는 생각도 안 하려고 노력해요. 그래서 (일을) 즐길 수 있고, 무대에서도 힘을 빼고 더 잘 할 수 있는 것 같습니다. (주변에서) ‘대단하다’고 하는 말을 먹기 시작하면 최고가 되려 하고, 그러다 보면 재미가 없어질 것 같거든요. 지금 하는 ‘정년이’ 음악감독도 작가와 연출이 만든 것에 누가 되지 않도록 (음악) 정리를 잘해서 공연을 무사히 올리는 게 제 역할이라고 규정했습니다. 이런 습관 덕에 여러 가지 일을 그냥 깔끔하게 할 수 있는 것 같아요.” 비슷한 맥락에서 판소리 대중화나 성평등과 인권·동물권·환경 보호 등 사회적·지구적 이슈와 관련해 ‘뭔가 역할을 해야겠다’는 사명감도 떨쳐냈다고 한다. “제가 좋아하는 일에 온전히 충실할 때 사회적 영향력도 생기는 것 같아요. 예를 들어 어려서부터 국악 대중화에 힘쓰는 일을 했다면 이런 작품들을 못 쓰고 더 화려하거나 더 유명한 작품들만 골랐을 겁니다. 저에게 재미 있고 만들고 싶은 작품을 충실히 만들었더니 사람들도 재미있게 보고 박수를 보내더라고요. 그래서 ‘주제 넘게 뭘 하려 하지 말자’며 사명감을 떨쳐냈어요.” 그는 직접적으로 앞장서거나 목소리를 내지 않지만 판소리 대중화와 사회적 이슈에 관심이 많고 창작과 공연 등 다양한 활동 과정에서 그런 메시지를 전하곤 한다. 판소리 다섯 바탕 중 ‘심청가’(1997)를 시작으로 ‘춘향가’(1999·최연소 8시간 완창), ‘수궁가’(2007), ‘적벽가‘(2010)를 완창한 이자람이 이들 전통 판소리를 할 때 지금 시대에 맞게 일부 각색해 부르는 이유이기도 하다. “‘춘향가’와 ‘흥보가’도 그렇고, (오늘날) 젠더·계급 감수성과 안 맞는 게 너무 많아 각색하지 않는 한 부르기 어려워요. 그래서 ‘춘향가’를 할 때는 춘향이랑 이몽룡이 서로 존댓말을 쓴다든가, ‘수궁가’를 할 때 별주부 와이프가 스스로를 ’첩’이라고 하는 단어를 뺀다든가 하죠.” 그가 스승 송순섭 명창과 함께 완창한 ‘흥보가’(2015)는 엄밀히 말하면 절반씩 나눠 부른 거라 ‘반창’이지만 굳이 완창 욕심을 내지 않는 것도 마찬가지다. 흥보 아내를 깔보고 모욕하는 놀부와 흥보의 언행 등 ‘흥보가’ 내용이 제일 마음에 안 들어 불러주고 싶지 않다는 것이다. “판소리 다섯 바탕을 있는 그대로 부르기 힘든 경우가 있기 때문에 감수성에 맞지 않는 것들을 조심스럽게 바로 잡는 노력을 하면서 찬찬히 들여다 볼 겁니다. 판소리는 (역사적으로) 동시대성을 흡수하면서 사설과 음악 변화 등 재창작이 활발하게 일어났던 ‘현대적 장르’예요. 저도 그럴 테고 많은 소리꾼이 판소리 다섯 바탕을 토대로 새로운 현재화를 계속 할 거라고 봅니다. 그러면 언젠가 ‘이자람제 판소리’도 나오지 않을까요.” 이자람이 창작 판소리의 대표 주자가 된 배경도 엿볼 수 있는 대목이다. 그는 다만 소리꾼들이 자기 만의 판소리를 만들어 무대에 올릴 수 있도록 작가와 작창가, 공연기획자 등을 지원하는 시스템이 절실하다고 했다. 정작 본인은 직접 글과 창을 짓고 무대에 까지 올리는 능력자다. 이자람은 ‘도대체 못하는 게 뭐냐’는 질문에 “못하는 게 많다”며 쑥스러워했지만 지난해 말 박사 학위 논문(이자람 창작 판소리 ‘노인과 바다’ 연구)까지 썼다. 국립국악중·고교와 서울대 국악과 학사·석사를 마치고 박사과정을 수료한 이자람은 일이 바빠 6년이 지나도록 논문 쓸 엄두를 못냈다고 한다. 솔직히 쓰고 싶지 않았지만 ‘너 같은 애가 꼭 써야 한다’는 지도 교수의 성화에 못이겨 치른 논문자격시험에 떨어지면서 맘이 바뀌었단다. “자존심이 상했습니다. 논문 쓸 자격도 안 되는 사람이 판소리 얘기를 하고 다닌다는 거잖아요. 그래서 논문 쓸 자격을 갖추기 위해 국악 이론과 역사 등 정말 제대로 공부했어요. (이후 논문 심사에 통과할 때까지) 고생 많이 했는데 엄청 도움이 됐고 좋았습니다.” 내년이면 판소리에 입문한 지 35주년을 맞는 이자람은 ‘예솔이’와 떼어놓을 수 없다. 1984년 아버지와 함께 부른 노래 ‘내 이름(예솔아!)’으로 ‘국민 꼬마 스타’가 돼 방송 활동을 하던 중 10살 때 한 어린이 국악 프로그램에서 만난 은희진(1947∼2000) 명창의 제자로 판소리를 시작했기 때문이다. 아직도 따라다니는 ‘예솔이’란 꼬리표가 지겹거나 부담스럽지 않을까. “아니 그렇지 않아요. 사춘기 때나 예솔이가 저보다 더 컸을(큰 존재였을) 때는 (그 이름이) 너무 싫었는데 지금은 뭐 (예솔이를) 아는 사람도 거의 없고. 제가(이자람이) 예솔이보다 커진 순간부터는 별로 저한테 영향을 끼치지도 않더라고요.” 그는 ‘뼛속까지 판소리꾼’으로서 꼭 이루고 싶은 꿈을 전하며 판소리 대중화에 갈 길 먼 현실을 안타까워했다. “판소리 속을 잘 아는 ‘귀명창’ 관객들이 가득 찬 공연장에서 추임새를 날려주는 무대에 서보는 게 소원이에요. 조선시대 판소리 공연이 그랬던 것처럼 판소리 한 자락 툭 했을 때 ‘어느 정도 수준이구나’를 바로 알 수 있는 사람이 가득 찬 무대를, 엄청 무섭겠지만 정말 해보고 싶습니다.“ 그는 공연을 시작하기 전 관객들에게 추임새를 설명한다. 관객들이 ‘편하게 반응하기’란 판소리의 장르적 특성을 이해하면서 공연에 참여하고 즐길 수 있도록 하기 위해서다. 추임새는 소리꾼과 고수의 에너지와 흥, 공연 완성도에도 영향을 준다. “소리를 좀 아는 지금보다 많아졌으면 좋겠어요. 제가 늘 힘있게 나아가는 것 같지만 제 걸음에 추가 엄청나게 많이 달려있다고 느껴서 종종 지쳐요. 대체 언제까지 판소리가 뭐다라고 새로 소개해야 할까요. 관객도 갑자기 많아지는 게 아니라 그냥 뚜벅뚜벅 가면서 조금씩 많아지는 걸 원합니다. 감사하게도 지금 그렇게 되고 있지만 그럼에도 불구하고 그런(귀명창이 들어찬 공연장) 꿈을 꿔봅니다.” 이자람이 지난해 펴낸 에세이 ‘오늘도 자람’에 새긴 간절함을 소개한다. “나는 가능한 오래, 이 좋아하는 판소리를 관객들과 함께 나누며 살고 싶다.…오만한 마음이지만 진심으로, 이 해내기 만만치 않은 공연들에 빈 좌석을 볼 때면 아까운 마음이 든다. 나 되게 잘하는데. 잘하는 기술로 최선을 다해 깨끗하게 이야기를 들고 올라서는데. 이런 공연이 흔치는 않을 텐데. 좀 오지. 와서 한번이라도 보지.…세상이 멸망하지 않는 한 나의 이름은 한국 판소리 역사에 아주 중요하게 남을 것이니 당신은 내가 살아 있는 동안 한번이라도 내 작품을 직접 보는 편이 좋을 것이다. 그래야 ‘나 이자람 공연 봤어! 나 이자람 살아 있을 때 객석에서 같이 추임새 했어!’ 하고 자랑할 수 있지 않겠는가.”

해외에서 한국에 대해 가장 먼저 떠오르는 이미지로 그룹 방탄소년단(BTS), 드라마 ‘오징어게임’ 등 K-콘텐츠가 꼽히는 것으로 나타났다. 문화체육관광부는 한국국제문화교류진흥원과 해외 주요 국가의 K-컬처·콘텐츠 이용 현황 및 확산 수준을 살펴보는 ‘2023년 해외 한류 실태조사(2022년 기준)’ 결과를 10일 발표했다. 한국에 대해 가장 먼저 떠올리는 연상 이미지는 K-콘텐츠가 상위권을 차지했다. K-팝(14.3%), 한식(13.2%), 한류스타(7.4%), 드라마(6.6%), 정보기술(IT) 제품·브랜드(5.6%) 순이었다. K-팝은 6년 연속 1위를 차지했다. 한류 소비자들이 가장 선호하는 콘텐츠로는 그룹 '방탄소년단'과 드라마 '오징어게임'의 인기가 여전했다. 드라마는 ‘오징어게임’(11.3%)과 ‘이상한 변호사 우영우’(2.8%), 영화는 ‘기생충’(9.1%)과 ‘부산행’(6.9%)이 꼽혔다. 가수는 방탄소년단(31.3%)과 블랙핑크(10.8%)가 지난해에 이어 1, 2위를 차지했다. 게임은 배틀 그라운드(10.3%), 라그나로크(9.7%)를 선호했다. 한국 문화콘텐츠 경험률은 음식(72.3%), 영화(67.7%), 음악(63.2%), 드라마(61.2%) 순이었다. 아시아 권역 대부분 국가가 평균을 웃돌았다. 미주는 평균 수준이었고 유럽·중동·아프리카 권역은 평균보다 낮은 국가가 많았다.

“중요한 건 용기를 가지고 어려운 상황에 대처하는 겁니다. (제가) 7∼8세부터 무용을 하고 있지만 개인적 삶도 지속해야 합니다. 무용도 어느 순간 멈추게 될 것이고, 미래를 생각해야 하기 때문입니다. 그런(‘워킹맘’ 발레리나로서) 개인적인 삶을 갖는 것이 작품을 해석하거나 제가 춤추는 역할의 정서와 감정을 해석하고 표현하는 데도 (많은) 도움이 됩니다.” 8일부터 11일까지 서울 강서구 LG아트센터서울에서 30년 만에 내한 공연을 하는 세계 최고(古) 명문 발레단 파리 오페라 발레(POB)의 ‘에투알(최고 등급 무용수)’ 도로테 질베르의 얘기다. 전날 기자간담회에서 ‘자녀를 양육하면서도 세계 최고 무용수 자리를 오랫동안 유지하는 비결’에 대한 질문이 나오자 무용과 삶의 조화를 강조한 것이다. 질베르는 지난해 박세은(아시아인 최초 POB 에투알)과 함께 한 ‘파리 오페라 발레 2022 에투알 갈라’에 이어 러시아 마린스키발레단 간판 김기민과 함께 한 ‘월드스타 갈라’ 무대를 위해 한국에 왔을 때 남편, 딸과 같이 몇 주간 머물며 서울 생활을 즐겼다. 2000년 POB 입단 후 2007년 에투알로 임명돼 마흔 살이 넘은 지금까지 대표 스타로 활약하고 있는 질베르는 이번 POB ‘지젤’ 무대에선 주인공 지젤 역(11일 공연)으로 한국 관객과 만난다. 그는 후배 무용수들을 향해 “노력은 꼭 결실을 맺는다. 무용이 잘 되다가도 어려움을 느낄 때가 있는데 그럼에도 계속 노력하면 된다”며 “예술에는 결코 불공정이 없다”고 조언했다. 이날 기자간담회 자리에는 30년 전 내한 공연 당시 ‘지젤’ 공연에 무용수로 참여했던 호세 마르티네즈 예술감독과 프랑스의 차세대 발레 스타 기욤 디옵, 지난해 ‘쉬제(솔리스트)’로 승급한 발레리나 강호현이 함께 했다. 마르티네즈 예술감독은 “‘지젤’은 파리 오페라 발레에 의해 시작된 작품이라 프랑스 무용의 경향을 잘 드러낸다”며 “프랑스 발레의 정수를 보여주기 위해 내한 공연 작품으로 선택했다”고 설명했다. “제가 30년 전 한국(세종문화회관) 공연에 무용수로 참여했어요. 그때는 에투알(주역 무용수)이 되기 전이었고, ‘프리미에 당쇠르(제1무용수)’로 무대에 올랐죠. 예술감독으로 다시 한국을 방문하게 돼 기쁩니다. 발레의 기교를 보여주면서 다양한 감정을 표현하는 것이 프랑스 발레의 특징이에요. 프랑스 스타일의 발레를 보여주겠습니다.” 이를 위해 70명의 무용수 외에도 무대장치와 분장, 의상 담당을 비롯해 무용수들의 건강을 담당하는 스텝 등 모두 120명이 내한해 프랑스 현지 공연 무대처럼 최상의 무대를 선보인다. POB는 ‘태양왕’ 루이 14세에 의해 1669년 설립돼 350년이 넘는 역사를 자랑하며, ‘지젤’은 장 코라이와 쥘 페로가 안무하고 아돌프 아당이 음악을 만든 19세기 낭만주의 시대 발레의 대표작이다. 1841년 POB가 초연했다. 이번 ‘지젤’은 원작에 기초해 파트리스 바르와 외젠 폴리아코프가 1991년 재안무한 버전이다. 마르티네즈는 “원작에 최대한 충실하려 했다”며 “당시의 무대장식과 의상 등에 충실하면서도 무용수들의 가능성을 충분히 발현할 수 있게 재해석한 작품”이라고 설명했다. 질베르는 “테크닉이 중요한 작품이고, 춤 난도가 높다”며 “무용수마다 자신만의 지젤이 있을 정도로 자질과 성숙도에 따라 굉장히 다르고, 저 자신도 15년 전 지젤과 지금이 다르다”고 덧붙였다. 지젤을 배신했으나 지젤 도움으로 목숨을 구하는 알브레히트 역을 맡은 기욤 디옵은 “에투알 도로테 질베르와 함께 무대에 서는 것 자체가 저에게 너무나 귀한 경험”이라며 “‘지젤’은 기술적으로 어려워서 굉장히 큰 도전이지만 극적인 순간과 감동을 잘 전달하겠다”고 했다. 그는 12살에 파리오페라 발레학교에 입학했고, 2018년 발레단에 들어왔다. 2021년 21살의 나이에 ‘로미오와 줄리엣’의 로미오를 맡았고, 올해 쉬제로 승급했다. POB에는 에투알 박세은과 쉬제 강호현, ‘코리페(군무 선두)’ 윤서후까지 한국인 단원 3명이 있지만 이번 무대에는 강호현만 참여한다. 박세은은 출산으로 참여하지 못했다. 솔리스트와 군무 무용수로 무대에 서는 강호현은 “같이 왔으면 좋았을텐데 세은 언니가 함께 못 와서 아쉽다”며 “한국에 오기 전 언니가 잘하라고 격려해 줬다. 3명이 다 함께 올 수 있는 한국 투어무대가 마련되기를 바란다”고 말했다. 강호현은 예원학교와 서울예고, 한국예술종합학교를 거쳐 2017년 POB에 입단했다. 마르티네즈는 “한국의 발레 교육이 굉장히 훌륭하다. 강호현은 한국인이지만 프랑스 발레 스타일을 잘 전해주는 훌륭한 무용수”라고 호평했다.

피아니스트 이혁(23·사진)이 7월 14일 프랑스 혁명기념일 ‘바스티유의 날’을 맞아 에펠탑 아래서 열리는 기념 공연에서 독주한다. 이혁 측 관계자는 6일(현지시간) 이날 샹드마르스 광장에서 열리는 클래식 공연 1부 마지막 순서로 무대에 올라 20분간 피아노를 연주할 예정이라고 밝혔다. 파리시와 공영 프랑스 텔레비지옹 방송, 라디오 프랑스 등이 공동 개최하는 이번 국경일 무대에 한국인 연주자가 참여하는 것은 이번이 처음으로 방송과 라디오 등으로 생중계한다. 이번 공연은 이혁이 지난해 11월 프랑스 최고 권위의 음악 경연 대회로 통하는 롱티보 국제 콩쿠르 피아노 부문에서 공동 1위 수상으로 받는 부상이다. 이혁은 당시 콩쿠르에서 일본인 피아니스트 가메이 마사야(21)와 함께 1등을 했지만, 콘서트 주최 측이 이혁에게 연주를 요청한 것으로 알려졌다. 이혁은 2021년 10월 세계 최고 권위의 쇼팽 콩쿠르에서 한국인으로 유일하게 결선에 올랐으나 순위권에 들지 못했고, 같은 해 12월 프랑스 아니마토 콩쿠르에서 우승했다. 모스크바의 명문 차이콥스키 음악원에서 공부한 이혁은 러시아의 우크라이나 침공 여파로 지난해 1월 파리에 적을 두고 에콜 노르말 음악원에서 최고 연주자 과정을 밟고 있다. 바스티유의 날은 프랑스 대혁명의 발단이었던 1789년 7월 14일 바스티유 감옥 습격 사건을 기념하는 날로 프랑스 전역에서 대대적인 행사가 열린다.

“(신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 탓에 배우들을) 온라인으로 보고 캐스팅할 수밖에 없어서 사실 많이 긴장하고 걱정했는데 결과를 물으면 당당하게 ‘예스’입니다. 정말 잘했죠.” 뮤지컬 ‘오페라의 유령’ 한국어 공연 협력 연출가인 라이너 프리드는 7년 만에 새 뮤지컬 무대에 오르는 배우 조승우를 비롯한 공연 출연진에 만족감을 표시했다. 프리드는 지난 6일 서울 중구 웨스틴 조선 호텔 라일락홀에서 열린 기자간담회에서 “특유의 열정과 깊은 감정을 가진 한국 배우들과 작업하는 게 가장 매력적이었다”며 이같이 밝혔다. 오는 30일 부산 드림씨어터에서 개막하는 ‘오페라의 유령’은 얼굴을 마스크로 가린 채 오페라 하우스 지하에 숨어 사는 천재 음악가 오페라의 유령과 프리마돈나 크리스틴, 그녀를 사랑하는 귀족 청년 라울의 가면 속 감춰진 러브 스토리다. 뮤지컬계 거장 앤드루 로이드 웨버의 음악과 해럴드 프린스의 연출, 질리언 린의 안무, 마리아 비에르손의 무대 디자인 등이 빚어낸 명작이다. 1986년 런던 웨스트엔드와 1988년 뉴욕 브로드웨이에서 각각 초연된 이후 두 곳을 포함한 전 세계 188개 도시에서 1억4500만명 이상이 관람했다. 한국에서는 이번 공연이 여섯 번째인데, 한국어 공연은 2001년과 2009년에 이어 13년 만이다. 6월18일까지 이어지는 부산 공연에서 오페라의 유령 역은 조승우, 김주택, 전동석이 연기한다. 이후 7월14일부터 11월17일까지 서울 샤롯데씨어터 공연엔 최재림이 합류한다. 크리스틴 역에는 성악을 전공한 손지수와 송은혜, 유령과 대립하는 라울 역에는 송원근과 황건하가 발탁됐다. 프리드는 “한국만큼 자주 공연된 나라도 없다. ‘오페라의 유령’과 한국 관객은 마치 결혼한 부부 사이 같다”고 각별함을 내비쳤다. 브로드웨이 초연부터 참여했던 협력 안무가 데니 베리는 “한국 방문은 처음인데, 시간과 국경을 초월한 작품의 보편성을 지금의 한국 관객들과 나누고 싶다”고 말했다. 이번 공연에서 무대 세트, 의상 등은 1986년 초연 당시 오리지널 디자인과 규모 그대로 제작된다. 신동원 에스앤코 대표 겸 프로듀서는 “이번 공연을 위해 무대 세트를 영국에서 따로 제작했고, 가사도 2001년, 2009년 공연 때와 달리 우리 정서에 맞게 번역돼 보다 편하게 감상할 수 있을 것”이라고 밝혔다.