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 지난 목요일 저녁 신촌 아트하우스에서 열린 제2회 오프앤프리국제영화제에 다녀왔다. 다소 생소하게 들리는 영화제 타이틀 '오프(off) 앤(and) 프리(free)'. 하지만 이 낯선 용어에는 영화를 대하는 사람들의 한없는 애정이 묻어 있다. 이유인즉 영리와 상업성에 지대한 영향을 받는 현재의 영화 제작 상황을 탈피하고(off and), 보다 자유로운(free) 영상 예술을 구현하려는 목적이 있기 때문이다. 더욱이 영화를 좋아하는 일반인들이 아무런 부담없이 열린 예술의 맛을 음미할 수 있도록 영화제 기간 동안 상영되는 모든 영상물과 공연이 무료임을 생각해보라.또한 상영되는 영화들은 여타 영화제와는 다른 독특하면서도 흥미로운 섹션으로 구성되어 있다. 예를 들어, <오프 인 포커스 1,2> 섹션에서는 국내의 실험영화, 다큐멘터리, 극영화, 애니메이션, 미디어 아트 등 다양한 작품들을 선보이고, <오프 인 포커스 3>와 <오프 인 프랙티스>에서는 국내외 작가들의 제도와 형식에 구애받지 않는 자유로운 영상미가 잘 표현되어 있다. 이밖에도 캐롤리 슈니만 특별전, 비디오 댄스, 미디어 퍼포밍 아트도 이 영화제에서만 맛볼 수 있는 흥미로운 섹션이다. 특히 미디어 퍼포밍 아트(media performing art)는 영상, 사진, 음악, 음향 등 각기 다른 매체들이 무대의 공연과 하나로 합쳐지는 일종의 혼합예술이다. 이 공연의 기획, 대본, 연출을 맡은 이공희 감독은 문화일보 신춘문예 단편소설 부문에 당선(1992)되고 뉴욕국제독립영화제에서 ‘최우수 판타지상’을 수상(1998)한 소위 문학과 영상 부문을 모두 아우를 수 있는 예술영화 감독이다. 이번 영화제에 선보이는 작품은 <벽 속의 소리>와 <기억의 소리>인데, 무용가 김은희씨와 사진작가 진수현씨가 각기 안무(按舞)와 사진을 통해 이 작품을 빛내고 있다. 여기서 <벽 속의 소리>는 문명사회가 인간을 옥죄고 있는 상황에서, 이를 벗어나려는 현대인의 저항의식을 표현하였다. 4명의 여자가 객석에서 빨간 등불을 찾아들고 무대로 올라가는 장면으로 시작되는데, 스크린 영상에 나오는 대형건물, 좁다란 골목, 사람들로 붐비는 지하철 모습과 소음이 묘하게 어우러지고 있다. (‘소리와 몸짓의 싸움’으로 비유되는 그 다음의 상황은 스포일러라 언급할 수 없음) 그리고 <기억의 소리>는 한 여자의 도마질 소리를 통해 전생과 기억의 순간들을 찾아가는 과정을 묘사하고 있다. 무대 위의 여자와 스크린 영상 속 여자들을 동일인물로 연결시키면서 대사가 아닌 영상만으로 극을 전개시키는 <기억의 소리>.흥미로운 점은 흔히 듣는 도마질 소리가 이 작품 전체를 이해하는 열쇄이자 촉매제 역할을 한다는 것. 연극과 무용 그리고 영상매체가 한꺼번에 어우러져 뿜어내는 혼합예술의 진수인 '미디어 퍼포밍 아트'를 만끽하는 장면이라 할 수 있다.끝으로 상업적 이윤에 속박되어 양산되는 대작영화의 흐름 속에서, 오로지 순수 예술을 구현코자 예산 부족 등 여러 난관에도 불구하고 많은 관객들로부터 열띤 호응을 받는 영화제로 거듭나는 오프앤프리국제영화제에 격려의 박수를 보내고 싶다.‘미디어 퍼포밍 아트 <벽속의 소리>와 <기억의 소리> 2010년 12월 13일(월) 오후 7시 30분 공연, 대학로 아티스탄홀 (혜화역 1번 출구 뒤영화평론가 / 延 영상문화연구소장 (yeon0426@hanmail.net)

 이른 아침 소젖을 짜러 나온 슈키치(사루와카 세이자부로)는 축사에서 벌거벗은 여자를 하나코라고 부르며 젖을 짠다. 허나 그녀는 노망난 시아버지 슈키치의 며느리 노리코(아사기 료코)인 것. 남편이 죽은 후에도 슈키치의 곁을 지키며, 시아버지에게 연민 이상의 감정을 느끼는데 … (중략)자극적인 제목만큼이나 다소 엽기적인 장면으로 시작되는 <젖소 며느리의 전원 로망> (夜明けの牛, 2003). 오스틴 판타스틱영화제(2008)와 파리 섹시국제영화제(2010) 공식 초청작이자, 올해로 4회째 열리는 핑크영화제에 상영되는 이 작품은 시아버지와 며느리의 금단의 사랑을 그린다는 엽기적이고 자극적인 설정이 화제가 되었다. 그러나 분명 사회적으로 비난받을 행위이지만, 극적 분위기는 사뭇 진지하면서도 순애보적 감성을 느끼게 한다.이러한 배경에는 슈키치가 의지할 데라곤 며느리 밖에 없다는 점과 함께 노리코도 시아버지를 극진히 모시는 착한 심성을 지녔다는데 있다. 아들이 자신이 아끼는 젖소 하나코를 팔러 나갔다가 소와 함께 교통사고로 사망한데 충격을 받고 치매에 걸린 슈키치나 재혼도 하지 않고 시아버지를 모시지만 한 밤중에는 성욕에 몸부림치는 노리코, 두 사람 모두 안타깝기는 마찬가지 상황. 그러한 점에서 그녀가 시아버지를 향해 연민 이상의 감성을 갖게 되는 것은 섣부른 비난보다는 안타까움을, 충격보다는 일말의 설득력을 얻게 한다.어쨌든 이 작품은 ‘젖소’라는 제목에서 풍기는 여성비하적인 상상과는 대조적으로 여성의 심리를 아주 감성적으로 잘 묘사했을 뿐만 아니라, 핑크영화만이 가질 수 있는 독특한 상상력을 가미했다. 이러한 점에서 이 영화가 올해 핑크영화제의 여러 섹션 중, ‘웰 메이드 핑크(well made pink) 부문에 들어간 것은 당연하다고 본다.끝으로 한 가지 아쉬운 혹은 우려할 점이 있는데, 이 영화제의 집행위원장과 프로그래머 두 사람이 개막식 행사 때 한 멘트 때문이다. “여러 사정으로 인해 내년에도 열릴지 모르겠다는 …”여느 영화제와는 달리, 적나라하면서도 진지하게 성(sex)을 주제로 하고 여성 관객을 주 대상으로 열리는 유일무이한 영화축제인 핑크영화제. 내년에도 열리는 것은 물론이고, 더욱 성황을 이루고 인기몰이를 하는 영화제가 되기를 한껏 기대해 본다.영화평론가 / 延 영상문화연구소장  yeon0426@hanmail.net

 단지 8개의 책상과 의자만 덩그러니 놓여 있는 밀실. 음산한 기운이 느껴지는 속에서 정체불명의 엘리트 응시자들이 이곳에서 입사시험을 친다. 여느 시험장과는 다른 분위기에서 응시자들에게 세 가지 규칙을 알려주는 시험 감독관. 첫째, 감독관과 경비에게 대화를 시도하지 말 것. 둘째, 자신의 시험지를 손상시키지 말 것. 셋째, 어떤 이유로든 이 방을 나가지 말 것. 이 규칙을 어길 시에 실격처리 된다고 말하는 감독관.색다르다 못해 황당한 규칙에 당황해하는 응시자들. 그러나 정작 그들을 충격에 빠뜨린 것은 그 다음에 벌어졌다. 시험 문제지에 아무 것도 쓰여 있지 않았던 것. 정답은커녕 문제조차 알 수 없는 상황에서 이제 그들은 어떻게 대처해야 할 지 갈팡질팡 하는데 (중략)할리우드에서 가장 주목받는 작가 대열에 합류한 스튜어트 하젤딘의 감독 데뷔작 <이그잼>. 이 영화의 흥행 열쇠는 흔하디흔한 물량공세도 아니고, 톱스타 출연으로 인한 스타파워도 아닌, 치밀한 극 전개와 기발한 아이디어가 관객들에게 어필할 수 있는 지 여부에 달려 있다. 그리고 그 결과는 절반의 성공처럼 보여진다.우선 이 영화의 장점을 꼽자면 보도자료에도 나왔듯이 스릴러라는 장르와 취업시험이라는 소재를 교묘하게 결합했다는 것이다. 실상 취업은 역사와 시대를 불문하고 인간이 생존하는데 가장 중요한 수단이었지만, 이제까지 영화에서는 대체로 부가적 요소에 불과했다. 공포물이든 멜로물이든 장르를 구분할 것 없이 대개 목숨을 담보로 한 내용이 관객의 관심을 불러일으켰다. 그러나 <이그잼>에서는 등장인물들이 취업 그 자체에 목숨을 걸고 있으며, 시험을 통과하기 위해 부상과 죽음을 불사하고 있다. 그리고 스크린에서 펼쳐지는 이러한 장면이 새로운 감성 스릴러라는 느낌과 함께 관객들의 공감대를 불러 온다. 생각해보라. 마음에 드는 직장에 들어가기가 별따기처럼 어려운 요즘 세상에, 최고의 보수를 보장해주는 든든한 직장이라면 묻지도 따질 필요도 없다.그러나 한편으로 이 영화를 보면서 아쉬운 점도 있다. 아이디어는 뛰어나지만, 예전에 봤던 <큐브>가 자꾸 연상된다는 것. 또한 <큐브>에서의 등장인물들은 자신의 의지와 상관없이 밀폐된 공간에 갇혀 생명을 위협받는 상황에 처해 있어서, 극적 긴장감을 높일 수 있었다. 그러나 <이그잼>의 등장인물은 최고의 대우를 받기 위해 자발적으로 폐쇄 공간에 들어갔기 때문에 극적 긴장감이 상대적으로 약하다. 더욱이 취업을 원하지 않는다면 시험장만 나오면 그만이다.아이디어는 기발하지만 5% 부족한 작품, 극적 긴장감은 어느 정도 유지되지만 반전의 묘미가 아쉬운 영화 <이그잼>의 흥행을 기대해 본다.    영화평론가 / 延 영상문화연구소장 (yeon0426@hanmail.net)

 이탈리아 베로나로 달콤한 약혼여행을 떠난 작가 지망생 소피(아만다 사이프리드). 허나 기대와는 달리 약혼남 빅터(가엘 가르시아 베르날)는 그 곳에서도 일에 파묻힌 채 사랑하는 연인의 마음을 헤아려주지 않는다. 결국 다시 만나기로 약속키로 하고 각자 가고 싶은 곳을 찾아가는 두 사람. 로미오와 줄리엣의 작품 속 배경지를 돌아보던 소피는 비밀스러운 사랑을 고백하는 ‘줄리엣의 발코니’에서 우연히 50년 전에 쓰여진 러브레터 한 통을 발견한다.그리고 안타까운 사연을 읽고 용기를 내라는 답장을 보냈는데, 기적 같은 일이 벌어졌다. 편지의 주인공 클레어(바네사 레드그레이브)와 그녀의 손자 찰리(크리스토퍼 이건)가 찾아온 것. 이제 소피는 잃어버린 사랑을 찾으려는 클레어를 돕고자 함께 나서는데 (중략)  스피디한 액션도 없고 포복절도한 유머가 있는 것도 아니고, 그렇다고 끈적끈적한 베드신이 나오지도 않는 영화 <레터스 투 줄리엣>. 이렇게 보면 이 작품은 요즘 흔히 요구되는 흥행 요건과는 거리가 먼 것 같다. 그러나 천만의 말씀. 이 영화는 블록버스터급과 같은 흥행 대박은 아니더라도 쏠쏠한 재미를 볼 것 같다. 왜냐하면 올 해 본 영화중에서 가장 아름답고도 살짝 흥분되는 로맨틱한 사랑이 펼쳐지기 때문이다. 그리고 그러한 감성 로맨스에 조화롭게 펼쳐지는 풍경이 너무나 아름답다.  세계에서 가장 아름다운 광장으로 손꼽히는 시에나의 ‘캄포광장’과 시에나 전체를 한 눈에 들여다 볼 수 있는 만자의 탑 그리고 드넓게 펼쳐지는 포도밭을 보면 왠지 모를 여유로움을 느낀다. 특히 이 영화에서 가장 인상적인 장면은 클레어가 그토록 소원하던 첫 사랑의 남자를 만나는 신이다. 황혼기에 접어든 두 사람이 서로를 바라보는 눈빛만으로도 그들이 품고 있는 사랑의 깊이를 짐작케 한다. 더욱이 클레어역의 바네사 레드그레이브와 그의 첫사랑 로렌조역인 프랑코 네로는 실제로 40년 이상 부부의 연을 맺고 있는 사이. 1966년 처음 만나 <카멜롯>을 통해 처음으로 호흡을 맞춘 두 사람은 이후 43년간 10여 편의 작품에 함께 출연했고 이제는 눈빛만 보아도 마음을 읽을 수 있을 정도의 완벽한 부부이자 동료가 되었다. 따라서 영화의 내용은 가공의 이야기지만, 내면 연기만큼은 영화와 현실이 교차한다고나 할까. 그래서 두 배우는 영화 촬영 내내 과거의 가슴 설레는 첫 만남을 회상하면서 즐겁게 연기에 임할 수 있었다고 전한다.누군가 말하기를, 행복은 점이고 고통은 선(線)이라고 했다. 행복을 느끼는 시간은 아주 짧고 고통은 상당히 긴 시간 지속된다는 뜻인데, 적어도 영화 속 클레어는 여기에 해당되는 것 같지 않다. 그녀가 보낸 장구한 세월을 고통의 시간이 아닌, 기쁜 만남을 위한 희망의 기간으로 볼 수도 있기 때문이다. 따라서 가벼운 감성 로맨스의 분위기이면서도 관객들에게 한번 쯤 생각할 수 있는 무언가를 전해준다. 여기에는 소피가 겪는 두 남자 사이의 갈등도 포함된다. (그 이상 언급은 스포일러가 될 것 같음)끝으로 아침이면 을씨년스러운 기운이 느껴지는 요즘의 날씨에 딱 맞는 영화, 그리고 가벼운듯 하면서 진지한 물음을 던질 수 있는 영화 <레터스 투 줄리엣>을 권하고 싶다.영화평론가 / 延 영상문화연구소장 연동원 yeon0426@hanmail.net

 침략전쟁으로 점철된 위진남북조 시대, 위나라의 풍요로움을 시기하던 유연족이 대대적인 침략을 감행한다. 나라를 지키기 위해 전국 각지의 장정들이 소집되는데, 그 중에는 남장을 한 뮬란(조미)도 포함된다. 어렸을 때부터 무술에 뛰어난 소질을 보였던 그녀가 병든 아버지를 대신해 전쟁터로 나선 것이다. 동료 문태(진곤)와 함께 혁혁한 전공을 세우는 뮬란. 허나 이를 시기하던 대장군이 그녀를 죽음의 구렁텅이로 몰아가는데 (중략)이 영화를 보면 자연스럽게 1998년에 개봉된 동명의 디즈니 애니메이션을 떠올리게 된다. 그럼 애니메이션과 실사라는 기술적 차이 이외에, 두 작품의 특성을 어떻게 구분 지을 수 있을까. 우선 대중성을 놓고 본다면, 디즈니사에서 만든 애니메이션이 상대적으로 나을 듯싶다.디즈니 애니메이션의 최대 강점이 ‘연소자 관람’이라는 것은 주지의 사실이다. 여기에는 극의 전개 과정이 선과 악이라는 양 구도의 충돌 속에서 권선징악적인 결말 혹은 해피엔딩으로 마무리 지음으로써 관객으로 하여금 갈등(?)의 여지를 없게 만든다는 것도 포함된다. (예외적으로 <포카혼타스>는 남녀 주인공이 이별을 함으로써, 해피엔딩이 아니다) 캐릭터의 선악 구분도 아주 간단하다. 주인공 뮬란을 비롯한 위나라 병사들은 순하디 순한 모습을 지닌데 반하여, 유연족의 지도자와 병사들은 한결같이 미식축구의 수비수를 연상시키는 거대한 몸집에다가 맹수의 눈빛을 지닌 사나운 이미지로 나오고 있다. 감초 역할을 하는 무슈(뮬란을 수호하는 작은 용)와 귀뚜라미 그리고 세 명의 병사들도 적재적소에서 웃음을 유발한다. 거기에다가 첨단 영상 기술과 세련된 음악이 든든한 배경을 이루고 있다.이에 반하여, <뮬란: 전사의 귀환>은 결코 디즈니 애니메이션과 같은 낭만적 분위기가 아니다. 더욱이 관객의 예상과는 달리, 남녀 주인공의 사랑도 결실을 맺지 못한다. 극의 전반적 분위기도 다소 음울하고 리들리 스콧의 <글래디에이터>와 같은 장대한 스케일에도 미치지 못한다.그럼에도 두 영화중에서 하나를 선택하라면, 서슴없이 <뮬란: 전사의 귀환>을 꼽을 것 같다. 최근에 개봉된 역사를 소재로 한 작품들 중에서 가장 설득력이 있으며 공감대가 느껴져서다. 특히 주인공 뮬란이 애니메이션이나 판타지에 나오는 순전한 전설 속의 영웅이 아닌 고뇌하는 영웅이자 사랑에 갈등하는 여인으로 등장하는 점이 인상 깊다. 이 밖에도 위나라를 침략한 유연족의 대족장 산유를 단순히 악의 축으로 묘사하지 않고 그들 역시 생존을 위해 불가피하게 전쟁을 했다는 점을 부각시킨 것도 주목할 만하다. 이러한 극적 구성은 혹여 영화의 흥미를 반감시킬 수도 있지만 다른 한편으로 전쟁의 의미에 대해 진지한 사고를 할 여지를 부여하고 있다.그리고 한 가지 더. 주인공 조미의 열연을 꼽을 수 있다. <소림축구>와 <적벽대전>으로 낯익은 그녀지만, 필자에게 비쳐진 그녀의 이미지는 연기는 잘하지만 감탄사를 불러일으킬 정도의 카리스마나 흡인력은 없었다. 그러나 이번에는 달랐다. 가히 ‘살아있는 뮬란’이라는 그녀의 광팬들의 비유가 그리 과장된 것처럼 느껴지지 않으니 말이다. 이러한 배경에는 묻지도 따질 필요도 없이 그녀의 철저한 프로근성이 빛을 발했기 때문이다. 여자라는 특혜(?)를 거부하고 무술감독 동위의 지휘 하에 웬만한 남성도 견디기 어려운 엄청난 체력 훈련을 감내했던 조미. 결국 그러한 인고의 시간이 카리스마 넘치는 여전사, 아니 진정한 연기자의 이미지를 각인케 한 것 같다.연동원 역사학자, 延 영상문화연구소장 yeon0426@hanmail.net

 한 순간에 잿더미로 변해버린 세상. 살아남은 아버지(비고 모텐슨)와 어린 아들(코디 스미스 맥피)은 혹한과 굶주림을 피해 남쪽으로 향한다. 마치 중세 말 흑사병이 휩쓸고 간 것처럼 눈을 씻고 봐도 사람 그림자도 찾기 힘든 그 때, 몇몇 사람들이 나타난다. 허나 그들은 사람을 잡아먹는 인간사냥꾼들.가까스로 아들과 함께 몸을 숨긴 아버지는 꿈을 꾼다. 청아한 날씨에 아름다운 아내(샤를리즈 테론)와 사랑의 밀어를 속삭이지만, 이내 삭막한 현실로 돌아오는 그. 따뜻한 남쪽으로 향하려 하지만, 아버지의 몸은 점점 쇠약해 가는데 … (중략)2007년 퓰리처상을 수상한 코맥 매카시의 소설을 원작으로 한 <더 로드>. 원작은커녕 시놉시스조차 읽지 않고 본 이 영화의 첫 인상은 두려울 정도의 황량함과 메마름이었다. 사람이 사람을 잡아먹으려고 광기어린 행동을 보이는 장면에서도 공포심보다는 눈물조차 나오지 않는 슬픔이 느껴지는 영화 <더 로드>. 그것은 아마도 영화 속 세상이 언제고 우리에게 닥칠지도 모를 가까운 미래의 모습일 수도 있기 때문이다. 그만큼 지구의 환경은 현재 심각할 정도로 파괴되었고 사람들이 피부로 확연히 느낄 정도이다.영화를 보는 내내 궁금한 것은 단 한 가지. 과연 이 영화가 어떻게 끝나는 가였다. 명색이 할리우드영화이니까 롤랜드 에머리히의 <투모로우>처럼 결국에는 인간에게 새로운 희망을 가져다줄 지, 그렇지 않으면 말 그대로 인간이 멸종하고 지구는 죽음의 세계가 되는 지가 궁금했다. 그러나 결과는 어느 쪽도 아닌 현재진행형. 하지만 와 닿는 느낌은 아주 강렬했다. 실체를 알 수 없는 불확실한 세상이야말로 가장 현실적인 결론이니까 말이다.영화를 통해서 원작소설을 읽게 된 예외적인 작품 <더 로드>. 분명한 점은 영화와 소설에서 느껴지는 분위기가 거의 유사하다는 것이다. 그만큼 영화는 원작에 비교적 충실했다. 잿빛 하늘도 그렇고 황폐화된 들판도 그렇고 물고기 한 마리 없을 것 같은 호수도 그렇다. 여기에는 감독 존 힐코트를 비롯한 제작진의 세심함 덕분인 것 같다. 특히 펜실베니아의 폐쇄된 탄광과 모래언덕에서의 촬영은 굳이 CG가 필요 없을 정도로 황폐한 분위기가 한껏 묻어났다.이 영화에는 냉혹하고 처절한 삶의 몸부림 속에서도 숭고한 인간미가 느껴지는 장면이 곳곳에 등장한다. 아들을 자기 목숨보다 사랑하고 삶의 존재의 목적으로 삼는 아버지도 그렇고 노인 엘리(로버트 듀발)가 소년을 보고 자신이 천국에 와서 천사를 본 것 같다는 대사도 마찬가지다. 어느 남자(가이 피어스)의 “이제 나하고 함께 가야 할 것 같구나”라는 대사는 단순하면서도 의미심장하다.끝으로 ‘전 세계를 사로잡은 인류 마지막 사랑!’이라는 홍보 문구가 결코 지나치다는 생각이 들지 않는 이 영화, <더 로드>의 흥행을 진정 기대해 본다. 연동원 역사학자, 延 영상문화연구소장 yeon0426@hanmail.net