덴마크 출신 감독 니콜라스 윈딩 레픈은 첫 미국 진출작 ‘드라이브(Drive)’를 통해 올해 칸 영화제 감독상을 수상한다. 거친 영화와는 달리 의외로 자신의 딸에게 읽어줬던 그림 형제의 동화 같은 스토리에 기초를 두고 있다고 밝혔다. 주인공이 마치 중세의 기사처럼 악한으로부터 평범한 사람을 구한다는 테마가 그렇다고 한다. 그리고 이 단순한 구도에 유럽적 감수성과 1980년대 B급 누아르의 무드를 결합, 폭발시켜 내면서 비로소 화제의 중심에 선다.

월터 힐의 ‘드라이버’, 윌리엄 프리드킨의 ‘늑대의 거리’ 같은 1980년대 누아르는 물론 존 부어맨의 ‘포인트 블랭크’, 장 피에르 멜빌의 스타일 또한 영향을 줬다고 밝혔다. 라이언 고슬링, 캐리 멀리건, 그리고 만년 악역 론 펄먼과 앨버트 브룩스라는 쟁쟁한 배우들의 활약 또한 기가 막혔다. 거의 침묵을 유지하고 있는 주인공에 대한 설정의 경우 이 침묵이 최대한의 단어와 감정을 포괄하고 있다고 감독은 인터뷰에서 언급한다. 가끔씩 보이는 정지된 듯한 화면에 미묘하게 빛의 강약을 조절해내는 연출은 섬세한 감정의 변화를 포착해내곤 했다.

대부분 1980년대 스타일의 유로팝, 신스팝이 영화에 흘렀고, 삽입곡을 제외한 스코어는 전부 클리프 마르티네즈에 의해 완성됐다. 레드 핫 칠리 페퍼스의 첫 두 장의 앨범에서 드러머로 활약했던 그는 주로 앰비언트풍의 전자음악 사운드트랙들을 만들어왔는데, 본 작에서도 역시 꾸준히 함께 일해온 스티븐 소더버그 풍의 우울한 분위기를 주조해냈다. 적절한 긴장감과 여백에 중점을 둔 소리들이 영화를 ‘드라이브’해나간다. 이는 다른 할리우드 영화와는 분명 구별되는 지점이다. 영화에 골동품 차들이 주로 등장하는 터라 감독은 신스팝과 초기 전자음악에 귀를 기울였고, 클리프 마르티네즈와 함께 이런 성격의 곡들을 모으기 시작했다.

첫 시퀀스 이후 등장하는 CSS의 러브폭스가 함께한 프랑스 일렉트로 하우스 뮤지션 카빈스키의 곡 ‘나이트콜’, 집 안 파티에서 흐르는 디자이어의 ‘언더 유어 스펠’, 그리고 첫 데이트와 영화의 마지막에 흐르는 칼리지의 싱그러운 신스팝 트랙 ‘어 리얼 히어로’가 유독 기억에 남는 선곡이었다. 의외의 지점에서 1980년대의 분위기를 상기시켜주는 곡들이다.

그리고 주인공이 론 펄먼에게 복수하러 가기 직전 거의 전곡이 흐르는 이탈리아 영화음악 거장 리즈 오르톨라니의 ‘오 마이 러브’에서 영화와 음악은 정점에 달한다. 가장 긴장감 넘치는 장면 중 하나였음에도 ‘더 나은 세상’에 관해 노래하는 이 우수에 찬 곡을 고급스러운 고속촬영된 화면 위에 얹어내면서 악당의 초현실적 ‘마지막 웃음’을 완결시켜버린다. 악마처럼 웃는 론 펄먼과 그 옆의 무표정한 여인, 이를 지켜보는 가면 쓴 주인공, 그리고 이 애수로 가득한 노래가 뒤엉키는 순간 영화는 정말로 이상한 지점에 도달해낸다. 1971년 작 ‘굿바이 엉클톰’ 중 카티나 라니에리가 노래했던 이 오래된 곡은 이렇게 새로운 세대에게 각인되어진다.

헤모글로빈이 난무하는 폭력물을 감각적이고, 그리고 아름답게 구성해내는 것은 언제나 그렇듯 음악이었다. 칸에서 지지를 얻었던 이유도 아마 그 때문일 것이다. 과도한 폭력, 최소한의 대화, 그리고 음악으로 엮여진, 1980년대만큼 아련한 피와 눈물의 하드보일드다.

불싸조 밴드