누벨바그(nouvelle vague)는 1950∼60년대 프랑스에서 일어난 영화 풍조로서 ‘새로운 물결’(new wave)을 뜻한다. 영화사에선 고전영화와 현대영화를 가르는 중요한 분기점 구실을 한다.프랑수아 트뤼포, 장뤼크 고다르, 클로드 샤브롤, 루이 말, 알랭 레네, 에리크 로메르, 자크 리베트 등 젊은 감독들은 당시 침체에 허덕이는 프랑스 기성 영화계에 대한 거침없는 비평과 함께 신선한 발상과 표현 양식를 제시하며 새로운 변화를 주도했다. 이들은 프랑스 영화전문지 ‘카이에 뒤 시네마(Cahiers du Cinéma)’에 글을 쓰며 경력을 쌓았는데, 특히 발행인이자 비평가인 앙드레 바쟁의 영향을 받았다는 공통점을 지녔다. ‘지난해 마리앙바드에서’누벨바그 영화의 가장 두드러진 특징은 마치 아무렇게나 만든 것 같은 자유분방함이다. 기존의 고착된 장르 규칙을 거부하고 영화적 관습을 깨뜨리면서 작가 개인의 영화를 추구했다. 잘 알려지지 않은 배우를 캐스팅하는가 하면, 카메라를 관찰자로 사용한다.장뤼크 고다르의 ‘네 멋대로 해라’에서 장폴 벨몽도는 느닷없이 카메라를 향해 대사를 친다. 이는 몰입해서 보고 있는 관객들에게 지금 보고 있는 것이 한 편의 극영화일 뿐임을 일깨우는 ‘소격효과(Verfremdungs effekt·낯설게 하기 효과)’를 실험한 장면으로 꼽힌다. 토마스 엘세서는 영화가 세상을 있는 그대로 보여 주지 않는다는 믿음을 가진 이런 영화에서 관객은 ‘보이지 않는 증인’이거나 ‘가상적 참여자’라고 설명한다.이들은 할리우드 서사의 불문율을 깨뜨리기도 했다. 할리우드 연속 편집의 원칙을 무시한 즉흥적인 편집이 그 사례다. 인과론적 연결성이 상당히 느슨한 내러티브를 취한다. 명쾌하게 짜여진 드라마보다 우연한 사건 또는 의도적으로 계획하지 않은 줄거리의 열린 형식을 선호했다. 때로는 ‘점프컷(Jump cut·장면 급전환)’을 이용한 비약적인 전개로 당시만 해도 매우 낯선 영상을 탄생시켰다.누벨바그 영화들은 지적이면서도 즉흥적인 영감에 충실하다. 이들이 창조한 현실적이고 활력 넘치는 등장인물들은 기존 도덕에 구애받지 않고 자유롭게 이야기한다. 또, 야외 자연광을 활용하거나 당시 개발된 핸드헬드 카메라를 활용한 즉흥촬영을 통해 지금 우리 눈앞에 보이는 영상과 음향을 얻어내려고 노력했다. 실험을 통해 전통과 결별하고 사회적 금기에 도전했던 모던 시네마였다. 대표작으로는 프랑수아 트뤼포의 ‘400번의 구타’(1959), 루이 말의 ‘연인들’(1958), 알랭 레네의 ‘지난해 마리앙바드에서’(1961), 장뤼크 고다르의 ‘비브르 사 비’(1962) 등이 있다. ‘400번의 구타’누벨바그 영화의 자유와 혁신은 동시대 다른 나라 영화 창작자들에게도 커다란 영향을 미쳤다. 미국의 뉴아메리칸시네마, 영국의 프리시네마, 독일의 뉴저먼시네마 등은 모두 누벨바그를 이끈 젊은 프랑스 영화인들의 정신을 공유한다.누벨바그의 출현은 1940년대 말부터 유럽 영화시장을 위협한 미국 할리우드 영화의 범람과 이에 적극적으로 대처하고 나선 프랑스 정부의 문화정책과도 무관치 않다.프랑스 정부는 자국의 영화시장이 할리우드 영화에 잠식되는 것을 방지하기 위해 자국 영화를 의무적으로 상영해야 하는 스크린쿼터제를 시행했다. 아울러 재능 있는 젊은 감독들과 단편영화 제작을 지원하는 제도를 만들었다. 자유롭게 영화를 관람하고 토론할 수 있는 시네마테크 운영도 장려했다. 여기서 젊은 영화인들은 희귀영화들과 저평가된 작품들을 재발견하면서 작가정책이라는 개념을 제시하고 새로운 영화 흐름을 모색하는 계기를 마련했다.  시대착오적인 ‘블랙리스트’ 작성, 그리고 할리우드 영화를 전 세계 최초로 개봉한다는 문구를 자랑스럽게 내 건 우리 극장가를 돌아보면서, 문득 70여년 전 누벨바그 영화인들을 생각한다.  김신성 기자 sskim65@segye.com

네오리얼리즘(Neorealism)이란 1942∼1953년 이탈리아 파시스트 정권의 예술 억압에 대항한 영화 운동과 세계대전 이후 사회 상황을 사실적으로 그린 영화들을 일컫는 말이다. 농부, 어부, 노동자, 노인, 부랑아 등 하층민의 삶을 통해 빈곤과 실업, 절도 등 전후 거리의 모습과 삶의 단면을 주로 다뤘다. 허구적인 영화제작에 사실주의라는 이질적 접근을 가능케 했고, 이는 당시 다른 나라 영화에도 신선한 자극으로 작용했다.네오리얼리즘 영화가 등장하기 전의 이탈리아 영화는 무솔리니 치하에서 오직 이탈리아의 좋은 점만 부각시키는 데 치중했다. 무솔리니 선전영화와 낙관적 부르주아 영화, 도피적 코미디물과 뮤지컬 등이 주류였다. 파시스트 정부가 범죄와 비도덕적 소재는 영화에 담을 수 없다는 지침을 내려놓았기 때문이다. 따라서 현실과 유리된 웅대한 대하사극과 감상적인 상류층 멜로드라마가 양산됐다.무방비 도시1943년 파시즘 정권이 붕괴되고 연합군이 진주하면서 전후 이탈리아 영화계는 패전국의 공통 특징인 문화침식에 의해 미국 할리우드 영화가 패권을 잡았다. 이때 이탈리아 영화의 정체성을 되찾기 위한 영화인들의 노력과 1, 2차 세계대전 패전 경험이 더해져 새로운 영화의 흐름이 형성되기 시작했다.젊은 영화인들은 기존의 제도적 영화제작 방식에서 벗어나 거리로 나왔다. 노동자와 도시인의 궁핍한 삶을 필름에 담아냈다. 현실의 거친 모습을 있는 그대로 찍고, ‘현실’을 통해 관객과 만나야 한다고 생각했다. ‘우편배달부는 벨을 두 번 울린다’(제임스 M 케인)를 원작으로 한 루키노 비스콘티 감독의 ‘강박관념’이 네오리얼리즘 영화의 효시다. 이 영화의 시나리오를 쓴 안토니오 피에트란젤리는 1943년 영화전문지 ‘치네마’(Cinema)에서 처음으로 네오리얼리즘이란 용어를 사용했다.하지만 네오리얼리즘 운동이 실질적으로 전개된 것은 독일군이 로마에서 철수한 1945년, 로베르토 로셀리니 감독이 ‘무방비 도시’(Open City)를 발표하면서부터다.네오리얼리즘 영화는 일상적 소재를 사용하고 비전문 배우를 기용한다. 대중의 몽상을 자극하는 해피엔딩이 아닌, 난감하고 해답이 없는 현실의 곤란한 일상을 이야기하며 우리 주변의 사람 이야기답게 일반인을 배우로 썼다. 당시 궁핍했던 경제사정을 반영하듯 스튜디오보다 야외촬영을 선호하고 인공조명을 배제한 자연광을 사용했으며 즉흥연출을 시도했다. 촬영할 때는 롱 샷과 롱 테이크 기법을 자주 활용하고 자발성, 직접성 등을 살리기 위해 되도록 편집을 피하려 애썼다. 잘 짜인 플롯을 배제하고 시작과 중간, 끝이 유기적으로 얽혀 있는 작위적 삶의 모습이 아니라 실제 삶의 한 순간을 제시하는, 삶에 대한 솔직한 시각을 수정 없이 드러냈다.로셀리니 감독은 나치가 도시에서 철수하는 동안 몇 개의 장면을 촬영했는데, 좋은 필름을 구할 수 없어 뉴스영화용 필름을 사용했다. 화면의 거친 입자와 기술적인 결함이 오히려 사실성을 높이는 구실을 한 데다 꾸미지 않은 진실을 보태는 데 일조했다.자전거 도둑비토리오 데시카 감독의 네오리얼리즘 3부작도 유명하다. ‘구두닦이’(1946)는 두 가난한 소년의 슬픈 이야기를 냉정하게 그린다. ‘자전거 도둑’(1948)은 가혹한 전후 시대를 살아내기 위해 발버둥치는 한 남자와 아들의 관계에 주목한다. 대부분의 장면을 촬영소 밖에서 찍었고 아버지 역할은 실제 철공소 노동자가 맡았으며 아들 역 또한 로마의 신문 배달 소년이었다. 단순한 형식이지만 어떤 관습에도 매이지 않고 거리의 진실을 담담하게 포착한 이 영화는 복잡 미묘한 영화에서 찾아볼 수 없는 강렬한 힘을 발산한다. ‘움베르토 디’(1953)는 가난한 노인의 고난을 연쇄적 에피소드 형식으로 그렸다.네오리얼리즘 운동은 1950년대 들어 사그라든다. 사회적 여건이 개선된 데다 반정부 영화에 대한 검열이 강화되면서 재원이 고갈됐기 때문이다. 그러나 네오리얼리즘은 프랑스의 누벨바그와 미국의 뉴시네마 운동 등에 적지 않은 영향을 미쳤다.  김신성 기자 sskim65@segye.com

“굉장히 자랑스러운 우리 역사이기 때문이다. 많은 나라들이 수백년에 걸쳐 얻어낸 민주주의를 우린 불과 수십년 만에 이뤄냈다. 그래서 이 이야기를 조금 더 깊이 들여다봐야겠다고 생각했다.”박스오피스 1위 영화 ‘1987’의 장준환 감독이 털어놓은 연출의 변이다.압도적인 몰입감, 배우들의 열연, 강한 울림 등 3박자를 두루 갖춘 ‘1987’은 1987년 1월부터 6월까지, 한국 현대사에서 가장 드라마틱한 ‘6월 민주항쟁’을 스크린에 담아낸 첫 번째 한국영화다. 남영동에서 조사를 받던 한 대학생의 의문사부터 각자의 자리에서 신념을 건 선택을 한 사람들의 행동이 모여 마침내 광장의 거대한 함성으로 확산되기까지, 가슴 뜨거운 6개월의 시간을 담담하게 펼쳐낸다.김윤석, 하정우, 이희준, 유해진, 김태리, 박희순 등 수많은 배우들이 릴레이처럼 등장한다. 대사를 치는 배우만 무려 125명이다. 암울했던 당시를 관통해 온 모두가 주인공이란 얘기다.‘1987’은 명동성당과 남영동 인권센터에서 촬영해 영화의 리얼리티를 배가시켰다. 명동성당은 당시 각종 집회가 열리고 민주화를 촉진하는 성명서가 발표된 곳이다. 명동성당 내부에서 촬영이 허가되기는 이번 ‘1987’이 처음이다. 남영동 인권센터 역시 입구와 복도, 테니스장, 소각장 등에서 최초로 영화 촬영을 허가했다.1987년을 이끈 시대의 주역들과 출연 배우들의 특별한 인연도 눈길을 끈다. 사건의 은폐를 지시하는 대공수사처장 역의 김윤석은 고(故) 박종철 열사의 고교 2년 후배다. 연기파인 그도 촬영에 임하는 진정성과 무게감이 달랐을 것이다. 김윤석은 “지난해 내가 한 일 중 가장 잘한 일은 ‘1987’에 출연한 것”이라며 “후배로서 ‘책상을 탁! 치니 억! 하고 죽었다’라는 대사를 하게 될 줄 몰랐다”고 털어놓았다.김윤석은 제작진도 미처 챙기지 못했던 당시의 신문기사를 찾아와 의견을 제시하는 등 열정적으로 캐릭터 구축에 나섰다. 실존 인물과 외모를 최대한 닮게 보이기 위해 이마의 앞머리 선을 위로 올려 매서운 눈빛이 도드라지게 하고, 마우스피스를 껴서 고집과 권위가 읽히는 뚜렷한 입매를 만들어냈다.일간지 사회부장으로 짧게 얼굴을 비친 오달수 역시 박종철 열사의 후배다. 그는 “작은 배역이라도 맡고 싶다”며 제작진을 찾아가 먼저 출연의사를 밝혔다. 박종철 삼촌 역으로 얼굴을 내민 조우진, 성명서를 발표하는 김승훈 신부 역의 정인기 역시 자원해 출연한 것으로 알려졌다.군부독재 시절 민주화 투쟁에 앞장선 고(故) 문익환 목사의 아들 문성근이 당시 정권 실세인 안기부장 역을 맡은 점도 재밌다. 영화의 끝부분 영상에서 오열하며 “박종철 열사여, 이한열 열사여!”를 외치는 인물이 문익환 목사다.경찰 총수인 치안본부장 역의 우현은 당시 연세대 총학생회 집행부 학생으로, 광장 한가운데 섰다. 고(故) 이한열 열사의 장례식과 49재 행사를 이끌었다. 그는 “가장 치열한 대학생활을 보냈기 때문에 영화가 제작된다는 것만으로도 남다른 감회가 있다”고 말했다.‘1987’의 주제곡이자 엔딩을 장식하는 민중가요는 ‘그날이 오면’이다. 연세대 87학번을 중심으로 구성된 이한열합창단이 직접 부르며 녹음에 참여했다. 당시를 겪었던 목소리답게 큰 울림을 안긴다.80년대 타자기와 ‘마이마이’도 반갑다. 걸어다니면서 노래를 들을 수 있다는 것은 그때만 해도 대단히 혁신적인 일. 마이마이의 인기와 영향력은 실로 막대했다. 87년 신입생 연희 역의 김태리가 듣는 노래는 유재하의 ‘가리워진 길’이다.박찬욱 감독은 ‘1987’에 대해 “영화 이상의 어떤 것이다. 증언이고 절규고 함성이다. 촛불세대가 시대를 거슬러 올라가 30년 전 광장에서 친구를 만나는 기적은 영화가 아니면 만들 수 없는 것”이라고 감상소감을 남겼다.김신성 기자 sskim65@segye.com

“바럼 바럼 바럼…” 또는 “따단 따단 따단…”. 사람마다 표현이 조금씩 다르지만 식인 상어 ‘죠스’가 나타날 때 들리는 음악은 단 두 음정만으로도 스크린 가득 긴장감을 조성한다. ‘영화음악의 아버지’ 존 윌리엄스의 솜씨다.존 윌리엄스그는 스티븐 스필버그와 ‘죠스’를 비롯한 ‘인디애나 존스’ ‘E.T’ ‘쉰들러 리스트’ ‘쥬라기 공원’ 등을 함께하며 40년 인연을 이어오고 있다. 수많은 마니아를 거느린 ‘스타워즈’ 주제곡을 탄생시킨 세기의 작곡가이기도 하다. 미국 뉴욕주에서 재즈음악가의 아들로 태어나 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스(UCLA)에서 작곡을 익히고 줄리아드음대에서 작곡과 피아노, 지휘법을 배웠다. 작은 클럽에서 재즈 피아니스트로 일하다가 텔레비전과 영화의 음악을 편곡하면서 1960년대 초 영화음악에 본격 입문했다.1971년 노먼 주이슨 감독의 ‘지붕 위의 바이올린’으로 아카데미 편곡상을 받은 이래 로널드 님 감독의 ‘포세이돈 어드벤처’(1972)와 ‘타워링’(1974), 조지 루카스 감독의 ‘스타워즈’(1977), 그리고 ‘죠스’(1975), ‘E.T’(1982), ‘쉰들러 리스트’(1993) 등으로 아카데미 음악상을 휩쓸었다. 아카데미 음악상 후보작만 32편에 이르며 그래미상도 17회나 수상했다.대규모 오케스트라의 웅장한 사운드로, 오랫동안 수많은 영화음악을 작곡하면서도 매너리즘에 빠지지 않고 새로운 분위기의 음악을 먼저 내놓았다. 특히 ‘인디애나 존스’와 ‘스타워즈’ 시리즈에서는 팝과 클래식을 절묘하게 결합해 두꺼운 팬층을 형성했고, ‘쉰들러 리스트’와 ‘아미스타드’ 등에서는 잔잔하면서도 안정된 음악을 들려주었다.‘현악기를 위한 에세이’ ‘바이올린협주곡’ ‘첼로협주곡’ 등 콘서트용 작품도 지었으며, 로스앤젤레스올림픽(1984) 팡파르와 애틀랜타올림픽(1996)의 공식 주제음악도 작곡했다. 1980∼93년 보스턴팝스오케스트라 음악감독을 지냈다.한스 짐머, 존 데브니, 크리스토퍼 영 등의 후배 작곡가들에게 영감을 주는 등 영향을 끼쳤다.20세기가 오케스트라를 재등장시키며 클래식한 영화음악을 선보인 존 윌리엄스의 시대였다면, 21세기는 단연 한스 짐머의 시대다.한스 짐머신시사이저 기반의 전자음악으로 블록버스터의 스테레오 타입을 만들었다고 평가받은 그는 멜로디 없이 영화에 스며드는 듯한 스타일의 영화음악으로 새 시대를 열었다.데뷔작 ‘레인맨’ 이후 ‘드라이빙 미스 데이지’ ‘분노의 역류’ ‘델마와 루이스’ ‘라이온 킹’ ‘브로큰 애로우’ ‘이보다 더 좋을 순 없다’ ‘더록’ ‘글래디 에이터’ ‘미션임파서블 2’ ‘한니발’ ‘진주만’ ‘블랙호크 다운’ ‘캐리비안의 해적’ 시리즈, ‘라스트 사무라이’ ‘다크 나이트’ 시리즈, ‘다빈치 코드’ ‘마다가스카’ 시리즈, ‘인셉션’ ‘인터스텔라’ ‘덩케르크’ ‘배트맨 대 슈퍼맨: 저스티스의 시작’ 등 우리가 봤거나 한번쯤 들어본 영화들의 주제곡은 그가 만든 것이다.다양한 장르의 음악을 만들어내는 데 천부적 재능을 입증한 한스 짐머는 자신의 음악적 주관만을 고집하지 않으면서 제작자의 의도에 최대한 귀를 기울이는 것으로도 유명하다. 가장 왕성한 활동을 펼치면서 동시에 투철한 프로의식을 보여주는 것이다. 그는 다작을 뽐내면서도 어느 한 작품 자신만의 스타일을 잃어버린 적 없는 부지런한 장인이다.존 윌리엄스와 한스 짐머, 두 거장은 전 세계 관객들에게 영화만큼이나 영화음악을 사랑하게 만든 주역들이다. 20, 21세기를 나란히 대표하며 팬들에게 기적 같은 감동의 순간을 선사한 두 사람의 위대한 역사는 다행히 지금도 계속되고 있다.김신성 기자 sskim65@segye.com

“재밌다 해서 보려고 하는데, 그동안 다 챙겨 보지 않아서··· 오래전 고전편들을 빼버리고 최근 것들만 먼저 본 뒤 ‘라스트 제다이’를 봐도 될까요?” “아예 안 본 건 아니고 몇 편 본 것 같은데, 뭐가 뭔지··· 너무 어릴 때라 내용이 기억나지 않네요.”14일 개봉한 ‘라스트 제다이’에 종종 붙는 댓글이다. ‘라스트 제다이’는 ‘스타워즈’ 시리즈 1∼9편 가운데 8편에 해당한다.스타워즈 시리즈를 처음 접하거나 1977년작 1편을 보던 때의 감동을 아직도 고이 간직하고 있지만 일상에 쫓겨 이를 챙겨 보지 못한 중년들을 위해, 스타워즈 골수 광팬이 띄워놓은 댓글도 하나 소개한다.  “7~9편 스토리의 핵심인 카일로 렌에 대해 이해하려면, 루크와 레아의 이야기를 알아야만 합니다. 이들에 앞서 다스 베이더가 누구인지, 그보다 먼저 아나킨부터 살펴봐야만 하죠. 하지만 아나킨의 이야기는 1~3편에, 다스 베이더와 루크, 레아는 4~6편에 등장합니다. ‘로그 원: 스타워즈 스토리’는 아나킨과 다스 베이더 사이에 발생하는 줄거리의 공백을 메꾸기 위한 스핀 오프일 뿐 ···.”‘스타워즈’ 시리즈는 4∼6편이 세상에 먼저 나왔다. 당시 기술로는 1∼3편의 이야기를 스크린에 펼쳐낼 수 없었기 때문이다. 30년을 내다보고 영화 전편을 미리 기획한 조지 루커스의 안목과 포부, 배짱이 놀랍다.시리즈 전체의 스토리를 즐기고 싶다면 1편 ‘보이지 않는 위험’, 2편 ‘클론의 습격’, 3편 ‘시스의 복수’, ‘로그 원: 스타워즈 스토리’, 4편 ‘새로운 희망’, 5편 ‘제국의 역습’, 6편 ‘제다이의 귀환’, 7편 ‘깨어난 포스’ 순으로 보면 된다. 컴퓨터그래픽 기술의 발전 과정과 액션 신, 반전 등을 중시한다면 4, 5, 6, 1, 2, 3, 7, 로그 원의 순서가 좋겠다. 이는 개봉 순이기도 하다. 1970년대 초, 미국은 격동의 시대를 지나고 있었다. 베트남전, 워터게이트 사건, 오일쇼크, 유례없는 물가 상승 등으로 미래에 대한 불안감이 생겨나고 정부에 대한 불신감도 컸다. 서른살이었던 영화감독 조지 루커스가 ‘스타워즈’ 이야기를 쓴 것은 바로 이때다. 미국인의 트라우마를 치유함과 동시에 그들이 오랫동안 갈구했던 새로운 ‘신화’가 탄생되는 순간이었다.“나는 현대의 동화를 만들고 싶었다. 우리에게는 어떠한 형태든 ‘신화’가 필요했다. 한때의 ‘서부극’이 그러했듯···.”(루커스)‘스타워즈’는 당시 대중에게 암울한 현실을 잊게 하는 도피처 역할을 했다. 이 시기 함께 등장한 것이 힙합이다. 하지만 청년층의 감성 장악을 두고 두 문화 조류는 전혀 다른 방향으로 작용했다.힙합이 젊은이들의 반항적인 정서를 대변한 반면에 ‘스타워즈’는 보수적 성향을 띠었다. 노골적인 권선징악과 영웅 서사시의 틀을 답습한 ‘스타워즈’의 등장은 지미 카터 행정부의 퇴진과 레이건 행정부의 출현을 예언하는 것이기도 했다. 할리우드 출신 대통령 레이건이 구소련을 ‘악의 제국’으로 규정하고 새로운 전략방위계획(SDI)의 별칭을 ‘스타워즈’라고 붙인 것은 결코 우연이 아니다.‘스타워즈’가 드러낸 문제점은 폭력성이다. 단지 멋지다는 이유만으로, 루커스는 나치 프로파간다 다큐멘터리 ‘의지의 승리’ 가운데 한 장면을 ‘새로운 희망’ 끝부분에 사용했다. 가장 자극적인 장면과 함께 ‘선정성·폭력성 유전자’를 가져온 것이다. “‘스타워즈’의 흥행대박은 ‘폭력을 미화한 판타지’이기 때문”이라는 주장이 설득력을 얻는 이유다. 특히 “동심을 겨냥한 판타지라는 점에서 그 잠재적 위험성은 더욱 크다”는 비난을 받았다.비평가 레지널드 데니스는 “서부극의 인디오와는 달리 영화 속에서 아무리 죽여도 비판받지 않는 이상적인 악역 우주인을 찾아냈다”고 지적했다. “‘스타워즈’의 우주에서는 한순간 수억명의 사람들이 죽어간다. 대량학살은 물론이고 행성 전체가 날아가는 장면까지 나온다. 그러나 놀랍게도 피는 한 방울도 보이지 않는다. 이 때문에 아이들은 아무런 죄의식 없이 전쟁 장면을 즐긴다. 꼬마들은 ‘스타워즈’의 레이저총과 광선검을 갖길 원한다. 그것이 ‘살상용 무기’임을 자각하지 못한 채···.”이에 맞서, 그것이 오히려 대중의 폭력에 대한 욕구를 해갈시킴으로써 ‘정서 순화’ 역할을 한다는 주장도 만만치 않게 제기됐다. ‘스타워즈’라는 동화를 통해 현대인들이 억눌린 감정과 스트레스를 ‘건전하게’ 배출했으며, 보다 활기찬 일상을 영위한다는 것이다. ‘스타워즈’ 시리즈가 신화의 역할을 긍정적으로 수행했는지, 도덕성에 하자나 결핍은 없었는지는 8편에 이어 최종편이 마무리되는 때 다시 평가할 수 있을 듯싶다. 김신성 기자 sskim65@segye.com

지난 7년 동안 꾸준히 수익을 내 온 일본 애니메이션 산업이 지난해에도 정점에 올랐다. 총 52개 스튜디오를 회원사로 보유한 ‘일본애니메이션협회(AJA)’의 보고서에 따르면 2016년 업계 매출액이 약 10% 성장해 177억달러(2조1000억엔·19조2000억원)를 기록하며 처음으로 2조엔을 넘어섰다.신카이 마코토 감독이 연출한 ‘너의 이름은’(사진)의 흥행대박에 힘입어 애니메이션이 일본 박스오피스 점유율을 14%나 차지했고, 5억8500만달러(663억엔)의 총수익을 거뒀다. 해외에서 벌어들인 돈도 67억9000만달러(7억6800만엔)에 달했다.하지만 이 같은 호황에도 애니메이터들은 자신들의 미래를 낙관하지 못한다. ‘백일홍: 미스 호쿠사이’의 하라 게이이치 감독은 “애니메이션의 세계적 성공 사례가 오히려 산업의 구조적 문제를 가리고 있다”고 꼬집는다. “사실 극장용 장편을 제작할 수 있는 애니메이터는 손에 꼽힐 정도이고, 대부분의 프로덕션들이 인력 부족과 과노동에 시달리고 있다. 가장 큰 문제는 스태프들의 임금이 턱없이 낮아, 재능 있는 인재들이 돈을 많이 주는 게임 산업으로 빠져나간다는 것이다.”이런 상황에서 넷플릭스의 투자 방식은 새로운 변화를 예고하고 있다. 미국 영화전문지 ‘할리우드 리포터’가 최근 ‘넷플릭스는 어떻게 일본 애니메이션 산업을 붕괴 또는 성장시킬까?’라는 제목의 기획기사를 실었다. 2017년 80억달러(8조6800억원)를 투자한 넷플릭스가 일본 애니메이션 업계의 비즈니스 모델을 바꿀 가능성이 크다고 분석했다. 세계적 명성을 얻은 것은 극장용 장편이지만 재패니메이션 산업의 중심축을 이루는 것은 일본 자국용 TV시리즈다. ‘할리우드 리포터’는 “자국용 TV애니메이션 시리즈들은 극장판 수입의 10배에 달하는 연간 50억달러를 벌어들인다”고 전했다. 그러나 대부분의 TV시리즈가 방영을 마친 뒤 사장되어버리고, TV 방송사들의 지나치게 낮은 예산 책정이 문제점을 낳는다면서 “넷플릭스가 일본 방송사보다 훨씬 막대한 돈을 투자한다는 것은 업계에 널리 알려진 비밀”이라고 보도했다.넷플릭스는 제작 방식에도 영향을 미치고 있다. 일본에서는 여러 제작사들이 공동으로 참여해 ‘○○○ 제작위원회’를 만들고, 수익과 손실을 배분하며 프로덕션을 진행하는 관행이 있다. 한 회사가 제작 부담을 홀로 짊어지지 않는 이 같은 방식은 국내에서도 영화 ‘이층의 악당’ ‘나의 PS 파트너’ ‘대결’ ‘반두비’ 등이 도입한 바 있다. 하지만 제작위원회 방식은 참여한 모든 업체들의 승인을 얻어야 하는 탓에 의사 결정이 느리고 독창적인 시도가 용이하지 않다는 단점을 드러낸다. 반면 넷플릭스의 방식은 훨씬 짧은 제작기간과 보다 다양하고 창의적인 시도를 가능케 한다. 도쿄 TMS엔터테인먼트는 넷플릭스와의 계약을 통해 배급 방식조차 바꾸었다. 격투기 만화 ‘바키’를 애니메이션 시리즈로 만드는 TMS는 2018년 여름부터 일본 넷플릭스에서 먼저 26편을 주 1회씩 내보낸 다음, 일본 현지 TV를 통해 방영하고, 2018년 말에는 넷플릭스를 통해 전 세계에 공급한다는 계획을 세웠다. TMS의 관계자는 “20여 개의 외국어 자막과 더빙 버전을 제작해 동시에 200여 나라에 배급하는 넷플릭스는, 우리로서는 불가능한 일을 해낼 수 있다”며 긍정적으로 평가했다. 단지 플랫폼으로 머물기를 거부한 넷플릭스가 글로벌 콘텐츠 산업의 판도를 바꾸고 있다. 세계 곳곳에서 오리지널 콘텐츠 제작을 진행하는 넷플릭스의 전략이 거대 기업의 막대한 자금에 의존해야 하는 현지 제작사들에 탈출구 역할을 하는 것이다. 우리가 긴장을 늦출 수 없는 이유다.김신성 기자 sskim65@segye.com

긍정적인 사고를 지녀, 무슨 일을 당해도 다시 일어서며 남을 배려하는 세심한 품성을 보인다. 정의감이 강해 누군가 잘못된 행동을 하면 나서서 말리고, 싫어하는 상대와 좋아하는 상대에겐 각각 확연히 다른 태도를 취한다. 은근슬쩍 장난치기도 좋아해 친구 도널드를 골탕 먹이기도 하지만 덤벙대서 무언가 잘 잊어버리는 탓에 여친 미니로부터 종종 꾸지람을 듣는다.미국에서는 믹(Mick)이라는 애칭으로 불린다. 중국에서는 그를 미라오수(米老鼠)나 미치(米奇)라 하고, 이탈리아 사람들은 토폴리노(Topolino)라고 부른다. 스페인에서의 호칭은 라통 미겔리투(Ratón Miguelito), 핀란드는 미키 히리(Mikki Hiiri), 인도네시아는 미키 티쿠스(Miki Tikus), 그리고 한국에선 그의 본명 미키 마우스(Mickey Mouse)를 그대로 쓴다.89년 전 오늘인 1928년 11월 18일, 미키 마우스는 미국 뉴욕 콜로니 극장에서 세계 최초의 유성 만화영화 ‘증기선 윌리(Steamboat Willie)’를 통해 세상에 나왔다. 뽀빠이, 도널드 덕, 벅스 버니, 스머프, 아톰, 도라에몽, 헬로 키티, 세일러문, 피카츄 등 세대를 대표하는 캐릭터들이 줄줄이 등장했지만 미키 마우스의 인기는 여전하다. 주인공 캐릭터의 왕중왕이다.1930년대에 미키 마우스 인형을 가졌던 소녀라면 증손자가 미키 마우스 이불을 덮고 자는 것을 볼 수 있을 것이다. 하루가 멀다 하고 나타났다 사라지는 캐릭터와 이미지의 홍수 시대에 디즈니 캐릭터들은 유독 장수한다. 영화·TV·뉴미디어·그림책·놀이공원 등 각종 상품을 통해 끊임없이 생명력을 부여받기 때문이다. 20세기 초반 디즈니는 이미 문화 콘텐츠의 위력과 ‘원 소스 멀티 유즈(One Source Multi Use)’의 전범을 보여 주었다. 그 선두에 미키 마우스가 있다.많은 이들이, 월트 디즈니가 낡은 하숙집 천장에 오가는 쥐들을 보고 미키 마우스를 창조해낸 것으로 알지만 이는 나중에 만들어진 스토리텔링일 뿐이다. 1920년대 중반, 월트 디즈니는 당시 최고 인기를 누리던 검은 고양이 펠릭스에 버금가는 애니메이션 ‘행운의 토끼 오즈월드’를 만들어낸다. 청년기부터 함께 작업을 해오던 어브 아이웍스와의 공동 작업이었다.하지만 오즈월드가 일약 스타덤에 올라선 순간, 투자자와의 갈등으로 인해 캐릭터 판권이 배급업자에게 넘어가고 만다. 상심한 두 사람은 이를 대체할 새로운 캐릭터를 개발해야만 했다. 새 아이디어는 생쥐였다. 아이웍스에 의해 동글동글한 몸체에 가늘고 긴 팔다리를 지닌 귀여운 생쥐가 탄생했다. 애니메이션 사가들은 이 순간을 진정한 애니메이션의 출발로 꼽기도 한다. 월트 디즈니는 새 식구가 된 생쥐의 이름을 ‘모티머 마우스’(Mortimer Mouse)라고 지었는데, 그의 부인 릴리언이 ‘미키 마우스’라는 이름으로 바꾸어 붙였다. 미키 마우스는 귀여운 악동이었다. 사람들은 미키를 만화의 찰리 채플린이라 불렀다. ‘증기선 윌리’가 상영된 3주 동안 미키에겐 3만여 통의 팬레터가 쏟아졌다. 찰리 채플린으로부터 함께 공연하자는 제의를 받았고 밀랍인형으로 유명한 마담 투소도 미키 마우스를 만들겠다고 나섰다.월트 디즈니는 1932년 캐릭터 사업에 직접 뛰어들어, 인형에서 칫솔에 이르는 수백 가지 미키 마우스 상품을 내놓았다. 미국은 미키 마우스 천지가 되었다. 미키 마우스는 캐릭터 비즈니스의 잠재력을 처음으로 입증한 주인공이다.신문 연재만화도 적극 활용했다. 1930년 1월 첫선을 보인지 6개월 만에 22개국, 40개 신문사로 팔려 나갔다.미키 마우스는 결국 ‘사회적 현상’이 되었다. 1935년에 미키 마우스 영화를 본 사람이 5억명에 달했고, 프랭클린 루스벨트 대통령 내외도 백악관에서 미키 마우스를 빼놓지 않고 챙겨 본다고 말했다. 미키 마우스는 1978년 탄생 50주년을 맞아 애니메이션 캐릭터로는 처음으로 할리우드 명예의 거리에 헌정됐으며 지금도 디즈니의 영원한 마스코트로 남아 있다.월트 디즈니는 생전에 이같이 말했다.“꿈꿀 수 있다면, 꿈을 이룰 수 있다. 내가 이룬 이 모든 것들의 시작은 생쥐 한 마리였다는 것을 항상 기억하라.”김신성 기자 sskim65@segye.com

 ‘놀랍도록 매력적이다’ ‘눈과 귀를 위한 만찬’ ‘이미 사랑하는 영화음악을 더욱 사랑하게 만든다’ ‘영화음악의 신비, 그 황홀한 우주로 향하는 문을 열어 젖힌 기분’ ‘할리우드가 오랫동안 명맥을 유지하는 원천’ ‘영화 음악은 가장 위대한 예술이라는 말에 자연스레 동의하게 된다’.  ··· 극찬이 줄을 잇는다.영화음악의 거장들과 영화 제작자들이 직접 밝힌, 영화음악의 탄생과정을 담은 다큐멘터리 ‘스코어: 영화음악의 모든 것’이 적은 개봉관 수에도 연일 화제다. 미션 임파서블‘덩케르크’ ‘인터스텔라’ ‘쿵푸팬더’ ‘캐러비안의 해적’ ‘다크 나이트’ ‘글래디에이터’ ‘미션 임파서블’ ‘라이온킹’의 주제곡 등 여전히 스스로 전설을 써가고 있는 한스 짐머와 ‘죠스’ ‘스타워즈’ ‘슈퍼맨’ ‘E.T’ ‘쥬라기 공원’의 존 윌리엄스 등 시대를 대표하는 거장들이 곡에 대한 영감을 얻기까지 노심초사했던 순간들, 자신만의 음악세계, 작업에 얽힌 뒷이야기 등을 들려준다.스타워즈‘절대 놓치지 말아야 할 영화’ ‘소장한 뒤 두고두고 보고픈 영화’라는 홍보문구가 그다지 거슬리지 않을 만큼, 영화는 낱알이 빼곡한 옥수수처럼 초창기부터 지금까지 영화음악 창작의 위대한 순간들을 튼실하고 알차게 전한다.  한스 짐머존 윌리엄스위대한 영화 뒤에는 위대한 음악이 있다. 작곡가는 스토리텔러다. 음악은 영화를 구성하는 능력을 발휘하고 심지어 제작자의 의도를 변형하거나 뒤엎는 경우도 있다. 영화음악은 영화의 심장이자 영혼이기 때문이다.‘록키’ 주제가를 들으면 관객들은 극의 상황이 어떤가를 금방 알 수 있다. 영화음악은 흥미로운 장면을 더욱 흥미롭게 만든다. 우리가 원하는 감정을 첨가한다. 영상이 표현하지 못하는 것들을 음악으로 전할 수 있는 것이다.초창기 영화음악은 영사기의 소음을 중화시키기 위해 쓰였다. 피아니스트들이 무성영화를 보면서  다채로운 음악을 즉흥적으로 연주하는 형태였다. 1910년대에 들어 스크린 아래 넓은 악단석을 마련하면서 음악은 영화 흥행의 한 특징이 되었다.1933년 ‘킹콩’을 보던 관객들은 엠파이어 스테이트 빌딩 꼭대기로 올라가는 킹콩를 향해 네 대의 쌍엽 전투기가 날아가는 장면에서 나오는 오케스트라 연주곡에 놀라고 만다. 영화에서 이러한 시도는 처음이었기 때문이다. 사실 당시의 ‘킹콩’ 화면은 무섭지 않고 오히려 우스꽝스럽기까지 했는데, 적절한 음악을 입히자 갑자기 긴장감 넘치는 영화로 변모했던 것이다. ‘바람과 함께 사라지다’ ‘카사블랑카’ 등의 테마 음악을 만든 맥스 스타이너의 솜씨였다. 음악이 영화에 미치는 힘을 극명하게 보여준 최초의 메이저 영화음악이었다.  엘리아 카잔 감독의 ‘욕망이란 이름의 전차’는 처음으로 재즈 음악을 사용한 영화다. ‘스파르타쿠스’ ‘클레오파트라’ 등의 주제가를 작곡한 알렉스 노스가 음악감독을 맡았다.‘007 제임스 본드’시리즈의 존 배리는 원래 밴드 음악을 전공했다. 007시리즈의 시작 부분에 깔리는 특유의 밴드 사운드는 남자 주인공이 뭐든 할 수 있을 것 같다는 느낌을 준다.엔니오 모리코네‘영화음악의 대명사’ 엔니오 모리코네 감독은 특이한 악기나 소리로 주의를 끌지 않는다. 오로지 멜로디만으로 객석을 압도한다. ‘석양의 무법자’는 대표적인 영화음악이다. 기타로 ‘스파게티 웨스턴의 소리’를 만들었는데, 60년이 지난 지금도 유효할 만큼 대단한 업적이다. ‘시네마 천국’의 러브테마도 빼놓을 수 없다.시네마 천국영화를 보는 관객들은 음악에 의식적으로 귀 기울이지 않는다. 그럼에도 음악은 강렬한 영향을 미친다. 오랜 세월이 흘러도 영화음악은 극장에서의 경험과 그 무렵의 추억을 떠올리게 만든다.   김신성 기자 sskim65@segye.com사진=게티이미지

“프랑스에 알랭 들롱, 미국에 그레고리 펙, 이탈리아에 마르첼로 마스트로얀니, 일본에 미후네 도시로가 있다면 우리에겐 배우 신성일이 있다. … 일찍이 이토록 한 사람에게 영화산업과 예술이 전적으로 의존했던 나라는 동서고금을 통틀어 없었다. 신성일을 이해하지 않고는 한국 영화사는 물론 한국 현대 문화사 자체를 파악할 수 없다.”‘영원한 스타’ 신성일(80)에 대한 박찬욱 감독의 말이다.올해 부산국제영화제는 한국영화회고전의 주인공으로 우리 영화사에서 독보적인, 스타의 전설을 만든 배우 신성일(1937~)을 골랐다. 그는 오랜 세월 조각 같은 얼굴과 미끈하고 날렵한 몸으로 한 시대를 풍미한 스타다.1960년 신상옥 감독의 ‘로맨스 빠빠’로 데뷔한 이래 520편의 영화에 출연했다. 1960년대 최고의 청춘스타로 인기를 누렸고 2013년 ‘야관문: 욕망의 꽃’ 등 작품 활동을 지속해 온, 보기 드문 현역 배우다. '로맨스 빠빠''맨발의 청춘'예명인 신성일(申星一)은 신필름 시절 ‘뉴 스타 넘버 원’이란 영어 뜻을 담아 지었다. 그가 본격적으로 이름을 알린 것은 유현목 감독의 ‘아낌없이 주련다’(1962)부터다. 김기덕 감독의 ‘맨발의 청춘’(1964)은 신드롬이라 할 만한 폭발적인 팬덤을 형성했다.1962년 5편의 영화에 출연했던 그는 이듬해 네 배가 넘는 22편, 1965년에는 38편, 그리고 1966년에는 한 해 동안 무려 89편의 작품에 출연했다. 1967년에도 그가 주연한 영화 51편이 극장에 내걸렸다.그는 배우 엄앵란과 결혼한 스타 커플로도 화제를 모았다. 1964년에 신성일·엄앵란 두 배우가 콤비를 이룬 영화만 26편이 만들어졌다. 그해 두 사람은 결혼했고, 이후 신성일의 파트너는 김지미, 윤정희, 문희 등 여러 배우로 바뀌지만 인기는 여전했다. '초우''별들의 고향'‘맨발의 청춘’ ‘떠날 때는 말 없이’(1964) ‘위험한 청춘’(1966) ‘불타는 청춘’(1966) ‘초우’(1966) 등 1960년대 중반에는 밑바닥 인생을 살아가며 피 흘리는 청춘의 얼굴을 연기했다. 당시 그는 좌절의 표정이 압권이던 청춘의 아이콘이었다.‘안개’(김수용·1967) ‘장군의 수염’(이성구·1968) ‘휴일’(이만희·1968) 등 1960년대 후반 모더니즘영화에서는 아이러니한 상황에 처한 현대적 인간상을 구현했다. 자기모순적인 중년 지식인의 역할로 입지를 넓혀 나갔다. 주류문화에 포섭될 수 없는 짙은 패배의식과 무기력에 젖은 인텔리의 초상을 그렸다. 이때 신성일은 나른한 표정과 결여된 결단성을 자신의 운명적 캐릭터로 지니게 된다. 이는 1970년대 호스티스물의 대표작 ‘별들의 고향’(이장호·1974) 속 자기모멸적 화가 문호로 이어진다. 삶에 지쳐가는 중년의 피로한 얼굴을 담아냈다.'길소뜸'1980년을 전후로 동시녹음이 시작되고 임권택 감독의 ‘길소뜸’(1985)에서 우리는 성우가 아닌 신성일의 육성을 직접 들어보게 된다. 신성일은 분단 전, 길소뜸 출신의 이산가족으로 오래전 사랑했던 여인의 현실적 변화를 서글프게 수용할 수밖에 없는 남자로 나와 강한 잔상을 남겼다. 그는 넉달 전 폐암 3기 진단을 받았지만 튼튼한 기초체력 덕에 일곱차례에 걸친 방사선 치료를 받은 뒤 일상에 복귀할 만큼 건강을 되찾았다. 팔순의 그가 제2의 삶을 준비 중이다. 내년에 따뜻하고 애정이 넘치는 영화 ‘행복’을 제작할 계획이다. 내후년에는 김홍신의 소설 ‘바람으로 그린 그림’을 스크린에 옮길 생각이다. 경북 영천에 한옥을 지어 사는 신성일은 진입로와 카페, 오픈 스튜디오를 조성해 소규모 음악회를 여는 등 사람들의 쉼터를 구상하고 있다.김신성 기자 sskim65@segye.com

“어릴 때부터 감독이 돼야겠다는 목표나 의지가 있었던 것은 아니에요. 영화 일을 하다 보니, 영화가 더 좋아져 연출까지 하게 된 거죠.”문소리18년차 배우 문소리가 감독으로 데뷔했다. 지난 14일 개봉한 영화 ‘여배우는 오늘도’가 그의 첫 장편 연출작이다. 직접 시나리오를 쓰고 주연까지 맡아 1인3역을 해냈다. 사실 ‘여배우는 오늘도’는 문소리가 그동안 틈틈이 연출한 단편 3부작을 모아 장편으로 완성한 것이니 그의 데뷔는 이보다 훨씬 더 빨랐다고 보는 게 맞다. 영화 속 주인공 이름도 문소리다. 연기력을 인정받는 배우이지만, 지금은 출연 의뢰가 끊기고, 대학생 아들을 둔 정육점 주인 역할 등이 들어오는 여배우다. 이 배우가 겪는 소소한 일상의 에피소드들이 예사롭지 않다. 감독이 언젠가 직접 겪었던, 혹은 겪었을 법한 일들을 유쾌하면서도 때로는 감동적으로 풀어낸다. 춘사 나운규메가폰을 잡은 스타의 시조는 ‘한국영화의 아버지’라 불리는 ‘아리랑’의 춘사 나운규다. 그는 애초 배우로 이름을 먼저 알렸다. 그가 연출한 ‘아리랑’은 당대의 현실 문제를 이야기하면서도 곳곳에 서양 활극영화와 같은 박진감 넘치는 장면들을 넣어 관객을 불러들였다. 흥행 대박을 터뜨린 나운규는 일약 조선영화계를 대표하는 인물로 떠올랐다. 그의 영향에 힘입어 연기를 넘어 연출에서도 역량을 발휘하고 있는 후예들의 계보는 오늘까지 끊이지 않고 있다. 신상옥 감독의 아내이자 뮤즈로 유명한 1950~60년대 간판 배우 최은희가 3편의 장편영화를 연출한 감독이었다는 사실은 잘 알려져 있지 않다. 하지만 1984년 제24회 카를로비 바리 국제영화제 특별감독상을 수상한 ‘돌아오지 않는 밀사’는 최은희 연출작이 아니다. 남편 신상옥이 연출했으나 완성 후 마음에 들지 않아 크레딧에 최은희를 감독으로 올려 최은희가 수상했다.하명중하길종 감독의 대표작 ‘화분’(1972)에 출연했던 하명중은 형 하길종이 세상을 뜨자 감독 겸 제작자로 전향해 1983년 연출한 ‘엑스’로 대종상 신인감독상을 수상하며 감독으로 데뷔했다. 다음해 ‘땡볕’(1984)으로 베를린국제영화제 경쟁부문에 초청받는 등 여러 해외영화제에서 주목받은 바 있다.2000년대에 들어서면서 연기와 연출 사이의 벽은 점점 더 허물어져 내렸다. 그 선두에 섰던 방은진에게는 이제 배우보다 감독이라는 직함이 훨씬 잘 어울린다. 2004년 ‘파출부, 아니다’를 시작으로 ‘오로라 공주’(2005), ‘시선 1318’(2008), ‘용의자 X’(2012)를 내놓은 그는 전도연이 주연한 ‘집으로 가는 길’(2013)을 통해 안정된 연출력을 인정받았다.하정우구혜선과 하정우는 성실하게 배우와 감독을 겸업하고 있다. 2006년 드라마 ‘열아홉 순정’으로 얼굴을 알린 구혜선은 2009년부터 책을 내고 그림 전시회를 여는가 하면 영화감독으로도 활동하고 있다. 감독 데뷔작 ‘유쾌한 도우미’는 부산아시아단편영화제 관객상을 수상했다. 첫 장편영화 ‘요술’은 YG엔터테인먼트가 제작을 맡아 2010년 6월에 개봉했다. 흥행 대세 배우로 자리를 굳힌 하정우는 코미디 영화 ‘롤러코스터’(2013)를 통해 연출세계에 입문했다. 문화대혁명 등 혼돈의 현대사를 관통하며 살아남은 중국 민초들의 이야기를 풍자적으로 그린 중국 현대문학의 거장 위화의 소설 ‘허삼관 매혈기’를 영화(허삼관·2015)로 만들었다. 감독과 각본, 주연 1인3역을 해낸 그는 화가로도 명성을 얻고 있다.유지태는 2003년 단편 ‘자전거 소년’으로 영화감독의 첫발을 내디뎠다. ‘장님은 무슨 꿈을 꿀까요?(2005), ‘나도 모르게’(2008), ‘초대’(2009) 등을 발표한 뒤 2013년 장편 ‘마이 라띠마’를 연출·제작해 제15회 도빌아시아영화제 심사위원대상을 수상했다. 배우 정우성은 단편 연출작 ‘킬러 앞에 노인’(2014)을 내놓은 바 있고, 박중훈은 장편 ‘톱스타’(2013)를, 조재현은 ‘나 홀로 휴가’(2016)를 연출했다. 김신성 기자 sskim65@segye.com