춤과 노래, 화려한 색채와 신비로운 이야기. 그 중심엔 젊은 배우 티모시 샬라메가, 스크린 뒤엔 할리우드에 진출한 정정훈 촬영감독이 있다. 31일 개봉하는 영화 ‘웡카’는 기진 것은 꿈과 낡은 모자뿐인 ‘윌리 웡카’(티모시 샬라메)가 세계 최고의 초콜릿 메이커가 되는 과정을 그린다. 영화는 영국 작가 로알드 달의 소설을 원작으로 팀 버튼 감독이 2005년 재 영화화 한 ‘찰리와 초콜릿 공장’의 앞 얘기(프리퀄)로 폴 킹 감독의 세계관이 투영된, 원작엔 없는 새로운 이야기다. 양쪽 다 기묘하고 신비로운 세계관을 공유하는데, ‘웡카’쪽이 더 밝고 따뜻하다. 이야기의 전개만큼이나 관심을 끄는 건 세계적으로 주목받는 젊은 배우인 샬라메의 연기와 정 촬영감독이 이를 어떻게 화면에 녹여냈을지다. 정 촬영감독은 ‘올드보이’, ‘친절한 금자씨’, ‘부당거래’, ‘신세계’, ‘아가씨’ 등 한국의 내로라하는 영화를 촬영하면서, 깊이 있고 강렬한 이미지를 그려왔다. 그는 박찬욱 감독의 ‘스토커’를 통해 할리우드에 진출한 후 한국 출신 촬영감독 중 처음으로 미국촬영감독협회(ASC) 정식 회원이 됐다. 정 촬영감독은 지난 23일 줌으로 진행된 인터뷰에서 이 영화는 어둠과 밝음이 다 있는 영화이고, 자신은 양쪽 모두 경험이 있기 때문에 제작에 참여하게 된 것 같다고 했다. 촬영엔 이런 경험을 그대로 녹였다. 일례로 웡카가 인생을 저당 잡힌 호텔 장면에 대해선 “우울한 부분이기도 하지만 굉장히 따뜻하게 보이길 원했다”면서 “조명도 따뜻하게 설정을 많이 했는데, 따뜻하게만 보이는 컬러를 너무 쓰다 보면 영화가 또 지루해질 수 있기 때문에 세심한 에지라던가 약간의 어두운 부분에 차가운 컬러를 넣는 식으로 조정했다”고 촬영기를 풀어놨다. 그는 부드러운 필터를 쓰지 않는 대신 ‘스모그 머신’(연기를 내는 장치)을 써 부드러움과 깊이감을 더했다고 한다. 정 감독은 초콜릿 가게를 열기 전, 검은 화면에 가게 앞에 선 샬라메의 얼굴 윤곽을 잡은 장면을 특히 인상 깊은 촬영으로 꼽았다. 그는 “인위적으로 만들기보다 카메라 안에 (장면이 고스란히) 담겨주길 원했다”면서 “그래서 조명을 조금씩 돌려가면서 측면샷을 만들었을 때가 가장 기억에 남는다”고 말했다. 하늘을 나는 장면 등을 설명하면서는 “단순히 블루스크린 앞에 놓고 찍는 VFX(특수영상)보다는 옛날 방식의 와이어를 써서 많이 찍었다”고 설명했다. 녹색 머리의 난쟁이 요정인 '움파룸파'(휴 그랜트)는 이 영화의 빠질 수 없는 신스틸러인데, 웡카와 만나는 장면은 각 배우를 찍은 후 하나의 화면으로 합쳐 완성됐다. 정 촬영감독은 “샬라메의 경우 조그만 모델로 만든 움직이지 않는 움파룸파를 보면서 대사를 했고, 카메라 바로 옆에서 그랜트가 대사를 맞춰줬다”는 뒷얘기를 들려줬다. 이처럼 웡카엔 어떻게 촬영했을지 궁금증을 자아내는 신비로운 장면이 이어진다. 주연인 샬라메에 대해선 “리허설을 할 때 보면 티모시가 부르는 건가, 녹음한 걸 트는 건가 할 정도로 노래를 굉장히 잘했다. 노래나 춤에 대한 NG보다는 감정 표현의 이유로 다시 찍는 장면이 있었던 것 같다”며 다재다능한 배우로 평가했다. 또 “핫 한 배우인가 의문이 들 정도로 성실하게 작품에 임했고, 대스타보다는 그냥 잘 아는 동생처럼 자기 일을 열심히 하는 배우란 느낌, 이래서 모두가 좋아하는 배우구나 하는 생각을 많이 했다”고 덧붙였다. 킹 감독에 대해선 “굉장히 연기에 대한 조예가 깊고, 배우의 좋은 감정을 끌어내는 재능이 있었다”고 기억했다. 끝으로 정 촬영감독은 한국의 영화 팬들에게 “인생의 희로애락을 볼 수 있는 어둡지 않은 따뜻한 영화”라며 “가족들, 특히 아이들과 가셔 함께 즐기면 좋겠다”는 메시지를 남겼다.

한국 최초이자 유일무이한 오스카 수상 배우인 윤여정은 자신을 롤 모델로 삼는 후배들을 향해 이렇게 조언 아닌 조언을 했다(그는 평소에 연기 후배들에게 조언하지 않는다고 했다). 정이삭 감독의 영화 ‘미나리’에 출연, 2021년 아카데미 여우조연상을 받은 윤여정. 이후 3년 만의 영화 출연작인 ‘도그 데이즈’의 다음 달 7일 개봉을 앞두고 지난 26일 서울 종로구 삼청동 한 카페에서 만난 그는 기자들의 질문에 직설 화법으로 자기 생각을 풀어놨다. ◆‘도그 데이즈’로 영화 복귀… “힘들 때 ‘인연’ 감독만 보고 선택” “친절한 것과 비굴한 게 다른데, 우리는 친절·비굴이 같이 갈 때가 있어요. 난 비굴해지고 싶지는 않다고. 감독한테 잘 보여서 뽑혀야 하고 그런 거 싫다고. 내가 잘해서 나를 필요로 해서.” 누구를 닮는 게 아닌, 나다움을 강조한 윤여정이 연기나 삶에서 중요하게 생각하는 건 ‘자존감’이었다. 윤여정은 지난해 6월까지 애플TV플러스 시리즈 ‘파친코’를 촬영했는데, 자존감 있는 여자를 표현하고 싶은 욕심에 재일조선인으로 파란만장한 삶을 산 노년의 ‘선자’ 배역에 지원했다고 한다. 파친코 출연을 확정한 건 아카데미상 수상 전으로, 이번 영화가 사실상 오스카 이후 윤여정의 첫 작품이다. 이번 역할은 어떻게 맡게 됐을까. “(아카데미상을 받은 후) 시나리오가 많이는 아니지만 제 나이나 평소보다 많이 들어왔는데 제가 주인공이고 젊은 사람들하고 뛰고 그러는 건데, 인생을 많이 산 사람으로서 씁쓸했어요. 그 상을 탔다고 갑자기 주인공으로 이렇게 등급을 높여 주는 건가. 사람 참 간사하다고 나는 나대로 살리라 그랬는데, 역할 좋고, 감독 좋고, 시나리오도 좋고 그런 건 없어요. (도그 데이즈를 연출한) 김덕민 감독은 조연출 때 만났는데, 김 감독도 ‘노바디’(별 볼 일 없는 처지), 저도 ‘노바디’로 전우애가 생겼고, 김 감독이 데뷔하면 나는 하리라 결심을 했고, 그래서 출연하게 됐어요.” 덧붙이자면 그는 작품을 선택할 때 사람, 시나리오, 돈 중 하나만 생각하고, 이번 작품은 시나리오에 상관없이 ‘사람’만 보고 한 선택이라고 한다. ◆“김수현 선생 드라마로 훈련받은 배우는 애드리브 안 해” 윤여정이 이번에 맡은 역할은 까칠한 성격의 세계적인 건축가 ‘민서’로, 단둘이 사는 반려견 ‘완다’를 잃어버리면서 젊은 배달 라이더인 ‘진우’(탕준상)와 얽힌다. 민서는 진우나 동물병원 건물주인 ‘민상’(유해진) 등에게 쓴소리를 아끼지 않는 역할로 윤여정의 성격을 투영한 듯하다. 시나리오를 처음 쓸 때는 배역의 이름까지 민서가 아닌 윤여정으로 돼 있었다고 한다. 그와 성격이 닮았을 수 있지만, 이 완고한 배우는 애드리브 없이 작가가 쓴 대사 그대로 연기했다고 한다. “저는 대사를 수정하는 배우나 애드리브 많이 하는 배우들을 개인적으로 싫어합니다. 옛날에 텔레비전 할 때는 소설가 같은 분들이 (대본을) 쓰셨는데, 살얼음판 같은 시절이기 때문에, 그렇게 애드리브를 한다거나 그런 건 있을 수도 없죠. 작가들이 대사를 쓸 때 얼마나 많이 생각하고 고치고 또 고치고 쓰고 했겠어요. 그리고 김수현 선생 드라마로 훈련받은 배우들은 절대로 애드리브 안 합니다. 하면 큰일 납니다.” ◆“재주는 잠깐 빛날 수 있지만 유지하는 방법은 노력 뿐” 아카데미상 수상에 대해선 “그건 거의 불가사의한 일이었던 거 같다”고 했다. “지름길은 없는 거 같더라고요. 타고난 배우들 있죠. 미모를 타고났다거나, 그거는 다 없어질 수 있어요. 유지하는 건 열심히 하는 것밖에 없을 거 같아요. 난 그게 제일 좋은 명언인 거 같아요. 브로드웨이에 어떻게 가냐고 길을 물었다잖아요. ‘하우 투 겟 투 더 브로드웨이’ (답은) ‘프랙티스’, 연습하라고. 재주는 잠깐 빛날 수 있을 것 같아요. 근데 유지하는 건 열심히 안 하면 (불가능하죠).” 아카데미상을 받은 후 이뤄진 당시 인터뷰에서도 그는 비슷한 얘기를 했다. 77세의 윤여정이 연기를 계속할 수 있는 에너지는 어디서 올까. 주 2∼3회 빠지지 않고 트레이너와 운동을 하며 체력 관리를 하고 있다는 윤여정에게 연기는 이제 ‘일상’이 됐다고 한다. “일상을 못 살면 사람이 죽는 거잖아요. 어떤 책에서 읽었는데 제일 행복한 죽음은 자기 일을 하다가 죽는 거래요. 나한테는 연기가 일상이 됐겠죠. 자기 일상을 살다가 죽는 것이 제일 행복한 죽음이라고, 그러더라고.”

어떤 게 진실인지 의심될 때 우리는 어떤 판단을 내려야 할까. 통통 작은 공 하나가 계단을 굴러 내려오고, 여자를 바라보던 개가 그 공을 입에 문다. 영화 ‘추락의 해부’는 무심한 듯 보이지만, 이야기를 관통하는 암시를 담고 있는 장면으로 시작된다. 프랑스 산골 외딴집에 가족과 사는 유명 작가 ‘산드라’(잔드라 휠러). 남편이 튼 시끄러운 음악 소리에 인터뷰가 중단되고, 시각장애가 있는 아들 다니엘(밀로 마차도 그라너)은 안내견 스눕과 함께 산책하러 나갔다 돌아온 후 흰 눈 바닥에 붉은 피를 흘린 채 숨진 아빠를 발견한다. 경찰 조사 결과 남자는 집의 위층에서 떨어진 것으로 파악됐고, 목격자가 없는 상태에서 사건 당시 집에 있었던 산드라는 유력한 살인 용의자로 떠오른다. 이런 영화에서 관객이 흔히 생각할 수 있는 흐름은 의외의 반전과 사건의 명쾌한 해결이다. ‘추락의 해부’는 절반쯤 이런 흐름을 따라가는 듯하지만, 추리물이나 법정 드라마에서 가질 수 있는 관객의 기대를 배신하고, 영화를 보고 나서도 진실을 의심하게 한다. 이런 차이점이 영화의 감독인 쥐스틴 트리에에게 칸영화제 최고상인 황금종려상을 안겨 준 비결일 것이다. 영화는 지난해 황금종려상을 비롯해 전미비평가위원회 국제장편영화상, 뉴욕비평가협회 국제장편영화상 등을 받았고, 올해 골든글로브 시상식에서 각본상과 비영어권작품상을, 크리틱스 초이스 외국어영화상을 받으며 유력한 아카데미 국제영화상 후보로도 떠올랐다. 초반은 제목의 문자 그대로 ‘추락’ 사건이 주제지만, 이야기가 흘러갈수록 영화는 감독이 인터뷰를 통해 밝힌 대로 ‘관계의 추락’을 그려내고 있음을 알게 된다. 아들 다니엘은 몰랐던 엄마와 아빠의 관계에 대해 알게 되고 처음으로 엄마의 진심을 의심하게 된다. 법정에서 검사(앙투안 레나츠)는 물증이 없음에도 산드라의 범죄를 확신하는 듯, 약점을 찾아내 강하게 압박한다. 트리에 감독은 영화 속 검사에 대해 “악역이긴 하지만 매우 매혹적이고 사악하며 화려한 캐릭터를 연기하고 있다”며 “법정을 마치 전투장처럼 보이게 하는 동시에 검찰의 문명화한 폭력을 묘사하고 있다”고 밝혔다. 이에 맞서는 변호사이자 산드라의 친구인 뱅상(스완 아를로)은 “뭐가 진짜인지는 중요하지 않다”며, 결백을 증명할 수 있는 논리를 세운다. 뱅상은 독일인으로 남편과는 주로 영어로 대화해 온 산드라에게 법정에서 프랑스어를 쓸 것을 주문한다. 이것 역시 배심원들에게 좋은 인상을 주기 위해서다. 사람들은 보이는 것만으로 쉽게 판단한다. 이 영화에서 관객은 법정에 앉아 있는 배심원과 같은 역할이다. 트리에 감독은 어떤 것이 진실인지, 산드라가 정말 범인인지에 대해 확답을 주지 않는다. 다만 영화는 관객에게 우리가 믿는 진실을 의심하도록 하고, 그러는 동안 상처받고 피폐해지는 영혼을 다룬다. 오는 31일 개봉하는 영화는 흥미로운 서사에도 긴 러닝타임과 자막으로 처리되는 쉴 새 없는 대사로 단박에 다 소화하기는 쉽지 않다. 진실에 대한 궁금증과 영화 안에 숨겨진 의미는 극장 불이 켜진 후 다시금 영화를 돌이켜 보게 한다. 지난해 칸영화제에서 ‘추락의 해부’와 함께 경쟁 부문에 오른 예시카 하우스너 감독의 ‘클럽 제로’(24일 개봉)는 어떤 게 진실이냐를 묻는 대신, ‘잘못된 진실’에 대한 확신이 얼마나 위험한지 그리고 얼마나 쉽게 퍼져 나갈 수 있는지 경고한다. 최고급 시설에서 일대일 특별 교육을 제공하는 엘리트 학교의 새로운 영양 교사로 임명된 ‘미스 노백’(미아 바시코프스카)은 몇몇 뛰어난 아이들을 대상으로 건강을 유지하면서 학습 능력을 키우는 ‘의식적 식사법’을 가르친다. 처음 아이들은 식사량을 줄이면서 더 뛰어난 성과를 내고 노백에 대한 믿음은 커진다. 아이들은 저마다 부모로부터 떨어져 있으며 느끼는 고독, 지구를 지나친 소비로부터 구해야 한다는 믿음, 부모 간섭으로부터의 해방, 성적 향상 등의 결핍과 바람을 갖고 있고 노백은 그런 아이들의 마음을 파고든다. 아이들의 식이요법은 점점 극단적인 형태로 치달으며 결국엔 아무것도 먹지 않는 상태에 이르고, 노백을 제외한 교사나 부모들은 이때까지 대부분 사실을 알지 못하고 적절한 조치도 취하지 않는다. 하우스너 감독은 “미스 노백과 아이들은 우리가 옳다고 생각하는 것에 의문을 제기한다”면서 “그들은 자신들만의 진실을 갖고 있다. 그들 모두 굶게 될 것이 분명하지만 그들은 여전히 믿고 있다”고 설명했다. 그는 독일의 구전동화인 ‘피리 부는 사나이’에서 영화의 영감을 얻었다고 한다. 아이들 속에 자리 잡게 된 신념은 어느 순간 누구도 되돌릴 수 없는 상태가 돼 버린다. 영화는 음식을 소재로 삼았지만 이런 신념은 오히려 종교에 가깝고 정치적이기도 하다. 두 작품을 포함, 국내에 개봉한 지난해 칸영화제 경쟁 작품 중에선 이처럼 자기가 한번 옳다고 생각한 것을 바꾸지 않는 ‘확증편향’에 대한 경고를 담은 영화가 유독 눈에 띈다. 현재 독립·예술영화 박스오피스에서 높은 순위를 이어 가고 있는 고레에다 히로카즈 감독의 ‘괴물’ 역시 하나의 사건을 다양한 시각에서 보여 주며 우리가 알고 있는 진실을 의심하게 한다. 영화는 ‘나는 맞고, 너는 틀리다’는 확신이 지배하고 있는 스크린 밖 세상에 경고에 메시지를 전한다.

자파르 파나히, 세계적 명성과 달리 자국에선 출금·영화제작 금지 자신과 영화, 영화 안 영화 통해 ‘있지도 않은 곰’ 믿는 현실 개탄 켄 로치 ‘나의 올드 오크’ 통해 노동과 빈곤에 대한 철학 드러내 직장 잃은 노동자, 자기보다 더 더약자인 이민자 괴롭히는 모순 고발 허름한 집 문 뒤에서 카메라로 뭔가를 찍고 있는 남자. 영화 포스터 위쪽에는 ‘뉴욕타임스 선정 최고의 영화’라는 문구와 함께 별 다섯 개가 그려져 있다. 포스터만 보면 예술영화처럼 생각되고 재미라고는 없어 보이는 ‘노 베어스’는, 그냥 보면 평범해 보일지도 모르지만, 그 배경을 알고 보면 만듦새에 감탄하게 된다. 자파르 파나히는 이란을 대표하는 거장 감독이자 각본가다. 장편 데뷔작인 ‘하얀풍선’(1995)으로 제48회 칸 영화제에서 황금카메라상을 받았고, ‘써클’(2000)로 베니스 영화제 최고상인 황금사자상을 받았다. 또 ‘오프사이드’(2006)와 ‘닫힌 커튼’(2013)으로 베를린 영화제에서 은곰상과 ‘택시’(2015)로는 최고상인 황금곰상을 수상하고, ‘3개의 얼굴들’(2018)로 칸 영화제 각본상을 받는 등 화려한 수상 경력을 자랑한다. 그런 그는 정작 모국인 이란에선 출국과 영화 촬영을 금지당하는 수모를 겪고 있다. 이슬람 민병대의 총에 맞고 사망하며 민주화의 상징이 된 네다 솔탄의 추모식에 참석하고, 국가에 반대하고 안보에 위협이 되는 선전을 했다는 이유에서다. 지난 10일 개봉한 ‘노 베어스’엔 파나히 감독이 ‘자신’으로 출연, 국경 마을에 머물며 원격으로 튀르키예에서 영화를 찍으며 벌어지는 사건을 그린다. 마치 다큐멘터리처럼 실제 영화 촬영을 하거나 출국할 수 없는 자신의 모습을 작품 속에 투영해, 영화 안에서 영화를 찍는 동시에 그 모습을 하나의 영화로 만든 셈이다. 그러니까 이 영화는 진짜 파나히 감독이 처한 현실과, 영화 속 현실, 그리고 영화 속에서 찍은 영화 안의 현실 등 세 가지 세상을 통해 이란이 처한 상황을 꼬집은 작품이라고 할 수 있다. 여기까지 이해하고 스크린을 마주하면 영화는 전혀 다르게 보인다. 영화에서 국경 마을 사람들은 ‘좋은 차’를 타고 가난한 시골에 내려온 감독을 겉으론 호의적으로 대하지만 속으론 의심하고 가까이하길 꺼린다. 그는 마을 사람들의 일상을 카메라에 담는데, 그러다가 젊은 남녀가 함께 있는 모습을 촬영했다는 의심을 산다. 마을엔 여자가 태어날 때부터 결혼 상대를 짝지어주는 풍습이 있는데, 여자가 짝이 아닌 남자와 어울렸다는 소문이 퍼지며 난리가 나고, 마을 사람들은 이들의 부정을 증명하기 위해 감독에게 찍은 사진을 내놓을 것을 요구한다. 이 혼란 속에 파나히 감독은 중동을 탈출해 유럽으로 떠나려는 부부의 다큐멘터리를 원격으로 촬영 중이다. 하지만 두 사람은 탈출은 쉽지 않고, 사태는 걷잡을 수 없는 방향으로 치닫는다. 영화의 제목인 ‘노 베어스’는 이란의 현실을 보여주는 상징 같은 단어다. 한 마을 사람은 자신의 결백을 증명하기 위해 ‘진실의 방’으로 향하는 파나히 감독을 붙잡고 “그쪽으로 가면 곰이 나온다”고 경고한다. 하지만 자신이 할 얘기를 다 하고 나선 “곰은 없으며, 마을 사람들을 겁주기 위한 거짓말”이라고 털어놓는다. 이란 정부가 있지도 않은 곰으로 국민을 두렵게 하고, 국민은 그 곰을 믿고 있는 현실에 대한 비유다. 감독은 자신의 나약함과 한계를 드러냄으로써 이란이 처한 현실이 얼마나 무거운가를 만방에 알린다. ‘노 베어스’가 안에서 바라본 중동의 현실이라면, 17일 개봉하는 켄 로치 감독의 ‘나의 올드 오크’는 서방세계의 중동에 대한 인식을 드러내며, 궁지에 몰린 노동자 계급의 부조리한 행동을 꼬집는다. 칸 영화제 경쟁부문에 15번 초청돼, 두 번의 황금종려상과 3번의 심사위원상을 받은 로치 감독은 노동과 빈곤 문제에 큰 관심을 보여 왔다. ‘나의 올드 오크’ 역시 그가 그려온 세계의 연장이라고 할 수 있다. 영화의 이야기 구조는 단순하고, 화려한 기교나 놀라움은 보이지 않는다. 이 영화에서 주목해야 하는 건 영상미보다는 감독이 관객에게 전하는 메시지다. 아무도 찾지 않는 영국 북동부의 폐광촌에 어느 날 시리아 난민을 태운 버스가 들어온다. 주민들은 너희 나라로 돌아가라고 외치고 욕하며 이들을 믿을 수 없는 이방인 취급한다. 그때 ‘올드 오크’ 펍을 운영 중인 티제이(TJ)는 버스에 타고 있던 사진작가가 꿈인, 소녀 ‘야라’를 만난다. 한때 광산노동자로 노조운동과 사람들을 돕는 일에 앞장섰던 TJ는 이젠 근근이 생계를 이어가는 상황이다. 그는 보이지 않는 곳에서 조용히 시리아 난민을 돕지만, 사라진 일자리와 집값 폭락 등 자신들이 처한 신세를 한탄하며 외부인을 미워하는 몇 남지 않은 단골손님도 지켜야 하는 처지다. 영화는 힘센 자본가에겐 저항하지 못하는 노동자들이 난민을 괴롭히고 내쫓으려 하는, 즉 약자가 약자를 공격하는 행태를 꼬집는다. 로치 감독은 여전히 행동하는 양심이 세상을 변화시킬 수 있고, 약자들의 연대가 강한 힘을 만든다는 굳은 신념을 드러낸다. 87세의 노장은 ‘나, 다니엘 블레이크’와 ‘미안해요, 리키’와 함께 그의 “인생 마지막 장편영화”라는 이 작품을 통해 영국 사회의 뿌리 깊은 빈곤과 차별 문제에 관한 자신의 철학을 정리한다.

떠오르는 스크린계의 별로 출연작이 줄줄이 흥행한 김태리 주연. 김우빈의 6년 만의 스크린 복귀작. 개봉하는 작품마다 히트하며 2개 영화가 1000만 관객을 달성한 ‘쌍천만’ 감독 최동훈. 330억원에 육박하는 막대한 제작비. 자연스레 큰 기대감 속에 ‘외계+인 1부’가 2022년 7월 스크린에 걸렸지만, 결과는 완전한 흥행 실패였다. 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)의 여파가 남아 있다고는 해도 당시는 사회적 거리 두기가 종료된 지 한참 지난 시점이었고, 극장 관객도 조금씩 늘고 있었다는 점을 참작하면 더더욱 그렇다. 손익분기점에 도달하려면 730만명이 봐야 하지만, 1부의 실 관객은 153만명에 그쳤다. 이에 대해 이미 코로나19로 온라인동영상서비스(OTT)가 보편화한 상황에서 대형 극장 체인이 이 영화의 개봉을 눈앞에 두고 티켓 가격을 올리면서 관객이 돌아섰다는 얘기가 나왔다. 공상과학의 영역에 속하는 외계인과 무협 판타지가 결합한 새로운 시도의 영화가 난해하다거나, 하나의 이야기를 완결 없이 1, 2부로 나누는 한국 영화 최초의 시도가 실패를 불렀다는 분석도 있다. 영화는 이제 막 이야기가 재미있어질 찰나, 궁금증만 잔뜩 남긴 채 엔딩 크레딧이 올라간다. 1부가 좋지 않게 마무리되면서 후속작에 대한 기대감 역시 크지 않았고, 업계에선 2부는 극장 개봉 없이 OTT로 직행할 것이란 예상까지 나왔다. 2부 역시 제작비는 1부에 필적하는 310억원으로, 700만명 이상이 관람해야 수익을 낼 수 있건만 2023년 극장 상황은 나아질 기미가 보이질 않았다. 그렇게 결국 2023년 한 해를 넘기고 오는 11일 ‘외계+인 2부’가 개봉한다. 첫 실패를 맛본 최 감독은 그간 ‘와신상담’했다. 1부 상영 후 1년반이라는 시간 동안 그는 영화를 150번 봤고, 52개의 편집본을 만들었다. 처음엔 두렵고 힘들었지만, 편집작업을 하면 할수록 그는 ‘나는 너무 영화를 좋아하는구나’라는 생각이 들며 용기를 얻었다고 한다. 개봉을 앞둔 지난 5일 서울 종로구 삼청동 한 카페에서 만난 그는 “내가 도사가 나오는 영화를 찍으면서 도를 닦고 있다는 생각이 들었다”고 했다. “150번을 본 이유가, 구성이 끝나면 ‘나는 감독이 아니야, 나는 이제 관객이야’ 생각하면서 몰입이 되는가를 보는 거예요. 그래서 몰입에 방해되는 요소가 생기거나 하면 다시 편집하고 ‘이 영화를 처음 보는 거야’라고 뇌를 속이면서 또 보는 거죠.” 본래 하나의 이야기를 쪼갰기에 2부의 분위기는 1부의 틀을 벗어나지 않는다. 하지만 큰 기대감 없이 열린 시사회를 통해 공개된 영화는 1부와는 다른 영화라고 할 정도로 흥미롭고 박진감 넘쳤다. 민개인 역의 이하늬는 지난 3일 시사회 후 “1편을 (감독이) 너무 아꼈나 생각했다”고 말했다. 2부에선 이안(김태리)과 무륵(류준열)의 관계 진전과 반전이 기다리고 있고, 새로운 등장인물인 능파(진선규)와 존재감이 미약했던 민개인의 활약 속에 ‘골프백’의 비밀이 더해진다. 1부가 주로 과거 시간대의 이야기라면, 2부는 현대가 메인 무대로 훨씬 더 큰 스케일의 액션이 펼쳐지며 보는 재미를 더한다. 또 ‘만담 콤비’인 두 신선, 흑설(염정아)과 청운(조우진)의 역할이 커지며 이야기에 웃음도 늘었다. 외계인의 외형도 바꿨는데 이는 도리어 과한 감이 있다. 이야기를 풀어나감에 있어 2부에서 최 감독이 가장 많이 고민했던 건 시간대를 어떻게 배치할 것인가다. 원래 쓴 2부의 시나리오는 현대 세계가 나오고 다시 과거 시간으로 돌아가는 전개였다고 한다. “그 버전으로 몇달 동안 편집을 했어요. 그러다가 깨닫게 됐죠. ‘맞아 2부의 가장 큰 테마는 몰입이야.’ 그래서 과거로 시작하는 버전으로 다시 편집을 하자. 그러니까 시간의 배치가 이 영화의 생명이거든요. 이렇게 배치가 오면 뭐가 빠져야 하고 뭐가 뒤로 가야 하고, 많은 시간의 퍼즐이 필요했어요.” 후반 편집 중 이야기의 순서를 바꾸며 민개인이 등장하는 장면을 다시 찍었고 배우들이 녹음해 보내준 대사들을 일부 다시 입혔다. 영화 시작과 함께 1부를 요약해 설명하는 장면도 편집에만 6개월이 걸렸다. 그만큼 영화의 핵심 인물이 많고, 외계인과 시간 여행이란 소재를 뒤섞은 1부를 짧게 설명하기란 쉽지 않다. 2부까지 보고 나서야 관객은 비로소 최 감독의 의도와 이야기의 흐름을 온전히 이해할 수 있다. 이 영화는 마치 최 감독이 그간 만들어온 영화들의 종합판처럼 보인다. 실제 도사 전우치가 현대로 와서 벌어지는 이야기를 그린 ‘전우치’(2009)가 영화의 출발점이다. “처음에는 전우치가 만일에 새로운 악당과 싸워야 한다면 그건 외계인이지 않을까라는 황당무계한 사고에서부터 시작했어요.” 시작이 ‘전우치’라면 신검을 뺏고 빼앗기는 전개는 ‘도둑들’을 생각나게 하고, 영화의 끝은 조승우 주연의 도박 영화 ‘타짜’나 ‘암살’처럼 과하거나 신파 없이, 그 후의 이야기가 궁금해지는 여운을 남긴다. 최 감독다운 마무리다. 2부가 1부에 비해 진일보하긴 했지만, 그간 시장 환경은 더욱 어려워졌다. 게다가 외계인과 시간여행, 무협을 버무리고 이야기를 2개로 쪼갠 ‘외계+인’은 다른 영화에 비해 진입 장벽이 높다. 제작·배급사는 OTT를 통해 1부가 공개됐고, 2부에서 이전 이야기를 요약해 보여주는 만큼 영화가 낯설진 않을 것으로 보고 있다. 1부의 실패에 대한 우려가 상존하지만, 지난해 11월 개봉한 ‘서울의 봄’이 1000만 관객을 달성한 것처럼 좋은 영화엔 관객이 몰린다는 기대감도 공존한다. 네이버에 따르면 ‘외계+인 2부’ 개봉을 앞둔 9일 ‘외계+인 1부’는 OTT 영화 인기 순위 1위에 올라 있다. “좋은 영화는 시간이 지나서 다시 봤을 때도 재미있을 거란 생각이 있거든요. 낯선 장벽이 있었는데 (그간 OTT·극장을 통한 다양한 영화의 보급으로), 2부를 개봉할 때는 그 장벽이 낮아지고 있다는 걸 느끼고 있습니다. 2부에선 ‘허들’이 낮아졌기 때문에 더 친숙하게 다가오지 않을까 생각해요.” 2부에 대한 기대감을 내비친 최 감독은 1부가 직격탄을 맞았던 영화 관람료 문제에 대해선 말을 아꼈다. “왜 하필 우리였나, 맨 앞에 나서지 말라고 그랬는데…. 근데 저는 뭔가 해결책이 계속 나올 것 같아요. 이 상황이 계속 지속한다면 그 누구도 행복하지 않을 테니까요. 서비스가 더 좋아지든, 극장에 가서 봐야겠다는 욕망을 불러일으키는 영화가 나오든, 가격이 변동되든 뭔가가 벌어지겠죠.” 지금 당장은 그의 영화가 보고 싶은 욕망을 불러일으키는 것 말고는 성공할 방법이 없다. 올해 첫 한국 블록버스터 영화로 2024년 극장가의 흥행 가늠자가 될 ‘외계+인 2부’가 관객의 평가를 기다리고 있다.

꿈과 도전. 새해에 이보다 더 잘 어울리는 영화 소재가 있을까. 추운 날씨, 가슴을 따뜻하게 해줄 두 편의 애니메이션이 갑진년 새해 극장 스크린을 밝힌다. 하늘을 보며 소원을 비는 건 동서양 공통적 정서인 모양이다. 3일 개봉하는 디즈니 애니메이션 ‘위시’는 마법 왕국 로사스에 사는 소녀 아샤가 하늘의 별을 보며 소원을 빌고 장난꾸러기 별님이 이에 응답해 땅으로 내려오며 벌어지는 이야기다. 로사스 왕국의 매그니피코 왕은 주민들의 소원을 대신 맡아뒀다가 하나씩 꺼내 이뤄준다. 노력과 고통 없이 꿈을 이뤄준다는 믿음을 가진 국민은 왕을 사랑하고 충성하지만, 아샤는 왕이 자신이 선호하는 꿈만 이뤄주고 사람들의 사상을 통제하려는 아집에 사로잡혀 있단 사실을 깨닫고 반기를 든다. 디즈니 100주년 기념작인 ‘위시’는 과거 많은 디즈니 영화의 전통을 따른다. 영화의 제목인 ‘위시’(소원)부터 그렇다. 1940년 개봉한 디즈니 애니메이션 ‘피노키오’의 대표곡은 ‘When You Wish Upon a Star’(별을 보고 소원을 빌 때)로 아카데미 주제가상을 받은 디즈니의 상징 같은 노래다. 창업자인 월트 디즈니가 가장 좋아한 노래로 꼽았고, 빌리 조엘 등 많은 가수가 리메이크해 부르기도 했다. 백설공주 등 많은 디즈니 애니메이션의 주인공들이 외치는 대사가 “내 소원은”(I wish)이기도 하다. 영화는 여러 부분에 과거 디즈니 애니메이션에 대한 오마주(존경)와 ‘이스터 에그’(제작자가 일부러 숨겨 놓은 메시지나 장치)가 숨겨져 있다. 백설공주의 일곱 난쟁이는 일곱 명의 친구들로 바뀌는 등 옛 디즈니의 캐릭터들과 전작을 떠오르게 하는 장면이 대거 등장한다. 시대상을 반영한 변화도 있다. 전형적인 악당이었던 여성은 남성으로 바뀌었고, 주인공은 이제 더는 금발의 공주가 아니다. 먼저 상영된 해외에선 평가가 갈리는데 권선징악의 공식, 흐름과 배경이 진부하다는 부정적 의견과 디즈니의 따뜻하고 아름다운 이야기라는 긍정적 반응이 맞선다. 영화는 ‘겨울왕국’처럼 완전 새롭고 환상적인 얘길 담아내진 못했지만 꿈이 허황한 것으로 느껴지는 요즘 같은 삭막한 세상엔 여전히 이런 착한 동화가 필요하다. ‘위시’보다 한 주 늦은 10일엔 주인공이 동물임에도 인간 주인공보다 훨씬 현실적인 ‘인투 더 월드’가 개봉한다. 제작사는 할리우드의 메이저 애니메이션 제작사인 디즈니나 드림웍스에 비해 적은 예산으로 ‘슈퍼배드’와 ‘미니언즈’ 시리즈, ‘씽’, ‘마이펫의 이중생활’ 등 창의적인 이야기를 만들어 온 호평받고 있는 일루미네이션이다. 지난해엔 닌텐도와 함께 제작한 ‘슈퍼 마리오 브라더스’를 선보이기도 했다. 신작 애니 ‘인투 더 월드’는 청둥오리인 말러드 가족이 평생 살아온 작은 연못을 떠나 철새들의 겨울 안식처이자 낙원인 자메이카를 찾아가는 이야기다. 초보 여행가인 말러드는 가족에게 자신감 넘치는 모습을 보여주려 애쓰지만 이내 길을 잃고 오리의 천적(?)인 왜가리 부부를 만나고 도시에 불시착해 비둘기들과 시비가 붙는다. 내내 삶에 소극적이었던 말러드는 모험을 통해 성장하며 자메이카로 가는 길을 아는 앵무새를 구해내기 위해 오리구이 전문 요리사와 맞선다. 벤저민 레너 감독이 연출한 ‘인투 더 월드’는 빠른 전개, 만약 사람이 주인공이었다면 인권 논란이 빚어질 수도 있는 신랄한 대사와 슬랩스틱 코미디(몸개그), 그리고 아슬아슬한 모험으로 관객을 사로잡는다. 크리스 멜라단드리 일루미네이션 대표는 한국 언론과의 화상 인터뷰에서 “오리들의 이야기이긴 하지만 미지에 대한 두려움 때문에 안전한 곳으로 피하려고만 하는 인간의 본성에 관해 이야기하려고 했다”고 말했다. 이어 “우리가 이야기하고자 하는 주제를 최대한 많은 사람에게 어필하고 재미있게 만들기 위해서는 우스꽝스러우면서도 매력적인 이 동물, ‘오리’가 가장 적합하다고 생각했다”고 덧붙였다. 그러니까 ‘위시’가 동화라면, ‘인투 더 월드’는 ‘우화’다. 일루미네이션은 ‘인투 더 월드’ 상영에 앞서 미니언 캐릭터가 출연하는 약 15분 분량의 애니 ‘달 탈출’을 함께 선보인다. ‘마샤와 곰’, ‘라바’와 같은 슬랩스틱 코미디 장르를 좋아하는 관객이 반길 단편이다.

2023년 세밑을 향해 가는 가운데 영화계엔 오랜만에 낭보가 전해졌다. 김성수 감독의 ‘12·12 군사반란’을 소재로 한 ‘서울의 봄’이 ‘천만 영화’ 대열에 새롭게 합류하게 된 것. 덕분에 어둡고 긴 터널을 지나온 한국영화가 희망의 불씨를 남기며 올해를 마감하게 됐다. ‘신종 코로나바이러스 감염증’(코로나19)이 전 세계를 휩쓸고 지나간 후 여전히 이전의 활기를 되찾지 못하고 있는 극장가의 올해 특징은 한국영화와 할리우드 슈퍼히어로 영화의 부진, 재패니메이션(일본 애니메이션)의 약진으로 요약된다. 부진 속 희망 남긴 한국영화 올해 전반적인 한국영화의 흥행 성적은 우울하다. 올 개봉작 중 100만을 돌파한 영화는 25편으로, 이 중 한국영화는 △‘서울의 봄’(1100만·이하 27일 기준) △‘범죄도시3’(1068만) △‘밀수’(514만) △‘콘크리트 유토피아’(384만) △‘30일’(216만) △‘천박사 퇴마 연구소: 설경의 비밀’(191만) △‘교섭’(172만) △‘노량: 죽음의 바다’(253만) △‘잠’(147만) △‘달짝지근해: 7510’(138만) △‘드림’(112만) △‘비공식작전’(105만) △‘1947 보스톤’(102만) 등 13편에 그친다. 이 중에서도 손익분기점을 넘긴 영화는 ‘범죄도시3’, ‘서울의 봄’, ‘밀수’, ‘30일’, ‘잠’ 등 단 5편뿐이다. “어려운 시기인 만큼 관객들이 극장을 많이 찾아주길 바란다”는 감독의 당부는 관계자 시사회의 빠지지 않는 멘트가 됐고, 제작자들 사이에선 “영화를 얼마나 더 만들 수 있을지 모르겠다”는 비관적인 얘기도 종종 나왔다. 한국영화 부흥을 위한 정부 핵심기관인 영화진흥위원회의 박기용 위원장 역시 “올해 상반기 제작 신작이 8∼9편밖에 안 되고, 하반기는 더 줄어들고 내년 설 시즌에 한국영화가 없을 수도 있다는 우려마저 나온다”고 세계일보와의 인터뷰에서 밝힌 바 있다. 이런 위기의 원인으로는 인터넷 동영상 서비스(OTT)의 보편화와 극장 관람료 인상, 코로나19 이전 제작된 재고 콘텐츠 공급이 꼽힌다. OTT 콘텐츠가 넘쳐나면서 꼭 극장에 가지 않아도 영화를 볼 수 있는 시대가 된 데다가 극장이 코로나19로 인해 생긴 적자를 만회한다며 급하게 관람료를 인상하면서 극장을 향하는 관객의 발걸음이 줄었다는 게 대체적인 영화계의 평가다. 영웅의 몰락, 일본 애니의 붐 외화는 지난해보다 시장이 성장했지만, 마블과 DC코믹스 기반의 슈퍼히어로 영화는 별 재미를 보지 못했다. 지난 5월 어린이날 앞두고 개봉한 ‘가디언즈 오브 갤럭시: 볼륨3’이 420만 관객을 모으며 인기를 끌었을 뿐 나머지 ‘영웅’은 혹독한 시련에 맞닥뜨렸다. ‘앤트맨과 와스프: 퀀텀매니아’는 155만 관객이 들었고, 애니메이션인 ‘스파이더맨: 어크로스 더 유니버스’는 92만명이 관람했다. 이밖에 ‘트랜스포머: 비스트의 서막’, ‘더 마블스’, ‘플래시’, 샤잠’ 등은 아이맥스 상영에도 100만명을 넘기지 못했다. 한때 한국 극장가를 주름잡았던 왕년의 영웅들을 찾는 이가 이젠 별로 없다. 반면 ‘재패니메이션’으로 불리는 일본 애니메이션은 그 어느 때보다 큰 인기를 누렸다. 올해 초 개봉한 ‘더 퍼스트 슬램덩크’는 중년 관객의 향수를 자극한 데 이어 10·20대 연령층까지 끌어들이며 478만명의 관객을 모았다. 영화는 최근 재상영이 이뤄지는 등 한 관객이 여러 번 보는 ‘n차 관람’의 덕을 톡톡히 봤다. 그만큼 팬심이 두텁다. ‘더 퍼스트 슬램덩크’에 이어 지난 3월8일 개봉한 신카이 마코토 감독의 ‘스즈메의 문단속’은 557만명이 관람하며, 재패니메이션은 물론 일본 영화 중 최다 관객 기록을 세웠다. 이는 올해 전체 개봉 영화 흥행 4위에 해당하는 성적이다. 난해하다는 평가 속에 낮은 평점을 받았음에도 미야자키 하야오 감독의 애니 ‘그대들은 어떻게 살 것인가’도 200만명이 관람했다. 성공한 IP(지식재산권)의 현대적 재해석 등 탄탄한 이야기와 유명 감독에 대한 관심, 뛰어난 색채가 일본 애니의 성공을 이끈 것으로 평가된다. 깐깐한 관객… 콘텐츠 질에 달려 영화진흥위원회에 따르면 올해 1월부터 11월까지 전체 관객 수는 1억844만명으로 전년 동기 대비 9.9%(980만명) 증가했고, 누적 매출액은 1조971억원으로 전년 동기 9.4% 늘었다. 그러나 여전히 코로나19 이전인 2017∼2019년 평균과 비교하면 관객과 매출액은 각각 54.7%, 66.8% 수준에 그친다. 특히 같은 기간 전체 영화 중 한국영화의 누적 관객과 매출액은 전년보다도 각각 18%, 19.8%나 감소했다. 12월에는 ‘서울의 봄’과 ‘노량’의 인기에 힘입어 수치가 보다 좋아졌을 것으로 관측되지만, 코로나19 이전 수준에 이르기는 역부족이다. 이처럼 한국영화가 고전하는 와중에도 ‘범죄도시3’과 ‘서울의 봄’이 1000만을 넘긴 것, ‘30일’이나 ‘잠’ 같은 중급 영화가 손익분기점을 돌파한 것은 성과다. 반면 제작비 280억원을 들인 대작인 ‘더 문’이 누적 관객 51만명, 210억원 투입된 ‘1947 보스톤’이 102만명, 역시 200억원 이상이 들어간 ‘비공식작전’이 105만명의 관객밖에 모으지 못한 데도 주목할 필요가 있다. 극장 관계자들은 대작 영화의 실패에 대해 “진부함과 소위 신파를 관객들이 참지 못하는 듯하다”, “개봉 시기가 겹치며 관객이 분산된 것” 등의 해석을 내놓는다. 더는 막대한 제작비를 들여 소위 ‘대작’이라고 홍보하는 영화가 흥행을 보장하지 않는다. 높은 완성도와 새로운 이야기에 관객이 ‘선별적’으로 몰리는 게 요즘 분위기다. 이런 경향은 한국영화뿐만 아니라 할리우드 슈퍼히어로 영화에서도 확인된다. ‘식상하다’ 혹은 ‘이야기가 복잡하다’, ‘유치하다’는 등의 부정적 후기가 적지 않은데, 돈을 들인 티를 내며 영화의 외면을 화려하게 꾸몄지만 내용은 별것 없다는 비판이다. 더하자면 올해 ‘정치적 올바름’(PC)을 내세우며 원작이나 역할을 비튼 영화에 대해서도 박한 평가가 내려졌다. 흑인 여배우를 인어공주로 기용한 디즈니 영화 ‘인어공주’는 64만 관객이 들었고, 바비 인형을 소재로 한 마고 로비 주연의 ‘바비’는 58만명 관람에 그쳤다. 디즈니 애니 ‘엘리멘탈’이 올해 흥행 3위에 해당하는 723만 관객을 모은 것도 눈에 띈다. 영화는 개봉 2주차부터 관객이 늘어나는 ‘역주행’으로 입소문의 힘을 증명했다. 한국계 감독이 담아낸 동양 정서가 국내에서 플러스 요인으로 작용한 것으로 보인다.

‘노량: 죽음의 바다’를 연출한 김한민 감독은 이순신 장군 하면 떠오르는 이 유명한 대사이자 유언의 진위를 훼손하지 않고 적절하게 표현할 방법을 고민하다 아예 안 쓰는 방안에까지 생각이 미쳤다고 한다. 노량의 개봉을 앞둔 19일 김 감독을 서울 종로구 삼청동 한 카페에서 만나 제작 뒷얘기와 소회를 들어봤다. 영화를 보고 나면 궁금해질 만한 요소들에 대한 감독의 설명이라고도 할 수 있다. “뭔가 욕을 먹지 않고 잘 피해 갈 수 있는 방법이 아닌가, 오히려 더 참신하다는 이야기를 듣지 않을까 생각도 했는데, 결국은 그걸 피해갈 수는 없겠더라고요. 왜냐하면 그걸 피해 가면 이순신 장군의 진정성이 어디서 드러날 것이냐는 딜레마에 빠지는 거죠.” 김 감독은 ‘명량’(2014), ‘한산: 용의 출현’(2022)에 이어 이번 작품까지 10년에 걸쳐 이순신 3부작을 완성했는데, 그의 고민이 깊었던 것처럼 ‘노량’의 이순신이 세 영화 중 가장 속을 알기 어려운 인물로 그려진다. 그는 ‘명량’의 이순신은 용장, ‘한산’의 이순신은 지장, 그리고 ‘노량’의 이순신은 현장이라고 표현했다. “명량에서는 수세의 전투를 역전시켜야 했고 사람들의 극한의 두려움을 용기로 전환하는 ‘매우 용맹스러운 어떤 한 장수의 기개, 아우라가 필요했다’. 그런 지점에서 이제 최민식이라는 아우라를 가진 배우를 기용한 건 적절했다고 생각하고요. 한산에서는 ‘지략, 치밀한 전략을 통해 뭔가를 준비해가는 그런 이순신을 표현하는데 젊은 박해일의 차갑고 냉철한 이미지가 매우 필요했다’. 그리고 노량에서는 전쟁의 종결이 무엇을 의미하는가를 조금 멀리까지 내다보고 있었던 현장으로서의 어떤 문무를 겸비한 그런 모습이 저는 김윤석이라고 봤어요.” 이 영화는 ‘왜 그토록 마지막까지 목숨을 바쳐 치열하게 싸워야만 했는가’라는 질문에 이순신 장군이 답하는 과정을 담았다고 할 수 있다. “그 화두에 대해 결국은 ‘완전한 종결’, ‘완전한 항복’에 장군의 뜻이 가 있지 않았냐는 게 제 결론입니다. 이 결론이 이순신 장군에게 누가 되지 않겠다고 생각했던 것이죠. 이런 것이라면 흥행을 통한 속편의 확장이 아니라 분명히 이 작품 자체로 의미가 충분하다고 생각했고, 그런 전제하에 치열했던 100분의 해전에 대한 설계가 가능했다고 봅니다.” 영화는 전반부 조선과 명, 일본이 처한 상황과 각 군의 분위기가 그려지고, 이어 분량의 3분의 2를 차지하는 100분에 걸친 해전 신으로 연결된다. 전반부 지상 장면에선 이순신 장군의 아내인 ‘방씨 부인’이 잠시 등장한다. 촬영에선 해전에 나서기 전 병사들에게 밥을 해주는 장면도 있었는데, 편집 중 빠졌다. 너무 짧은 등장에 그 의도가 궁금해진다. “(너무 짧아서 아예 빼라는) 나를 아끼는 관계자들과 스태프들의 충언을 받아들이지 않고 끝까지 (장면을) 고집했는데, 그 이유는 단 한 가지였어요. 이순신의 가족사가 노량에서 한번 꼭 나왔으면 좋겠다. 방씨 부인은 아들(이순신의 삼남) 이면과 겹쳐 있는 부분이 있기 때문에 스쳐 지나가더라고 꼭 나오게 하고 싶었어요.” 지상에서의 장면 뒤 시작되는 길고 거대한 스케일의 ‘노량’ 해전은 ‘명량’ 촬영 때는 상상하기 어려운 작업이었다고 한다. “일단 밤의 해전은 구현할 수가 없었고, 그런 수많은 함대를 구현하기도 힘들었을 거예요. 명량 때는 이순신 장군이 한 척의 배로 한동안 열심히 싸우셨고, 바다에서 촬영해 얻어진 장면에 CG를 덧입혀 구현하는 게 컸죠. 지금처럼 완벽하게 사전 시각화하고 이에 맞춰 근경, 중경, 원경을 다 따로 찍고 그것들을 합성해 하나의 컷으로 만드는 그런 작업을 할 수가 없었어요.” 전투 장면이 영화의 백미이자 중심이다 보니 촬영만큼이나 후반 작업에도 긴 시간과 공이 들어갔다. “(후반 작업은) CG(컴퓨터 그래픽)가 가장 크게 보완됐어요. 25개 업체 800여명이 참여를 했으니까 웬만한 업체는 다 참여했다고 봐야죠. 근데 마지막 복병은 사운드 설계였어요. 사운드가 어떠냐에 따라서 완전히 해석도 달라지고 몰입도도 달라지고 하니까. 특히 롱테이크 부분에서 마지막까지 밸런스를 못 찾아서 힘들었는데, 너무 비트 있고 박진감 있게 명량이나 한산처럼 가버리면 과도하고 몰입이 안 되고, 그렇다고 감상적인 선형적 음악으로 가버리면 너무 신파가 되고, 이런 밸런스를 찾는 게 매우 힘들었습니다.” 노량의 밤이 지나고 아침 해가 떠오르는 장면은 이순신 장군과 김 감독의 고뇌가 동시에 녹아 있는 주목할 지점이다. 장면의 분위기가 바뀌며 음악의 흐름도 바뀌고 이순신 장군은 과거와 마주한다. “남해에서 태양이 뜨는 걸 보면 굉장히 황홀해요. 제가 ‘극락도 살인 사건’이란 영화의 마지막 촬영을 남해에서 했는데 그때 밤을 꼴딱 새우고 촬영이 끝나고 (바다 위에서) 태양이 뜨는 그 장관을 잊을 수가 없습니다. 똑같은 태양을 당시 이순신 장군이 그 치열한 전쟁의 마지막에 봤을 거고, 그 찬란한 태양과 함께 처참한 전장의 상황이 엄청나게 환히 이제 들여다보였을 거예요. 그때 한 인간이 그 느낌을 어떻게 받아들였을까 너무 궁금하기도 하고, 감히 범인들이 경험하지 못하는 어떤 체험을 하셨을 것 같단 생각이 들어요.” 영화는 현재 ‘천만 영화’ 고지를 밟은 ‘서울의 봄’과 치열한 흥행 경쟁을 벌이고 있다. 개봉 시기에 대한 고민은 없었을까. 김 감독은 “배급사가 제 입장을 많이 배려해 줬다”면서 “노량해전이 음력 11월19일이고 양력으로 12월16일이라 그쯤인 12월20일이 개봉 시기가 된 거 같다”고 설명했다. 김 감독은 영화에서 한발 더 나아가 임진왜란을 배경으로 한 시리즈물인 ‘7년 전쟁’을 준비 중이다. 그는 “매우 구체적으로 진전이 되고 있다”면서 배우 캐스팅도 많이 이뤄졌고, 8부작으로 구성할 예정이라고 소개했다. “이순신 3부작을 하다 보니 임진왜란 7년사를 안 들여다볼 수가 없잖아요. 7년간 정치 외교가 굉장히 기민하게 돌아갔고 재미가 있어요. 오성과 한음을 중심으로 드라마를 만들면 좋겠다 (생각했죠.)” 영화의 마지막 등장하는 ‘쿠키 영상’(짤막하게 보여주는 예고나 후일담)은 그의 후속작에 대한 예고편이라고 할 수 있다.

‘명량’ 1761만, ‘한산’ 726만. 그리고 ‘노량.’ 이순신 장군의 역사적 두 해전을 다룬 영화 ‘명량’(2014)과 ‘한산: 용의 출현’(2022) 두편으로 2500만명에 달하는 엄청난 관객 동원력을 보여준 김한민 감독의 이순신 3부작 중 마지막 작품인 ‘노량: 죽음의 바다’가 20일 개봉한다. ‘임진왜란’이라는 풍전등화의 위기 속에 전세를 역전시키며 나라를 지켜낸 이순신 장군처럼, 그를 다룬 영화도 한국 영화의 위기를 돌파할 수 있을 것인지 영화업계의 관심이 쏠린다. 모든 상업가 영화 그렇지만, 순제작비만 286억원이라는 한국영화 중 손 꼽히는 투자비가 들어간 이번 영화의 흥행이 화두인 건 어찌보면 당연지사다. 올해 한국 영화 침체 우려와 김 감독의 이순신 시리즈 두편이 좋은 성적을 냈고 최근 개봉한 역사물인 ‘서울의 봄’이 천만관객 돌파를 바라보는 기대감이 교차하는 시점이라 더욱 그렇다. 이순신의 마지막 전투 영화 ‘노량’은 이순신 장군의 생의 마지막 전투이며, 임진왜란이 사실상 막을 내리는 전투인 ‘노량해전’을 다룬다. (이후 노량해전에서 도망친 일본군에 대한 소탕전이 벌어지긴 한다.) 임진왜란이 발발한지 7년째인 1598년, 도요토미 히데요시가 갑작스럽게 사망한 뒤 왜군은 조선에서 퇴각하려 한다. 당시 이순신과 명나라 수군 도독 진린과 함께 고니시 유키나카 군이 주둔한 순천 왜성을 봉쇄했고, 이에 고니시는 시마즈 요시히로 군에 전령을 보내 협공 작전을 펼치려 한다. 이를 눈치챈 이순신 장군이 먼저 노량으로 나아가 시마즈군을 격퇴했고, 협공을 벌이려던 고니시는 배를 돌려 일본으로 퇴각한다. 일본군이 후퇴하는 마지막 전투라고는 하지만 전장은 치열했다. 역사 기록에 따르면 싸우지 않은 고니시 군을 제외하고도 일본 군의 숫자는 2만여명, 배도 350척 이상이었다. 조선 수군은 병사 7000∼1만명에 배는 200척 내외, 명나라 수군은 1만8000여명에 300여척이 투입됐다. 이 전투에서 일본군은 대부분의 배를 잃고 1만명 이상이 사망했고, 조선 수군도 수백명이 죽는다. 승리하기는 했지만 이순신 장군과 수많은 무장이 목숨을 잃은 안타까운 전투이기도 하다. 노량에 담고자 한 것은 김한민 감독의 발언을 빌리면, 앞선 ‘명량’은 모두가 패배감에 빠져 있을 때, 이에 굴하지 않고 불 같은 뜨거운 의지로 극복해내는 이순신의 모습을, ‘한산’은 철저한 대비와 전략으로 극심한 수세적 국면을 마침내 공세적 국면으로 뒤집어내는 냉철한 기운의 이순신의 모습을 표현한 작품이다. 그리고 노량은 “그 길고 참혹했던 7년간의 전쟁을 어떻게 올바로 종결하려 죽음까지 불사하며 애쓰셨는지를, 뜨거운 불과 차가운 물과 같은 양면의 모습으로 그 분의 대의를 보여주고자 했다”는 게 김 감독의 변이다. 영화의 핵심은 노량해전 전투신으로 무려 전체 상영시간의 3분의 2를 차지한다. 대규모의 포격전과 선박 충돌이 박진감이 넘치고, 원테이크로 진행되는 백병전은 특히 눈길을 사로잡는다. 100여분간 길게 이어지는 전투는 긴장감을 놓치지 않았다. 김 감독은 이 치열한 전투 영화에 이순신 장군의 고뇌를 함께 녹여내려 했다. 이순신 장군은 ‘왜 죽음에 이를 때까지 싸워야만 하는가’에 대한 설명과 전쟁의 참상을 담아내려 애쓴다. 명나라 도독인 진린은 “그만하면 됐지않느냐. 이제 보내 주자”며 이순신 장군에게 일본군의 탈출을 용인하고 피해를 줄일 것을 설득한다. 이순신 장군은 이에 “이대로 전쟁을 끝낼 수 없다. 열도 끝까지라도 쫓아가 완전한 항복을 받아내야 한다”며 물러서지 않는다. 일본군은 일본군대로 “죽지 않고 고향으로 돌아가기 위해”, “이순신이라는 후환을 막기 위해” 전력을 다한다. 전투 백미, 내면 연기 아쉬움 시리즈 마지막에 만들어진 작품인 만큼 전투장면은 기술적으로나 연출로나 3편 중 가장 뛰어나다. 실제 비율의 판옥선과 안택선 2∼3척을 자유롭게 운영할 수 있는 초대형 실내세트와 야외세트를 조성해 촬영했고, 후보정에도 상당한 시간과 자본을 투입한 것으로 알려졌다. 김 감독은 “명량을 하던 2013년과 그로부터 10년 후의 대한민국 영화 촬영 테크닉이 많이 달라졌다. 앞으로도 물과 관련된 작품에 있어서는 기술들이 계속 발전해갈 수 있을 것이라고 본다”고 촬영 후기를 밝혔다. 전투 장면에 후한 점수를 줄 수 있다면, 영화 속 이순신의 깊은 내면과 고뇌의 깊이는 기대에는 미치지 못한다. 김 감독은 ‘명량’의 이순신으로는 최민식, ‘한산’은 박해일, ‘노량’은 김윤석을 택했는데, 이순신의 연기로는 카리스마가 돋보인 명량을 여전히 최고의 작품으로 꼽을 수 있다. 한산은 젊은 이순신인 박해일의 차분한 연기 속에 시나리오가 돋보인 작품이다. 한산은 ‘용의 출현’이란 부재답게 등장인물만큼이나 전투선박인 거북선의 수훈이 도드라 지기도 했다. 이순신의 아내 방씨부인이 잠시 등장하는데, 편집에서 일부 장면이 삭제되며 의미를 제대로 살리지 못했다. 연기자 중에선 일본 장수인 시마즈 역을 맡은 백윤식의 살기어린 연기가 돋보인다. ‘서울의 봄’과 흥행 대결 흥행을 위해선 개봉 초기 기세 등등한 ‘서울의 봄’의 기세를 꺾을 수 있을지가 중요하다. 노량은 개봉 첫주 서울의 봄보다 더 많은 상영관을 가져갈 것으로 예상되는데, 이순신이라는 인물이 가진 높은 관심도와 화려한 전투신이 초기 관객을 사로잡을 수 있을지가 관건이다. 같은 날 개봉하는 DC영화 ‘아쿠아맨과 로스트 킹덤’의 흥행도 변수다. 극장가에선 두 영화가 모두 윈윈하며, 자연스럽게 노량으로 관객이 이동하길 바라고 있지만, 올해 극장가에선 대부분의 경우 1위 영화가 스크린을 독점하는 패턴이 이어져 왔다. 여름 휴가철 흥행 시즌에는 ‘밀수’가 초기 관객을 독점하며, ‘더 문’, ‘비공식작전’이 흥행에 실패했고, 이후엔 ‘콘크리트 유토피아’가 ‘밀수’와 큰 차이로 관객을 흡수했다. ‘서울의 봄’ 입장에선 개봉 후 ‘노량’ 전까지 적수가 없는 상황으로 ‘노량’이라는 강적을 만난 셈이다. ‘서울의 봄’은 18일 누적관객 900만명을 돌파했다. 예매율은 ‘노량’이 이 19일 자정 기준 47.6%, 23만명으로 압도적 1위를 달리고 있다. 서울의 봄은 예매율 18.9%, 예매관객수는 9만1000명이다. 예매율은 전체 영화 중 단일 영화가 차지하는 예매 비율을 말한다. 노량의 손익분기점은 약 720만명이다.

더불어민주당 이재명 대표 등 야당 정치인이 ‘길위에 김대중’ 시사회를 관람하면서, 영화의 내용이 관심을 끌고 있다. 이 대표 등은 18일 오후 2시부터 진행된 시사회를 VIP 시사회를 관람했는데, 같은 날 먼저 이뤄진 언론 시사회를 통해 내용이 첫 공개 됐다. 민환기 감독이 연출하고 명필름과 시네마6411이 공동제작한 영화는 정치인 김대중의 삶을 다룬다. 김대중 대통령이 목포 상고를 나와 청년기 사업가로 성공한 뒤 정치인으로 입문할 때부터 미국에서의 망명 생활을 끝내고 한국으로 돌아와 총선을 마치고 1989년 16년 만에 광주를 찾을 때까지의 이야기가 담겨 있다. 한국 현대 정치사는 김대중 대통령의 파란만장한 역정을 빼고 설명할 수 없다. 중요한 역사적 순간에는 항상 그가 등장하기 때문이다. 선박사업으로 성공했던 청년사업가 김대중은 목포일보를 살 만큼 큰돈을 벌었으나, 6.25 전쟁으로 이념에 의해 수많은 사람이 죽고, 정치인들은 권력을 잡기 위해 부정선거를 저지르는 모습을 보면서 정치인이 되기로 결심한다. 선거에 네 번 출마해 모두 낙방한 김대중은 당시 이승만 대통령 하야 후 들어선 장면 정부에서 비 국회의원 신분으로 민주당 대변인이 되면서 중앙 정치무대에 데뷔한다. 이후 1961년 민의원 보궐선거에 당선되는데, 군부 쿠데타가 일어나며 의원 자격은 등록하자마자 중지되고, 박정희 전 대통령과의 악연도 시작된다. 김대중 대통령을 일부는 ‘빨갱이’, ‘지역주의자’, ‘거짓말쟁이’라고 부르기도 하지만, 영화는 이런 색깔은 군사독재 정권과 언론에 의해 덧씌워졌음을 지적한다. 정치를 시작하던 시절 김대중은 반공주의자에 가까웠고, 정치인으로서 끝까지 국민에게 주권이 있는 민주주의를 절대 신봉한 의회주의자였다. 그가 지방자치제를 외친 것도 국민이 민주주의를 학습하고 주권의식을 갖는 게 중요하다고 봤기 때문이다. 김대중은 박정희 대통령이 추진한 한·일협정을 찬성하며, 되려 야당의원들로부터 미움을 사기도 했다. 그는 한·일협정 자체에 반대하지는 않았으나, 합당한 보상과 사과를 요구했다. 이 패기 넘치는 신진 정치인은 금권선거가 판치는 1967년 총선에서 6000표 차이로 여당 후보를 누르며 신승했고, 1969년 김영삼을 누르고 야당인 신민당 경선에서 일약 대선 후보로 지명된다. 이듬해 대선에서 낙선하기는 했지만 결과는 95만표 차이로, 승리에도 박정희 대통령을 아연실색게 했다. 영화에는 나오지 않지만 김형욱 전 중앙정보부장은 미국 청문회에서 부정선거가 아니었다면 김대중 후보가 당선됐을 것이라고 증언한 바 있다. 당시 김대중은 향토예비군 폐지와 미·일·중·소 4개국에 의한 전쟁억제 보장, 노사공동위원회 설치, 남북 비정치적 접촉, 대중경제론 등 당시로써는 획기적인 공약을 들고나와 국민의 큰 호응을 얻었다. 김대중의 장충단 공원 대선 유세에는 그야말로 구름떼처럼 100만명이 운집해 장관을 이룬다. 그러나 대선 후 김대중에 위협을 느낀 박정희 정권은 유신 헌법 개정과 정치인에 대한 대대적인 활동 제재에 나선다. 이후 박정희 정권이 김대중을 가택연금하고, 중앙정보부가 암살하려 했던 일이나, 전두환 정권이 5.18민주화운동 하루 전인 1980년 5월17일에 김대중을 체포해 남산으로 데려간 후, 내란을 일으킨 수괴로 몰아 사형을 언도했다는 건 이미 잘 알려진 사실이다. 영화는 이후 그의 행적과 왜 그가 광주로 돌아갔는지, 그것이 어떤 의미를 지니는지 화면으로 말한다. 영화에는 전두환 정권이 김대중에게 미국 망명을 권유하고, 이 문제를 놓고 교도소에서 부인 이희호 여사와 면담하는 장면이 나온다. 지금까지 한 번도 공개된 적이 없는 내용으로, 김대중 대통령이 사후 이 장면을 공개할 것을 당부했다고 한다. 이 영화는 정치적일까. 이에 대해 시사회 후 열린 기자간담회에 참석한 김성재 김대중평화센터 상임이사(전 문화관광부 장관)는 “함의는 하나도 없다. 오늘 VIP 시사회도 그런 정치적 생각을 하고 한 게 아닌데 그분들이 관심이 있어서 오시는 것”이라며 “김대중 대통령은 언제나 국민과 역사를 바라보라고 하는 얘기를 하셨기 때문에 이걸 통해서 우리가 오늘의 국민과 내일 미래의 대한민국 국민을 볼 수 있는 그런 길(계기가)이 됐으면 좋겠다”고 말했다. 자신이 수많은 핍박과 억압을 받았음에도 정치인 김대중은 복수와 처벌 대신 용서하고 화해해야 앞으로 나아갈 수 있다고 강조한다. 민 감독도 “(영화의) 현재적인 의미는 제각각 해석을 해야 하는 것 같다”면서 “그런 의미 때문에 다큐멘터리를 만든 게 아니다. 김대중 대통령이라는 꽤 훌륭했던 정치인이 자기의 신념이나 이상을 잃지 않고 그것들을 어떻게 실현했는지를 보여주려는 다큐”라고 말했다. 영화를 광주에서 마무리한 데 대해서는 “마지막 장면이 의미에 있어서도 충분한 인상을 줘야 하지만 볼거리도 있어야 한다고 생각한다”면서 “그 장면이 저한테는 처음 봤을 때 압도적으로 다가왔다. 잘 이해하지 못했던 김대중 대통령의 마음과 생각들을 이해하게 됐던 장면이었던 것 같다. (영화를 본 관객들이) 김대중 대통령의 마음을 이해할 수 있지 않을까 생각해서 마지막 장면으로 선택했던 것 같다”고 밝혔다. 영화는 지금의 정치를 말하진 않지만, 과거 대한민국의 정치사에 대한 평가가 녹아있는 건 사실이다. 청년 김대중이 정치가의 길을 가게 된 것, 미국의 길 위에서 투쟁한 것은 새로운 정치에 대한 바람 때문이었다. 당시는 국민의 민주화에 대한 열망이 뜨거웠던 시기이기도 하다. 그러니 지금의 정치를 말하진 않지만, 이 영화에 정치색이 없다고 할 수는 없다. 그의 영화 속 이야기는 광주 방문에서 끝이 나고, 이후 대선과 대통령 임기를 포함한 정치 얘기는 후일로 남겨뒀다. 이후를 포함한 김대중의 정치사에 대한 평가는 다를 수 있지만 영화는 왜 그가 큰 사랑을 받았는지, 존경받는 정치인의 표상이었는지 보여주는 의미가 있다. 정치 불신의 시대를 사는 지금, 모두가 보고 싶어하는 정치인, 존경받는 정치인이 나타나기를 바라는 마음은 보수, 진보가 따로 없을 것이다. 영화는 김대중 대통령 탄생 100주년을 맞는 내년 1월6일에 발맞춰 내년 1월10일 극장 개봉 예정이다. 공식 개봉에 앞서 후원회 등을 중심으로 전국에서 시사회를 진행한다.