이 열기가 얼마나 더 갈지는 모르겠지만 아무튼 요즘 화두는 단연 ‘트랜스포머 3’다. 대한민국 극장가를 점령하면서 다양한 의견이 나오고 있는데, 참고로 내 주변에서는 호의적이지만은 않은 편이다. 나와 함께 영화를 보던 친구는 중간에 잠이 들었다. 시리즈의 마지막이라고 못박았지만 사실 뭔가 크게 매듭지어진 것이 없는 터라 언제든지 새로운 악당의 출연, 혹은 시리즈의 리부트가 가능할 것 같다. 로봇의 수도 늘었고 규모 또한 커졌다. PPL 광고를 너무 노골적으로 하고 있는데, 아마도 이 규모를 감당하기 위한 제작비로 충당됐을 것이다. 판이 커진 만큼 명배우들도 섭외했다. 스파이크 리, 코언 형제의 작품들을 비롯해 1990년대 미국 독립영화 씬에서 활약했던 존 터투로는 1편부터 함께해왔는데, 게다가 또 다른 코언 형제 사단-심지어 조엘 코언의 부인이다-의 명배우 프란시스 맥도먼드까지 가세했다. 잠시 등장하는 존 말코비치의 경우 그런 연기를 위해 기용하기에는 너무 아까운 배우였다. 이들의 연기는 꽤나 ‘사무적’으로 보였으며, 이것이 감독의 의도였는지 혹은 독립영화 출신 명배우들의 계산이었는지는 잘 모르겠다.‘나쁜 녀석들’로 데뷔한 마이클 베이의 영화 사운드트랙들은 대체로 성공한 편이다. ‘나쁜 녀석들’과 ‘아마겟돈’의 경우 컴필레이션(모음집) 형식으로 완성됐고 ‘진주만’과 ‘아일랜드’, ‘더 록’은 스코어로만 구성시켰다. 특히 ‘더 록’은 액션영화의 스코어를 논할 때 중요하게 다뤄지는 걸작이다. ‘트랜스포머’의 모든 시리즈는 컴필레이션과 스코어를 각각 분리시켜 두 장으로 발매됐다.이전과 마찬가지로 린킨 파크의 곡이 메인 테마격으로 영화의 엔딩을 장식하고 있고, ‘디 워’를 통해 우리에게 친숙한 스티브 자브론스키도 스코어를 담당했다. 기존의 앨범들처럼 현재 활약하는 밴드들의 곡이 주로 삽입됐는데, ‘아마겟돈’과 비슷한 면접장면에서 다시금 활용된 에어로스미스의 곡과 U2, 비피 클라일로의 노래들은 사운드트랙에 수록되지 않았다. 마찬가지로 사운드트랙에는 없지만 약간 놀라운 지점이 있었다. 주로 실험적인 앰비언트·노이즈 음반들을 발매하는 시카고-마침 영화에서는 시카고가 쑥대밭이 된다-의 크랭키 출신 아티스트 스타즈 오브 더 리드의 ‘더 베러 앤젤스 오브 아워 네이션’을 영화에 삽입한 것이다. 달을 배경으로 한 장면에서 흐르는 곡은 몇몇 이들에겐 음악이라기보다는 단순한 전자신호나 효과음처럼 비칠 수도 있겠는데, 비주류를 넘어 일반적인 음악 팬들에겐 실험집단으로까지 비칠 수 있는 이들의 ‘음향’을 극장에서 접할 수 있는 것이 개인적으론 꽤나 흥미로운 경험이었다. 이 ‘소리’는 우주도, 그리고 지구도 아닌, 우주와 지구 사이를 교통하는 통신위성의 고요한 시그널에 닿아 있다.사실 이런 블록버스터는 볼 때 신나면 그만이라고 생각하는 편이지만, 많은 이들이 그렇지 않은 것 같다. 이 때문에 마이클 베이는 독립영화 출신 배우들을 기용하고 스타즈 오브 더 리드의 곡 같은 것을 삽입하면서 나름의 방어체계로 이를 이용하려는 듯 보인다. 그럼에도 이런 규모의 스케일에 사용된 스타즈 오브 더 리드는 꽤나 과감한 수였으며, 실제로도 썩 그럴 듯했다.불싸조 밴드

‘주노’의 감독인 아들 제이슨 라이트만까지 2대에 걸쳐 가족영화의 명맥을 이어나가는 이반 라이트만 감독은 ‘트윈스’에 이어 ‘유치원에 간 사나이’에서 또 한번 액션스타 아널드 슈워제네거와 조우한다. 무표정하고 인정사정 없는 그가 출연했던 몇 안 되는 가족영화는 대부분 이반 라이트먼과의 작품들이었는데, ‘주니어’를 비롯한 이 세 편은 유머가 전개되는 와중에도 가족문제와 감동적인 요소 또한 놓치지 않고 있다.무자비한 흉악범들을 거칠게 제압하는 LA경찰서의 강력계 형사 존 킴블은 마약사건 관련 살인 용의자를 찾기 위해 범인의 아들이 다니는 유치원에 잠복한다. 하지만 유치원 선생님으로 위장하기로 한 그의 여성 파트너가 식중독에 걸리면서 졸지에 이 우락부락한 남자형사가 유치원 선생님으로 투입된다. 하지만 교실에 발을 들여놓는 순간, 그는 흉악범들 이상으로 벅찬 상대가 바로 아이들이라는 사실을 뒤늦게 깨닫는다. 아이들에게 치이면서 허둥대다가 경찰학교식 교육방법을 도입해 점점 아이들과 교감해 나가는 훌륭한 선생님으로서의 생활에 익숙해질 무렵, 용의자의 그림자 또한 서서히 드리워진다.‘트윈스’에서는 프랑스의 거장 조르주 드루리와 랜디 에덜먼이 함께 음악을 작업했지만 본 작은 랜디 에델만 혼자 사운드트랙을 완수해냈다. 자신의 솔로앨범도 몇 장 발매한 바 있는 랜디 에덜먼은 브로드웨이의 오케스트라 활동을 시작으로 이후 TV 드라마를 작업하다가 영화음악에 입문한다. 특히 ‘맥가이버’의 테마가 우리에겐 익숙할 텐데, 이반 라이트먼의 작품들을 비롯한 다수의 가족영화 외에도 ‘라스트 모히칸’, ‘트리플 X’ 등의 다이나믹한 영화들에서도 그의 음악을 확인할 수 있다.학교 전반의 차분한 분위기가 펼쳐지는 ‘애스토리아 스쿨 테마’와 ‘칠드런스 몽타주’, 슬픈 피아노 멜로디가 가슴을 적시는 ‘러브 테마(조이스)’, 순수한 클라리넷이 마음을 따뜻하게 만들어 주는 ‘도미닉스 테마’ 등의 곡들은 음악 자체만으로 놓고 봤을 때도 충분히 아이들의 모습을 그릴 수 있게끔 유도한다. 영화의 메인 테마 격인 ‘킨더가튼 캅’과 ‘디너 인비테이션’ 같은 피아노 연주곡들 또한 피아노를 애호하는 일반 팬들에게도 충분히 사랑받을 법하다. 이렇게 푸근한 곡들 이외에도 용의자와의 혈투 속에 흐르는 몇몇 테마들은 별개의 날카로운 긴장감으로 무장하면서 또 다른 면모를 보여준다. 극과 극을 오가는 랜디 에덜먼의 광범위한 어레인지(편곡)가 빛을 발하는 순간이다.존 킴블의 우락부락한 얼굴에 감도는 상냥한 표정은 이상하게 친근한 감정을 전달한다. 이 어색한 웃는 얼굴과 모자란 연기는 오히려 극을 더욱 돋보이게끔 만들었는데, 이것이 의도된 것인지 아니면 정말로 그렇게 연기한 것을 그대로 사용해 완성시킨 것인지는 모르겠다. 아무튼 이는 성공적이었고, 차가운 ‘터미네이터’는 비로소 따뜻한 유치원 선생님이 될 수 있었다. 기계인간이 유치원 선생님이 되기까지는 마틴 스코세이지의 걸작들을 촬영해낸 마이클 채프먼의 사려깊은 화면구성, 그리고 랜디 에덜먼의 이 천진난만한 음악의 힘이 절대적이었을 것이다. 영화를 보는 이들, 그리고 음악을 듣는 이들의 풋풋한 유년시절 또한 훈훈하게 상기시켜 주고 있다. 랜디 에덜먼 판, 혹은 1990년대 버전의 ‘어린이 정경’이다.불싸조 밴드

제80회 아카데미 시상식에서 최다 부문 노미네이트된 ‘데어 윌 비 블러드(There Will Be Blood)’는 제목만큼이나 위협적이었다. 감독 폴 토마스 앤더슨은 이 작품을 통해 비로소 할리우드 작가 진영의 중심에 위치하게 됐고, 끝까지 밀어붙이는 텐션 높은 열연을 통해 6년 만에 출연한 다니엘 데이 루이스는 다시 한번 아카데미 남우 주연상을 수상한다. 업톤 싱클레어의 소설 ‘오일!’을 바탕으로 대부분의 인간이 그 시스템에서 자유롭지 못한 석유에 관한, 그 검은 기름만큼이나 어두운 얘기가 펼쳐진다.한 석유재벌의 선명하고 강렬한 인간드라마가 장장 158분에 거쳐 진행된다. 광산 노동자였던 다니엘 플레인뷰는 어느 청년으로부터 광대한 토지에 석유가 매립됐다는 정보를 얻고 서부의 작은 마을 리틀 보스턴으로 향한다. 결국 막대한 석유를 발견하면서 재산을 축적해나가지만 마을의 신뢰를 얻은 젊은 목사가 교회에 대한 기부 약속을 지키지 않았다고 비난하면서 관계는 험악해진다. 게다가 자신의 아들이 폭발사고로 청력마저 잃으면서 다니엘 블레인뷰와 마을 공동체의 관계는 점점 파괴돼 간다. 욕망에 사로잡혀 괴물이 된 채 부와 권력을 점점 축적해나가지만 동시에 영혼은 파괴의 길을 더듬어만 간다.‘매그놀리아’와 ‘펀치드렁크 러브’에서 존 브리온과 함께 작업했던 폴 토마스 앤더슨은 이 작품에 라디오헤드의 기타리스트 자니 그린우드를 기용했다. 이는 두 사람 모두에게 일종의 도전이었다. 밴드의 기타리스트였지만 레게 편집앨범을 만들기도 했고, 펜데레츠키를 비롯한 현대음악의 팬인 그는 이미 2003년 무렵 영국의 TV 시리즈 ‘바디 송’의 음악을 작곡한 바 있었다. 이 작품은 ‘바디 송’과는 달리 대부분 현악에 의해 구성된 제대로 된 그의 첫 장편영화 사운드트랙이었다. 대사가 많지 않은 화면들을 바탕으로 불길하고 미니멀한 오케스트라의 연주가 숨통을 조여온다. 뭔가 무서운 일이 일어난다는 확신에 찬 불온한 감각들이 대기를 감싸는 가운데 무엇보다 이 음악의 힘은 절대적이었다. 이미 라디오헤드의 앨범에서 현악 편곡을 담당하기는 했지만 그것보다 훨씬 광기에 찬 불안감을 주는, 그야말로 하나의 ‘음향효과’처럼 완수해냈다. 상승과 하강을 반복하는 스트링, 원초적인 퍼커션, 그리고 중후한 불협화음은 대지로부터 뿜어져 나오는 석유와 불꽃만큼이나 짙고 강렬하다. 마치 스탠리 큐브릭이 ‘2001: 스페이스 오딧세이’에서 리게티의 곡을 사용한 방식처럼 이 현대음악 스코어를 운용해냈는데, 작품은 라디오헤드의 팬들에게나 현대음악의 팬들에게나 꽤나 의외의 결과물로 돌출됐다. 영화가 요구하는 음악적 목표가 비범한 재능을 통해 완결된 순간이었다.영화제목에서 언급된 ‘피’는 주인공이 겪는 타락의 혈투이자 어긋난 혈육관계, 그리고 이 모든 문제의 근원인 석유를 대입해봐도 꽤 그럴듯하다. 석유라는 물질 자체가 과거 생물들의 사체가 썩어 발생한 것 아닌가. 이렇게 수억년 전에 죽은 이들의 ‘피’는 현 시대의 에너지원으로, 아랍전쟁에서의 국가적 무기로, 그리고 온갖 정치적, 사회적 권력으로 작용하면서 여전히 인간사회에 개입한다. 이 작품은 그야말로 피로 세워진 인류 역사의 어느 지독한 한 조각이다. 불싸조 밴드

‘존 말코비치 되기’, ‘이터널 선샤인’ 등의 기상천외한 작품들로 유명한 시나리오 작가 찰리 코프먼 감독의 데뷔작 ‘시네도키, 뉴욕(Synecdoche, New York)’은 그야말로 블록버스터급 정신분열의 생체실험장이었다. 영화평론가 로저 에버트는 영화를 두 번씩 볼 것을 권했고-자신은 세 번을 봤다고 한다-대부분의 사람들은 극한까지 지리멸렬하게 밀어붙이는 작품의 상상력과 규모에 아연실색했다. 이 도발적인 ‘모험극’에 대해 찬반이 분분했지만 미디어와 평단은 이 뒤틀려 있는 천재성에 힘을 실어줬다. 심지어 누군가는 마르케스의 ‘백년의 고독’의 뉴욕 버전이라고까지 언급하기도 했다.무대와 현실을 착각하면서 스스로의 인생에 대한 고뇌의 끈을 놓지 않는 비참한 중년남자 케이든 역할은 아카데미 수상에 빛나는 필립 세이모어 호프먼이 미지근하게 열연해냈다. 죽음과 질병에 대한 막연한 불안을 안고 무미건조한 인생을 사는 극작가 케이덴은 자신을 완전히 투영시킨 리얼리즘으로 무장한 일생일대의 작품을 만들어내려 한다. 결국 자신의 머릿속에 있는 뉴욕을 거대한 창고 안에 고스란히 재연시켜 내면서 망상과 현실, 그리고 연극은 서로 뒤엉키고, 연극에 존재하는 자신의 또 다른 자아의 또 다른 자아가 꼬리를 문다. 이 혼란스럽게 뒤엉켜진 매듭은 풀어지기는커녕 갈수록 수습할 수 없는 지경으로 얽혀만 간다. 피오나 애플과 에이미 만, 루퍼스 웨인라이트 등의 앨범 프로듀서로, 그리고 ‘펀치드렁크 러브’와 ‘매그놀리아’, ‘이터널 선샤인’ 등의 영화음악가로도 널리 알려진 작곡가 존 브리온이 음악을 담당했다. 실내악 편성을 바탕으로 아기자기한 감성을 엮어내는 존 브리온에게 본 작은 무척 적절한 프로젝트였다. 다양한 영향을 통해 얻어낸 넓은 시각을 토대로 펼쳐지는 번뜩이는 재치와 편곡은 마치 그를 21세기형 반 다익 팍스처럼 보이게끔 만들었다. 영화음악가로서의 존 브리온을 각인시켜준 걸작이다. 이전 그가 해왔던 영화음악들과 마찬가지로 지나친 감정과잉의 멜로디나 어레인지(편곡)는 없다. 대부분은 담담하게 흘러가며 가끔씩 분위기를 환기시켜주는 밝고 신선한 현악 파트의 배치가 이어진다. 기타와 피아노의 솔로 트랙들의 경우 약간의 어둠과 우울함을 고독하게 머금고 있는 편이다. 차분하고 안타깝게 전개되는 ‘오케이’, 그리고 뮤지컬 형식으로 전개되는 앨범의 시작과 끝은 비정상적인 행복감마저 안겨준다.데이나 스토리가 보컬을 담당한 두 곡 중 유독 ‘리틀 퍼슨’이 국내에서도 큰 인기를 모았다. 스탠더드 재즈 편성으로 담담하고, 그리고 연약하게 호흡하고 있는 곡은 꽤 많은 감정을 담고 있음에도 극의 허무함을 결정짓는 엔딩에서 비교적 무표정하게 흐른다. 결코 편하게 볼 수 있는 작품은 아니지만, 그럼에도 불구하고 로저 에버트의 충고대로 한두 번 정도는 더 봐야 될 것만 같은 영화다. 아무런 자취 없이 소멸해가는 것을 두려워하는 이들에겐 무척 적나라한 공포영화처럼 느껴질지도 모르겠다. 좋은 의미에서의 무거운 여운을 한가득 관객들에게 떠넘긴 채 영화는 새하얀 불길함 속에서 종결된다. 이 따뜻한 선율의 사운드트랙은 불친절한 찰리 코프먼이 우리들에게 남긴 단 하나의 배려다. 혹은 역설적 유머일지도.불싸조 밴드

‘생명의 나무’로 올해 칸 영화제에서 황금 종려상을 수상한 감독 테런스 맬릭은 그야말로 실존하는 전설 속 인물이다. 아카데미와 칸을 비롯한 유수의 시상식장에 결코 얼굴을 내비치는 일이 없었으며, 작품들 사이의 공백기간은 20년 이상이 걸리기도 했다. 은둔의 수도사처럼 숨죽여 지냈던 그는 띄엄띄엄 작품활동을 하면서도 결코 대중들의 기억 속에서 잊혀지지 않았다. 오히려 인기 배우들과 대형 영화사들은 자처하고 그의 작품에 참여하려 들었다. 영화의 역사에 길이 남을 영상미를 통해 완성된 맬릭의 걸작이 바로 ‘천국의 나날들(Days of Heaven)’이다. 철저하게 자연광만을 고집하면서 담아낸 황혼의 순간들은 매일 하루 해가 지기 직전 오직 단 두세 시간 동안에만 꾸준히 촬영된 장면들이었다. 이 경이로운 시간을 두고 사람들은 ‘매직-아워’라 불렀다. 화면의 색조와 터치는 배우들이 연기하는 등장인물들만큼이나 중요한 역할을 수행해냈다. 등장인물들의 대사는 비교적 적었고, 그 대신 정경이나 풍경의 묘사가 그들의 감정을 표현해줬다. 결국 촬영감독 네스트로 아르멘드로스는 이 작품을 통해 아카데미 촬영상을 수상한다.20세기 초, 시카고의 철강소에서 시작되는 영화는 리처드 기어의 우발적 살인으로 인해 연인인 브룩 애덤스, 그리고 여동생과 함께 텍사스의 광활한 보리밭으로 도주하면서 이야기가 전개된다. 하지만 유복한 농장주(샘 셰퍼드)가 애덤스에게 반하게 되고 점점 이야기는 비극적 결말로 향해간다. 작품 내내 흐르는 어린아이의 내레이션을 통해 이 어른들의 세계는 마치 한편의 동화처럼 펼쳐진다.몇몇 이들은 본 작의 사운드트랙을 두고 엔니오 모리코네 최고의 걸작이라 칭하기도 했다. 대사가 적었기 때문에 화면만큼이나 음악의 역할 또한 절대적이었다. 모리코네의 멜로디는 평소에 비해 한층 더 우수에 차 있으며, 은은한 떨림은 등장인물들과 자연경관 사이의 관계를 이어준다. 그리움을 주는 메인 테마, 플루트를 사용하면서 마치 가족 영화적 무드를 조성해낸 ‘해피니스’, 그리고 ‘스레싱’과 같은 트랙의 경우엔 마치 마이클 니먼의 미니멀한 곡조처럼 구성시켜 놓기도 했다. 기본 중심을 잃지 않으면서도 변칙적 시도를 해내고 있는 셈이다. 사운드트랙 역시 마찬가지로 아카데미 후보에 오른다.영화의 도입부에는 프랑스 대표 낭만주의 작곡가 생상스의 ‘동물의 사육제’ 중 ‘수족관’ 파트가 흐른다. 이 익숙한 신비로움은 영화 시작 무렵 관객들의 호기심을 자극하는 역할을 하고 있다. 레오 코트케의 싱그러운 어쿠스틱 기타 연주곡, 그리고 소녀의 내레이션 또한 음반에서 확인할 수 있다.결말은 어찌보면 가혹하지만 영화의 제목 ‘천국의 나날들’은 이에 대한 역설이 아닌 실제로 잠시나마 행복했던 그 짧은 시간들을 지칭하는 것처럼 보인다. 천국이 아닌 지상에서의 ‘천국과도 같은 나날들’은 결국 그 끝이 있는 법이다. 뻔한 인간사의 진리이겠지만 좋은 날은 결코 오래 가지 못한다. 이 때문에 영화에서 펼쳐지는 젊은이들의 순박함과 잔혹한 현실은 아름다운 자연환경, 그리고 음악과 충돌하면서 더욱 큰 마음의 파장을 불러일으킨다. 화면에 취하고 음악에 취한 채, 철저하게 모든 감정을 수반하고 있는 한편의 예술 작품이다.불싸조 밴드

1978년 무렵 스페인과 이탈리아에서 제작된 영화 ‘그대 머무는 곳에(Cosi’ Come Sei: 비디오 출시 제목 ‘나스타샤 킨스키의 유혹’)’는 민감한 소재로 인해 국내에는 제작된 지 11년이 지난 1989년에야 개봉할 수 있었다. 사실 영화의 테마는 이후 ‘사랑과 슬픔의 여로’에서도 반복되며, 기원을 거슬러 올라가보면 오이디푸스 신화도 떠올릴 수 있겠다. 중년남자와 소녀가 엮어낸 금단의 사랑이야기는 이탈리아판 ‘로리타’처럼 보이기도 한다. 명배우들의 연기, 이탈리아 토스카나의 길거리와 피렌체의 마을 중심부 풍경을 담은 눈부신 영상, 그리고 음악이 완벽한 조화를 이루는 작품이다.한없이 순수한 열아홉의 나스타샤 킨스키의 가장 생생한 시기를 필름에 담아냈다. 이 작품에서 그녀의 아름다움은 정말 특별한데, 젊고 순수한 육신 아래에는 은밀함이 드리워져 있다. 성인으로 완성되기 직전의 아름다움은 정말 찰나의 순간에 피었다가 지는 꽃과도 같았다. 상대역은 페데리코 펠리니의 주요 작품들에서 주연을 맡아온 이탈리아 명배우 마르첼로 마스트로이안이 담당했다. 그는 사랑과 현실 사이에서 고민하는 중년의 감정을 세세하게 표현해냈다.50대에 접어든 성공한 로마의 조경업자 줄리오는 일을 위해 오랜만에 고향으로 돌아온다. 고향을 둘러보면서 감회에 젖은 그는 젊고 순수한 프란체스카를 발견하고 점점 가까워지면서 결국 연인이 된다. 나이차를 극복했지만 또 다른 난관에 부딪힌다. 그와 20년 전 연인관계였던 플로라의 딸이 프란체스카일지도 모른다는 의미심장한 얘기를 전해들은 것이다. 새로 마음을 다지려 하지만 이별이란 이 두 사람에겐 너무도 어려운 일이다. 안타까운 감정을 공유하는 두 인물 사이에 엔니오 모리코네의 음악이 펼쳐진다. 그의 숨어있는 걸작으로 평가되는 본작은 너무 고전적이지 않은 편성으로 70년대의 로맨틱한 무드를 그려냈다. 비애감 넘치는 아름다운 멜로디의 테마와 피아노 선율은 넋을 잃게 만든다. 슬픈 사랑 이야기를 한층 더 안타깝게 북돋아주고 있는 것이다. 대체적으로 귀에 익은 선율들이 전개된다. 깨질 듯 연약한 ‘아모르 퍼 아모르’, 프란시스 레이풍의 아련함을 연상시키는 ‘프레루디오 디 아모르’, 70년대 후반 모리코네에게는 생경한 디스코 넘버 ‘스파지오 1999’, 그리고 무엇보다 앨범을 종결짓는 ‘베르소 마드리드’는 모리코네의 수많은 러브 테마 중 단연 돋보인다.특히 나스타샤 킨스키의 극중 이름 프란체스카가 아닌, ‘나스타샤’라 정한 제목의 곡은 모리코네가 작정하고 그녀를 위해 만든 것이 아닌가 싶을 정도다. 극중 프란체스카의 방에 헤밍웨이의 사진이 걸려 있는 장면에서 이미 그녀가 부성을 느낄 만한 남성상을 원했다는 복선이 등장하는데, 실제로 후에 나스타샤 킨스키는 자신보다 30세 많은 명프로듀서 퀸시 존스와 긴 시간 연인관계를 이어가기도 한다.이 앨범은 로맨틱함을 테마로 한 모리코네의 컬렉션 리스트에 반드시 손꼽혀야만 하는 작품이다. 단순한 성인물로 가볍게 휘발될 수도 있는 영화의 이미지를 좀 더 진중하게 격상시키는 역할을 했다. 거장이 만들어낸 이 아름답고도 뜨거운, 그리고 아픈 사랑의 선율은 여전히 치명적 생채기를 남긴다.불싸조 밴드

2007년 첫 내한 이후 어느덧 세 번째로 접어든 엔니오 모리코네의 서울공연은 항상 ‘언터처블’의 메인 타이틀로 시작됐다. 폭력적인 피아노를 바탕으로 전개되는 곡은 영화에서는 앞으로 전개될 암투에 대한 긴장감을 조성하는 역할을, 그리고 공연에서는 앞으로 이어질 모리코네의 역사를 받아들이기 위한 마음의 준비를 다지게끔 만들었다.동명의 TV시리즈를 120분이라는 러닝타임으로 압축해낸 브라이언 드팔마의 기량에는 그저 감복할 수밖에 없다. 드팔마는 테크니션답게 촬영, 조명, 미술과 의상, 그리고 무엇보다 음악의 조화를 통해 당대 할리우드 시스템의 모든 것을 집약해 냈다. 복선을 넣는 방법, 그리고 절묘한 표정 변화나 표현 기술은 영화의 교과서라 할 만큼 완벽하게 세팅돼 있었다. 명배우들의 열연 또한 화제가 됐으며, 특히 로버트 드니로는 생머리카락을 뽑고 무려 20㎏이나 살을 찌우면서 알 카포네를 완벽하게 재연했다. 영화의 의상은 조르조 아르마니의 작업으로 이뤄졌다.영화는 1930년대 금주법이 제정돼 있음에도 술의 밀거래를 비롯한 범죄를 통해 막대한 이익을 축적했던 시카고 암흑가의 보스 알 카포네의 악행을 폭로하기 위해 분발하는 신임 재무관 엘리엇 네스와 그의 수사팀 ‘언터처블’이 고군분투하는 내용을 담은 활극이다. 평면적이고 알기 쉬운 권선징악의 스토리이지만 입체적인 캐릭터들과 장면 연출을 통해 극은 마치 롤러코스터처럼 전개된다.사운드트랙 전편에 흐르는 모든 곡들은 훌륭한 편이며, 또한 신마다 제대로 구분되어 활용될 수 있도록 잘 정리돼 있다. 영화의 순서와는 반대로 환희에 가득찬 영웅적인 ‘엔드 타이틀’이 첫 트랙으로 배치돼 있다. 앞서 언급한 영화의 메인 테마는 리듬을 강조하면서 몰입감을 줬는데, 이후 이런 템포와 구성은 ‘JFK’나 ‘언더시즈’에서도 비슷한 방식으로 차용되면서 ‘액션 스코어’의 한 패턴이 된다. 영화의 사운드트랙은 그래미 시상식에서 올해의 영화음악 부문을 수상하기도 했다. 첼리스트 요요마가 엔니오 모리코네의 곡들을 연주한 앨범에 수록되기도 했던 애잔한 ‘데스 테마’는 숀 코너리가 죽는 장면에서 흐른다. ‘시네마 천국’의 테마 일부가 겹치는데, 이는 다양한 이들로부터 기타와 피아노로도 연주됐다.극 막바지 시카고 유니언 역의 총격전 내내 흐르는 ‘머신건 럴러바이’는 천진난만한 오르골 소리와 불길한 현악 스트링이 미묘하게 조화를 이루면서 긴장감을 자아낸다. 총격전이 진행되는 역의 계단에서 낙하하는 유모차를 음악적으로 풀어낸 것이다. ‘전함 포템킨’의 ‘오뎃사의 계단’ 신을 패러디한 이 장면은 원래 대규모 액션 신으로 기획됐으나 예산이 없어 급하게 ‘발명’된 것이라고 한다. 과연 탁월하다.영화의 거대한 스케일에 모리코네의 무게가 실로 적합하게 맞물려 있는 편이다. 폭력을 행사하는 자, 그리고 그것을 처단하려는 사명감에 불타는 남자들 사이의 비장감은 사운드트랙 내내 이어진다. 니노 로타가 ‘대부’에서 했던 것처럼 결국 이탈리아 출신 마피아에 관한 얘기는 이탈리아 작곡가에 의해 그 분위기가 완성되는 법이었다. 대강 훑어 들으면 중후하고 위엄 있는 듯 보이지만 세세히 뜯어보면 이는 숨돌릴 틈조차 없이 긴박하고 차갑다. 마치 남성들의 세계처럼. 불싸조 밴드

엔니오 모리코네와 ‘시네마 천국’ ‘말레나’ ‘언노운 우먼’ 등을 함께해온 이탈리아의 명장 주세페 토르나토레 감독의 대작 ‘피아니스트의 전설’(The Legend of 1900)은 5년여의 공백 끝에 완성됐다. 끝없는 바다 위를 영원히 순회하는 전설의 피아니스트 역할은 영국의 명배우 팀 로스가 완벽하게 소화해냈다. 주세페 감독은 그의 연기를 두고 “마치 찰리 채플린을 떠올리게 한다”며 극찬했다. 촬영은 ‘메피스토’의 라요슈 코르타이, 그리고 의상은 페데리코 펠리니의 ‘그리고 배는 항해한다’의 마우리치오 미레노티에 의해 이루어졌다. 이 일류 스태프는 완벽한 역할 분담을 통해 작품에 기여하고 있었다. 웅장한 세트 또한 거대한 시대의 흐름을 재연해내는 데 제 몫을 다한다.대서양을 끝없이 왕복하는 호화여객선 버지니아 호의 댄스홀 피아노 위에 버려진 아기의 이름은 ‘1900’이라 지어진다. 여객선 안에서 키워지면서 일평생 단 한번도 배 밖으로 나오지 않고 성장하는 1900은 피아노에 재능을 보이며, 악보를 읽지 않고 승객들의 표정과 행동에 따라 감성에 포커스를 맞춘 연주를 하면서 사람들을 사로잡는다. 육지에 대해 궁금해하며 즉흥 연주로 여러 재즈 명인들과의 대결을 펼치는 와중, 어느 아름다운 소녀에 매료돼 이전에 없던 감동적인 음악을 표현해낸다. 1900은 자신이 녹음한 레코드를 그 소녀에게 전하려 하지만 소녀는 사라지고, 수년 후 그는 태어나서 처음으로 배에서 내리려는 결심을 한다.피아니스트가 주인공이며, 게다가 모리코네가 음악을 담당한 터라 작품은 그 무엇보다도 음악에 집중돼 있다. 주세페 감독이 “영화의 모든 것은 모리코네와 음악을 만드는 일로부터 시작됐다”고 밝혔듯, 각본이 완결되기 이전부터 이미 음악은 완성돼 있었다. 8분여에 달하는 웅장한 메인 테마는 모리코네의 공연 초반부에 항상 연주되던 레퍼토리이기도 했다. 1900년대 초반의 재즈와 래그타임을 오가는 서정적인 피아노 반주는 모리코네와 오랜 시간 함께 해온 피아니스트 길다 부타의 연주이다. 이 피아노 곡들은 결국 따로 악보로도 발간됐으며, ‘매직 왈츠’와 ‘플레잉 러브’의 경우 많은 이들이 연주하기도 했다. 음반에는 핑크 플로이드의 로저 워터스가 모리코네의 곡에 가사를 붙이고 에디 벤 헤일런이 기타를 연주한 ‘로스트 보이즈 콜링’을 수록하고 있는데, 통일성이 떨어지는 배치이지만 가사가 있는 노래는 미묘한 여운을 남긴다. 참고로 이탈리아 발매판을 구해보면 더 많은 삽입곡을 접할 수 있을 것이다.모리코네는 수백 편의 작품을 해왔지만 정작 이렇게 음악가가 주인공으로 대대적으로 부각되는 ‘음악영화’를 만든 적은 없었다. 이 때문에 엄청난 야심을 토대로 진행됐으리라 생각된다. 이는 곡의 편성에서도 대대적으로 비쳐진다. 결국 1990년대 후반 모리코네 최고의 걸작으로 완결돼, 골든 글러브 시상식에서 작곡상 부문을 수상하는 쾌거를 이룩한다. 하나의 배와 함께 태어나 끝나는 이름 모를 음악가의 슬픈 신화에 흐르는 모리코네의 악곡들은 다양한 감정선에 뜨거운 불을 점화한다. 지금까지 존재하지 않았던 선율, 그리고 바다 한가운데 사장된 이야기를 담은 비밀의 레코드가 바로 여기 있다.불싸조 밴드

이탈리아에서 1988년에 제작된 영화 ‘금테안경’은 제2차 세계대전 전야, 이탈리아 북부의 도시 페라라를 배경으로 파시스트와 나치에 의한 유대인 박해가 서서히 압박을 가해오던 시기의 인간군상을 그려냈다. 우리에겐 ‘시네마 천국’의 알프레도로 알려진 프랑스 국민배우 필리프 누아레와 영국 출신의 루퍼트 에버릿, 그리고 이후 할리우드에 진출하는 발레리아 골리노 등 쟁쟁한 배우들의 열연을 확인할 수 있는 작품이다.이탈리아의 유명 시인이자 소설가 조르지오 바사니에게 명성을 안겨준 ‘페라라 이야기’ 시리즈의 일부인 이 작품은 그의 다른 작품들과 마찬가지로 파시스트가 점령한 페라라 마을의 탄압받는 유대인 공동체 속에서 억압을 강요당하는 개인의 삶을 묘사해냈다. 그의 소설 중 비토리오 데시카에 의해 영화화된 ‘핀치 콘티니가의 정원’은 아카데미상을 받기도 했다. 이 역시 페라라에 불어닥친 파시즘과 나치의 광기로 무너지는 상류층 유대인 가족에 관한 얘기였다.1938년, 마을사람들로부터 존경받는 50대 노의사 파디가티는 젊은 아마추어 복서 에랄도에게 묘한 감정을 느끼고 함께 여름 바캉스를 보낸다. 명망있는 노인이 동성의 젊은 육체에 매료되는 대목은 ‘베니스의 죽음’을 연상시킨다. 하지만 파디가티를 흠모하던 한 부인이 소문을 확대시키면서 마을 사람들은 그를 멀리하고 에랄도 역시 그의 돈을 훔쳐 달아나면서 완전한 고독에 휩싸인다. 한편 유대인 문학도 다비드는 안정적인 삶을 위해 파시스트 장군과 결혼하고 개종한 연인 노라를 잃었음에도 불온한 시대에 굴하지 않고 의연하게 생을 이어나간다. 처연하게 마을에 남아 있는 파디가티와 다비드는 우정을 통해 서로의 고독과 아픔을 보듬는다. 시대에 희생당한 두 개의 사랑이다.1980년대 후반 모리코네 사운드의 정점을 담아낸 숨은 걸작이다. 감독 줄리아노 몬탈도와 엔니오 모리코네는 이미 ‘사코와 반제티’에서 함께 작업했다. 가슴으로 울게 만드는 감동의 메인 테마, 모리코네의 이후 작품인 ‘러브 어페어’와 비슷한 멜로디의 피아노 연주로 이루어진 ‘노디 디 누디’, 그리고 천진난만하게 흐르는 ‘인 트레노’ 등이 가슴을 뜨겁게 만든다. 그리고 이 완벽한 스코어들은 아름다운 영상과 함께 마음속에 고스란히 스며들어간다. 이 할당된 지면 내에서 세세한 설명은 불가능하기에 반드시 들어볼 것을 권한다. 음반을 구하기는 어렵겠지만 유튜브와 같은 웹사이트를 통해 쉽게 음악을 들어볼 수 있다. 거두절미하고 개인적으로도 가장 사랑하는 엔니오 모리코네의 작품이다.외로운 파디가티는 떠돌이 개를 잠시 키운다. 그동안 방안에서 혼자 해오던 독백이 개를 키우면서 마치 대화처럼 느껴진다는 쓸쓸한 고백은 가슴마저 먹먹하게 만든다. 하지만 개마저 원래 주인에게 떠나버리고, 끝없이 이어지는 이 고독 앞에 결국 노의사는 스스로 무너져내린다. 이 세상 그 어느 음악보다도 아름다운 이 사운드트랙은 결국 보답받지 못한 사랑을 가슴에 품은 모든 이들을 위한 일종의 눈물겨운 위안이다. 불싸조 밴드

주세페 파트로니 그리피의 1969년 작 ‘어느 날 밤의 만찬’(Metti Una Sera A Cena)은 영화보다 음악으로 더 유명하다. 이 성애(性愛)영화는 매력적인 이탈리아 중산층들의 일탈게임을 감각적으로 그려냈다. 유명한 작가가 자신의 부인, 그리고 부인의 양성애자 친구 사이에서 사치스러운 유희를 즐긴다. 이 세 사람 사이에 또 다른 인물들이 개입하면서 관계는 점차 미궁으로 빠진다. 영화의 제목처럼 다섯 등장 인물들이 테이블에 앉아 만찬을 벌이는 장면은 고풍스러운 미장센과 편집, 미술로 완성됐다. 1960년대 말의 자유로운 분위기, 이를테면 68혁명이나 우드스탁 같은 움직임이 급속도로 전염되던 시기에 성적으로도 비교적 급진적이었던 이탈리아에서는 수많은 성애영화가 쏟아져 나왔다. 그리고 당시 이탈리아(혹은 유럽)의 성애영화 사운드트랙들은 현재 여느 카페들이나 라디오 시그널에서 쉽게 접할 수 있는 라운지 음악, 이지 리스닝의 토대가 됐다. ‘르네의 사생활’, ‘끌로드 부인’, 혹은 ‘엠마뉴엘’의 음악들을 생각해 보라.그 무렵 엔니오 모리코네 역시 다양한 에로영화들의 사운드트랙을 만들어 왔다. 하지만 ‘어느 날 밤의 만찬’은 그의 60년대 성애영화 레퍼토리로는 유일하게 아직까지도 공연에서 연주되는 작품이다. 모리코네의 75세 생일을 기념해 자신의 곡들을 직접 선곡해 재녹음한 앨범 ‘이티너래리 오브 어 지니어스’(Itinerary of a Genius)에서도 본 사운드트랙의 수록곡 ‘디종, 욍수아 아 디네’(Disons, un soir a diner)가 삽입된 바 있었다. 일단은 모리코네 본인이 이 사운드트랙에 각별한 애정을 가진 듯 보인다. 앨범은 미수록곡들을 추가해 두세 번에 걸쳐 재발매됐다.세 개의 음이 무한 반복되는 모리코네 특유의 멜로디 작법을 토대로 아름다운 스트링이 더해진 메인 테마 ‘어느 날 밤의 만찬’의 경우 몇십, 몇백 명의 아티스트들에 의해 다시 불렸다. 이는 현재까지 이어졌는데 칸초네의 여왕 밀바부터 2000년대의 이탈리아 라운지 트리오 발란소까지 다양한 세대들을 아울렀다. 미국에서는 샌드파이퍼스를 통해 ‘허리 투 미’(Hurry to Me)라 번안돼 불려지기도 했다.아마 한국의 젊은 세대들에겐 CF를 통해 시에스타 레이블의 편집앨범 ‘여행 3부작’에 수록된 말라벨라의 버전으로 잘 알려져 있을 것이다. 이탈리아 특유의 아련한 무드로 채워진 보사노바 명곡이다. 이 아름다운 멜로디의 스캣은 누구나 쉽게 따라 흥얼거릴 수 있었다.피아노로 심플하게 시작되는 가슴 시린 트랙 ‘니나’(Nina) 또한 공연장에서 메인 테마에 이어 곧바로 연주되곤 했다. 메인 테마가 행복한 분위기를 자아냈다면 이 곡은 감정선의 클라이맥스로 청자를 인도하려 들었다. 약간의 허무를 머금은 비극과 슬픔은 세련된 감성으로 매듭지어진다.모리코네의 공연에서 직접 이 레퍼토리를 들었을 당시의 흥분은 아직도 생생하다. 이는 제목처럼 어느 날 밤의 만찬, 혹은 여유로운 휴식시간에 가장 적합한 레코드 중 하나일 것이다. 40여년이란 세월이 흘렀지만 지금에 와서도 여전히 신선하다. 이 심플하고 인상적인 멜로디는 결코 귀에서 멀어지는 법이 없다. 불싸조 밴드