1950년대 무렵 프랑스로부터 독립을 꾀하던 알제리 민족해방전선의 격렬한 투쟁을 한편의 다큐멘터리처럼 그려낸 걸작이 바로 ‘알제리 전투’다. 영화는 5년여에 걸쳐 수집한 수많은 증언과 기록들, 8만명의 알제리 시민, 그리고 알제리 군대의 협력을 얻어 철저한 리얼리즘을 바탕으로 제작됐다. 종주국인 침략자 프랑스가 숨기려 했던 폭력의 역사는 이탈리아 감독 질로 폰테코르보에 의해 적나라하게 묘사된다. 그는 2차 세계대전 중 반파시스트 유격대로 싸웠던 경력을 지닌 인물이었다. 2차 대전 당시 나치의 억압으로부터 자유를 외치던 프랑스 또한 다른 여러 국가들을 식민통치해 왔는데, 이런 내용의 영화를 이탈리아가 제작해 들춰내는 것은 마치 프랑스도 순수한 피해자만은 아니라며 비웃는 듯한 뉘앙스를 줬다. 게다가 2차 대전 당시의 프랑스 레지스탕스 영웅을 알제리로 파견해 해방운동을 근절하려는 전략은 그야말로 역사적 아이러니로밖에는 설명이 되지 않았다.영화의 제작자이자 배우로도 출연하고 있는 야세프 사디는 실제 알제리의 독립운동 당시 지하조직을 지도한 인물이었다. 그는 영화에 대해 이렇게 말했다. “나는 기관총 대신 카메라를 들었다. 그리고 특정 국가나 국민을 심판하자는 내용이 아닌, 전쟁과 폭력의 공포를 객관적으로 전달하는 영화를 만들고 싶었다.” 그의 언급처럼 결국 영화는 끝없이 물고 물리는 폭력의 환멸을 담아냈다. 즉 프랑스 군대의 잔혹함뿐만 아니라 알제리 민족전선 자체의 숙청, 그리고 여성이나 아이를 이용한 보복 폭탄테러 또한 여과 없이 같은 시각으로 투영해낸 것이다. 영화는 소재의 화제성과는 별개로 훌륭한 카메라 워크와 편집 또한 절찬되면서 다수의 영화제에 초청받았다. 이 때문에 관객의 정치적 노선과는 별개로 흥미롭게 감상할 수 있을 것이다.이탈리아가 자랑하는 위대한 영화음악가 엔니오 모리코네의 공연에서도 ‘알제리 전투’의 테마는 항상 연주돼왔다. ‘바스터즈: 거친 녀석들’에도 삽입된 바 있는 ‘알제 노벰버 1, 1954(Algiers November 1, 1954)’와 ‘더 배틀 오브 알제 마치(The Battle of Algiers March)’는 스네어 리듬을 강조하면서 군악대조의 긴장감을 성공적으로 구현해냈다. 긴박한 분위기가 조성되는 가운데, 프랑스의 희생자들과 알제리의 희생자들을 비추는 각기 다른 장면에서는 서글픈 멜로디로 이루어진 ‘토처스(Tortures)’를 똑같이 배치하기도 했다. 이는 영화가 두 진영을 평등하게 묘사하려 했던 의도를 엿볼 수 있는 대목이었다. 그러니까 본편에서 오직 음악만이 양 국가의 희생자들을 공평하게 슬퍼해주고 있는 것이다. 영화의 음악적 테마를 프랑스 대 알제리로 나뉘어 놓은 것이 아닌, 싸우는 자들과 희생당한 자들로 분류해 놓은 셈이다. 영화의 뜻과 그 궤를 같이하는 훌륭한 음악적 효용이라 하겠다.무려 132년간 이뤄진 프랑스의 식민지배로부터 결국 알제리는 독립을 완수해냈다. 만일 혁명이 실패했다면 이 봉기는 단순한 ‘테러리즘’ 정도로 프랑스 역사 한 구석에 짧게 서술됐을지도 모른다. 팔레스타인 문제는 물론 ‘테러와의 전쟁’이라 칭했던 아프간, 그리고 이라크 전쟁 역시 머지않아 다른 시점으로 그려지는 시대가 올 것이다. 중요한 것은 관점이다.불싸조 밴드

문학가족 브론테 가문의 세 자매 중 첫째인 샬럿 브론테의 1847년도 고전 ‘제인 에어’는 TV와 영화, 그리고 브로드웨이 뮤지컬로도 수차례 제작됐다. 이는 짧은 지면에서 일일이 언급하기 버거울 정도인데, 영화의 경우 1944년도에 오손 웰스가 출연했던 버전, 그리고 비교적 최근인 1996년작 샤를로트 갱스부르가 출연한 프랑코 제페렐리 감독의 작품이 우리에게 널리 알려졌다. 새롭게 제작된 2011년도 판 ‘제인 에어’는 캐리 후쿠나가 감독과 현재 가장 왕성한 활동을 펼치고 있는 연기파 배우들의 조합을 통해 완성됐다. 감독은 샬롯 브론테가 소설을 썼을 당시 느꼈던 감정을 캐치해 내는 데 주력했다고 한다. 참고로 책이 처음 발간될 당시 샬롯 브론테는 ‘커러 벨’이라는 남자 이름의 필명으로 대체하기도 했다.부모님을 여의고 외숙모에게 구박받으며 자라다가 기숙학교에서마저도 험난한 생활을 하던 제인 에어는 손필드 저택의 가정교사로 고용된다. 이후 집주인인 로체스터와 제인 에어 사이에 묘한 기류가 흐르지만 그녀의 인생에 퍼붓는 운명의 폭풍우는 좀처럼 멈출 줄을 모른다. 이탈리아 출신의 작곡가 다리오 마리아넬리에게 ‘제인 에어’라는 소재는 훌륭한 캔버스가 되어줬다. ‘오만과 편견’의 사운드트랙을 수십만 장 이상 팔아치우고, ‘어톤먼트’를 통해 아카데미를 수상한 전적이 있던 그는 고전뿐만 아니라 ‘브이 포 벤데타’, ‘먹고 기도하고 사랑하라’와 같은 다양한 장르의 영화음악들 또한 완수해 냈다. 그리고 드디어 ‘제인 에어’를 통해 그의 주특기인 ‘고전’으로 다시 돌아왔다. 특유의 신비로운 멜로디와 가늘고 감정적인 선율로 무장한 사운드트랙은 집시풍의 피와 영국 북부의 전통음악을 바탕으로 탄생했다. 특히 전면에 등장하는 바이올린 솔로의 경우 클래시컬 브릿 어워드에서 수상한 바 있는 젊은 바이올리니스트 잭 리베크의 서슬 퍼런 연주로 이뤄져 있다. 다리오 마리아넬리 역시 잭 리베크의 바이올린 연주가 음악에 새로운 생명을 불어넣었다며 극찬을 아끼지 않았다. 수많은 버전들이 존재하는 고전을 재해석하는 일은 영광스러운 작업인 동시에 일종의 도전이기도 하다. 유독 이탈리아 출신의 영화음악 작곡가들이 안타깝고 감성적인 라인을 만드는 재주가 있었는데, 이는 다리오 마리아넬리 역시 마찬가지였다. 적은 음수로 이루어진 품위 있는 아르페지오는 세상에 치이면서 점점 억척스러워지는 여린 소녀의 캐릭터를 담담하게 재연해낸다. 슬픔을 머금고 있지만 지나치게 절망스럽지는 않은 편인데, 애수에 젖은 바이올린 선율은 유독 제인 에어 그녀 자신과도 무척 닮아 있다. 문학과 영상을 더욱 ‘영화’답게 완성시키는 것은 결국 음악의 몫이었다. 만일 당신이 ‘제인 에어’의 줄거리를 꿰고 있다면 곡 제목을 통해 무슨 장면에 어떤 음악이 사용되는지를 유추해 볼 수 있을 것이다. 십대 소녀의 잔인한 성장기라는 테마는 시대가 바뀌어도 끊임없이 반복되고 공감된다. 이렇게 21세기 버전의 ‘제인 에어’는 다시 한 번 소녀들, 그리고 한때 소녀였던 이들의 마음을 세차게 두드리고 있다. 불싸조 밴드

호주의 여류감독 제인 캠피온의 출세작 ‘피아노’(The Piano·1993)는 풍부하고 몽환적인 영상, 그리고 무엇보다 놀라운 사운드트랙으로 관객들을 매료시켰다. 19세기 무렵을 배경으로, 실어증에 걸려 6살 이후부터 말을 하지 않는 주인공 에이다와 그녀의 딸이 얼굴 한번 보지 못한 새 남편과 재혼하기 위해 스코틀랜드에서 미개척 식민지인 뉴질랜드로 이주하면서 이야기가 전개된다. 팔려가다시피 재혼한 에이다는 주체적인 삶을 멈추고 오로지 피아노 연주에만 몰두한다. 하지만 얼굴에 마오리족 문신을 한 야수 같은 사내에게 피아노를 가르치기 시작하면서 그녀의 감정과 드라마는 급물살을 탄다. 어둡게 가라앉은 색조의 화면, 현실과 동떨어진 것 같은 미개척지의 자연경관은 차분한 동시에 수려한 볼거리를 제공한다. 말을 하지 않는 여주인공이 피아노를 연주하는 영화에서 음악은 무척 중요한 위치를 차지한다. 에이다는 피아노를 통해 의사소통을 하는 것에 다름아니었다. 극중에서 멜로디는 하나의 문장이 되고, 그녀의 기분을 투영하는 표정이 된다. 물론 영화에서는 에이다 역할의 홀리 헌터가 직접 트레이닝을 통해 대역 없이 연주해냈지만, 실제로 음반에 레코딩된 것은 영화의 음악을 담당한 마이클 나이먼의 연주였다. 주로 실험적인 작업들을 통해 이름을 알린 마이클 나이먼은 ‘피아노’에서 자신의 서정적인 면모를 끝까지 밀어붙인다. 감독 제인 캠피온은 마이클 나이먼이 음악을 통해 하나의 유기적 세계를 창조해내는 능력을 가졌다면서 기용한 이유를 밝혔다. 인터뷰에 의하면 마이클 니만 자신에겐 새로운 도전이었으며 지금까지 했던 작품들 중 가장 어려웠다고 회고하기도 했다. 그는 스코틀랜드의 민속음악을 바탕으로 소박한 피아노 솔로부터 감정 과잉의 오케스트라 편성까지 성공적으로 완수해냈다. 그리고 영화의 제목처럼 모든 곡들에는 가슴을 울리는 창백하고 순수한 피아노가 중심에 놓여 있었다.누군가에겐 영화 자체보다도 기억에 남는 사운드트랙으로 각인될 것이다. 판매량과 이후의 파장을 보면 오히려 사운드트랙의 테두리를 넘어 두루 사랑받았던 작품이었다. 마이클 나이먼의 공연에서는 고정 레퍼토리가 됐으며, 새로운 편곡을 통해 악기군과 곡을 확장시키면서 또 다른 버전으로 재녹음 되기도 했다. 수많은 음악가들부터 피아노를 배우는 학생들까지 직접 연주하려 들었는데, 참고로 이후에 악보로 발간된 서적에는 사운드트랙에 수록되지 않은 곡들 또한 포함돼 있다고 한다. 몇몇 마이클 나이먼의 팬들은 대중 친화적이고 지나치게 감정에 치우친 본 작에 대해 불만을 표시하기도 했지만 결과적으로는 그의 대표작, 그리고 사운드트랙에 관해 이야기할 때 절대 빠지지 않는 걸작으로 기록되고 있다.‘피아노’는 대사가 없는 주인공의 심리상태를 음악적으로 묘사한 사례로 가장 적절하게 인용되는 영화가 됐다. 때로는 대사가 없는 장면, 혹은 가사가 없는 음악이 더 많은 말이나 감정을 담아내곤 한다. 그리고 이 서정적인 사운드트랙은 섬세한 여주인공과도 무척이나 닮아 있다. 그렇게 사운드트랙은 영화의 또 다른 주인공이 되어갔다. 목소리 없는 이의 노래, 혹은 마음의 풍경이다.불싸조 밴드

국내에 공식적으로는 가장 처음 소개됐던 피터 그리너웨이 감독의 작품 ‘요리사, 도둑, 그의 아내 그리고 그녀의 정부’는 정교한 세트와 치밀하게 계산된 연출, 그리고 영국의 내로라하는 실력파 배우들의 열연을 눈으로 확인할 수 있는 충격적 걸작이었다. 극심한 찬반 양론을 불러일으켰던 영화는 어느 고급 레스토랑을 무대로 네 명의 남녀가 10일간 겪는 아이러니한 사건을 그려낸다. 오만하고 호사스러운 생활을 하는 도둑, 그리고 그런 남편에게 폭행당하고 억압받는 아내는 일류 요리사의 레스토랑에서 매일 저녁식사를 한다. 도둑의 아내는 같은 레스토랑에서 항상 식사를 하는 어느 학자와 눈이 맞아 지속적으로 밀회를 갖지만 결국 이 관계는 도둑에게 발각된다. 성(性)과 음식, 그리고 권력을 비롯한 인간의 기본적 욕구를 다룬 스토리는 상상을 뒤엎는 끔찍하고 기발한 파국으로 치닫는다.폭력적인 장면들은 간혹 관능적으로 묘사되고, 도둑의 잔인함이 그려지면 그려질수록 오히려 우스꽝스럽고 고독한 사람처럼 비쳐진다. 이런 낯선 효과로 인해 보는 사람에 따라 별개의 서로 다른 해석들이 돌출됐다. 색깔이 분명한 무대세트와 장 폴 고티에가 디자인한 의상은 인물의 감정을 직접적으로 표현해주는 수단으로 작용하기도 했다. 아무리 문장으로 설명하려 해도 이 압도적인 영상미는 결코 전달되지 않을 것이다. 때로 작품은 영화를 보는 관객들마저 삼켜버린다.매우 구체적이며 또한 역설적인 피터 그리너웨이와 함께 가장 많은 작품을 해왔던 이는 바로 현대음악가 마이클 나이먼이다. 본 영화는 두 거장의 가장 유명한 결과물이기도 하다. 영화의 기이한 세계관을 완성시키는 것은 결국 나이먼의 절도있는 음악이었다.나이먼이 이끄는 마이클 나이먼 밴드의 합이 절정에 달한 작품이다. 유독 오케스트라에 색소폰을 자주 사용하는 그였는데, 이번에도 색소폰이 극과 곡의 긴장감을 더하고 있다. 앨범에 수록된 트랙은 다섯 곡이지만 총 40여분의 러닝타임을 가지고 있으며, ‘미제레레’(Miserere)에는 런던 보이스 성가대를 참여시키기도 했다. 영화, 그리고 앨범에서 가장 중요하게 두각되는 ‘메모리얼’(Memorial)은 나름의 내러티브를 가지고 장장 12분 동안 장중하게 전개된다. 곡은 부분부분 영화에 삽입되다가 충격적인 마지막 신에서야 비로소 전곡이 흐른다.나이먼의 메모에 따르면 이 메모리얼은 1985년 5월 29일 브뤼셀에서 진행된 리버풀과 유벤투스의 축구경기 도중, 훌리건에 의해 39명이 사망했던 참혹한 경기실황을 TV로 목격한 직후 만들었다고 한다. 장례식장의 행진을 테마로 하고는 있지만 그렇다고 이 곡이 세상에 일어난 모든 불행의 뒤안에 흐르는 일반적 추모용 음악의 용도로 만든 것은 아니라고 일러뒀다. 결국 피터 그리너웨이가 생각하던 그림과 곡이 완벽하게 일치하면서 영화 본 편에도 삽입된다. 비극의 감정을 담은 박력 넘치는 악곡은 영화를 보는, 그리고 음악을 듣는 이들을 선명하게 압도한다.인터뷰에 따르면 나이먼은 그동안 수많은 영화음악 의뢰를 거절해왔다. 그가 흥미를 느끼는 작품들은 매우 개성적이고 상식으로는 생각할 수 없는 영화들이라고 한다. 바로 ‘요리사, 도둑…’ 이 작품을 가리키는 말이다.불싸조 밴드

영국 출신 감독 마이클 윈터바텀의 1999년 작 ‘원더랜드’는 영화 속에서 특별한 사건이 일어나진 않지만 누구든 가슴에 안고 있는 고독과 고뇌, 그리고 작은 기쁨들을 담담하게 풀어내 많은 이들의 공감을 불러일으켰다. 인간은 근본적으로 애정의 욕구를 갖고는 있지만 결국 타인과의 접촉으로 인해 상처입곤 한다. 이렇게 채워지지 않는 허무함을 안고 사는 세 자매의 아무렇지도 않은 날들이 런던의 다운타운을 배경으로 콜라주처럼 진행된다. 근사한 영웅이나 아름다운 히로인이 등장하지는 않지만, 영화 내내 평범하게 흐르는 시간을 마치 한없이 고귀한 순간들처럼 그려냈다. 극의 중심에 있는 웨이트리스 나디아 역의 지나 맥키는 우리에겐 영화 ‘노팅힐’을 통해 익숙한 얼굴이다.선명하지 못한 16밀리 필름으로 촬영된 영화는 다큐멘터리 화면처럼 미묘하게 흔들리고, 특별한 조명을 사용하지 않은 길거리 장면들은 오히려 놀라울 정도로 현실적이며 동시에 묘하게 아름답다. 이는 오히려 보통 사람들의 일상을 다루는 데 더 설득력 있는 방식이었으며, 오해받기 쉬운 이 거친 입자의 화면에 최면을 거는 것은 결국 음악의 몫이다.외로운 도시에서 서툰 사랑으로 아파하는 사람들을 런던의 불빛이, 그리고 마이클 니만의 곡들이 상냥하게 감싼다. 실험적인 현대음악이나 피터 그리너웨이의 사운드트랙들을 작업해 오던 마이클 니만은 제인 캠피온의 ‘피아노’ 이후 대중적인 멜로디 라인을 만들기 시작했다. ‘원더랜드’는 마이클 윈터바텀과의 첫 번째 작품으로, 그의 다음 영화에서도 함께하며 심지어는 마이클 니만의 딸인 몰리 니만 역시 감독의 다른 작품에 음악으로 참여하기도 한다. 영화 ‘나인송즈’에 등장하는 마이클 니만의 공연장면에서는 ‘원더랜드’의 삽입곡들이 연주되기도 했다. 실제로 그의 피아노 솔로 공연에서 이 음악들은 자주 연주되는 편이다.음악은 마치 등장인물들의 안타까운, 그리고 외로운 기분을 모두 알고 있다는 듯 무심하게 흐른다. 마음속의 고독을 숨긴 채 진행되는 이 멜로디들은 서글프지만 희미하게나마 희망을 품고 있다. 사운드트랙에 수록된 열한 개의 곡 제목은 모두 등장인물들의 이름으로 이뤄졌는데, 이는 음악만큼이나 인간에 닿아 있는 설정이었다. 앨범은 영화와 별개로 훌륭한 한편의 피아노 소품집처럼 구성됐으며, 피아노와 현악기의 심플한 배치는 기분을 침착하게 만들어주곤 한다. 이 때문에 화면 없이 감상해도 충분한 정서적 울림을 선사할 것이다.안타까운 인생의 퍼즐은 이렇게 분리되고 다시금 짜맞춰진다. 우리네 지리멸렬한 일상을 담아낸 작품에 ‘이상향(Wonderland)’이라 이름 붙인 영화의 제목처럼 마이클 니만의 음악 또한 심플하고 모나지 않은 전개 속에서의 진한 감동을 성공적으로 구현해냈다. 일상이란 지나치기 쉬운 것이지만 하루하루 소중한 것이기도 하다. 흔한 표현처럼 평범한 일상이 모여 곧 한편의 ‘인생’이 완성되는 것 아니겠는가. 불싸조 밴드

시나리오 작가 출신 감독 앤드루 니콜의 걸작 SF 서스펜스 드라마 ‘가타카’(Gattaca)는 공개 당시 큰 화제를 모으진 못했지만 진중한 스토리와 세심한 연출로 오랫동안 사랑받고 있는 작품이다. 영화는 가까운 미래에 유전자 조작으로 사람을 탄생시키고, 태어날 때부터 유전자의 우열로 미리 인생이 결정되는 시대상황을 다뤘다.열성인자를 갖고 태어나 우성인자로 위장한 채 살아가는 에단 호크가 열성인자들에게는 금지된 우주비행사의 꿈으로 점점 다가가는 과정, 그리고 내부의 살인사건을 추적하는 형사가 그의 신분 위장을 추적하는 과정의 서스펜스가 그려진다. 결국 에단 호크는 우성인자들을 넘어선다. 영화에 담긴 이런 메시지는 경고라기보다는 일종의 계시, 혹은 작금의 현실을 반영한다.명문으로 알려진 파리 오페라 발레단의 경우 댄서 본인의 기술과 골격은 물론 혈연자의 질환이나 비만도까지 수세대에 걸쳐 조사한다고 한다. 이런 사항들이 일반적으로 상용되는 시대가 올지도 모른다. 부조리한 세계, 하지만 현실적이지 않다고 말할 수는 없는 세상이다.‘수학자’로 불리는 감독 피터 그리너웨이, 그리고 마이클 윈터바텀과 주로 함께 작업하다가 제인 캠피온의 ‘피아노’로 일약 스타덤에 오른 현대음악 작곡가·미니멀리스트인 마이클 니먼은 이 가상의 무균질 세계를 표현해내는 데 가장 적합한 인물일 것이다. ‘과학’은 이미 피터 그리너웨이의 작품들에서, 그리고 ‘서정’은 영화 ‘피아노’나 ‘애수’ 등에서 활용한 방식이었다. 사운드트랙은 오케스트라와 피아노 솔로 곡들을 바탕으로 뜨겁게 침잠하는 무드를 조성해낸다. 미술, 영상과 함께 음악 역시 정제돼 있고 조용하며 또한 서글픈 느낌을 담아내는 데 주력하고 있다. 슬픔으로 가득찬 ‘더 디파처’(The Departure)의 경우 여러 사람들이 피아노로 연주하곤 했다. 꿈으로 점점 다가가기 위해 분투하는 주인공의 비장함과 현실의 벽과의 거리감에서 오는 안타까운 감정, 그리고 세포들과 우주가 동시에 교통하는 니먼 특유의 ‘과학적’ 어레인지는 본 작품에서 빛을 발하고 있다. ‘인간’과 ‘기술’이 집약된 치밀한 음악들이 꾸준히 마음을 흔들어 놓으면서 영화의 감동을 소생시킨다. CD의 부클릿(소책자)에 적혀 있는 감독의 코멘트에 따르면, 니먼은 새벽의 감정을 채집해냈다고 한다. 영화에서처럼 푸르스름한 새벽에 이 음악을 들었으면 좋겠다. 과거의 작품 ‘캐링턴’에 이어 다시 한번 슈베르트를 빌려왔다. 영화에서 12개의 손가락을 가진 피아니스트가 연주하는 슈베르트의 즉흥곡 3번(G플랫 메이저)은 음반에도 수록됐는데, 이 열두 손가락의 피아니스트는 영화의 스토리와 그 궤를 같이한다. 12개의 손가락을 가진 사람을 위한 악보는 아무리 노력해도 일반인이 소화하기엔 무리이기 때문이다. 결국 유전자가 연습 혹은 노력보다 더 중요해지는 상황을 투영한 적절한 장면이라 하겠다. 앞으로 문명이 더욱 발전하고 유용해질지는 모르겠지만 분명 그 때문에 인간은 갈수록 지치게 될 것이다. 영화의 캐치프레이즈는 ‘인간의 영혼에는 유전자가 없다’였다. 그러니까 이는 결국 영혼의 문제다.불싸조 밴드

나탈리 포트먼에게 아카데미의 영광을 안겨준 '블랙 스완'은 발레리나의 아름다움과 광기를 그린 사이코 스릴러물이다. 서스펜스가 있지만, 암투나 배신 같은 게 등장하는 건 아니고 주로 포트먼이 연기한 주인공 '니나'의 내적 분열에 집중하는 편이다. (스포일러가 될지 모르겠지만) 혼자서 다치고 깨지며 온갖 정신적 압박에 시달리던 끝에 공연을 마무리하고 쓰러진 니나는 만신창이 상태에서 '완벽을 느꼈다'고 말한다. 마치 '서편제'에서 더 나은 소리를 위해 장님이 되어버린 송화의 한서린 마지막 씻김굿의 서양 버전처럼 느껴질 지경이었다.영화의 사운드트랙에는 감독 대런 애러노프스키와 매번 함께하는 클린트 맨셀이 다시금 합류했다. 원래 그는 '팝 윌 잇 잇셀프'라는 밴드의 기타리스트였으며 애러노프스키의 '파이'를 통해 영화음악가로 데뷔했다. 이 두 콤비는 프로 레슬러의 이야기인 '레슬러' 직후 블랙 스완의 작업에 돌입한다. 레슬링과 발레라는 주제는 미의 양식이 전혀 다를지언정 쇼비지니스의 세계를 다뤘다는 점에서 유사했다.스코어(영화를 위해 창작된 연주곡이나 주제곡)는 영화 속 발레 작품이기도 한 차이콥스키의 '백조의 호수'를 베이스로 만들어졌다. 이런 작업을 해봤던 적이 없는 맨셀에게는 일종의 도전과도 같았다고 한다. 거칠게 얘기하면 맨셀은 '백조의 호수'의 소스들을 가지고 어느 발레리나의 기괴하고 음습한 투쟁을 표현해내야만 했던 것이다. 때문에 이 유명한 걸작을 어떻게 맨셀이 만들어가는지를 지켜보는 것 또한 관건이었다. 클래시컬한 어레인지(편곡)를 담은 곡들, 기존 그가 했던 등장인물의 심리상태를 투영한 우울한 앰비언스(배경음) 트랙들, 그리고 이 두 가지가 묘하게 겹쳐진 형태의 곡들은 모두 각 상황에 맞게 배치되어 있다. 사운드트랙은 영상의 상승-혹은 특수-효과라든가 영화의 기승전결을 돕는 임무를 훌륭히 완수해내면서 애러노프스키의 영화에 그가 없으면 안 된다는 공식은 다시 한번 성립하게 됐다. 하지만 음악이 훌륭했음에도 차이콥스키의 원곡을 바탕으로 만든 배경 탓에 아카데미에서는 작곡상 후보의 결격사유가 된다.우울하고 아름답고, 가끔씩은 인간성을 상실한 미칠 듯한 선율이 필름 속에 파고든다. 그리고 과거 그의 작품들처럼 결코 귀에서 멀어지는 일이 없다. 연약하고 예리한 사운드 메이킹은 천진난만하게 진행되다가도 순식간에 목에 칼을 들이밀곤 한다. 사운드트랙에는 수록되지 않았지만 영화에는 국내에도 내한한 바 있는 일렉트로 듀오 케미컬 브라더스의 신곡들 또한 흐른다. 이 역시 '백조의 호수'의 요소들을 샘플링한 형태로 완성됐다.발레와 스릴러가 합쳐졌다는 대목에서는 다리오 아르젠토의 걸작 '서스페리아'(1977년)를 떠올릴 법도 하다. 고블린이 담당한 아름답고 기괴한 영화의 사운드트랙 또한 아직까지 전파되는데, 아마 맨셀은 '고결한 신경증'이라는 테마를 이 사운드트랙에서 참고하지 않았을까 싶다.불싸조밴드

1990년대 중·후반 한국 영화의 사운드트랙을 논할 때 가장 중요한 지점에 있는 작품이 바로 ‘접속’이다. 당시 한국 영화 박스오피스 1위를 차지하며 흥행에도 성공했지만 사운드트랙의 인기 또한 대단했다. 아마 ‘서편제’ 이후 한국 영화 사운드트랙으로는 가장 많은 음반을 팔았을 것이다. 당시 길거리에는 세라 본의 ‘어 러버스 콘체르토(A Lover’s Concerto)’가 쉬지 않고 흘러나왔다. 스탠더드 재즈곡이 그렇게 사랑을 받았던 적이 있나 의문이 들 정도였다. ‘접속’이 나오기 얼마 전 TV에서는 드라마 ‘애인’에 삽입된 캐리 앤드 론의 ‘아이 오 유(IOU)’라든가, ‘첫사랑’에 수록돼 발라드 밴드로 오인받았던 메탈그룹 스트라토바리우스의 ‘포에버(Forever)’ 같은 해외 삽입곡들이 히트를 친 전례가 있었다. 아무튼 ‘접속’은 한국 영화 사운드트랙으로는 팝송을 수록해 성공한 초기 사례였으며, 이후 ‘약속’이나 ‘해가 서쪽에서 뜬다면’ 같은 영화들이 팝송을 삽입해 히트하는 시발점이 됐다.영화는 서서히 인터넷 PC통신 이용자가 늘고 있던 시기가 배경이다. 과거에 집착하며 현재와는 벽을 쌓고 사는 심야 라디오 프로그램의 PD 동현(한석규)과 짝사랑에 가슴 아파하며 감정을 숨기고 사는 수현(전도연)은 PC통신이라는 폐쇄적인 수단을 통해 오히려 서로의 마음을 노출시킨다. ‘접속’의 행위는 현실과의 단절 혹은 또 다른 현실로의 출입이나 다름없었다. 결국 두 남녀 주인공은 영화의 마지막 즈음에서야 처음 조우하면서 ‘이상한’ 로맨스는 종결된다.세라 본의 곡 말고도 영화에 수록된 벨벳 언더그라운드의 세 번째 정규집 수록곡 ‘페일 블루 아이스(Pale Blue Eyes)’ 또한 인기몰이를 했다. 가장 말랑말랑했지만 저평가됐던 이 레코드는 당시 새벽 시간 FM을 장악했다. 길거리에는 세라 본, 그리고 심야 FM에서는 벨벳 언더그라운드의 노래가 끊임없이 흘러나왔던 것이다. 톰 웨이츠의 걸작 ‘프랭크스 와일드 이어(Franks Wild Year)’에 수록된 ‘예스터데이 이즈 히어(Yesterday is Here)’, 우리에겐 영화 ‘러브 액츄얼리’로 잘 알려진 ‘러브 이즈 올 어라운드(Love is All Around)’의 주인공인 트록스의 ‘위드 어 걸 라이크 유(With a Girl Like You)’, 오리지널 ‘카지노 로얄’에도 삽입된 바 있던 더스티 스프링필드가 부른 버트 배커랙의 스탠더드 ‘더 룩 오브 러브(The Look of Love)’ 또한 사운드트랙에 수록되면서 일종의 ‘편집음반’의 역할을 성공적으로 수행했다.영화의 대사가 삽입된 오리지널 스코어들도 존재한다. 이는 쿠치나 어쿠스티카와 최만식의 작품으로, 특히 유일한 한글 노래인 손지예·방대식의 듀엣곡 ‘나보다 더 외로운 사람에게’는 유독 쓸쓸한 보사노바풍 분위기로 완성됐다.삶은 증발하고 감정과 감각만이 지배하는 1990년대 여피들의 감상적 세계관을 물신화했다는 지적을 피할 수는 없었지만, 90년대 중반 한국 사회를 지배하던 공기는 이 영화, 그리고 사운드트랙에 고스란히 배어 있다. 인터넷 문명의 뒤쪽에서 폐쇄적으로 살아가는 작금의 우리 삶도 당시와 크게 다르지 않다. 낯선 방식으로 말걸기를 시작한 쓸쓸한 90년대 여피 네티즌들에 대한 일종의 보고와도 같은 영화, 그리고 사운드트랙이다. 불싸조밴드

영화 ‘세븐’, ‘파이트 클럽’, ‘조디악’ 등을 만든 데이비드 핀처 감독은 현재 우리 사회의 가장 중요한 화두인 ‘페이스북’의 창업자 마크 주커버그에 관한 영화를 만들기로 결심했다. 마크 주커버그는 영화 ‘더 소셜 네트워크’(사진)를 보고 옷만 빼면 자신과의 공통점이 전혀 없다며 난색을 표했지만 제68회 골든 글러브 시상식에서 주요 부문을 수상하면서 영화는 선전한다. 영화의 사운드트랙 역시 ‘베스트 오리지날 스코어’ 부문을 수상했으며, 아카데미 시상식에서도 다시 한번 같은 부문을 수상하는 영광을 안게 된다. 한국에서 ETP 페스트를 비롯해 두 번의 내한공연을 한 바 있던 인더스트리얼 원맨밴드 나인 인치 네일즈(이하 NIN)의 트렌트 레즈너와 아티쿠스 로스가 영화음악에 참여했다. 데이비드 핀처는 이미 ‘세븐’의 인상적인 오프닝 크레디트에 NIN의 ‘클로저(Closer)’를 사용한 바 있었으며, 그 짧은 영상에서 이들의 궁합은 입증됐다. NIN이 자신의 앨범 ‘더 슬립(The Slip)’을 공식 사이트를 통해 무료 다운로드로 유포하며 웹상에서 활발한 프로모션을 전개했던 전력은, 아무 생각 없이 자신이 개발한 프로그램을 무료로 공유했던 영화의 주인공 마크 주커버그의 그것과도 일치했다. 과거 과격했던 음악들은 현재 점차 조용해지고 또한 개인적이 되어 가고 있는데, 일전에 발매했던 ‘고스트(Ghost)’ 시리즈가 마음에 들었다면 영화와 별개로 한 장의 앰비언트 레코드처럼 감상할 수도 있을 것이다. 영화 시작부분에 등장하는 화이트 스트라입스의 ‘볼 앤드 비스킷(Ball and Biscuit)’과 마지막에 흐르는 비틀스의 ‘베이비, 유어 어 리치맨(Baby, You’re a Rich Man)’, 그리고 예고편에 사용된 벨기에 여성 합창단 스칼라 앤드 콜락니 브러더스의 ‘크립(Creep)’의 커버곡은 음반에 수록되지 않았다. 이 음악들이 현장의 BGM 역할을 해준다면 트렌트 레즈너가 만든 오리지날 스코어는 등장인물의 공허한 심리묘사를 그리는 데 주력하고 있다. 누군가의 언급처럼 몇몇 음원 소스들은 마치 컴퓨터 팬소리를 연상케 하기도 한다. 점점 부자가 되어가지만 ‘동업자’들은 적이 되고 점차 고립돼 가는 이 신경증적, 자전적 스토리에 또 다른 신경증의 아티스트 트렌트 레즈너가 스코어를 담당하고 있는 것은 그럴듯해 보인다.그리고 피아노가 사용된 약간은 밝은 부분들은 ‘인간미’라기보다는 ‘연민’의 정서에 닿아 있다.트렌트 레즈너의 경우 소셜 네트워크 웹사이트들에 대해 이익보다는 해가 많다는 의견을 가지고 있다고 밝혔다. 소셜 네트워크 회사들은 비싼 가격에 되팔기 위해 그저 사용자를 늘리는 일에만 신경쓸 뿐 체험의 질은 전혀 상관하지 않고 있다는 것이다. 자신의 앨범과 비디오를 인터넷으로 무료 공개하며 상업적 실험을 했던 그로서는 의외이지만 개인적으로도 이 의견에 비교적 동의하는 편이다. 일반 CD버전 이외에도 과거 NIN의 몇몇 앨범들처럼 5.1 채널 버전으로도 함께 발매됐다.집에 5.1 홈씨어터가 세팅돼 있는 분들 중 더욱 섬세한 입체효과를 즐기고 싶은 분들은 참고하시길. 데이비드 핀처의 다음 영화인 ‘더 걸 위드 더 드래곤 타투(The Girl with the Dragon Tattoo)’ 역시 트렌트 레즈너가 음악을 담당한다고 한다.불싸조밴드

이번주부터 ‘한상철의 영화음악 이야기’가 연재됩니다. 인디록밴드 ‘불싸조’의 리더인 한상철씨가 최신 영화에서 고전 영화에 이르기까지 시대를 넘나드는 다양한 장르의 사운드트랙을 소개합니다.1982년 특수효과의 대담한 사용을 통해 SF 영화사에 한 획을 그었던 ‘트론’은 당시 큰 흥행성적을 거두지는 못했다. 하지만 팀 버튼(‘배트맨’, ‘가위손’)과 ‘아이스 에이지’를 감독한 크리스 웨지가 디즈니 수습사원일 무렵 참여했던 작품이라는 사실만으로도 그 의미가 남다르다고 할 수 있다. 그리고 마침내 이 할리우드 특수효과의 시초와도 같았던 본작의 속편 ‘트론: 새로운 시작’이 30여년의 세월이 흐른 후 우리 앞에 모습을 드러냈다. 애플, 나이키 등의 혁신적인 상업광고를 다뤄온 최첨단 영상작가 조셉 코진스키가 연출을, 그리고 전작의 주인공인 명배우 제프 브리지스는 같은 역할로 출연했다. 전작의 감독 스티븐 리즈버거 또한 영화의 프로듀서로 참여해 큰 기대를 모았다.이 영화의 사운드트랙(사진·2010년)은 프랑스를 대표하는 일렉트로 듀오 다프트 펑크가 맡았다. 다프트 펑크에게는 2005년 작 ‘휴먼 애프터 올’(Human After All) 이후 거의 5년 만의 정규 앨범이 되는 이번 사운드트랙은 1980년대 제작된 오리지널의 성격을 고스란히 간직한 채로 최첨단화시켜 놓았다. 이는 오래된 샘플을 첨단화시키는 다프트 펑크의 기존 작업방식과도 일치한다. 이 때문에 이 ‘복각 작업’을 진행할 수 있는 유일한 적자는 오직 다프트 펑크뿐이었을 것이다. 다프트 펑크는 이 앨범에서 일렉트로-댄스 뮤직을 기초로 100인조 오케스트라를 참여시키면서 사운드트랙 컴포저로서의 매력 또한 성공적으로 분출해내고 있다. ‘팩트 매거진’과의 인터뷰에서 다프트 펑크는 이 앨범 작업에 대해 “지금까지 참여했던 프로젝트 중 가장 도전적이고 복잡한 것”이었다고 언급하기도 했다. ‘트론: 새로운 시작’ 사운드트랙은 그들의 기존 곡들과 미묘한 교집합점이 분명 있지만, 좀 더 비장미를 갖춘 사이버펑크·비디오게임 사운드트랙에 가까워 보인다. 일종의 콘셉트 앨범인 셈이다. 사운드트랙은 일렉트로한 요소들보다는 중후한 스코어(영화를 위해 만든 오리지널 연주곡)가 대부분 배치되어 있는데, 이 때문에 아무래도 전자음악이나 기존 다프트 펑크 팬들보다는 오리지널 스코어 애호가들의 기호에 더 부합하지 않았나 싶다. 일단 사운드트랙이 영화의 일부라는 설정 아래 이전에 해왔던 자신들의 음악 스타일에 구애받지 않고 펼쳐보인 부분은 대단한 음악적 성과다. ‘블레이드 러너’나 ‘1984’와 같은 약간은 묵시록적인 SF 사운드트랙을 사랑했던 사람들 또한 매혹시켰으니 말이다.1982년 원작의 사운드트랙은 ‘시계태엽 오렌지’ 등의 영화음악과 바흐를 무그로 연주한 일련의 앨범들로 유명한 일렉트로 뮤직의 파이오니아 웬디 카를로스(원래는 월터 카를로스였고 성전환한 이후 웬디로 개명)가 담당했다. 다프트 펑크는 이 전자음악의 아버지(혹은 어머니)를 뛰어넘어야 했다. 이는 마치 영화 속에서 원작의 주인공 제프 브리지스와 묘한 대립관계를 보이는 새로운 주인공이자 그의 아들의 구도와도 무척 닮아보인다. 현 일렉트로 신의 최전선에 위치한 퓨처리스트들과 이 업그레이드된 클래식 SF영화의 매치는 꽤나 박빙의 승부수다. 불싸조밴드