크리스마스를 전후로 한 배경, 그리고 영화의 두 주인공이 턴테이블로 듣는 냇 킹 콜의 ‘네이처 보이’는 확실히 ‘언테임드 (Untamed Heart)’를 겨울영화처럼 인식하게 만들어줬다. 그리고 개인적으로도 매년 겨울에 챙겨보는 영화 중 하나가 됐다. 격렬한 감정의 기복 없이 심플하게 구성된 이 이야기는, 너무 깊게 생각할 필요 없이 있는 그대로를 따라가보는 것만으로도 충분히 애잔한 기운을 줬다. 에스컬레이터에서 엇갈리는 장면을 비롯해 남녀 간의 섬세한 디테일은 영화 내내 계속됐다.마리사 토메이는 실제로 미국 어딘가에 존재할 것 같은 여성을 연기해냈다. 본 작 직후 그녀는 ‘온리유’에서도 사랑의 운명에 강박적인 인물을 다시금 연기해냈고, 크리스천 슬레이터 역시 ‘헤더스’에서 사랑하는 이를 위해 무모할 정도로 자신을 바쳤던 인물을 연기해냈던 바 있었다. 배우로도 활약했고 ‘스팅’과 같은 걸작을 제작하기도 했던 토니 빌이 작품의 감독을 도맡았다.연애운이 없어 자주 버림받았던 캐롤라인은 남자들에게 강간당할 위기에 놓여지고, 그때 같은 식당에서 일하는, 말 대신 눈동자로 호소하는듯했던 과묵한 청년 애덤이 그녀를 구한다. 이전부터 스토커처럼 그녀를 응시해온 애덤의 한결같은 모습에 둘은 급속도로 사랑에 빠져가지만 애덤은 심각한 심장병을 앓고 있었고, 게다가 강간범들의 보복으로 큰 부상마저 입게 된다. 애덤은 자신의 병약한 심장은 특별한 것이기에 다른 심장을 이식하면 당신을 사랑하던 내가 아니게 된다며 이식을 거부한다. 죽음의 불안을 혼자 견뎌낸 청년, 그리고 사랑에 운이 없던 소녀가 겨우 잡아낸 행복의 순간은 그야말로 지독하게도 짧았다.‘마이걸 2’, ‘나우앤댄’, 그리고 ‘리지 맥과이어’ 등 주로 소녀 취향 가족영화의 사운드트랙들을 담당해온 클리프 아이델만이 본 작에 투입됐다. 눈 내린 호수 부근을 생각게 하는 조용한 피아노, 클라리넷, 그리고 오케스트라의 선율이 작품 전반적으로 침착한 감동을 선사해주고 있었다. 이 미완의 러브스토리를 장식하는 안타깝고 푸근한 곡조들은 유독 가슴을 두드려냈다. 영화 시작을 알리는 수전 베가의 ‘톰스 다이너’, 로스 로보스의 ‘트라이 미’, 그리고 카우보이 정키스의 ‘블루문 리비지티드’ 등의 곡들은 아쉽게도 음반에 수록되지 않았다.영화평론가 로저 에버트는 “달콤하고 바보같지만 괜찮은 작품이며, 그 이유는 ‘심장-혹은 마음’이 있어야 할 자리에 제대로 위치했기 때문”이었다고 언급했다. 난치병이라는 구식소재를 끼워넣은 이 답답할 정도로 순수한 작품을 어린시절 무렵 봤을 땐 공감과 감동이 덜한 편이었지만, 어른이 되어 여러 과정을 거친 후에 감상하니 뭔가 소중한 기분을 느끼게끔 만들어줬다. 그럼에도 신선함은 그대로였다.외로운 도시의 소란 속, 소소한 젊은이들의 비련한 사랑이 희미한 여운을 남긴다. 사람들은 좋아하는 누군가와 함께 있을 수 있다는 것이 얼마나 행복한 일인지를 자꾸만 망각하는 것 같다. 정말로 소중한 사람은 바로 근처에 있었고, 그것을 알아차렸을 때는 벌써 한정된 시간의 끝자락에 가까워 있었다. 담담한 일상과 가슴속에 품은 사랑은 그렇게 안타깝게 다가왔다. 눈물은 흘러도 왠지 모를 따뜻하고 깨끗한 기분이 ‘심장’ 한 켠에 남는다. 모두가 똑똑한 세상에 필요한 아름다운 바보 같음이다.불싸조 밴드

또다시 소년은 혼자 남겨진다. 게다가 이번에는 자신의 집이나 고향도 아닌 뉴욕이라는 낯설고 광대한 타지다. 세계적인 대히트를 기록한 ‘나홀로 집에’의 속편에서 케빈은 한층 거대해진 스케일과 장애물을 상대해야만 했다. 하지만 기본적으로 캐스트가 같기에 에피소드와 극이 전개되는 방식은 대체로 유사한 편이었다. 비교적 실망스러운 여느 영화들의 속편과는 달리 꽤나 알차고 흥미로운 작품으로 흥행기록을 이어나갔다. 코믹배우로 여전히 명맥을 이어가는 롭 슈나이더, ‘록키 호러 픽쳐쇼’의 팀 커리, 그리고 ‘나의 왼발’로 아카데미 여우조연상을 수상했던 브렌다 플리커 등의 쟁쟁한 배우들이 힘을 실어줬다.이번에는 공항까지는 가지만 비행기를 잘못 타면서 엉뚱하게 뉴욕에 도착한다. 케빈이 묵는 플라자 호텔을 비롯, 크리스마스 시즌 뉴욕의 명소 이곳저곳을 비추면서 마치 케빈과 같이 이곳이 익숙지 않은 이들에게 뉴욕 대도시의 풍경에 빠져들게끔 유도해냈다. 특히나 2001년도 테러로 붕괴된 월드 트레이드 센터 옥상에서 케빈이 뉴욕을 바라보는 장면은 현재는 재연할 수 없는 광경이기도 했다. 뉴욕의 길거리에서 만나는 사람들, 이를테면 장난감 가게 사장, 비둘기 아줌마 등과의 따스한 교류 또한 보는 이를 훈훈하게 만들어줬다. 특히나 비둘기 아줌마가 카네기 홀 창고에 케빈을 데리고 음악감상을 하는 장면에서 자신이 과거에 일류 음악가들을 모두 이 창고에서 들었다면서 엘라 핏제랄드, 카운트 베시, 프랭크 시나트라, 그리고 루치아노 파바로티를 언급하는 대화도 기억에 남는다. 한편 종래에 다시 마주치게 된 2인조 도둑일당에게 케빈은 다시금 ‘함정 전문가’인 자신의 장기를 무한대로 발휘해낸다.전작에 이어 존 윌리엄스가 다시금 지휘봉을 잡았다. 존 윌리엄스의 스코어만이 수록된 버전, 그리고 존 윌리엄스의 중요한 스코어와 더불어 다양한 아티스트들의 곡이 들어 있는 버전의 음반이 동시에 출시됐고, 이후에는 이 두 장을 합쳐놓은 한정판이 발매되기도 했다. 깨끗한 느낌의 ‘크리스마스 스타’, 떠들썩한 오케스트라의 엔딩곡 ‘메리 크리스마스, 메리 크리스마스’가 메인 테마 역할을 해냈다. 소년들의 합창곡이었던 ‘마이 크리스마스 트리’는 국내 CF에도 사용되면서 인기몰이를 했다. 훈훈한 크리스마스의 정서를 한가득 품고 있는 이 합창곡에서 케빈의 솔로가 진행될 무렵, 심술궂은 형 버즈가 케빈 뒤에서 장난을 치면서 발표회는 아수라장이 된다.온 세상, 그리고 모든 세대에게 사랑받는 크리스마스 코미디의 어느 완결점이다. 존 윌리엄스의 음악들 또한 한층 깊어졌고 광범위해졌다. ‘나홀로 집에’ 시리즈는 보통의 미국인 대다수가 느끼는 소외를 다루고 있었다. 때문에 케빈이 스쳐 지나간 뉴욕의 고독한 이들은 서로가 쉽게 마음을 주고받았다. 훈훈하지만 쉽게 미소가 지어지지 않는, 한 소년의 희희낙락 ‘뉴욕 탈출’이다.불싸조밴드

걸작 코미디물 ‘나홀로 집에(Home Alone)’는 여전히 매년 크리스마스를 장악하고 있다. 몇몇 이들은 이를 지겨워하기도 했다만, 아무튼 본 작이 세계에서 가장 인기 있는 크리스마스 영화라는 사실에는 어느 누구도 이의를 제기하지 못할 것이다. 때문에 크리스마스=‘나홀로 집에’라는 등식은 아직까지도 유효하다.1980년대 걸작 청춘물을 만들어 온 존 휴즈가 각본을, 그리고 크리스 콜럼버스가 연출을 완수해냈다. 만일 존 휴즈가 직접 영화를 감독했었다면 아마도 더욱 어두운 유머와 진중한 분위기가 강조됐을 것이다. 캐서린 오하라나 조 페시, 존 캔디 등 명배우들의 활약 또한 작품을 윤택하게 만들어줬다.15명의 대규모로 구성된 미국 중산층 가정에서 소외된 소년 케빈은 가족들에게 따돌림을 당하면서 모두 사라져버렸으면 좋겠다는 소원을 빌게 되고, 정말로 아침에 홀로 집에 남겨진다. 혼자 집을 독차지한 케빈이 마음껏 자유를 즐기는 와중, 2인조 도둑의 움직임을 감지하면서 독자적인 대책을 마련한다.‘스타워즈’ ‘슈퍼맨’, 그리고 ‘죠스’를 비롯한 스티븐 스필버그의 작품에서 활약했던 영화음악 거장 존 윌리엄스의 대표작이기도 했다. 이 작품에서는 무게감을 버리고 특별히 어린이들을 대상으로 작곡했다는데, 이후 존 윌리엄스는 크리스 콜럼버스와 ‘해리포터’ 시리즈에서 다시금 조우하기도 한다. 존 윌리엄스 자신의 곡은 물론 친숙한 크리스마스 노래들 또한 효과적으로 엮어냈다.원체 클래식에 기반을 두고 있는 그였는데, 몇몇 몽환적인 멜로디와 톤은 차이콥스키의 ‘사탕요정의 춤’의 표현방식에 기인한 듯 보였다. TV에서도 자주 사용됐던 신비로운 분위기의 ‘메인타이틀’, 경쾌하고 빠른 ‘홀리데이 플라이트’, 그리고 드럼과 신시사이저가 비장미를 더하는 ‘세팅 더 트랩’ 같은 곡들이 제각기 색깔을 갖추며 흐른다. 악당의 묘사는 주로 목관악기로 표현해냈고, 때문에 가장 어두운 순간에도 가벼운 분위기를 유지할 수 있었다. 그리고 이런 운용방식은 가족영화의 표준이 되어간다.‘오 홀리 나잇’ ‘스타 오브 베들레헴’과 같은 어린이들의 합창곡 또한 아름다운 편이며, 무엇보다 감동적인 멜로디로 가득한 ‘섬웨어 인 마이 메모리’는 확실히 새로운 크리스마스 레퍼토리로 각인되면서 여전히 울려 퍼지고 있다. 훈훈한 감성이 앨범 내내 이어진다.지금에 와서 봐도 여전히 새롭고, 낡지 않았음에도 한 시대를 감지하게끔 만드는 작품이었다. 어린아이와 부모의 심리묘사 또한 뛰어난 편으로 소년의 성장이야기와 가족문제, 그리고 스릴러를 성공적인 공식으로 엮어냈다. 그리고 존 윌리엄스는 여기에 새로운 크리스마스의 스탠더드를 확립해내기에 이른다. 이는 90년대 존 윌리엄스의 새로운 모습을 확인할 수 있는 어느 절정이었다.얼마 남지 않은 한 해를 마무리해줄 음반이다. 음악을 듣는 내내 영화의 그리운 장면들이 고스란히 소생된다. 사실 세계에 널리 알려진 몇몇 캐럴은 대부분 영화의 삽입곡으로 먼저 공개됐다. 거기에 우리는 ‘나홀로 집에’ 또한 추가해야만 할 것이다. 확실히 어린이들의 크리스마스 기분을 북돋아 주는 음악이다. 그리고 그 당시 어린 시절을 보냈던 이들에게도 이는 마찬가지일 것이다. 90년대의 크리스마스란 확실히 이런 것이었다.한상철 불싸조밴드

덴마크 출신 감독 니콜라스 윈딩 레픈은 첫 미국 진출작 ‘드라이브(Drive)’를 통해 올해 칸 영화제 감독상을 수상한다. 거친 영화와는 달리 의외로 자신의 딸에게 읽어줬던 그림 형제의 동화 같은 스토리에 기초를 두고 있다고 밝혔다. 주인공이 마치 중세의 기사처럼 악한으로부터 평범한 사람을 구한다는 테마가 그렇다고 한다. 그리고 이 단순한 구도에 유럽적 감수성과 1980년대 B급 누아르의 무드를 결합, 폭발시켜 내면서 비로소 화제의 중심에 선다.월터 힐의 ‘드라이버’, 윌리엄 프리드킨의 ‘늑대의 거리’ 같은 1980년대 누아르는 물론 존 부어맨의 ‘포인트 블랭크’, 장 피에르 멜빌의 스타일 또한 영향을 줬다고 밝혔다. 라이언 고슬링, 캐리 멀리건, 그리고 만년 악역 론 펄먼과 앨버트 브룩스라는 쟁쟁한 배우들의 활약 또한 기가 막혔다. 거의 침묵을 유지하고 있는 주인공에 대한 설정의 경우 이 침묵이 최대한의 단어와 감정을 포괄하고 있다고 감독은 인터뷰에서 언급한다. 가끔씩 보이는 정지된 듯한 화면에 미묘하게 빛의 강약을 조절해내는 연출은 섬세한 감정의 변화를 포착해내곤 했다.대부분 1980년대 스타일의 유로팝, 신스팝이 영화에 흘렀고, 삽입곡을 제외한 스코어는 전부 클리프 마르티네즈에 의해 완성됐다. 레드 핫 칠리 페퍼스의 첫 두 장의 앨범에서 드러머로 활약했던 그는 주로 앰비언트풍의 전자음악 사운드트랙들을 만들어왔는데, 본 작에서도 역시 꾸준히 함께 일해온 스티븐 소더버그 풍의 우울한 분위기를 주조해냈다. 적절한 긴장감과 여백에 중점을 둔 소리들이 영화를 ‘드라이브’해나간다. 이는 다른 할리우드 영화와는 분명 구별되는 지점이다. 영화에 골동품 차들이 주로 등장하는 터라 감독은 신스팝과 초기 전자음악에 귀를 기울였고, 클리프 마르티네즈와 함께 이런 성격의 곡들을 모으기 시작했다.첫 시퀀스 이후 등장하는 CSS의 러브폭스가 함께한 프랑스 일렉트로 하우스 뮤지션 카빈스키의 곡 ‘나이트콜’, 집 안 파티에서 흐르는 디자이어의 ‘언더 유어 스펠’, 그리고 첫 데이트와 영화의 마지막에 흐르는 칼리지의 싱그러운 신스팝 트랙 ‘어 리얼 히어로’가 유독 기억에 남는 선곡이었다. 의외의 지점에서 1980년대의 분위기를 상기시켜주는 곡들이다.그리고 주인공이 론 펄먼에게 복수하러 가기 직전 거의 전곡이 흐르는 이탈리아 영화음악 거장 리즈 오르톨라니의 ‘오 마이 러브’에서 영화와 음악은 정점에 달한다. 가장 긴장감 넘치는 장면 중 하나였음에도 ‘더 나은 세상’에 관해 노래하는 이 우수에 찬 곡을 고급스러운 고속촬영된 화면 위에 얹어내면서 악당의 초현실적 ‘마지막 웃음’을 완결시켜버린다. 악마처럼 웃는 론 펄먼과 그 옆의 무표정한 여인, 이를 지켜보는 가면 쓴 주인공, 그리고 이 애수로 가득한 노래가 뒤엉키는 순간 영화는 정말로 이상한 지점에 도달해낸다. 1971년 작 ‘굿바이 엉클톰’ 중 카티나 라니에리가 노래했던 이 오래된 곡은 이렇게 새로운 세대에게 각인되어진다.헤모글로빈이 난무하는 폭력물을 감각적이고, 그리고 아름답게 구성해내는 것은 언제나 그렇듯 음악이었다. 칸에서 지지를 얻었던 이유도 아마 그 때문일 것이다. 과도한 폭력, 최소한의 대화, 그리고 음악으로 엮여진, 1980년대만큼 아련한 피와 눈물의 하드보일드다. 불싸조 밴드

여전히 셰익스피어의 고전을 영화화하는 데에 총력을 기울이고 있는 케네스 브래너가 오랜 세월 열망해온 프로젝트 ‘햄릿’은 그야말로 상상을 초월하는 대규모 역사 스페셜이었다. 기존과 마찬가지로 감독, 각본, 그리고 주연을 모두 도맡았으며, 원작의 모든 대사를 생략 없이 모조리 담아내면서 무려 4시간에 달하는 상영시간 안에 총 집결시켜 냈다. 국내 비디오 발매 버전은 2시간 정도였고, 내 경우에도 이것을 봤기 때문에 사실 완전한 감상은 아니었음을 고백한다.일일이 언급하기조차 어려운 수십 명의 유명 배우들이 주·조연, 심지어 단역까지 마다하지 않고 참여했다. 특히 과거 햄릿을 연기해온 존 길구드와 데릭 자코비가 각각 프리암 왕과 클로디어스로 훌륭히 활약했는데, 나이 든 데릭 자코비의 모습에서는 어느덧 시대의 흐름마저 느낄 수 있었다. 그리고 이런 배치는 마치 그 분야의 선배들에 대한 캐네스 브래너의 일종의 예우처럼 비쳐졌다. 연기에는 신축성이 있었고 카메라는 대사에 미묘하게 반응하는 상대방의 리액션마저 세세히 포착해 냈다.배우들은 마치 무대용 연극처럼 등장인물의 마음속 독백까지 전부 소리내 말하고 있었다. 정말 쉴 새 없이 대사를 읊어댔다. 연출가에 의한 해석이 더해지는 게 작금의 셰익스피어극의 통과의례인지라 이렇게까지 원작에 충실한 설정은 정말로 드물었다. 생명력 넘치는 원작을 세밀하게 따라가는 만큼 인과관계에 대해서는 더욱 알기 쉬워졌다. 이야기의 진행, 그리고 구성 또한 거의 손대지 않았지만 배경은 19세기 말 덴마크로 설정해 놓는다. DVD에서는 영화가 전개되는 내내 캐네스 브래너와 셰익스피어 학자 러셀 잭슨의 코멘터리를 함께 감상할 수 있다.19세기 덴마크의 왕국, 급사한 국왕의 망령으로부터 왕위를 노리는 자신의 남동생 클로디어스에 의해 독살됐다는 사실을 듣게 된 왕자 햄릿은 클로디어스의 충신의 딸 오필리어와 이별하고 복수를 맹세한다. 클로디어스는 햄릿을 영국으로 추방하고 암살을 지시하면서 이 지독한 운명은 그 누구의 편도 들어주지 않는다.캐네스 브래너와 꾸준히 작업해온 패트릭 도일에게 있어서는 가장 화려한 지점이었다. 이 대작에 걸맞은 낭만주의로 점철된 웅장한 떨림은 햄릿에게 더욱 가까이 다가가는 와중 극의 음악적 범위 또한 확장시켜 냈다. 영웅적인, 그리고 비극적인 테마들과 오필리어의 천진난만한 테마 또한 극의 몰입에 기여한다. 그리고 무엇보다 음반의 서두에 있는 플라시도 도밍고가 부른 주제곡 ‘편히 잠들라(In Pace)’는 숭고한 압도감 그 자체였다. 장엄하고 드라마틱한 악곡들은 극의 격조를 현저히 높여줬다.이 호화로운 영화화에는 무려 1800만달러라는 제작비가 소요됐으며, 광범위한 화면감을 얻을 수 있는 65㎜ 필름으로 촬영된 마지막 영화이기도 했다. 하지만 극장 수익은 그의 4분의 1에도 채 미치지 못한다. 그야말로 무참히 실패했다. ‘햄릿’ 그 자체만큼이나 비극적인 결과였다.그럼에도 요동치기 시작한 구세대의 질서와 신세기로의 태동이 교착하는 시대 분위기를 적확하게 파악해 냈다. 담담하게 시대와 정면으로 대립해 나가는 인물을 묘사한 ‘햄릿’은 다시금 혼돈과 불안의 시대를 맞이한 작금의 여러가지 군상에 여전히 날카로운 질문을 들이밀고 있었다. 죽느냐 사느냐는 여전히 중요한 문제가 아니던가.불싸조 밴드

‘헨리 5세’의 성공 이후 케네스 브래너는 이듬해 할리우드로 건너가 ‘환생(Dead Again)’을 작업한다. 전생과 윤회를 소재로 한 이 로맨틱 미스터리는 40년의 세월을 넘나드는 초현실적인 이야기를 히치콕적 감각으로 그려냈다. 억제된 톤을 구사하는 매슈 F 레오네티의 빼어난 영상과 절묘한 편집, 정교한 세트와 장식, 그리고 배우들의 역량을 최대치로 끌어내는 연출력이 총집결됐다.케네스 브래너는 당시 부인이었던 에마 톰슨의 상대역으로, 그리고 영화의 감독으로도 활약했다. 이 둘은 각각 현세, 그리고 전생의 인물들을 두 명씩 연기했으며, 앤디 가르시아와 데릭 자코비, 한나 시굴라, 그리고 오프닝 크레디트에는 이름이 제외된 로빈 윌리엄스 등이 열연했다.1949년, 작곡가 겸 지휘자인 로만 스트라우스가 오케스트라 단원이던 아내 마가렛을 죽였다는 혐의로 사형 판결을 받는다. 그는 자신의 범행을 강력하게 부인했지만 상소하지 않았으며 사형 집행 직전 스스로 목숨을 끊는다. 40여년의 세월이 흐른 현재, 기억상실에 걸린 어느 여성을 보호하고 있는 수도원의 신부는 그녀의 신원을 조사하기 위해 이 수도원에서 성장한 탐정 마이크를 호출한다. 그리고 최면술사의 최면을 통해 전생의 기억에 의지한 채 40년 전 일어난 비극적 사건이 다시금 파헤쳐지고, 이야기는 과거와 현재를 오가며 점점 등장 인물들을 조여온다.캐네스 브래너의 두 번째 연출작이었던 동시에 그의 파트너 패트릭 도일의 두 번째 장편영화음악 작업이기도 했다. 40년대와 현재를 오가는 본 작을 패트릭 도일은 치명적인 아름다움으로 무장시켜냈다. 중후한 스트링과 브라스가 이 감정들을 유연하게 운용시켜내고 있으며, 패트릭 도일 특유의 멜로드라마용 멜로디, 그리고 서스펜스로 가득한 에너지 또한 절묘하게 믹스돼 있다. 심지어 몇몇 사운드트랙 애호가들은 패트릭 도일 최고의 작품으로 이를 꼽기도 했다. 패트릭 도일은 ‘헨리 5세’ 당시처럼 또다시 영화에 출연했는데, 이번에는 경찰 1과 파티손님 2로 두 번 등장한다.화면과 음악이 서로 완벽하게 맞물려 나갔다. 캐네스 브레너가 작업 도중 ‘현기증’과 ‘백색의 공포’의 음악을 들었다고 음반 속지에 적어놓았듯 음악 역시 앨프리드 히치콕 최고의 파트너였던 거장 버나드 허만 특유의 전개를 떠올릴 법 했다. 1940년대 로스앤젤레스에 흐르는 시네마틱한 곡조들, 그리고 현재를 배경으로 흐르는 긴장감을 장착한 모던한 스릴러풍 악곡들이 흑백과 컬러 화면에 각각 특색있게 짜맞춰진다. 멜로디, 그리고 힘에 있어서도 확실히 패트릭 도일 고유의 색깔을 띠고 있었다. 신비하고 비극적인 음계들이 정교하게 춤을 추는 가운데 ‘윈터 1948’ 이후의 중반부에는 안타깝고 풍성한, 그리고 로맨틱한 무드가 펼쳐진다. 클라이맥스에 흐르는 긴박감 넘치는 합창곡 ‘데쓰 오브 어 매드 손’ 이후 숭고한 테마로 영화와 앨범이 마무리된다.셰익스피어 전문가답게 캐네스 브레너는 마치 셰익스피어 극과도 같은 운명적 요소들에 히치콕식 서스펜스를 조합시켜냈다. 그리고 이 전율의 1990년대 네오 누아르를 더욱 안타깝고 고풍스럽게 만드는 것은 단연 패트릭 도일의 전통에 입각한 놀라운 선율이었다. 불행하게도 1990년대 이후 이렇게 아름다운 서스펜스물을 보는 것은 어려운 일이 됐다.불싸조 밴드

얼마 전 베를린 필하모닉과 한국을 다녀간 지휘자 사이먼 래틀 경은 다큐멘터리와 TV물 이외에 단 두 편의 극영화 사운드트랙만을 지휘했다. 바로 베를린 필과 함께했던 ‘향수’, 그리고 케네스 브래너가 감독·각색·주연을 도맡았던 셰익스피어 원작의 ‘헨리 5세’뿐이었다.‘헨리 5세’는 영국 국민의 사기를 북돋아주기 위해 창작됐다는 것이 일반적인 셰익스피어 연구자들의 견해다. 온갖 기행을 일삼던 망나니 왕자 헨리 5세는 아버지 헨리 4세의 서거 이후 왕위를 물려받으면서 새롭게 마음을 다진다. 과거 부랑자들과의 생활을 통해 민심을 정확히 읽어내고, 훌륭한 군인으로, 그리고 올바른 정치적 신념으로 다수의 신임을 얻어내던 중, 오만한 프랑스와의 마찰로 전쟁을 선포한다. 그리하여 저 유명한 아쟁쿠르 전투에서 헨리 5세가 이끄는 6000명의 영국군대가 2만명의 프랑스군대를 격파해내면서 승리를 쟁취한다.1989년 당시 겨우 32세였던 케네스 브래너가 이 거대한 프로젝트에 도전했다. 색채가 선명한 미술, 연극에서는 불가능한 요소들을 살려낸 연출, 그리고 명배우들의 당당한 연기가 캐네스 브래너의 해석을 더해 비로소 완성됐다. 특히나 그는 내면적인 묘사에 집중하고 있었는데, 현시대의 내래이터가 직접 개입하는 장면들 또한 이색적이었다. 캐네스 브래너는 이후에도 꾸준히 셰익스피어의 희곡들을 영화화해냈다.그리고 그 옆에는 항상 작곡가 패트릭 도일이 있었다. 왕립 스코틀랜드 음악원을 졸업한 그의 첫 영화음악이 바로 본 작이었으며, 이후에는 ‘해리 포터’와 ‘토르’, 그리고 ‘혹성탈출’ 등과 같은 블록버스터 또한 담당하게 된다. 시적인 열정과 상상력을 바탕으로 영국적인 고전미로 점철된 본 작은 캐네스 브래너의 표현대로 멜로디에 대한 패트릭 도일의 강한 본능을 발견할 수 있는 작품이었다. 정교하고 고급스러운, 그리고 무엇보다 위풍당당한 곡들로 채워져 있었다. 사이먼 래틀의 지휘, 그리고 버밍엄 오케스트라의 연주로 이 곡들은 녹음된다.전쟁 직전 헨리 5세의 장문의 연설 장면은 희곡으로도 무척 유명하다. 많은 배우들이 가장 연기하고 싶어하는 대목이기도 했는데, 영국군의 사기를 올리는 이 연설장면 뒤에 ‘성 그리스핀 축일’ 테마가 흐른다. 음악 또한 감동과 고양감으로 중무장하고 있는데, 패트릭 도일의 콘서트에서는 실제로 캐네스 브래너가 출연해 연주되는 음악과 함께 대사를 읊어내면서 감동을 재연시키곤 했다.전투 직후 사망한 아역배우 시절의 크리스천 베일을 등에 업고 헨리 5세가 전진하는 4분간의 대규모 롱테이크 장면에서 영화는 정점에 이른다. 직접 출연한 패트릭 도일이 노래를 시작하고 서서히 오케스트라와 합창이 더해지는 ‘저희가 아닌, 주께(Non Nobis, Domine)’가 이 장면에 삽입된다. 시편의 구절을 인용한 이 합창곡은 마치 숭고하고 비장한 장송곡처럼 울려 퍼졌다.시대를 넘어 사람의 마음에 호소하는 이 뜨거운 감정은 영국인이 아니더라도 충분히 감지할 수 있다. 셰익스피어의 작품 중에는 드문 해피엔딩인 본 작을 역사물, 혹은 액션 활극 정도로 단순히 받아들여도 무방하겠지만, 무엇보다도 이는 젊은 날 캐네스 브래너의 패기, 그리고 놀라운 데뷔를 치러낸 패트릭 도일의 천재성이 집결된 비범한 ‘격전지’로 훗날 기록될 것이다.불싸조 밴드

언제나 입에 파이프를 물고, 시금치를 먹으면 초인적 힘을 발휘하는 만화캐릭터 뽀빠이는 1929년 탄생 이래로 줄곧 만화 팬들의 사랑을 독차지해왔다. 뽀빠이의 연인 올리브와 그의 천적 브루토, 이 세 명 사이를 둘러싼 코미디는 가끔씩 서부극을 연상시키는 대결 무드를 조성해 낸다거나 다양한 영화들을 패러디하면서 재기 넘치는 방향으로 전개됐다. 사실 만화가 제작될 당시에는 시금치 통조림이 없었지만 이 작품의 영향으로 상품의 제조가 시작됐다고 한다.곧 서울에서 특별전이 열리는 거장 로버트 올트먼에 의해 1980년도 무렵 ‘뽀빠이’의 영화화가 이뤄진다. 엄청난 제작비가 투입되면서 지중해 몰타섬에 실제로 거대한 마을 세트를 짓기까지 했는데, 영화는 간신히 손익분기를 넘겼다고 감독은 증언했다. 그리고 이 세트는 현재에도 ‘뽀빠이 빌리지’라는 이름으로 남겨져 있다. 올트먼은 대중이 원했던 뽀빠이의 묘사보다는 원작만화의 성격에 준거해 작품을 재창조해냈다. 단역을 포함한 배우들의 신체표현 또한 단순히 원작을 흉내내는 것 이상이었다.‘위다웃 유’로 유명한 싱어송라이터 해리 닐슨과 오케스트라 지휘, 편곡자로 활약했던 음악가 반 다이크 파크스가 사운드트랙을 위해 의기투합했다. 뮤지컬 영화였기에 출연자들은 이 환상적인 음악에 맞춰 노래해냈고, 작곡을 담당한 해리 닐슨의 목소리를 앨범에서 들을 수는 없었지만 그의 참신한 멜로디는 확실히 그의 작품임을 각인시켰다. 반 다이크 파크스는 피아노 연주자로 직접 출연하기도 했다. 음반은 LP로만 발매됐다가 작년 무렵 공개 30년 만에 최초로 일본에서 CD화 된다.몰타섬 세트에서 배우와 뮤지션이 함께 촬영과 녹음을 완수해냈다. 일전에 올트먼의 걸작 ‘내슈빌’에서도 사용됐던 무선마이크 레코딩은 본 작에서도 위력을 발휘한다. 때문에 현장에서 직접 녹음된 바닷가 소리 또한 종종 들을 수 있다.해리 닐슨의 아름다운 곡조, 그리고 벤조와 하모니카, 만돌린 등의 악기들을 이용한 반 다아크 파크스 풍의 꿈결 같은 오케스트라 편곡이 유연하게 춤을 춘다. 사건이 일어나는 마을 ‘스윗 헤븐’의 풍성한 오케스트라 테마, 로빈 윌리엄스의 독특한 발성을 확인할 수 있는 ‘아이 얌 왓 아이 얌’, 그리고 듀엣곡 ‘세일링’은 훈훈한 무드를 조성해내기도 한다.노래들 중 유독 올리브의 러브테마 ‘히 니즈 미’가 아직까지도 애청되고 있다. 전혀 능숙하지 않은 셜리 듀발의 노래는 오히려 사랑스럽게 들리는데, 후에는 올트먼의 후계자로 점 찍혔던 폴 토머스 앤더슨의 영화 ‘펀치드렁크 러브’에서도 다시금 활용됐다.반 다이크 파크스는 인터뷰 중 영화음악 작업을 통해 딸의 학비를 벌 수 있었다고 말했는데, 생계를 영화음악으로 해결했던 라이 쿠더의 경우도 그랬지만 아무래도 이런 ‘작가’들의 음악을 사람들의 귀에 직접 전달해주는 시스템으로서 영화음악의 역할은 확실히 큰 듯싶다.태양 빛에 빛나는 에메랄드색 바다, 정교하고 화려한 의상, 그리고 그것들을 안정된 구도로 파악해낸 주세페 로툰노의 촬영도 훌륭했지만, 올트먼의 주특기인 인간군상의 묘사 또한 극과 수려한 음악 사이를 훌륭히 비집고 들어가 있었다. 거장들의 숨결과 원작의 기운이 그대로 살아 있는, 하지만 결코 무겁지도, 그렇다고 또 가볍지도 않은 흥미로운 ‘현실화’ 작업의 집대성이다. 불싸조 밴드

올해 칸영화제 황금종려상을 거머쥔 ‘트리 오브 라이프(Tree of Life)’의 감독 테런스 맬릭은 이번에도 시상식장에 나타나지 않았다. 40여년 가까이 활동하면서 고작 5편을 만들어온 그는 여전히 미스터리한 존재였다. 게다가 이 작품은 ‘2001 스페이스 오디세이’의 특수효과를 담당했던 더글러스 트럼블이 1982년 ‘블레이드러너’ 이후 거의 30년 만에 특수효과로 컴백한 작품이기도 했다. 클래식의 적극적 활용, 우주의 침묵, 그리고 같은 공간 안에 다른 시간대의 개인이 동시에 존재한다는 설정은 확실히 ‘2001 스페이스 오디세이’와의 교집합 점이었다. 언제나 그랬던 것처럼 이번에도 놀라운 영상미가 전개된다.영화는 구약성서 욥기의 구절로 시작한다. 주인공 잭 오브라이언(Jack O’Brien)의 이름 앞머리를 따면 역시 욥(Job)이 됐다. 하지만 그는 욥만큼 깊은 신앙심을 갖지는 않았고, 때문에 이는 믿음의 깊이보단 인간의 왜소함을 상징하는 의미로 주어진 이름 같았다. 이 왜소함을 한층 강조라도 하듯, 영화 초반부는 우주와 지구의 생성에 관한 수려한 이미지들로 전개된다. 그리고 이 ‘생명의 나무’ 계보 말미에 인간이 놓여진다.성공한 중년 잭은 어린 시절의 트라우마에 붙잡혀 있다. 그리고 1950년대의 텍사스를 바탕으로 그의 어린 시절이 펼쳐진다. 힘을 중시하는 강압적인 부친과 무조건적인 사랑으로 감싸는 모친, 상반된 부모 사이에서 자란 형제들은 점차 순진함을 잃어간다. 보편적인 자식과 부모관계는 우주(혹은 신)과 인간의 관계로 대치되기도 한다.대사가 적은 만큼 다양한 곡들이 영화 내내 흐른다. 스메타나의 ‘몰다우’와 베를리오즈의 ‘레퀴엠’이 우주를 배경으로 삽입되며, 브래드 피트는 교회 오르간으로 바흐의 푸가를, 그리고 자택에서는 모차르트의 소나타를 각각 연주한다. 차남과 아버지 브래드 피트가 테라스에서 쿠프랭의 ‘신비의 방벽’을 피아노와 기타로 이중주하는 모습 또한 무척 아름답다. 비교적 현대의 작곡가들인 존 테버너, 즈비그뉴 프라이즈너, 기야 칸첼리 등의 곡들이 쉴틈없이 이어진다. 프란체스코 루피카의 경우 이전작 ‘씬 레드라인’에서도 확인할 수 있는 이름이었다. 삽입곡 이의외 곡들은 현재 가장 왕성한 활동을 보이는 알렉상드르 데스플라가 작곡했다. 그가 주조해낸 특유의 미니멀하고 서정적인 선율들은 마음을 움직이는 일종의 최면효과로 작용했다.거대한 우주의 역사와 한 가족 구성원의 사정을 병치시켜 놓는 것은 마치 신의 시점으로 작품을 경험케 만든다. 대우주의 관점에서 개개인의 고뇌나 운명 따위는 옳지도 그릇되지도 않다. 그저 자유롭게 흘러나갈 뿐이다. 만일 이 거대한 우주 속 티끌만 한 지구 별에 태어나 성장하는 것이 기가 막힌 우연이 아니라면, 아득하게 거대한 의사에 의해 우리가 활용되고 있는 것일지도 모른다. 몇몇 사람은 그 거대한 의사를 ‘신’이라 부를 것이다. ‘욥기’에서처럼 신(혹은 우주)은 끊임없이 침묵할 것이며, 살아나가야만 하는 운명 앞에 무력한 인간의 해답 없는 물음은 반복될 것이다. 그러니까 이 ‘상실감’은 인류가 숙명적으로 짊어져야만 하는 숙제나 다름없다. 비록 인생이 짧고 무상할지라도 자연의 섭리, 그리고 한없이 가녀리고 고귀한 빛과도 같은 인간의 존재는 이렇게 끊임없이 추적되어질 것이다. 불싸조 밴드

‘토토의 천국’으로 일약 스타덤에 오른 자코 반 도마엘의 두 번째 작품 ‘제8요일(Le Huitieme Jour)’은 국내 개봉 당시 잔잔한 파문을 일으켰다. 다운증후군 청년과 가정붕괴 직전 상황에 놓인 워커홀릭이 엉뚱한 계기로 길동무가 되는 과정을 그려내면서 인생과 행복에 대해 감독은 다시금 어렵지 않게 질문한다.‘토토의 천국’에서도 주인공의 동생으로 출연했던 실제 다운증후군 환자 파스칼 뒤켄은 일반 배우들을 넘어서는 연기를 소화해냈으며, 성공한 세일즈 강사 해리 역으로는 연기파 배우 다니엘 오테유가 서서히 미소를 찾아가는 과정을 흥미롭게 표현해냈다. 신체적 제약을 가진 조지와 세일즈를 위한 정신적 제약 속에 삶을 이어가는 해리는 이 각자의 ‘제약’ 안에서 서로 공통분모를 발견하는데, 호연을 통해 이 두 남자들은 칸에서 이례적으로 영화 한편으로 공동 남우주연상을 받게 된다.어머니를 만나기 위해 요양원을 뛰쳐나온 다운증 청년 조지의 개를 일중독자 해리가 치게 되면서 이들의 동행이 시작된다. 조지가 찾아나선 어머니는 이미 세상을 뜬 지 오래고, 조지의 누이는 그를 애물단지로 취급한다. 결국 해리는 일손을 놓고 조지와 함께 여정을 이어나간다.아름다운 자연의 이미지와 마음의 동요를 감독의 친형 피에르 반 도마엘이 상냥한 음악으로써 그려냈다. 깨끗한 피아노소리와 감정과잉을 배제한 깔끔한 현악기의 배치로 이루어져 있는 이 곡들은 편안하게 감상 가능했다. 환상 속 장면에 흐르는 장대한 코러스의 ‘몽골’ 같은 트랙도 기묘한 재미를 준다. 영화의 감흥을 일깨워주는 한편 조지의 심성처럼 순수하게 다가오는 음악들이었다.조지의 환상에 주로 등장하는 1970년 무렵 타계한 스페인의 테너 루이스 마리아노의 곡 때문에 국내에서도 당시 높은 판매고를 거뒀다. 특히나 영화에 자주 등장하는 감미로운 곡 ‘세상에서 가장 아름다운 어머니’는 국내 CF에도 삽입되면서 화제를 모았다. 루이스 마리아노의 경우 몇 곡을 더 추가하고 있는데, 냇킹 콜의 버전으로 유명한 ‘키사스, 키사스, 키사스’, 그리고 ‘사랑은 제비꽃 한 다발’ 같은 노래들 또한 감상할 수 있겠다. 영화에 삽입된 제니시스의 곡 ‘지저스 히 노우즈 미’는 수록되지 않았다.인간미를 잃어버리기 십상인 능력 위주의 사회 뒤편에 놓인 장애인 조지가 오히려 일반인들을 감화시키지만 모두가 행복해지지는 않는 결말이었다. 파탄 직전의 가정을 행복하게 만들어준 후 조지가 세상을 등지는 대목은 장애인과 일반인이 공생할 수 없다는 의미처럼 비칠 가능성 때문에 일부 비난의 표적이 됐다. 영화 한편을 통해 일반인과 장애인 사이의 울타리가 없어질 리 만무하지만 그럼에도 충분히 그 울타리 저변에 존재하는 우리를 강렬하게 인식하게 하는 작품이었다. 현실적으로 이야기를 종결지으면서 유럽영화 특유의 문학적인 여운을 줬다.영화 ‘제8요일’의 제목은 창세기에서 신이 7일간 세상을 창조하고 뭔가가 부족하다 싶어 8일째에 조지를 만들었다는 일종의 말장난에서 비롯됐다. 각별한 애정과 관심이 없으면 살아갈 수 없는 장애인들이기에 신은 확실히 그들에게 막중한 역할을 맡겼을지도 모른다. 행복을 잃은 인간에 대한 신의 애프터서비스인 셈이다. 그나저나 행복은 추구하는 것일까, 아님 있는 그대로를 받아들이는 것일까.불싸조 밴드