내달 서울옥션과 K옥션이 홍콩 르네상스 하버뷰 호텔에서 여는 홍콩경매에 국내 미술계가 촉각을 곤두세우고 있다. 모처럼 한국미술시장을 견인하고 있는 단색화의 경매결과가 즉각적으로 국내미술시장에도 영향을 미치기 때문이다. 결과가 좋다면 단색화 열기에 날개를 달겠지만 반대의 상황이 벌어지면 모처럼의 호재가 악재로 변할 수 있다. 전문가들은 여러 여건상 경매결과가 좋을 것이라고 낙관하고 있다. 실제로 내로라하는 큰손 컬렉터들의 쇼핑 목록에 단색화도 이름을 올리고 있는 중이다. 서울옥션(대표 이옥경)은 10월 5일 여는 홍콩경매에서 김환기의 1971년작 점화 ‘19-Ⅶ-71 #209’를 내놓는다. 시작가가 30억원이어서 낙찰될 경우 해외 시장에서 거래된 국내 작가 최고가를 기록하게 된다. 현재 국내 작품 중 해외 시장에서 가장 비싸게 팔린 작품은 이우환의 ‘점으로부터’다. 2012년 서울옥션 홍콩경매에서 21억원에 낙찰된 바 있다.서울옥션은 정상화, 박서보, 정창섭, 하종현, 윤형근 등 단색화 작가들의 작품으로 라인업을 구성해 단색화 열기에 불을 지핀다는 계획이다. 어찌됐든 이번 경매가 한국 단색화 열기의 지속 가능성을 시험하는 바로미터가 될 것은 분명하다. 미술계는 내심 단색화 열기가 한국미술 전체로까지 확산되길 바라고 있다. 단색화와 별도로 백남준 작품도 초미의 관심사다. 경매기간 중에 홍콩가고시안 지점에서 ‘백남준:최후의 양식’전(11월7일까지)이 열려, K옥션이 10월4일 홍콩경매에 내놓을 백남준 작품의 낙찰가에 어떤 식으로든 영향을 미칠 가능성이 높다. 백남준 작품을 소장하고 있는 국내 컬렉터들은 벌써부터 시장의 키가 백남준 유족과 전속계약을 맺은 가고시안의 손바닥 위에 놓여져 있다고 말할 정도다. 저작권이 모호한 백남준 컬렉션이 가장 먼저 가고시안의 요리 대상이 될 전망이다. 편완식 미술전문기자

어느 시기에나 미술품 위작 논란은 있어 왔다. 미술시장에서 고가에 팔려나가는 작가의 작품은 위조자들의 전문 타깃이다. 잘하면 한 번에 큰 돈을 거머쥘 수 있어 위작을 만드는 일은 마약같이 중독성을 지니게 마련이다. 한 번 맛을 본 이들은 쉽게 이 일에서 벗어나기 어렵다. 심지어 작가별로, 장르별로 위조자들도 점점 전문화하는 경향을 보이고 있다는 점이다. 어느 작가는 어느 지역의 모씨가 전문이란 얘기가 나돌 정도다. 유화는 누가 잘하고,수묵화의 선수는 누구라는 얘기는 공공연한 비밀이다. 첨단장비까지 동원해 위조수법도 날로 정교해지고 있다. 가짜 공급책과 판매책이 대개 위조자들에게 주문하는 방식을 취한다. 종종 위조책·공급책·판매책 3자가 돈 배분에 문제가 생겨 갈등이 생기면서 외부에 사건 전말이 노출되는 경우가 많다 컬렉터들이 위작 피해를 막는 길은 출처가 분명한 작품을 사는 것이다. 가격이 싸다고 무턱대고 샀다간 낭패를 보기 십상이다. 자신이 단골로 거래하는 갤러리나 경매사를 이용하면 문제가 생겨도 보상받을 길이 생긴다. 유명인이 소장했던 작품이 비싼 이유는 스토리가 있어서이기도 하지만, 작품에 신뢰가 주어지기 때문이다. 요즘 들어선 출처 세탁을 위해 중국은 물론 일본에서 가짜를 만들어 국내에 유통시키는 경우도 있다. 국내에서 만들어 해외로 가져나갔다가 역수입하는 방식으로 출처를 포장하기도 한다. 몇 해 전부터 한국의 간판 작가 L씨의 위작 논란이 꾸준히 거론되고 있다. ‘위작판정, 위작목격’ 얘기들이 화랑가에 떠돌고 있지만 정작 작가 자신은 위작이 없다는 입장이다. 일부에서는 작가가 생존해 있으니 전문가들과 함께 공개감정을 해야 하는 것이 아니냐는 주장도 나오고 있다. 한국미술시장에서 작가가 차지하는 비중이 크기에 의혹을 불식시켜야 한다는 것이다. 앞으로도 위작논란이 꺼지지 않는다면 작가가 직접 나설 수밖에 없는 상황이 될 것 같다. 예전엔 제자들이 스승의 작품을 위조하는 경우가 있었다. 화풍을 누구보다도 잘 알기에 위작 만드는 일이 수월했다. 세필 채색인물화로 유명한 이당 김은호(1892∼1979)도 생전에 그런 일을 당했다. 하지만 대처 방법이 달랐다. 제자들의 필치도 훤히 꿰뚫고 있어 누가 만든 것인지 금방 알아차린 이당이었지만 가난한 제자가 만든 것엔 눈을 감았다. 소장가가 감정을 위해 가져온 작품을 자신의 태작(졸작)이라며 자신의 진작과 바로 바꿔서 돌려 보냈던 것. 하지만 풍족한 제자가 그랬다면 그 자리에서 위작이라고 판정해 돌려보냈다. 진위 판정을 정확히 하면서도 제자에 대한 스승의 진정한 사랑을 잃지 않았던 것이다. 친일 논란에도 불구하고 이당이 존경받는 이유다.편완식 미술전문기자

20년째 폐교에서 작업하고 있는 유승우 작가는 한때 낭인으로 전국을 떠돌아야 했다. 작업에 대한 확신이 서지 않아서다. 붓을 손에 잡으려 해도 마음은 산지사방으로 달려갔다. 스스로 ‘마음 감옥’을 만들어야 한다는 심정에서 폐교를 찾아들었다. 스님이 토굴기도 하듯 붓과 투쟁을 벌였다. 하지만 작품이 쌓여갈수록 헛된 짓을 하고 있는 것은 아닌가 회의가 몰려 왔다.이즈음 유 작가는 금호아시아나그룹 박성용 명예회장을 만나게 된다. 박 회장은 그에게 “예술로 할 수 있는 것 다 해보라”며 “원하는 것이 있으면 모든 것을 밀어주겠다”고 약속했다. 당시 힘들고 지친 유 작가에겐 엄청난 위로가 됐다. 붓을 다시 곧추 세우는 힘이 됐다. 암투병 중이던 박 회장이었지만 금호미술관 전시까지 손수 챙겨주며 창작작업을 독려했을 정도다. 박 회장은 전시 개막일 유 작가에게 직접 전화를 걸어 “몸이 안 좋아 아무래도 개막식엔 참석치 못할 것 같다”며 양해를 구했다. 박 회장은 아쉬웠는지 다음날 전시장에 아픈 몸을 이끌고 나타났다. 유 작가는 자리를 비우고 있었다. 비서실의 전갈을 받고 달려 갔지만 박 회장의 차는 저만치서 떠나고 있었다. 교통체증으로 시간이 지연되면서 통증에 시달리던 박 회장이 어쩔 수 없이 자리를 떠야 할 상황에 처했던 것이다.기다리는 시간에 전시장을 둘러 본 박 회장은 “승우 그림 기가 막히게 좋다. 너무 좋다”며 찬사를 아끼지 않았다. 유 화백은 미술관 관계자로부터 흡족해한 박 회장의 말들을 전해들어야 했다.유 작가는 최근 중국 금일미술관으로부터 초대전 초청장을 받아들었다. 박 회장이 생존해 있다면 누구보다도 분명 기뻐했을 내용이다. 재벌 총수로는 특이하게 경제학자 출신인 박 회장이었지만 예술의전당 사장, 한국메세나협의회 회장 등을 역임하며 문화예술계 일에는 발벗고 나섰다. 특히 불모지나 다름없던 클래식 음악분야의 영재 발굴과 지원은 독보적이었다. 이런 업적으로 한국인 최초로 몽블랑 문화재단의 ‘몽블랑 문화예술후원자상’을 수상하기에 이른다. 오는 23일은 박 회장의 10주기 기일이다. 대부분의 한국 기업들은 여전히 여러 이유를 들어 문화예술계 지원에 인색한 것이 현실이다. 유 작가뿐 아니라 문화계가 그를 추모하는 이유다. 문화예술을 경제의 꽃으로 여겼던 박 회장이 그립다.편완식 미술전문기자

최근 들어 작가들 사이에 표절 논란이 심심치 않게 발생하고 있다. 예전과 달리 기법이나 재료 등이 날로 다양화되면서 벌어지고 있는 일이다. 나름의 고유성을 주장하지만 이미 어디선가 다른 작가들도 똑같은 방법으로 작업을 하고 있는 경우가 다반사다.특정 작가가 자신만의 방법이라고 한동안 확신하면서 작업을 해오다 어느 날 주위에서 비슷한 작업을 발견하고 당황해하는 일은 이제 더 이상 새삼스러운 일이 아니다. 정보의 바다에서 독점적인 기법이나 재료는 더 이상 존재하지 않기 때문이다.작품 정보 등이 실시간으로 유통되는 환경에서 의도했건 의도하지 않았건 서로 영향을 주고받는 것이 오늘의 작업 현장이다. 기술처럼 특허를 낸다고 해도 표절 문제를 법적으로 다루기도 쉽지 않다. 예술과 창작이라는 요소를 계량화하기가 거의 불가능해서다. 결국엔 작가의 양심에 의존할 수밖에 없다. 종국엔 소비자인 작품 구매자들의 안목만이 이를 심판해 줄 것이다. 작가는 작품성으로 승부를 낼 수밖에 없다는 얘기다. 세월이 흘러 누가 짝뚱인가는 작가의 진정성 있는 창작의지가 말해 줄 것이다. 다만 공공미술품 심사에서는 심사위원들이 나름의 기준을 가지고 작품을 선별하면 된다. 특히 공공 조형물의 경우 모방 논란이 끊임없이 벌어지고 있는 분야다. 외국작가의 작품을 유사하게 따라 하거나 적당히 편집해 공모하는 예가 많다. 광범위한 시각환경에서 영역을 넘나드는 표절도 비일비재하다.미술뿐만 아니라 영화, 게임, 광고 디자인 등 모두가 시각을 다루는 분야다. 그러기에 미술품 심사에서 미술품 정보에만 한정해선 곤란하다. 실제로 지방의 한 조형물은 일본의 게임 이미지와 흡사해 논란을 빚기도 했다. 미술품 심사에 이제는 미술계 인사뿐 아니라 타 시각 분야 전문가들도 적극적으로 참여시켜야 하는 이유다.융복합 시대에 미술품 심사기준과 심사인력 구성도 바꿔야 할 시점이다. 작가들도 기법과 재료를 나름의 작품성으로 승화시키려는 노력을 이전보다 더 해야 한다. 특유의 작품성만이 작가로 살아남는 길이다.

생전의 반 고흐는 밀레의 대표작 중에 하나인 ‘씨 뿌리는 사람’을 10여 차례나 반복적으로 모사할 정도로 좋아했다. 전 세계인이 사랑하는 ‘고흐의 작품 ‘씨 뿌리는 사람’은 그렇게 해서 탄생됐다.왜 고흐는 밀레의 작품에 매료 됐을까. 당시 미술계에는 인간을 중심으로 화폭을 구성하는 작가는 없었다. 역사와 성서, 신화적인 장면을 묘사하는 것이 고작이었다. 밀레는 오랜 전통을 깨고 인간의 일상을 중심으로 한 현실에 주목한 것이다. 이러한 대범한 시도가 고흐의 마음을 사로잡은 것이다.밀레를 비롯한 바르비종파가 이를 주도했다. 바르비종은 파리 남쪽에 위치한 퐁텐블로 숲 근처에 있는 작은 마을이다. 19세기 중반 콜레라를 피해 파리를 떠난 작가들이 모여 주변 숲과 사람들을 그리면서 자연스럽게 형성된 유파라 할 수 있다. 산업혁명으로 탄생된 기차의 등장은 작가들로 하여금 먼거리의 여행을 가능케 해주었다, 자연의 직접 체험이 가능해졌다는 얘기다.아틀리에에서 상상으로 버무린 이상화된 풍경작업을 하던 전통 기법은 점차 사실주의적 풍경화로 변화됐다. 작가들이 야외로 나가 현장에서 스케치하고 채색작업까지 했다. 곧 다가올 인상주의 미술을 탄생시키는 결정적인 작업방식이다. 전통적으로 화가들의 작업은 대부분 작업실에서 이뤄졌다. 루브르미술관처럼 옛 대가들의 작품을 접할 수 있는 미술관을 직접 방문하여 필요한 주제나 기법을 익혔다. 도판을 통해 대가들의 작품과 기법을 모사하고 모방하는 방식으로 작업을 했다.산업혁명으로 휴대가 용이한 양질의 물감 생산과 캔버스의 등장은 변화에 가속이 붙게 했다. 한층 작업을 용이하게 만든 미술도구들의 등장이 작업에 신선한 바람이 된 것이다. 문명의 이기들이 새로운 시대에 걸맞은 미술을 꿈꾸는 화가들에게 전통을 탈피하고 새로운 형태의 작업을 시도케 하는 촉매제가 된 셈이다. 이는 작가의 감성이 가미된 보다 주관적인 표현기법들이 등장하게 해주는 배경이 됐다. 전통의 틀에서 해방된 작가주의 미술의 시초인 인상주의 탄생의 밑거름이 됐다.서양미술사에서 밀레 이전과 이후로 양분될 만큼 소재에서의 해방은 밀레가 남긴 위대한 업적이라 할 수 있다. 종교와 신화에서 벗어나 인간에 초점을 맞춘 것이다. 모더니즘을 선도했다는 얘기다. 밀레의 대표작이자 미국 보스턴미술관 4대 걸작인 ‘씨 뿌리는 사람’(사진), ‘감자 심는 사람들’, ‘추수 중에 휴식’, ‘양치기 소녀’가 25일부터 5월10일까지 소마미술관에서 열리는 ‘밀레’전에 출품된다. 간판작이라 할 수 있는 ‘만종’은 아쉽게도 아번 전시에서는 볼 수 없다.‘씨 뿌리는 사람’은 당시 신분이 낮았던 농부를 큰 캔버스에 어두운 색채와 거친 붓놀림으로 영웅적으로 표현했다. 노르망디를 배경으로 검게 그을린 농부가 진흙밭에서 싸를 뿌리며 힘차게 나아가는 모습을 표현했다. 대지를 무대로 살아가는 농부의 존엄한 분위기를 엿볼 수 있는 작품이다. 19세기 프랑스 민주화 혁명의 시대상이 읽혀지기도 한다.편완식 미술전문기자

큐레이터와 아트마케터로 활동하고 있는 김민성씨가 ‘그림 영혼의 부딪힘’(알에이치코리아)을 펴냈다. 그는 책 도입부에 반 고흐의 말을 인용하면서 글을 풀어갔다. 37세의 나이로 생을 마감한 고흐는 “삶이 공허하고 보잘것없이 보일 때에도 신념과 열정을 가진 영혼은 쉽게 포기하지 않는다”고 말했다. 작가들의 고뇌를 역설적으로 보여주는 발언이다. 얼마나 고통스러웠으면 스스로에게 다짐하듯 포기하지 않는다고 되뇌였을까.작가들의 이런 처절한 절규는 땅속 깊은 곳의 고온과 고압이 되어 ‘다이아몬드’를 탄생시킨다. 고흐의 작품 속 별들처럼 누군가의 가슴속에 별이 되어 영원히 빛나게 되는 것이다. 책은 서양미술사 속에 그런 영혼의 별들이라 할 수 있는 작가 24명을 소개하고 있다. 그들은 저마다 크든 작든 인간으로서 흠결을 지녔지만 굴하지 않고 자신만의 예술적 성취를 통해 나름의 아우라를 만들어 낸 인물들이다.그림을 감상한다는 것은 긍극적으로 이러한 아우라를 목격하는 특별한 경험이라 할 수 있다. 삶과 그림, 나아가 세상을 치열하게 바라보았던 작가들의 영혼과의 마주침이다. 책은 미술사의 연대기적 흐름에서 벗어나 작가의 성격, 사랑, 비밀, 광기, 운명이라는 다섯 가지 코드를 통해 대가들의 감춰진 인간적 면모와 명작이 탄생되었던 비하인드 스토리를 들려준다.저자는 “미술사는 단지 예술작품을 좀 더 잘 감상하기 위한 지식으로서가 아니라 훌륭한 인문학의 기초가 될 수 있다”며 “그림이라는 것이 당대 사람들의 마음을 포착한 영혼의 역사답게 거시적이기보다는 미시적 관점이 강하다”고 강조한다. 그러기에 그림이 매우 주관적이며 감정적이고 사리 분별이 안 될 때도 있다.예를 들어 부잣집 엄친아였던 마네가 인상주의 물꼬를 트기까지의 고집스러운 성격, 발레 그림으로 유명한 드가가 여성 혐오증을 갖게 되어 평생을 독신으로 살기까지 복잡 미묘한 성격이 어떻게 작품에 투영되고 있는지를 살펴보는 일은 매우 흥미롭다.미켈란젤로는 다소 자존심이 강했던 인물이다. ‘천지창조’ 등 천장화를 그리고 있을 때 독촉을 받으면 “완성되면 끝나는 거 아니겠어요?”라며 화를 냈다. “누가 그러게 나한테 시키래?”라고 안 하는게 다행일 지경이었다. 자존감이란 어린 시절부터 오랜 시간 사랑받아왔다는 증거이다. 없는 자존감을 서둘러 세우려 했다가는 잘못된 자기애를 만나게 될 뿐이다. 그 잘못된 자기애란 것이 자존심이다.라파엘로의 타고난 사교성과 예의 바름, 그리고 사람에 대한 애정은 그로 하여금 오랜 시간 축적된 사랑으로 다져진 인물로 성장하게 했다. 결국 이런 자존감 덕분에 “역경이란 극복의 대상이 아니라 마주하고 더 나은 운명으로 자신을 만들어가는 거름과도 같은 것”이라고 했다.밀레의 ‘만종’은 가장 숭고한 사랑에 대한 작가의 기도하는 마음을 담고 있다. 세상은 가난과 싸우는 것이 아니라 가난한 자와 싸우는 모습을 자주 보여준다. 인문학에서 중시하는 측은지심이 사라지고 있는 것이다.어떤 명화가 완성되거나 새로운 미술의 경향이 탄생되는 과정에서 주체가 되었던 작가들도 연약한 인간들이었다는 점을 공감할 필요가 있다. 자칫 별종 인간으로 취급하면 작품 이해의 길은 멀어지게 마련이다. 저자는 연약함이 어떻게 대가로서의 아우라로 변모해갈 수 있었는지를 주목해 보라고 권하고 있다.결국 미술사를 안다는 것은 사람을 알아간다는 뜻이다. 그리고 그림을 본다는 것은 열망하는 작가의 영혼을 목격하는 매우 특별한 일이다.

올해 한국미술계의 새로운 흐름을 하나 찾으라면 ‘뒤돌아보기’라고 할 수 있다. 한동안 뜨거웠던 미술시장이 사그라들면서 생긴 현상이다. 다른 한편으로 연구자들이 그동안 소홀히 했던 과거 족적들에 대한 새로운 바라보기의 결과물일 수도 있다.전자는 미술시장을 이끌 만한 새로운 ‘재료’ 찾기의 모습으로 해석된다. 미술화상들이 가장 먼저 주목한 것이 1970년대에 태동된 단색화다. 메이저 갤러리들이 앞다퉈 단색화를 띄우는 전시회를 열면서 작품 가격이 2∼3배까지 폭등하는 사태가 벌어졌다. 이 같은 흐름은 경매시장으로 바로 연결됐다. 국내 주요 미술품 경매사의 겨울 경매에서 단색화가 경합 끝에 모두 낙찰되는 이변이 일어났다. 꽁꽁 얼어붙은 미술시장에서 이례적인 일이다. 지난 18일 서울옥션 경매에서 박서보, 정상화, 하종현 등의 단색화 12점은 모두 낙찰됐다. 이 중 9점은 미국, 중국 등 해외 컬렉터에게 팔렸다. 앞서 지난 16일 열린 K옥션 경매에서도 정상화, 하종현, 박서보, 윤형근 등의 단색화 22점이 모두 낙찰된 바 있다. 어떤 작품은 추정가보다 1억원 높게 팔리기도 했다. 일부에서는 벌써부터 경계의 시선을 보내고 있다. 여전히 이론적 바탕이 취약한 단색화에 거품론이 제기되기도 한다. 화상들의 ‘기획적 띄우기’라는 얘기다. 하지만 한국 근현대미술에서 이만한 재료도 흔치 않다는 점에서 지켜봐야 한다는 목소리도 만만치 않다.연구자들이 1970년대와 1980년대의 미술을 새롭게 되돌아보려는 시도도 한 축을 이루고 있다. 지난달 전시가 시작된 소마미술관의 ‘한국 다원주의 미술의 기원’ 전은 대표적 사례라 할 수 있다. 1970년대와 1980년대를 단순히 순수미술시대와 민중미술시대로 대별하는 구분법에서 우선 탈피하고 있다. 다원주의 관점에서 바라보고 있는 것이다. 1980년대가 다원주의의 기원연대이자 포스트모던의 시작 시점이라는 얘기다. 현대미술의 특징이 본격적으로 발아됐다는 분석이다. 매체의 다양성, 일상성이 부각됐다는 점에서 그렇다.지난달 막을 내린 ‘1974-2014 아르코미술관 특별전’도 뒤돌아보기다. 40주년을 맞은 아르코미술관이 개관 이후 2000여회의 전시를 아카이브 형태로 살펴보는 자리였다. 70∼80년대 작가들의 활동을 재조명하는 ‘만남의 미학’, 90년대 신세대 미술의 이슈를 살피는 ‘시간표도 없이, 깃발도 없이’, 2000년대 이후 미술의 복합적인 기능을 조명하는 ‘문화적 복합체, 전시’ 등 세 가지 섹션의 구성이 이를 말해준다.이런 흐름들이 한국미술의 다양성과 풍부함을 새롭게 인식하는 계기가 됐으면 한다. 화상들도 한국미술시장을 이끌 새로운 품목들을 이런 움직임속에서 발굴해 내야 한다. 미술시장의 건강성도 다양성에 있음을 명심할 필요가 있다. 새해엔 미술계에 그림 같은 일이 벌어지길 기대해 본다.편완식 미술전문기자

미술전시를 눈으로만 본다는 기존의 생각을 깨라! 시각뿐 아니라 청각이 감상의 주 감각수단이 될 수 있음을 보여주는 이색 전시들이 마련되고 있다. 서울 신문로 일주 선화갤러리(태광그룹 선화예술문화재단)에서 7월18일∼9월5일 열리는 ‘색으로 듣는 현대미술과 클래식’ 전도 그중에 하나다.세상의 모든 에너지는 고유의 주파수가 있다는 점에서 전시는 출발하고 있다. 7색은 7음계와 연계시키는 방식이다. 주파수 나름의 파동 에너지는 각각 다른 효과로 심신에 영향을 준다고 한다.전시장엔 최고급 오디오 시스템도 구비된다. 이번 전시에선 정신적인 휴식과 안정을 유도하는 주파수의 색인 블루색의 미술작품과 동일한 주파수의 음인 D장조 클래식 음악이 함께 한다. 작품의 색으로부터 얻는 에너지를 감상자로 하여금 청각이라는 감각과 더불어 공감각적으로 체험하게 하여 심신이 휴식상태에 이르도록 초점을 맞추고 있다. 일종의 치유하는 미술전시라고도 할 수 있다예를 들어 김환기의 블루 색면 작품과 비발디의 첼로 협주곡 라르고가 어우러져 궁극의 블루가 주는 카타르시스를 극대화하는 식이다.현대인이 가장 선호하는 색이 블루라고 한다. 블루는 신뢰와 믿음, 조화를 상징하고 심리적으로 안정과 회복을 가져다 줌으로써 상실감을 치유하는 재생의 역할을 한다고 알려져 있다. 미디어의 발달로 현대인은 급박한 사회적 소통구도의 변화와 과도한 경쟁구도로 주체성을 잃어 가고 있다는 진단이다. 이로 인한 강박증상과 스트레스는 심신을 지치고 병들게 하고 있다. 요즘 들어 부쩍 힐링이 화두가 되고 있는 이유이기도 하다. 어쩌면 예술의 궁극적 가치도 힐링에 있다.전시장에서 명상에 잠겨 보는 것도 색다른 체험이 될 것이다. 전시 기간 중엔 색 전문가와 음악 전문가의 강연도 마련될 예정이란다.편완식 미술전문기자

전시가 열리는 건물 입구에 NO와 ON이 조합된 조형물이 떡하니 자리하고 있다. 그 위로 붉은 기운이 쏟아져 내리고 있다. 진원지는 붉은색 필름으로 선팅된 유리벽이다. 건물 밖을 지나는 사람이 안을 들여다봐도, 안에 있는 사람이 밖을 내다봐도 온통 붉게 보인다. 이념의 덮개를 서로 씌워 ‘너는 NO라는 버튼을 계속 ON 하고 있는 모습’을 형상화하고 있다. 우리 시대의 슬픈 자화상이다. 김기라 작가의 개인전이 열리고 있는 서울 서초동 페리지갤러리의 풍경이다. 작가는 수도 없이 갈등의 현장에 영상 카메라를 들고 들어갔다. 밀고 밀리는 경계 지점에서 날아오는 주먹들을 모두 감내해야 했다. 그를 더욱 서글프게 한 것은 그 경계에선 욕설만이 난무한다는 사실이다. 이념의 실체는 어디에도 없었다. 무조건 NO의 ON이다.로비에 설치된 영상작품도 눈길을 끈다. 두 남녀가 화려한 꽃무늬 스카프로 눈을 가리고 어디론가 향하려고 하지만 길을 잃고 헤매는 영상이다. 꽃무늬 스카프는 이념을 은유하고 있다. 화려한 수사의 이념만 가지고는 우리가 가야 할 방향을 찾을 수 없다는 점을 넌지시 이야기하고 있는 것이다. 방법은 단 한 가지다. 스스로 이념의 눈가리개를 벗고 상대를 바라볼 때 길은 보이게 마련이다.작가는 납북 이산가족의 상봉 장면도 작품으로 풀어냈다. 지난 2월23일 금강산 이산가족면회소에서 열린 남북 이산가족 2차 상봉 당시 실제 이산가족들이 나눈 대화를 각색해 영화로 만들었다. 화면은 도입부에 가장 먼저 봄을 알리는 꽃인 진달래가 등장한 이후 어떤 이미지도 등장하지 않는다. 각각의 장을 알리는 자막 외에는 아무것도 보이지 않는다. 이미지 영상이 없는 영상 작품이다. 그동안 우리는 많은 상봉 장면을 보아왔다. 시간이 흐르면서 의례적인 무덤덤이가 됐다. 작가는 역설적으로 그것을 고발하고 있는 것이다.성우들의 음성만 들리는 무영상 작품의 울림은 더 컸다. 예전에 눈물을 쏟았던 라디오극장을 방불케 한다. 분단국가라는 뼈아픈 현실을 다시금 환기해 준다. 전시회는 다음달 5일까지 열린다.전시가 열리고 있는 페리지갤러리(대표 김종숙)는 휴대전화와 노트북 등 휴대용 기기의 내·외장재 조립모듈을 생산하는 ㈜KH바텍이 운영하는 비영리 전시 공간이다.편완식 미술전문기자

근래 들어 북한 건축학도들의 중국 유학이 정례화되고 있다. 교환학생으로 북한 유학 경험이 있는 중국 베이징 칭화대 교수가 앞에 나서고 있다는 후문이다. 북한 학생들은 칭화대에서 그룹으로 지도를 받고 있다는 얘기도 들린다. 북한의 중국 따라하기의 일환으로 보인다.칭화대 유학 후 북한으로 돌아간 건축학도의 건축드로잉이 오는 6월7일부터 11월23일까지 열리는 베니스 비엔날레 국제건축전 한국관에 출품된다고 한다. 자연속 유토피아적 건축드로잉은 이번 비엔날레에 참여하는 한국의 괴짜건축가 문훈의 판타지한 건축드로잉과 흡사하다. 관광건축이라고는 하지만 북한 건축의 변화 조짐을 엿볼 수 있는 대목이다.북한 건축가의 출품은 간접적으로 이뤄졌다. 베이징에서 고려투어 여행사를 운영하는 영국인 닉 보너(NIick Bonner)가 북한에서 관광상품 개발과 영화제작, 문화행사를 기획하는 과정에서 얻은 자료들이다. 북한의 유명 건축가 김정희의 이름도 보인다. 분단 이후 남북한 건축의 흐름을 한자리에서 살펴볼 수 있는 기회라 흥미롭다.북한 김정일은 ‘김정일 건축론’를 쓸 정도로 영화 못지않게 건축에 깊은 관심을 보였다고 한다. 건축가를 우대했지만 사회주의 이념 때문에 작가주의는 꽃을 피우지 못했다. 한국도 관료와 경제성장 제일주의에 떠밀려 작가주의는 제자리를 잡지 못했다. 남북한은 건축을 체제경쟁으로 이용하기도 했다.1980년대에 지어진 북한의 대규모 건축물들은 대부분 좌우대칭과 중심을 강조한 건축물들이다. 1950년대 소련의 신고전주의(사회주의적 리얼리즘)의 영향으로 보인다. 전통에 대한 고심도 엿볼 수 있다. 대표적인 사례는 북과 장구 모양을 모티브로 한 원산공항 건축이다.이번 전시는 한국관 커미셔너를 맡은 건축가 조민석(매스스터디스 대표)의 노력이 컸다. 대북 접촉이 무산되는 가운데에서도 다양한 루트를 통해 자료를 수집한 결과다. 비엔날레에 큐레이터로 참여하는 배형민 교수(서울시립대·건축이론가)와 안창모 교수(경기대·한반도 근현대건축 전문가)도 힘을 보탰다.이번 비엔날레는 네덜란드 출신의 세계적 건축가인 렘 콜하스(Rem Koolhaas)가 총감독을 맡으면서 세계건축계의 주목을 받고 있다. 그가 직접 주관하는 본전시 주제는 ‘건축의 기본요소’다. 문, 천장, 창문, 계단 등 건축의 기본적인 요소를 리뷰해 보겠다는 것이다. 현대건축의 ‘불건전성’과 단절해 보려는 시도로 읽힌다. 역사, 기본에서 건축을 다시 한번 생각해 보자는 의도라 할 수 있다. 이번 기회에 남북한 건축도 되돌아보는 계기가 될 것이다. 건축은 삶의 반영이라는 점에서 남북관계의 기본을 생각해 보는 기회도 될 것이다. 조만간 남북한 건축가들이 함께 참여하는 ‘한반도 건축전’을 기대해 본다편완식 미술전문기자