현판과 비석 글씨로 서예가들에게도 한 수 가르침을 주는 중견화가 박방영(56)이 칼을 다루듯 모필을 자유자재로 운용해 그린 ‘그림 같은 글씨’와 천진한 민화풍의 그림을 보여주는 전시를 10∼16일 전북도립미술관 서울관(인사아트센터 B1)에서 연다.“글씨를 통해 그림으로(以書入畵), 그림을 통해 글씨로(以畵入書)의 경계마저 자유롭게 넘나들고 싶었다. 서화동일론을 얘기하는 것은 아니다. 그 중심에 ‘타물(打物)’이란 화두가 자리하고 있다.” ‘타물’은 ‘두드려 만든 금속 기구’, ‘판에 넣어 굳힌 마른 과자’, ‘아악에 사용하는 타악기’ 등 다양한 의미로 사용된다. 그에게 ‘타물’이란 ‘물에대한 욕심을 때려서 깨뜨리자’는 의미로 사용하고 있다. 인간이 만들거나 규정한 물에서 벗어나 본질에 더 다가서려는 몸짓이다.“인간이 언어 이전시대에는 주변과 직통으로 소통을 했다. 언어라는 매개가 생기면서 언어에 갇히게 됐다. 성경의 바벨탑은 이를 은유한 것이다. 요즘 우리는 집 전화번호도 외우지 못한다. 휴대전화 저장기능에 매여 살기 때문이다. 인간의 도구, 즉 물을 깨야 본래의 모습을 반추해 볼 수 있다. 그래야 끊임없는 르네상스가 가능하다.”그는 자신의 고향 부안 일대 풍경을 그렸다. 하지만 언뜻보면 휘갈겨 쓴 서예작품 같다. 부안(扶安), 자동차, 여행(旅行), 산의 형상, 야(野), 해(海)가 써지거나 그려져 있다. 풀이하면 ‘부안으로 차를 몰고 여행 가는데 산과 들과 바다가 보인다’라는 것을 표현한 것이다. 호(好)자, 풍(風)자는 부안의 아름다운 풍광을 말한다. ‘개암(開岩)’이란 글자와 옆의 탑모양은 ‘개암사’를 의미한다. 그 속에 소요자적하는 인간, 수도하는 인간, 경배하는 인간이 보인다. 계곡의 물과 풀꽃, 짐승이 함께하니 역시 만족스러운 모습이다.  민화풍의 천진난만과 파격(해학)이 꿈틀거리는 ‘말·닭·개·나비’인간 우월주의는 없고 생태미학적 시각을 보여주고 있다. 이처럼 그의 그림을 이해하려면 전통적 문인화처럼 간화(看畵)가 아닌 독화(讀畵)가 요구된다. 그가 칼을 휘두르는 듯한 모검(毛劍)으로 ‘물’을 깬 자리엔 천진난만과 해학이 꿈틀거린다. 전통 민화에서의 천진한 파격과 분청사기에서의 해맑은 감성과도 유사하다. 타물을 통해 얻어진 본연의 세계다.“이러한 심미 특질들은 우리 민족 고유의 것이지만 그간 간과되었던 것이 사실이다. 중국 미술, 일제 강점기의 일본 미술, 해방 이후 서구 미술의 세례에 따른 결과다.이젠 종속적 문화 수용에서 벗어날 때다.”그의 예술적 지향점도 타물이다. 우리의 관념, 종교, 문자, 언어, 계급, 이데올로기, 체계, 관습 등 벽(물)을 만드는 것을 깨뜨려 너와 내가 직단으로 만나자는 것이다. 예술의 역할이라고도 했다. “문자가 우리에게 편리함을 주었지만 많은 상상력과 통합적인 사고를 막아온 것을 우리는 자각할 필요가 있다. 예술이 인간이 만들어 온 많은 ‘물’들이 본연의 우리로 나아가는 데 벽이 됐음을 환기시켜줘야 한다.” (02)720-4354글 편완식 미술전문기자, 사진 남정탁 기자

생동감 있는 색색의 필기구들이 화면 가득한 그림으로 유명한 홍경택 작가의 작품에 작은 변화의 조짐이 보인다. 전통 책가도 모습 안쪽에 풍경이 자리한 그림들이 등장하고 있다. “색면추상과 구상의 혼합이 초기작품의 기조였다면 이젠 초현실주의 화풍까지 아우르고 있다는 생각이 든다. 모든 사조를 스펀지처럼 빨아들여 내 나름대로 뿜어내고 싶다.” 홍경택 작가가 책가도 속에 에베레스트 풍경을 담은 작품 앞에 섰다. 그는 “우리는 자연을 그대로 보는 것이 아니라 문명의 렌즈(책가도)로 본다”고 말했다.홍 작가의 개인전 ‘그린 그린 그래스’가 내년 1월31일까지 서울 서초구 페리지 갤러리에서 열린다. 그의 예전 작품들은 색면 추상 바탕에 정물그림과 플라스틱 컵과 칫솔 등 물성을 드러내는 사실적인 그림들이 주종을 이뤘다. 최근 작품엔 필기구 대신에 골프채를 밀집해 그렸다. 여러 골프채를 일일이 하나 하나 사진을 찍어 밀집해서 그린 작품이다. 찬찬히 살펴보면 골프채 머리에 비춘 작가의 모습도 볼 수 있다. 볼록 거울에 비쳐진 것 같은 왜곡된 모습이다. 필기구 그림의 연장선상으로 보인다. 하지만 대중적으로 인기 있는 그림을 그리고 있는 자신을 반추해 보려는 자세가 읽혀진다.책가도 틀 속으로 보이는 골프장과 에베레스트 풍경은 새롭게 선보이는 작품이다. 에베레스트 풍경엔 촛불이 등장하고 있다. 17세기 초에 네덜란드에서 꽃을 피운 중요한 정물화 양식인 바니타스 회화를 연상시킨다. 죽음의 불가피성, 속세의 업적이나 쾌락의 덧없음과 무의미함을 상징하는 소재들을 주로 다루었는데 촛불도 그중에 하나다.“한국사회에서 골프는 비싼 스포츠이고 골프장은 많은 이들의 욕망의 공간이다. 에베레스트산도 많은 이들이 정복하고 싶은 욕망의 대상이다. 인간이 책가도로 상징되는 문명의 틀로 자연을 바라보고 있는 모습을 환기시켜주고 싶었다.” 바니타스 회화처럼 욕망의 덧없음을 말해주려는 듯하다. 그는 형식에 얽매이는 것을 싫어한다. 그의 그림이 구상과 색면추상의 결합, 초현실주의 등으로 스펙트럼을 넓혀가고 있다.“작가는 어떤 하나에만 미쳐서는 안 된다고 생각한다. 작가는 비정상과 정상의 경계에 서 있는 관찰자이다. 혹자는 내가 분열적으로 보이겠지만 어떤 선에서 내 나름의 균형 감각을 발휘하고 있다.” 그는 내년에 홍콩과 일본의 미술관에서 전시를 추진하고 있다. 자신을 제대로 세계무대에 알리기 위한 행보다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

‘만인의 영원한 연인’ ‘20세기 최고의 여배우’ 오드리 헵번의 생애를 조명하는 전시회 ‘오드리 헵번, 뷰티 비욘드 뷰티(사진)’가 내년 3월 8일까지 서울 DDP(동대문디자인플라자)에서 열리고 있다. ‘아름다움 그 이상의 아름다움’이라는 주제를 내건 이번 전시회는 진정한 아름다움의 가치가 무엇인지를 일깨우며 따뜻한 인류애의 메시지를 전한다. 총 10개관에 걸쳐 구성된 전시회를 요령 있게 둘러보는 팁을 소개한다.# 아들의 인사말오드리 헵번의 둘째 아들 루카 도티의 인사말에는 전시회의 기획 의도가 담겨 있다. 오드리 헵번의 유년시절과 제2차 세계대전 시기 등 관람객들이 그의 일생을 이해하고 공감할 수 있도록 특별히 신경 쓴 전시관이다.# 여배우, 엄마, 친선대사빠뜨려서는 안 될 영상물 3가지가 있다. 12분짜리 영화 하이라이트는 화려한 영화 배우로서의 삶을 살다 간 그의 행적을 따라가는 데 도움이 되고, 헵번의 스위스 주택 ‘라파지블’을 소개하는 홈 비디오 영상에서는 가족들과 함께 행복한 시간을 보내는 엄마 오드리 헵번을 만날 수 있다. 또 헵번의 육성이 담긴 연설 장면과 유니세프 봉사 활동들을 소개하는 영상은 그가 왜 유니세프 친선대사로 활동하면서 굶주리고 소외 받은 아이들을 위해 봉사했는지, 생전에 헵번이 말한 ‘진정한 나눔의 정신’을 이해하는 데 도움이 된다.# 오리지널 포스터전시회의 가운데 토막을 차지하고 있는 필수 관람 코스다. ‘티파니에서 아침을’, ‘로마의 휴일’ 등 그가 출연했던 영화의 한정판 오리지널 포스터 80여점이 관람객을 맞는다. 영화 제작 당시 오드리 헵번 한 사람만을 위해 특별 제작한 포스터들도 눈에 띈다. 헵번이 직접 소장하고 있던 포스터들인 만큼 손상되지 않도록 전시하는 것이 최대 미션이었다는 후문이다. 전시된 포스터들은 자석으로 단단히 고정되어 있다.# 헵번룩을 완성시킨 의상, 오스카상패션디자이너 지방시가 오드리 헵번만을 위해 직접 디자인한 영화 의상, 공식 석상에서 착용한 드레스 등을 더욱 실감나게 볼 수 있도록 케이스를 덮지 않고 공개했다. 1954년 아카데미 시상식에서 수상한 여우주연상 트로피와 ‘로마의 휴일’ 촬영 때 헵번이 탑승했던 베스파 스쿠터도 직접 눈으로 볼 수 있다.# 오디오 가이드여유를 갖고 느긋하게 돌아볼 수 있는 관객이라면, 오드리 헵번의 출생부터 죽음까지 일대기를 다루는 전시회인 만큼, 상세한 비하인드 스토리를 들을 수 있는 오디오 가이드를 이용해 보는 것도 방법이다. 80분 분량. 자세한 내용은 홈페이지(www.audreyhepburnexhibition.co.kr)를 참조하면 된다.김신성 기자 sskim65@segye.com

서울 강남서 7일까지 ‘청담미술제’서울 강남 지역의 미술 축제인 제24회 청담미술제가 7일까지 청담동 일대 화랑가에서 열린다. 1991년 시작된 청담미술제는 순수미술의 새로운 트렌드와 대중의 만남의 장을 통해 소비문화 일변도의 강남에 예술을 불어 넣자는 취지로 열리고 있다. 올해는 갤러리두, 갤러리마크, 갤러리미, 갤러리아 순수, 갤러리위, 갤러리피치, 박여숙화랑, 박영덕화랑, 본태박물관(서울분관), 소피아아트컴퍼니, 스페이스도, 아르떼22갤러리, JJ중정갤러리, 쥴리아나갤러리, 칼리파 갤러리, 표갤러리사우스 등 16곳이 참여한다. 행사 기간 갤러리마다 다양한 작가들의 작품을 선보인다. (02)514-4266∼7양순열초대전, 포스코갤러리서 열려인간의 꿈과 사랑, 내면의 언어를 주된 테마로 작업해 온 중견 작가 양순열의 초대전(사진)이 포스코갤러리에서 내년 1월 16일까지 열린다. 이번 전시에서 작가는 260여평에 달하는 갤러리 1, 2층을 모두 사용하며 대형회화와 설치작품, 조각, 오브제 작업 등 50여점의 작품을 선보인다. 모성을 주제로 한 회화 시리즈, 아버지 시리즈 등이 출품됐다. 특히 아버지 시리즈는 ‘포스코’라는 전시공간의 성격에서 영감을 받아 작업한 것으로, 아버지들의 노동과 삶을 오브제 작업으로 표현하고 있다.

인물과 꽃 풍경으로 사회적 발언과 소통을 꾸준히 해 오고 있는 안창홍(61) 작가가 이번엔 맨드라미그림을 가지고 대중 앞에 나타났다. 양평 작업실 마당에 핀 꽃들 중에서 선택한 것이다. “3년 전 6t 트럭 두대분의 흙을 실어와 꽃밭을 조성했다. 인터넷에서 여러 꽃씨를 구해 심었다. 그동안 생태를 관찰해 오다가 우선 맨드라미를 선택하게 됐다.” 그에게 맨드라미는 꽃이 아닌 꽃이다. 맨드라미를 볼 때마다 정육점에서 살점을 잘라다 들에 던져놓은 느낌을 받았다.“나의 맨드라미는 예쁘고 아름답다기보다 꺾어진 맨드라미, 상한 맨드라미가 많다. 그리고 색깔도 살인적 핑크색이다. 그래서 그리고 나면 원색적으로 피어나 내게 항변하는 꽃이 ‘나의 꽃’이다. 꽃의 향기가 아름답기는 하지만 그것보다 그 향기를 발산하기 위하여 꽃이 진력한 에너지는 목숨까지 건 것이다. 그러므로 나는 맨드라미를 활용한 ‘심상풍경’을 그린다. 이미 예쁜 꽃을 무슨 재주로 더 예쁘게 그리겠는가?”그는 세상의 음지에 대한 더듬이 역할에 충실하려 한다. 고층빌딩 뒤엔 언제나 응달이 있게 마련이다. 심지어 아무리 태평성대라 하더라도 그것을 받쳐주는 그늘이 존재함을 환기시키려 한다. “시대의 통증도 마땅히 담아내야 한다. 절망이 아닌 희망의 노래가 발아되는 지점이다. 한창 작업 중에 세월호 참사가 발생해 너무나 힘들고 고통스러웠다. 검은 비 맨드라미 풍경은 그렇게 탄생됐다.”싱싱한 맨드라미가 짓밟혀 쓰러진 모습의 그림도 보인다. 고야의 ‘1908년 5월3일’을 연상해서 그린 작품이다.“나폴레옹이 스페인을 침공해 양민학살을 벌인 날이다. 이 같은 일은 지금도 지구촌 곳곳에서 벌어지고 있다.” 꽃 그림만큼은 대중적 인기를 누리고 있는 안창홍 작가. 본능에 가까운 작업으로 붓을 잡는 순간 캔버스에 축제가 벌어진다는 그는 “여지껏 한번도 시장을 겨냥해 그림을 그려 본 적이 없다”고 털어놓았다.오래전에 그는 한 개인의 가족사를 통해 아픈 시대사를 들여다보기도 했다. 가족사진에서 시작한 이야기는 친구들의 가족, 그리고 연출한 사진으로까지 확장됐다. 골동상에 가서 사진을 구하기도 하고 어떤 때에는 경매에서 사진을 구입하여 활용하기도 했다.“사진은 이제 가장 본격적인 현대미술의 장르이지만 30년 전은 그렇지 않았다. 말하자면 소재로 보았을 때 사진에 집착한 내 자신은 선구적이었다고 생각한다.” 그는 제도권 교육을 받지 않았다. 틀에서 자유로웠기에 늘 시대를 앞서가는 작업을 할 수 있었다. 그동안 그가 사람들로부터 종종 이단아라는 소리를 들었던 이유다.“미술사를 보면 개인의 힘이 미술사의 획을 그어 왔다. 집단이나 단체가 그런 업적을 남기는 경우가 없다. 그런 점에서 이단아라는 말은 영광으로 받아들이고 있다.”사실 돌직구로 표현되는 인물보다 자연을 통해 무언가를 이야기 하는 것은 어렵다. 추상적이고 상징적이기에 그렇다. 이를 극복하기 위해 그는 꽃그림을 야사시한 무대 위의 세트같이 구성했다. 조작(연출)된 풍경이라 초현실적이다. 일반 컬렉터들조차도 그의 꽃그림을 좋아하는 요소가 되고 있다. 작품성과 시장성이라는 두 마리의 토끼를 한꺼번에 잡고 있는 것이다. 28일까지 더페이지갤러리. (02)3447-0049편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

사과가 상자에서 쏟아 내려질 듯 생동감이 넘쳐 흐른다. 관람객들도 행여 그럴까봐 화폭을 이리저리 살펴보고 만져보기까지 한다. 그저 먹음직스러운 세잔의 사과 정물과는 간극의 차이를 보이고 있다. 윤병락 작가의 사과 작품을 두고 하는 말이다. 사과라는 소재에 고착된 극사실회화가 아니라는 얘기다.“사각의 프레임을 벗어난 그림을 그리기 위해 선택한 소재가 사과였다.” 공간의 확장 개념으로 변형캔버스를 고민하다 귀결된 결과라는 얘기다. 긍극적으로 그림이 걸린 공간이 그림의 배경이 되도록 의도하고 있다. 그래도 사람들은 그를 단순히 사과를 그리는 작가로 인식하고 있다. 덕분에 의도하지 않은 사과작가로 나름의 입지를 굳혔다. 사과 하나로 미술계를 덥석 베어 문 셈이다. ‘가을 향기’. 언뜻 보면 공간 설치 작품 같은 착각을 불러일으키는 그림이다.작업 과정도 캔버스가 아닌 합판 위에 한지를 몇번 바르고 그 위에 유화물감으로 붓질을 하는 방식이다. 실제보다 더 실제 같은 일루전으로 다가오는 요인이다. 사과로 공간을 안무하고 있는 것이다. 17일까지 노화랑. (02)732-3558편완식 미술전문기자

마지막 남은 잎새들이 떨어져 나뒹굴고 있다. 그 위로 겨울을 재촉하는 가랑비가 뿌려졌다. 작가는 궁궐 돌담을 따라 거닐었다. 물에 젖은 색색의 낙엽들은 땅에 납작 엎드려, 길에 양탄자를 깔았다. 검붉은색부터 노란색까지 색의 조합을 고려해 누군가가 뿌려 놓은 듯하다. 작가는 세상에서 가장 멋진 설치미술이라 했다. 낭만이 떨어진 풍경처럼 아름다운 것은 없다하지 않았던가. 사춘기 소녀마냥 작가는 담벼락에 기대어 깔깔거리기도 하고 깡총깡총 지난여름의 잔해들 위를 뛰어다니기도 했다. 서양 대가들의 작업실에 이어 조선시대 대가들의 작업실 소재 작업으로 주목을 받고 있는 남경민(45) 작가와 지난 금요일 오후 창덕궁에서 만났다. 작품 ‘규장각 안에서 부용정을 바라보다’ 앞에 선 남경민 작가. 그는 자신의 작업에 대해 “대가들의 아우라가 과거를 통해 현재와 미래로 나아가게 해주는 마법”이라고 말했다.그의 그림 속에 등장하는 부용지와 부용정이 있는 창덕궁 후원으로 발길을 옮겼다. 높은 곳에 마주하고 있는 2층 누각 주합루에서 바라 본 풍경이다. 1층은 서고인 규장각으로 1776년 정조 때 만들어졌다. 정조가 아꼈던 단원 김홍도가 분명 이곳을 드나들었을 것이다. 단원이 되어 부용정을 바라본 곳이다. 시간을 초월한 만남인 셈이다.그에게 작가의 작업 공간은 특별한 것이다. 한 작가의 예술세계와 영혼을 들여다볼 수 있는 창이 되고 있다.“어느날 제 작업실의 문을 열고 들어갔는데, 작업실 자체가 ‘저’라는 느낌이 들었어요. 제가 좋아하는 물건들이 놓여 있고, 그리고 있는 그림이 있으니 그야말로 저의 정체성의 코드였지요.” 그는 이후 고흐, 모딜리아니, 피카소 등의 작업실을 그려 나갔다.“저는 그런 과정을 통해 그들의 예술혼과 마주하게 됐습니다. 대가들과의 시공을 넘나든 소통이지요. 저의 예술혼을 깨우는 계기도 됐어요. 사실 저의 현재의 모습은 과거의 그들과도 연계돼 있습니다. 저의 미래도 현재의 연장선상에 있고요. 그래서 당대에 과거 현재 미래가 혼재돼 있다고 하지요.” 과거의 거장들 속으로 들어가면서 한편으론 현재라는 통로로 나와야 하는 그의 작업은 어쩌면 마법 같은 일이다. “예술의 미덕은 바로 환타지에 있지요. 사람들에게 꿈을 꾸게 해주는 것만큼 좋은 일이 어디 있나요.” 그의 이런 기질은 미모가 뛰어났던 어머니로부터 물려받은 것이다.“저의 외가는 김포 대부호였어요. 외할아버지는 일본 와세대대학에서 건축을 공부한 분이셨지만 시대적 분위기가 보수적이라 어머니의 꿈을 완전히 무시하셨습니다. 주위에서 배우를 하라고 했지만 언감생심이었고 한 남자의 아내로 만족해야 했지요.” 그가 화가가 될 것이라고 했을 때 가장 지지를 해준 것도 어머니였다.“한 남자의 사랑에 조바심을 태우지 말고 많은 이의 사랑을 받는 예술가가 되라고 하셨지요. 부모로선 참으로 하기 어려운 말씀이셨을 거예요.” 김홍도를 아꼈던 정조의 개혁 정치를 상징하는 대표적인 장소인 규장각과 규장각에서 바라본 부용정의 무대에 선 남경민 작가.빗방울이 굵어져 창덕궁 내 커피숍으로 자리를 옮겼다. 그는 저 세상에 계신 어머니를 떠올리며 만감이 교차하는 듯 말문을 한동안 잇지 못했다. 그의 눈가엔 이미 이슬이 맺혀 있었다.“유럽여행을 두 달 정도 한 적이 있어요. 그때 스노우 볼을 여러 개 샀어요. 흔들면 상했던 기분도 가라앉고 스트레스도 해소되지요. 주변의 소중한 사람들에게 나눠주고 달랑 두 개만 남았을 때 어머니가 달라고 하셨어요. 하지만 ‘엄마에게 이게 왜 필요해?’라고 타박하며 안 드렸어요.”그는 어머니도 꿈 많았던 여인이었음을 헤아려주지 못한 것을 후회하고 있다. “사람들은 제가 너무 그림에만 죽기 살기로 덤빈다고 하지요. 어머니의 꿈도 제가 대신해야 하니 두 사람의 몫을 해야 한다는 생각에서 게으름은 피울수가 없어요.” 그가 커피숍 화장실에서 오래도록 나오지 못했다.기분 전환을 위해 19일까지 그의 개인전이 열리고 있는 사비나미술관으로 발길을 돌렸다. 전시장 그림 속 거울에서 금방이라도 신윤복 미인도 여인이 걸어 나올 것만 같다. 신윤복의 방을 그린 작품이다.살그머니 빨간색 커튼을 들춰서 엿본 보라색 카펫이 깔린 또 다른 그림 속 방에는 본래 한 폭인 김홍도의 ‘군선도’가 세 폭으로 나뉘어 거울과 병풍, 이젤 위에 각각 자리 잡고 있다. 방 곳곳에는 비파와 생황, 거문고 등의 악기가 놓였다. 붓과 주전자 등은 마치 방금까지 누군가 그림을 그리다 잠시 자리를 비운 듯하다. 방의 주인은 바로 김홍도다. 작가는 김홍도의 그림과 김홍도가 즐겨 연주했던 악기들, 스승 강세황의 책 등을 그려넣어 김홍도의 화방을 현대적으로 재구성했다. 방에는 한쪽 날개와 해골 등 보는 이의 고개를 갸웃거리게 할 만한 오브제도 있다. 한쪽 날개는 예술가로서의 꿈을, 해골은 죽음을 통한 삶의 성찰 도구를 각각 의미한다. 방의 본래 주인과의 교류를 상징하는 장치이기도 하다. “대가들에게 초청받아 시공간을 초월해 그들과 만나고 내면을 교류하고 있다는 느낌을 받고 있어요.” 그는 대가들 관련 작업실 자료가 많지 않아 그만큼 더 발품을 팔아야 했다. 상상력을 담아 그리더라도 그만큼 많이 연구해야 하기 때문이다. 그가 ‘공부하는 화가’로 불리는 이유이기도 하다.“제 그림에는 과거와 현재, 현실과 비현실이 공존하고 있어요. 자료가 전혀 존재하지 않는 우리 선대 대가들의 화방 풍경은 나만의 상상 속에서 오히려 더욱 자유로워졌습니다.” 그는 겸재 정선이 은둔한 거처에서 보이는 바깥 풍경과 그 풍경을 담은 정선의 그림, 그리고 그 풍경을 그가 현대적으로 재현한 그림 등을 마치 숨은 그림 찾기라도 하듯 한 화면에 배치했다. 창문 밖, 거울 속, 책상 위, 혹은 이젤 위 등에서 같은 듯 다르게 그려진 그림을 찾아 비교해 보는 것도 묘미다. “예전에는 영혼이라는 것은 없다고 생각했는데 이번 작업을 통해 대가들의 영혼이 그림에 남아 있어 내가 그들의 방을 그리고 또 연구하는구나라는 생각이 들었어요.” 그는 대가들의 작업실 풍경을 그리면서 나름 그들의 개성도 알게 됐다. 글과 음악도 즐긴 김홍도는 다소 호방한 성격에 한량 기질이 있었고, 자연을 벗 삼아 은둔을 즐긴 정선은 지적인 인물이었다. 신윤복은 자유분방하고 세련된 성품을 지녔다. “신윤복이 그린 여인의 옷 매무새나 자태를 보면 도저히 여인이 아니면 알 수 없는 부분까지 터치하고 있는 것을 알 수 있어요, 남장 여인이라는 이야기가 나올 만하지요. 아마도 그는 여인의 속성을 지닌 게이였을 겁니다.” 그는 대가들의 아우라가 미래로 나아가게 해주는 ‘마법’이라고 했다. 짧지만 갈 길 잃은 현대미술에 울림으로 다가온다.편완식 미술전문기자

예술가의 노년의 작품에서는 오랜 세월 고수해 온 인습적인 표현이 무언가 다른 것을 말하고 있는 것처럼 느껴진다. 저하된 시력과 떨리는 손 때문에 장시간 작업에 몰두하기 힘들지 몰라도, 그 속에는 늘 보는 이들을 압도하는 원초적인 힘이 숨어있다. 꼼꼼하게 무언가를 잘 그려서 감동을 주는 것이 아니라 그냥 툭 던져버린 듯한 물감들이 놀랄만한 색의 조화를 만들어 내는 것이다. 규율에 순응하고  이성으로 통제되는 색과 형태는 거의 사용되지 않기 때문에 난해하고 모호한 인상을 주기도 한다. 그러나 이러한 요소들은 감상자들을 감정적으로 흥분시키고, 다양한 해석을 할 수 있는 사유의 기회를 제공한다. 위대한 대가들만이 다다를 수 있는 숭고한 세계가 바로 여기에 있다.티치아노, 렘브란트, 터너 그리고 모네의 말년의 작품들이 공통적으로 보이고 있는 특징은 조금도 망설임 없이 붓 자국을 캔버스에 고스란히 남겼다는 점이다. 거친 필촉과 넓은 붓면으로 평면을 급히 휘갈겨 그린듯한 자국들이 눈에 들어오고 가까이서는 무엇을 그렸는지 잘 알아보기가 힘들다. 그러나 작품에서 좀 물러서서 바라보면 그것들은 거짓말처럼 완벽하게 보인다. 이 같은 결과는 억지스럽고 과다하게 표현하는 것을 버리고, 불필요한 과정을 모두 생략했을 때 비로소 얻어질 수 있다.런던의 내셔널갤러리에서 렘브란트의 말년의 작품을 총망라한 전시회가 열리고 있다. 빛과 어둠을 극적으로 표현하는 렘브란트의 후기 양식은 명확하게 무언가를 그리려는 의도를 배제한 채, 무한한 가능성을 보여주는 폐허와 같은 풍경을 그대로 드러내고 있다. 생전에는 좋은 평가를 받을 리 없었던 모호한 성향은 시간이 한참 흘러서야 그 예술적 중요성이 재평가되었다. 결코 사그러들지 않는 빛과 색의 강렬한 힘 속에서 미의 본질, 좀 더 엄밀히 말하자면 한계를 넘어선 렘브란트 예술의 정수를 엿볼 수 있기 때문이다.위대한 예술가가 숙명처럼 거쳐간 말년의 작품들에 관심을 기울인 것은 아도르노에 의한 ‘베토벤의 말년의 양식’ (1937년)이라는 연구로 거슬러올라간다. 오리엔탈리즘으로 일세대를 풍미했던 학자 에드워드 사이드가 유작으로 남긴 ‘말년의 양식에 대하여’라는 책도 기억에 새롭다. 음악과 미술에서 보이는 말년의 작품들은 파격적인 자유와 혁신을 갈망하는 마음과 우주까지 아우르려 하는 의지가 묻어난다.아도르노는 베토벤이 말년에 집필한 현악곡과 특히 마지막 교향곡 9번을 다음과 같이 해석한다. “이윽고 주관적인 것으로 넘쳐나 통제될 수 없는 지경에 이르렀고, 그러다 그곳에 남겨지고 잊혀 버린듯하다. 주관성이 폭발함과 동시에 그 파편들은 산산이 흩어졌다. 작은 조각으로 분해되어, 그냥 버려진 채로 있는 것처럼 들리지만 결국에는 그 자체가 표현으로 전환된다.” 이러한 폭발적인 힘과 거친 부분이 주는 여운은 베토벤의 음악뿐만 아니라 렘브란트가 세상을 떠나기 10년 전 정도부터 그린 작품에서도 공통적으로 보인다. 일명 ‘유대인 신부’라는 타이틀로 친숙한 ‘이삭과 레베카’에서 우리는 상식을 뛰어넘은 강렬한 힘을 찾아볼 수 있다. 숨죽이며 신부의 가슴에 손을 올린 신랑의 오른손과 그 위에 다소곳이 얹어진 신부의 왼손은 앞으로의 인생의 반려자로서 서로를 받아들이는 엄숙한 맹세와도 같다.렘브란트의 ‘이삭과 레베카’ (일명 ‘유대인 신부’, 1669년경, 121.5cm x 166.5cm, 암스테르담 국립 미술관)렘브란트의 ‘이삭과 레베카’의 부분이 그림을 1885년에 처음 본 반 고흐는 자신의 친구에게 “다 말라 푸석푸석해진 빵조각만 먹으며 이 그림 앞에서 2주일 동안만 앉아있을 수 있다면 자신의 인생에서 10년을 포기해도 좋다”라고 고백했다. 평범할 수도 있는 신랑신부의 신체적 접촉은 신비할 만큼 고요하고 뭉클한 감동을 주고 있는 것이다. 그러나 실제로 이 작품을 보고 있으면 팔레트와 캔버스 사이를 쉴 새 없이 오가며 움직였을 손길이 그대로 느껴진다. 광기를 내뿜듯이 온갖 색의 물감을 불규칙적으로 바르며, 심지어 두꺼운 물감층을 막대기나 나이프로 긁은 자국이 선명히 남아있다. 물감은 그림을 그리기 위한 재료가 아니라, 그의 열정과 혼을 그대로 담아내는 유일한 도구였던 것이다. 마치 음악의 완성을 위해서라면 인간의 목소리까지도 동원해 통합된 우주의 세계로 만들어버린 베토벤의 9번 교향곡처럼 그 무질서한 물감 자국들은 전율을 일으킨다.렘브란트의 말년의 작품들이 갖는 특징을 말하기 전에 늘 먼저 이야기되는 것이 중년 이후의 그의 삶이다. 대표작으로 잘 알려진 ‘야경’이 완성되고, 자신의 부인인 사스키아가 별세한 1642년부터 이후의 27년 동안 천재화가로서의 영광이 아닌 굴곡지고 힘든 고비를 맞이하였다. 작가의 주관적인 색채가 강해질수록 작품의 인기가 떨어졌던 것은 사실이고, 이 같은 일련의 일들이 거듭되다 보니, 결국 개인 파산이라는 극단적인 상황에까지 이르게 되었다. 당시의 재판 기록과 개인 파산을 신청한 후 남을 재산을 처분했던 장부들을 통해서도 확인할 수 있다.현실로 닥친 금전적 어려움에서 벗어나기 위해 회화뿐 만 아니라 판화같이 비교적 쉽게 거래가 가능한 분야에도 의욕적으로 도전하였다. 파산이 확정된 직후 그에게 다시 한번 기회가 주어졌다. 새로 지어진 암스테르담 시청사의 가장 중요한 자리에 걸릴 대작 ‘클라우디우스 시빌리스와 바타비아인들의 음모’의 주문을 받은 것이다. 이 기회를 살려 어떻게 해서든 암스테르담 지도층들로부터 다시 많은 주문을 받아 재기할 기회로 삼고 싶어 했던 렘브란트는 자신의 작품 중에서 가장 큰 사이즈의 작품을 완성하였다.렘브란트의 ‘클라우디우스 시빌리스와 바타비아인들의 음모’ (1662년, 196cm x 309cm, 스톨홀름 국립 미술관) 원화는 암스테르담 시청사의 벽을 장식하기 위해 제작되었으나, 얼마 지나지 않아 다른 그림으로 교체되고 작품값도 지불하지 않은 불운의 작품이 되었다. 대작인 탓에 처분하기가 힘들다고 생각한 렘브란트는 원래 사이즈의 4분의 1로 잘라내어 다른 컬렉터에게 판매하였다. 1734년의 암스테르담의 경매 기록에 따르면 니콜라스 콜이라는 상인이 작품을 낙찰하였고, 그의 사후 스웨덴인의 부인의 손으로 넘어가 현재에는 스톡홀름의 국립 미술관이 소장하고 있다.애꾸눈의 지도자와 바타비아인 동지들의 충성심을 나타내는 장면에서 칼을 맞대고 서약하는 장면을 선택하였고, 엄숙한 분위기를 살리기 위해 극적인 명암의 효과를 이용하였다. 테이블보의 윗면이 발하는 하이라이트는 마치 화면위의 수평선처럼 드러나고, 금속의 칼들이 발하는 반사광에 비친 인물들의 얼굴은 투박하고 웅장하게 등장한다. 복잡한 도상이나 세밀한 표현을 일체 배제하고, 단지 어둠 속에서 발하는 인공적인 빛이 주는 극적 효과와 인물의 심리적인 묘사에만 집중하고 있는 것이 특징이다. 마치 동시대의 작가들이 도전했던 세련된 색감과 유행하는 구도를 따르지 않고, 자신의 머릿속에 떠오른 긴장감 넘치는 장면을 장대한 스케일로 연출하는 일에 전념하였다.다른 조건들과는 타협하지 않고 극단적인 작가의 비전을 중시한 이 반년도 가지 않아 시청의 벽에서 내려지고 말았다. 일생일대의 중요한 기회로 작용할 수 있던 이 일이 예기치 못한 결과로 끝나고 만 것이다. 작품값도 받지 못해 분노한 렘브란트는 대작인 원화를 주요인물들이 들어간 부분만 남기고 나머지 부분은 잘라내고 말았다. 어떻게 해서든 경제적인 보상을 받지 않으면 안되었기에 다른 컬렉터에게 판매하는 방법을 택했던 것으로 보인다.렘브란트의 ‘포목상 조합의 이사들’ (1662년, 191cm x 279cm, 암스테르담 국립 미술관) 큰 화폭에 다수의 인물을 그린 초상으로는 마지막 작품.이러한 불운한 결과가 있었을지라도 성공과 실패라는 양분법의 논리로 그의 말년의 작품이 평가될 수 없다. 그만큼 경제적 어려움을 겪는 상황에서도 당시 유행했던 스타일을 따르지 않고 오히려 자신이 추구하는 화풍을 더욱 견고히 했다. 과감하게 화법을 바꾸고, 인물과 사물의 자연스러움을 중시하였다. 암스테르담 포목상 조합원들의 단체 초상화에서 보여지는 섬세한 표정은 마치 그들의 내면의 구현된 것 같은 착각을 불러일으키기도 한다. 지금이라도 당장 일어서서 캔버스 밖의 우리들에게 말을 걸어올 듯한 생동감 넘치는 화면은 원숙의 경지에 도달한 예술가가 아니고서는 보여줄 수 없는 명장면이다. 렘브란트의 ‘63세에 그려진 자화상’ (1669년, 86cm x 70.5cm, 런던 내셔널갤러리) 1669년 10월 4일 세상을 떠난 렘브란트가 같은 해 제작한 마지막 초상화.늙어가는 자신의 모습을 마주하듯, 노년의 렘브란트는 많은 자화상을 남겼다. 생을 마감한 63세의 렘브란트의 모습을 앞에 두고 우리는 붓을 놓는 마지막까지 자신이 추구하는 이상적인 그림을 그리기 위해 고분 분투한 그의 삶을 되돌아보게 된다. 그의 사후에 쓰인 전기에서 하우브라켄은 “렘브란트가 인생의 가을 무렵부터 찾아 나선것은 영광이 아닌 자유였다”라고 평했다. 그의 말년의 작품 속에 격정적인 흥분이 사방으로 방사되고 있는 것은 이러한 창작에의 갈망이 있었기에 가능했던 일이었다.*전시회 정보렘브란트: 말년의 작품들런던 내셔널 갤러리 2014년 10월 15일 ~ 2015년 1월 18일암스테르담 국립 미술관 2015년 2월 12일 ~ 2015년 5월 17일양정윤

한국콘텐츠진흥원과 한국문화예술위원회가 최근 전남 보성 낙성초교에서 진행한 ‘문화체험교실’에 참가한 학생들이 기념촬영을 하고 있다.한국콘텐츠진흥원(원장 홍상표)과 한국문화예술위원회(위원장 권영빈)가 나란히 지역 맞춤형 사회공헌 활동을 펼쳐 눈길을 끌고 있다.28일 콘진원에 따르면 지난 5월 전남 나주 빛가람혁신도시로 이전한 콘진원·예술위는 최근 보성군 벌교읍 낙성초교에서 ‘문화체험교실’을 열었다. 이는 대도시에 비해 상대적으로 다양한 문화를 접할 기회가 부족한 지역 주민들에게 문화와 콘텐츠 체험 기회를 제공하는 게 목표다.낙성초고 학생 43명 전원이 참가해 도자기 인형에 그림을 그리는 ‘무스토이(無’s Toy)’, 우리나라 전래동화 ‘동동동 팥죽할멈’을 한지 인형극으로 재구성한 ‘신나는 예술여행’ 등 다채로운 프로그램을 제공함으로써 지역 학생들이 창의력과 감성을 키울 수 있도록 했다.낙성초교 6학년 최훈(12)군은 “무스토이 시간에 건축가가 된 내 모습을 인형에 그리면서 꿈을 이루기 위해 어떤 준비를 해야할지 생각하게 됐다”며 “팥죽할멈이 못된 호랑이를 놀려주는 공연도 무척 재미있어 다시 보고 싶다”고 소감을 말했다.콘진원 홍상표 원장은 “이번 행사는 기관 간 벽을 허물고 협업을 통해 국민이 원하는 서비스를 제공하자는 ‘정부 3.0’을 사회공헌 활동에 적용해 기획한 것”이라며 “앞으로 더욱 다양한 기관들과 협업해 더욱 다양한 분야에서 활동을 펼치겠다”고 말했다.김태훈 기자 af103@segye.com

경기 부천 한국만화박물관은 국립민속박물관과 공동으로 기획한 ‘만화, 신(神)과 만나다’ 특별 전시회를 열고 있다.경기 부천 한국만화박물관은 26일 ‘문화가 있는 날’을 맞아 선착순 300명까지 관람객들에게 무료 입장의 혜택을 제공한다고 밝혔다. 정부는 올해부터 매월 마지막 주 수요일을 문화가 있는 날로 정해 운영하고 있다.한국만화박물관은 지난 3월부터 매월 마지막 주 수요일마다 더욱 많은 관람객들이 박물관을 체험할 수 있도록 다양한 혜택을 제공해 왔다. 특히 11월의 문화가 있는 날에는 한국만화박물관과 국립민속박물관이 공동으로 기획한 ‘만화, 신(神)과 만나다’ 특별 전시회를 마련해 관람객들에게 더 큰 즐거움을 선사할 예정이다.이번 전시는 한국의 민속신(神)인 가택신들을 현대적 감각으로 재해석한 주호민 작가의 인기 웹툰 ‘신과 함께’, 대표적인 우리 신화로 꼽히는 바리데기 이야기를 만화로 그린 윤태호 작가의 ‘영혼의 신 바리공주’, 무당의 퇴마기행을 담고 있는 이빈 작가의 ‘마나(MANA)’, 전통 무속 설화를 녹인 이은 작가의 ‘분녀네 선물가게’ 등 민속신앙을 소재로 한 만화를 소개한다. 바리공주 관련 부채 및 방울, 기타 무구(巫具) 등 실제 유물도 함께 전시한다.현재 한국만화박물관에서는 한국 근대문학을 원작으로 한 애니메이션 ‘메밀꽃, 운수 좋은 날, 그리고 봄봄’과 세계적 베스트셀러 ‘꿀벌 마야의 모험’을 원작으로 한 애니메이션 ‘마야’가 절찬리에 상영 중이다. 한국만화 100년 역사를 한 눈에 볼 수 있는 한국만화박물관은 만화전시관을 비롯해 국내 최대 규모의 만화도서관, 4차원(4D) 상영관 등으로 구성되어 있다.한국만화박물관의 문화가 있는 날 행사에 관한 자세한 정보는 공식 홈페이지(www.komacon.kr/comicsmuseum)에서 확인할 수 있다. (032)310-3090, 1김태훈 기자 af103@segye.com