고전과 인터랙티브의 '영적 만남'을 주제로 한 작품활동으로 화제를 모으고 있는 조상 교수(서울예술대학 디지털아트학부)가 7년 만에 특별한 개인전을 갖는다. 조상 교수의 전시회 '공기의 간극'은 오는 28일부터 2월 11일까지 유중아트센터 4층 1갤러리에서 진행된다. 이번 개인전에는 장르별로 영상과 인터랙티브 인스톨레이션, 입체, 평면 등 25점의 작품이 전시된다. 조 교수는  '디지털아트'라는 현대적인 학부의 교수이자 주로 미국에서 작품 활동을 해왔음에도 불구하고, 주역이나 노장 사상 등 동양적 우주관을 꾸준히 작품에 담아왔다.그의 이번 전시는 1493년 편찬된 악학궤범의 내용을 토대로 한, 매우 이지적이고 이색적인 뉴미디어 아트 개인전으로, 동양적 우주관과 디지털 테크롤로지와의 융합을 탐험한다.매체의 물성과 소리, 공기, 빛의 영적교류를 다루는 그의 작업은 전통의 현대적 변용, 그리고 민족의 예술혼과 과학기술이 융합된 쌍방향 소통형의 조형어법을 구사하고 있다. 또한 고전과 인터랙티브 아트라는 이질적 요소를 통섭하며 새로운 예술의 형태를 창조하고 있다. 입체와 설치작업에서는 적외선 센서와 아두이노가 코딩돼 영혼을 담은 깊은 울림의 소리가 랜덤으로 나온다. 또한 깃털 오브제가 있는 평면 작품에서는 다가오는 감상자를 인식하는 센서와 쿨링팬에 의해 깃털이 바람에 나부낀다.미술평론가인 안현정씨는  "이 전시는 무한한 우주에 존재하는 다양한 관점들을 '특이점(Singularity) 이후'라는 상상의 플랫폼을 통해 시각화하고 있다"면서 "작가는 단순한 우발적 사건들을 넘어 그로부터 생성되는 존재의 차이와 진전에 대한 창조적 변혁을 촉발시키고자 한다"고 평가했다.조 교수는 홍익대학교 미술대학과 미국 뉴욕대 대학원을 졸업한 후 조지빌리스 갤러리 소속 작가로 10여 년간 뉴욕에서 작품 활동을 해왔다. 금호미술관 기획 초대전과 기타 개인전 13회, 미국 댈러스미술관 및 앨버트녹스미술관 등 150여 회의 기획 그룹전에 참여했으며, 2003년에는 서울시 디지털미디어시티 환경조성 개념설계를 총감독했다.조정남 기자 jjn@segye.com

서울 영등포구 대림동에 자리 잡은 갤러리AG에서 다소 난해한 제목의 전시가 열리고 있다. 전시제목이 ‘개시개비(皆是皆非)’다. 신라시대 고승 원효대사가 주창한 화엄사상의 핵심 키워드다. 어떤 입장도 전적으로 옳거나 전적으로 그른 것은 아니며, 각각의 주장이 부분적 진리성을 가지고 있다는 속뜻을 담고 있다. 지금 우리시대에 더욱 절실한 화두다. 굳이 쉽게 현실적으로 해석해 보자면 ‘보다 나은 내일과 미래를 위해 서로 화합해보자’는 메시지일 것이다. 독단이 설치는 시대에 다른 사람의 주장도 진리일 수 있음을 받아들이고 소통해야 한다는 뜻이 담겼다. 세상에 절대적인 진리란 없다. 이분법적 사고는 민주 사회를 저해하는 가장 큰 걸림돌이다. 다름을 인정하는 ‘화쟁(和爭)의 대화 철학’이 필요한 이유다.덧붙이자면 원효대사가 주창한 화쟁 철학의 중심은 ‘원융회통(圓融會通)’이다. 세상의 모든 것은 ‘하나로 통한다’는 간단명료한 진리다. 올바른 화쟁 ‘논쟁(論爭)과 대화(對話)의 하모니’로 완성된다. 논쟁은 ‘내가 옳음을 입증하는 과정’이라면, 대화는 ‘상대방도 옳을 수 있음을 인정하는 과정’이다. 내 주장뿐 아니라 상대방의 의견도 수렴하는 경청을 통해 보다 성숙되고 성장할 수 있다는 것이 ‘개시개비(皆是皆非)’의 숨은 뜻인 셈이다. 부수적으로 동음인 개시(開始)나 개비(改備)와도 연결 지을 수 있다. ‘어떤 행동이나 일을 시작하다’와 ‘있던 것을 갈아 내고 다시 장만하다’라는 의미를 각각 지니고 있다. 이는 ‘새로이 시작한다’는 것과 맥을 같이 한다. 따라서 ‘개시개비’에는 “전혀 다른 개념이나 이념이 만났어도 서로 존중하고 조화를 이루면 새로운 시작이 된다’는 속뜻도 포함하고 있다고 하겠다.예술에서의 새로운 창조도 예외가 아니다. 2월25일까지 열리는 전시엔 박병춘(회화장르·위 사진)과 이이남(미디어장르·아래 사진)이 초대됐다. ‘서로 다른 상반되거나 상충되는 개념을 한 작품에서 창의적으로 조화시켜 새로운 작품을 만들어낸다’는 공통점에 주목하고 있다. 특히 한 전시공간에서 동양과 서양의 감성을 넘나드는 평면과 미디어 작품들의 만남으로 전혀 색다른 감흥을 불러일으키고 있다. 박병춘은 동양의 공간개념과 정신세계를 근간으로 서양의 현대적 조형기법을 혼용한다. 이이남은 2차원의 동서양 명화를 3차원의 시공간으로 재해석한 영상에 음향까지 어우러지게 하고 있다. 박병춘은 한국화 장르의 대표적인 이단아로 꼽힌다. 하지만 그만큼 ‘진정한 한국성’에 깊은 천착을 보인 작가도 드물다. 그는 주로 농묵의 갈필(渴筆)로 과감하게 윤곽선을 잡은 후 여러 단계의 채색과정을 거쳐 완성한다. 수묵이 기본을 이루되 가미되는 재료는 목탄, 콘테, 파스텔, 아크릴물감, 혼합재료 등 특별히 얽매이지 않았다. 바로 라면산수, 고무산수, 칠판산수, 봉지산수 등이 그것이다. 이이남은 ‘2차원과 3차원이 교차하는 신개념 미디어 캔버스’를 만들어 주목을 받고 있는 작가다. 그는 2차원 평면에서 완성된 회화작품을 근간으로 시간성과 공간성을 가미해 전혀 다른 3차원적 영상장면으로 탈바꿈시킨다. 이 과정에서 단골로 등장하는 소재가 동서양 명화들이다. 창조는 하늘에 떠 있는 별 같은 존재가 아니다. 가까운 일상에서부터 서로 다름이 존중될 때, 제각각의 객체가 만나 이상적이고 발전적인 에너지를 발산할 수 있을 때 창조가 이뤄진다. 창조경제의 환경도 그래야 할 것이다.편완식 미술전문기자

10여명의 회원으로 구성된 미술품 소장과 투자 클럽이 있다. 기업인을 비롯해 미술애호가 등이 참여하고 있는 컬렉터그룹이다. 돈을 모아 낙찰계를 타듯 순번으로 돌아가면서 작품을 손에 넣는 방식으로 운영되고 있다. 주로 참신한 신예 작가와 중견 작가의 작품이 타깃이다. 이를 주도하고 있는 이가 장준영(52)씨다. 독일에서 미술사를 전공한 그는 현재 ‘한국미술품가격인덱스’ 대표를 맡고 있다. 한국미술품가격지수(KAPIX)를 개발하고 국내 대학 컴퓨터공학과에서 ‘이미지 분석’을 주제로 공학박사학위를 받기도 했다.“한국 미술의 요즘 현실이 암울하다는 소리를 많이 듣고 있다. 과거에 안주하고 있기 때문이다. 영향력 있는 ‘교수작가’들을 배경으로 땅 짚고 헤엄치듯 성장한 것이 한국의 대형 화랑들이다. 그러니 작품 크기에 따라 값을 더 받는 호당가격제에 매달릴 수밖에 없었다. 철저히 가격지수에 의해 거래되는 세계미술시장의 글로벌스탠더드와는 거리가 있다.”그가 미술품가격지수를 개발한 배경이기도 하다. 옥션거래의 평균가격을 기준으로 작가의 이력이나 작품성 등을 고려해 가감하는 방식이다. “미술품가격지수는 컬렉터나 작가, 화랑 모두에게 안정적인 예측치를 가늠하게 해 준다. 하지만 2007년 전후로 미술시장이 호황을 누렸을 때 화랑들은 컬렉터에게 묻지마 투자를 조장했고 컬렉터들도 일확천금을 노려 여기에 가세했다. 결과는 참담했다. 작품 가격이 반 토막이 나면서 많은 컬렉터들이 미술시장을 떠났다.” 한국미술시장의 글로벌스탠더드화를 주창하고 있는 장준영씨. 그는 이를 위해선 “제3의 참신한 미술품 경매회사와 갤러리들이 나와아 한다”고 강조했다.그는 소위 10대 블루칩 작가 위주로 돌아가는 한국미술시장의 폐쇄적 구조에 우려의 시선을 보내고 있다.“미술시장에서도 부익부 빈익빈 현상이 벌어지고 있다. 화랑이나 옥션 거래의 70% 이상이 블루칩작가들이 차지하고 있는 것이 이를 말해준다. 게다가 몇몇 갤러리와 옥션사들이 이들을 독점하고 있다. 그들만의 잔치만 벌어지고 있는 형국이다.”그는 이런 상황이 결국 미술시장을 고사시키고 있다고 진단한다.“시장은 여러 층이 서로를 떠받치며 돌아가야 활력이 넘치고 건강하게 성장하게 마련이다. 새로운 작가들을 미술시장에 투입하는 치밀한 작업이 갤러리나 옥션에서 활발하게 이뤄져야 한다.”그는 이를 위해 유의미한 작가가격지수가 나오도록 작가를 관리하는 것이 급선무라고 했다.“뻔한 얘기일 수도 있습니다. 하지만 이 길밖에 없다는 점을 미술계 인사들은 다시금 되뇌일 필요가 있습니다.”그가 클럽다빈치를 운영하는 이유이기도 하다. “그룹을 여러 개 만들어 나갈 예정이다. 얼마의 시간이 지나면 작가들의 유의미한 가격지수도 산출되리라 본다. 그리고 그룹과 그룹, 또는 그룹 내 거래를 위해 살롱도 만들 생각이다.”그는 이 같은 과정을 통해 상당한 지수가 쌓이면 옥션에 작가들을 진입시킬 작정이다.“갤러리나 옥션들도 비슷한 과정을 통해 새로운 피를 수혈해야 한다. 미술시장의 물건들이 풍요로워야 새로운 컬렉터들의 미술시장에 진입하게 된다.”그는 최근 들어 직접 작가 비평문도 쓰기 시작했다. 현장에서 절심함을 느껴서다.“작가는 작가노트를 통해 어떤 대상을 왜 그렸는지 명확히 해야 할 필요가 있다. 그리고 어떤 시각과 생각으로 그렸는지 밝힐 수 있어야 한다. 비평가의 역할은 작가노트에 어울리는 옷을 입혀주는 것이다. 하지만 비평가 취향의 옷을 작가에게 일방적으로 입히는 것이 비평계의 현실이다.” 그는 많은 유명 작가들에게도 서슴없이 비평의 칼을 들이대고 있다. 기득권의 허울을 까발리고 있는 것이다. 주례사에 익숙했던 일부 작가의 반발도 만만치 않다. “멀게 보면 우리 모두에게 좋은 약이 될 것이다.” 그는 스스로 이단아라고 했다. 하지만 시간이 그를 주류로 떠밀 것이라 확신하고 있다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

신인 작가 이지원(27)의 첫 개인전이 28일부터 2월 3일까지 서울 인사동 갤러리 이즈(IS) 3층에서 열린다.이번 전시에는 ‘폭발, 에너지, 안도: 초월적 경험(Eruption, Energy, Relief: A Transcendental Experience’을 주제로, 인간 내면의 감정을 자연이나 도심 속 ‘폭발 현상’에 빗대어 표현한 회화와 드로잉 20여 점을 선보인다. Silence/162.2 x130.3 cm/oil on canvas/2015전시는 폭발에 내재한 열과 에너지의 응집, 불안정의 최고조와 해소 등의 심미적 아름다움을 추구한 작업이다. 이지원 작가는 “하늘을 뒤덮는 화산구름, 건물의 붕괴 등의 폭발 현상은 마치 억눌러왔던 감정을 분출하는 인간의 모습과 매우 유사하다”고 설명하면서 “폭발의 위협적인 형상보다는 경외적이고 몽환적인 매력에 주목하였다”고 강조한다.이지원의 작품들은 묘한(uncanny) 연출이 눈에 띈다. 이를테면 설산·놀이동산·테니스 경기장 등 서로 다른 공간이 미묘하게 결합하여 자연스러운 풍경을 이루고 있다. 기억의 조각들로 행복을 재구성하듯 싱그러운 야자수를 비롯한 푸른빛 수영장, 눈부신 해질녘 등의 오브제들은 비연속적이고 작위적으로 배치된다. where is Lucy?/193.9 X130.3cm (2P)/oil on canvas/2014또한, 공간의 흐린 또는 뚜렷한 경계와 비현실에 가까운 색채들이 사용되어 몽환적인 감성에 젖어들게 만든다. 초월적인 풍경과 환상적인 색채감에서 억눌린 내면의 답답함을 벗어 던진 듯한 카타르시스가 느껴진다.국민대 대학원 미술학과(회화 전공)를 졸업한 이지원은 2009년 ASYAAF 아시아프 ‘We meet the Future’(옛 국군기무사령부 전시관, 서울), 2011년 ‘대한민국 청년 미술대상전’(프라임미술관, 일산), 2012년 ‘ㄱ to ㅎ’展(Rivus gallery, 인천), 2013년 ‘Eruption, Energy, Relief’展(국민아트 갤러리, 서울), 2014년 ‘Eruption, Energy, Relief 2’展(국민아트 갤러리, 서울), 2014년 ‘ASYAAF 아시아프’(문화역서울 284, 서울) 등의 단체전에 출품했다. 관람 시간 오전 10시~오후 7시. (02)736-6669조정진 기자 jjj@segye.com

직장인들에게 늘 주말이 기다려진다. 평상시 열심히 일한 만큼 나를 위한 투자이자 휴식시간이기 때문에 그렇다. 그러나 정작 주말이 되면 소파와 하나가 되거나 침대에 누워 옴짝달싹하지 않으려는 사람들이 의외로 많다. 주말을 온전히 나를 위해 투자했다고 긍정적으로 생각해도 정작 남는 것은 빈둥댄 시간을 탓하며 “이번 주말도 그냥 지나가 버렸어” 하는 허무함 뿐이다. 그렇다면, 황금 같은 시간이자 휴식 일인 주말을 어떻게 보내면 좋을까? 알차게 보내려고 박물관을 찾아 무엇이 진행되고 있는지, 꼭 봐야할 것들은 무엇인지를 체험해 보았다.1990년대 이후 국내에는 다양한 박물관이 세워졌으나 정작 어른들은 지루하고 재미없는 곳이라 여긴 지 오래다. 학생들은 방학숙제를 하기 위해 어쩔 수 없이 시간을 내 유적과 유물 앞에서 노트에 베끼기 바쁘다. 과연 이런 박물관 견학이 의미가 있는 것일까. 진정한 교육은 체험을 통해 우리의 역사를 알게 하는 것이라 생각한다.사실 박물관만큼 재미있게 역사를 체험하고 알려주는 곳도 없다. 과거 생활상을 체험하고 더 나아가 당시의 시대상까지 바라볼 수 있는 역사의 산증인이 바로 박물관이라 할 수 있다. 영국이나 프랑스 등 문화 자존심이 강한 선진국들은 박물관으로 자기 민족을 과시한다. 물론 이들 박물관에 있는 유물 중 일부가 약탈 문화재인 것은 분명하지만 자기 나라에 대한 자긍심 또한 들어있는 것이 틀림없다. 우리 역시 훌륭한 박물관을 많이 보유하고 있고 전시된 문화재 수준 또한 세계적이라 할 수 있다. 사람들이 박물관을 지루하다고 치부해버리는 안타까움에 직접 박물관에 들러 체험을 시작했다.서울시 종로구 삼청동길 자리한 국립민속박물관은 한국을 대표하는 생활문화박물관으로 우리 민족의 삶과 사상을 재미있게 구성해 전시하고 있다. 뿐만 아니라 해마다 새로운 테마를 꾸며 전시하고 있는데 올해에는 을미년(乙未年) 양띠해를 맞아 ‘행복을 부르는 양’특별전을 개최 중이다. 이번 전시회에 흥미를 느껴 직접 가 본 박물관에는 다양하고 특이한 유물들이 눈길을 사로잡았다. 먼저, 선조들의 생활터전이었던 농사에 쓰인 도구와 이를 재연하는 그림이 발길을 멈추게 했다. 그림 옆에 설치된 화면은 이해하는데 도움이 됐고 배경에 쓰인 글귀는 당시 농민의 심경을 알 수 있었다. 초가집과 기와집을 비롯해 전통혼례·서당 모습 등의 재연 전시장은 조상의 생활상을 한눈에 알 수 있도록 짜임새 있게 구성됐다. 특히 전통혼례 전시장은 관람객들로 크게 붐볐다.우리 민족의 일생과 일대기는 물론 전통의상과 가옥까지 전시해 놓은 흠 잡을 데 없는 박물관이었다. 바로 옆 경복궁에 들렀다 박물관을 방문하는 외국인도 눈에 많이 띄었다. 주말에 박물관을 찾아 우리 문화를 체험해 보는 것을 적극 권유한다.김윤진 리포터 whatif1993@segye.com

‘꿈꾸는 드로잉 960 프로젝트’ 결과물 전시회에서 볼 수 있는 주요 작품. 윗줄 왼쪽부터 시계방향으로 ‘나무상자’, ‘구름시계’, ‘악기 드럼’, ‘미래의 나의 방’. 서울문화재단(대표 조선희) 관악어린이창작놀이터는 이생문화재단(대표 정해상)의 후원으로 진행한 ‘꿈꾸는 드로잉 960 프로젝트’의 결과물 전시회를 오는 20일부터 24일까지 서울 논현동  넵스 아트 갤러리에서 개최한다고 16일 밝혔다. 관악어린이창작놀이터에 따르면 이번 전시회는 관악구 지역아동센터 어린이 14명과 시각예술단체 길종상가의 예술가 3인(박길종·김윤하·송대영)이 함께 만든 생활 소품 20여점을 만날 수 있다. ‘꿈꾸는 드로잉 960 프로젝트’란 지난해 10월부터 12월까지 관악어린이창작놀이터에서 8주일 동안 진행한 소외계층 어린이 대상 예술체험 프로젝트다. 저소득 가구나 한부모 가정 자녀들에게 예술창작 활동을 통해 사고의 다양성과 창의성을 길러주고자 시작했다. 참여 어린이들은 나무, 재활용 페트병, 골판지 박스, 플라스틱 바구니 등 다양한 재료로 생활소품들을 직접 디자인하고 만들었다. 대형 박스로 만든 ‘세상에서 제일 큰 시계’부터 구름모양, 고양이 모양 시계, 페트병을 활용한 악기, 재활용 바구니로 만든 화분, ‘미래의 나의 방’ 미니어처 등 작품마다 어린이들의 개성과 상상력이 묻어난다. 특히 나무로 만든 상자는 아이들 작품을 모아 원하는 대로 배치해 쓸 수 있어 실용성을 더했다.관악어린이창작놀이터에서 어린이들이 예술가들의 지도를 받으며 창작활동에 몰두하고 있다. 어린이들을 위한 예술강사로 나선 길종상가의 박길종 작가는 “어린이들이 다양한 재료와 만들기 방식을 체험하고, 또 결과물은 일상생활 속에서 사용할 수 있도록 기획해 재미와 만족감을 동시에 느낄 수 있도록 했다”고 말했다. 프로그램에 참여한 어느 12살 어린이는 “못질이나 폼보드 붙이기 등이 어려웠지만 재미있었다”며 “선생님들이 언제나 친절히 알려주셔서 좋았다”고 소감을 밝혔다. 관악구 봉천동에 위치한 관악어린이창작놀이터는 2010년 개관한 어린이 전문 창작공간으로, 관악구의 문화예술 활성화가 목표다. 이번 프로젝트를 후원한 이생문화재단은 지역아동센터를 위한 주방환경 개선 사업과 소외계층 어린이를 위한 예술교육 등에 힘쓰고 있다. 전시회 관람은 무료이며, 오전 10시부터 오후 5시까지 관람이 가능하다. (02-871-7400김태훈 기자 af103@segye.com

이안아트컨설팅은 오는 3월 15일부터 열리는 2015년도 홍콩 아트바젤을 함께 즐길 아트투어 참가자를 모집한다.이안아트컨설팅(대표 김영애)는 오는 3월 15일부터 18일까지 열리는 홍콩 아트바젤 기간에 맞춰 3박4일 프리미엄 아트투어를 진행한다고 15일 밝혔다.홍콩 아트바젤은 ‘바젤 아트페어 팀이 인수한 홍콩 아트페어’라는 뜻을 담고 있다. 그동안 홍콩과 싱가폴이 아시아 아트페어의 허브 자리를 놓고 앞서거니 뒤서거니를 반복했지만, 지금은 홍콩이 한 수 앞선 모양새다. 이는 바젤 아트페어 팀의 오랜 경험과 노하우에 힘입은 바가 크다. 아트페어뿐만 아니라 세계 유수 갤러리도 홍콩에 분점을 냈다.지난해까지만 해도 5월에 진행한 홍콩 아트페어가 올해부터는 6월 열리는 스위스 바젤 아트페어와 시간차를 두기 위해 3월로 앞당겨졌다. 전 세계의 주목할 만한 작가와 작품들, 갤러리들을 한자리에서 만나볼 수 있다.이안아트컨설팅은 지난해 대구 아트투어, 뮤지엄 산 아트투어 등을 성공적으로 진행한 바 있다. 이안아트컨설팅 관계자는 “아트페어에 참여한 수많은 갤러리 중 어떤 갤러리를 중심으로 보아야 할지, 어떤 작품이 주목할 만한 작품인지, 컬렉션을 어떻게 시작해야 할지 등에 관한 정보가 필수적”이라며 “아트투어와 함께하면 홍콩에서 현대 미술시장의 흐름과 트렌드를 한 눈에 볼 수 있을 것”이라고 말했다.아트투어 신청 마감은 오는 2월 10일이다. 홍콩 아트페어에 관한 정보와 아트투어의 구체적 프로그램 등은 홈페이지(www.ianart.co.kr)에서 볼 수 있다. 궁금한 점은 이메일(info@ianart.co.kr)로 문의하면 된다. (02)2234-7714김태훈 기자 af103@segye.com

캔버스 위에 그림이 바로 그려지지 않고 한지가 먼저 한 겹 발라진다. 작가는 그 위에 먹과 목탄으로 그림을 그려 나간다. 그것으로도 작품이 완성되는 것이 아니다. 그려진 캔버스에 무수한 구멍들이 뚫리고 그 안쪽엔 LED조명등이 설치된다. 빛을 쫓고 있는 한호(45) 작가의 작업방식이다. 그가 올해 세계 최대 미술축제인 베니스비엔날레 특별전에 이이남 작가와 함께 초대됐다. 본전시, 국가관 전시와 별개로 베니스 시내 ‘팔라초 벰보’에서 열리는 비엔날레 연계 전시다. 파주출판단지 작업실에서 특별전 출품작을 한창 마무리하고 있는 한 작가를 만났다.“어린 시절 강물이 흘러가는 광경을 물끄러미 바라보곤 했다. 물이 햇빛에 반사되어 반짝이는 모습에 빨려들었다. UFO 같은 ‘빛의 배’들이 둥실둥실 어디론가 떠 내려가는 것 같았다. 그 배를 타면 어드메 동화 속 나라에 틀림없이 다다를 거란 생각이 들었다.”그가 빛에 천착하게 된 배경이다. 나이가 들어가면서는 은은한 달빛에 끌리기 시작했다. 어스름 달빛에 매화꽃 향기를 노래한 선인들의 감성이 가슴을 파고들었다. 어느 달 밝은 밤 찾은 산사의 풍광은 그를 완전히 매혹시켰다.‘매화나무 가지가 달빛을 타고 꽃창살에 스며들고, 명상에 잠긴 스님의 아우라와 겹쳐지는 순간 모든 것들이 정지되는 느낌을 받았다. 아마도 깨침의 순간이 그런 것이 아닐까. 기독교적으로 말하면 은총이라 할 수 있다.’그는 이후 자신의 작품 화두를 ‘그런 찰나’의 체험에 두고 있다. 특별전 출품작은 이를 잘 보여주고 있다. 어두운 작업실 공간에 들어서자 벽엔 완성된 작품들이 걸려 있고 중앙엔 둥근 달(태양)이 걸려 있다. 천장과 바닥은 거울로 깔았다. 처음엔 그림들의 윤곽도 뚜렷한, 태양이 떠 있는 낮 풍경이다. 15초 정도가 흐르자 공간이 자동센서에 의해 어두워지기 시작한다. 인공태양이 달로 바뀌는 순간이다. 일제히 그림 속 LED조명도 빛을 발하면서 환상적인 분위기를 연출한다. 무한 우주공간을 연상시킨다. 3차원의 공간에서 4차원의 우주공간으로 순간 이동한 느낌을 준다.“달빛은 차가우면서도 온화한 모성의 빛이다. 우리에게 안정감을 주고 정신을 감싸주는 빛이다. 그러기에 우리를 성찰하고 돌아보게 만든다.”그는 생명의 시작은 태양 같은 열정이지만 완성은 달빛 같은 냉정에 있다고 본다.“모정(母情)은 열정이 아니고 냉정이다. 사실 진정한 모정은 차가운 것이다. 그러기에 자식을 키우는 어머니의 사랑은 냉정하다. 어미 호랑이가 새끼를 낭떠러지 밑으로 떨어뜨리는 냉정이 바로 모성애다.”그는 우주야말로 모성애를 상기시키는 공간이라 했다. 모든 것이 거기로 말미암아도 차갑기 그지 없다. 그러면서도 황홀한 안정감으로 다가온다. “서양에서는 정신이상의 상태를 ‘루너틱(lunatic)’이라고 부른다. ‘루나’가 라틴어로 달을 의미한다는 점에서, 달과 광기를 연관시켜 생각한 전통적 사고방식을 엿볼 수 있다. 광기는 카타르시스 과정으로도 볼 수 있다.”  인공 태양과 달빛,그림과 LED조명이 어우러져 환상적 공간을 연출하고 있는 작품 ‘영원한 빛’사실 달은 어두운 음지의 이야기를 비출 때 쓰이기도 한다. 늑대 인간, 구미호, 드라큘라 같은 존재들도 보름달이 뜨면 세상으로 나와서 활동을 하는 존재가 된다. 사회에서 배제되고 부정되는 ‘타자’를 비추는 상징이라는 얘기다.“달빛의 환상은 너무 환한 햇빛의 사각지대에 숨겨진 삶의 진정한 모습을 엿보게 하는 마음의 빛이기도 하다.”그는 빛의 조형화를 통해 인간 존재를 성찰해 보게 만든다.“빛의 추적을 통해 한 인간의 존재에서 죽음까지를 그려내고 싶다. 그리고 시간과 공간 ,그 원초적이고 자연적인 존재의 의미을 다시 한번 예술이란 도구를 통해 사유해 보려고 한다.” 그는 빛이야말로 4차원의 공간, 영원성을 체험케 하는 매개체라고 했다.“빛이 존재하고 그 빛 속에서 인간의 사유가 존재한다. 빛 속에 희망이 있고 영원성이 있다. 실로 빛은 우리가 해석할 수도, 해석될 수도 없는 것이다. 태초에 빛이 그렇다.”편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

생전의 반 고흐는 밀레의 대표작 중에 하나인 ‘씨 뿌리는 사람’을 10여 차례나 반복적으로 모사할 정도로 좋아했다. 전 세계인이 사랑하는 ‘고흐의 작품 ‘씨 뿌리는 사람’은 그렇게 해서 탄생됐다.왜 고흐는 밀레의 작품에 매료 됐을까. 당시 미술계에는 인간을 중심으로 화폭을 구성하는 작가는 없었다. 역사와 성서, 신화적인 장면을 묘사하는 것이 고작이었다. 밀레는 오랜 전통을 깨고 인간의 일상을 중심으로 한 현실에 주목한 것이다. 이러한 대범한 시도가 고흐의 마음을 사로잡은 것이다.밀레를 비롯한 바르비종파가 이를 주도했다. 바르비종은 파리 남쪽에 위치한 퐁텐블로 숲 근처에 있는 작은 마을이다. 19세기 중반 콜레라를 피해 파리를 떠난 작가들이 모여 주변 숲과 사람들을 그리면서 자연스럽게 형성된 유파라 할 수 있다. 산업혁명으로 탄생된 기차의 등장은 작가들로 하여금 먼거리의 여행을 가능케 해주었다, 자연의 직접 체험이 가능해졌다는 얘기다.아틀리에에서 상상으로 버무린 이상화된 풍경작업을 하던 전통 기법은 점차 사실주의적 풍경화로 변화됐다. 작가들이 야외로 나가 현장에서 스케치하고 채색작업까지 했다. 곧 다가올 인상주의 미술을 탄생시키는 결정적인 작업방식이다. 전통적으로 화가들의 작업은 대부분 작업실에서 이뤄졌다. 루브르미술관처럼 옛 대가들의 작품을 접할 수 있는 미술관을 직접 방문하여 필요한 주제나 기법을 익혔다. 도판을 통해 대가들의 작품과 기법을 모사하고 모방하는 방식으로 작업을 했다.산업혁명으로 휴대가 용이한 양질의 물감 생산과 캔버스의 등장은 변화에 가속이 붙게 했다. 한층 작업을 용이하게 만든 미술도구들의 등장이 작업에 신선한 바람이 된 것이다. 문명의 이기들이 새로운 시대에 걸맞은 미술을 꿈꾸는 화가들에게 전통을 탈피하고 새로운 형태의 작업을 시도케 하는 촉매제가 된 셈이다. 이는 작가의 감성이 가미된 보다 주관적인 표현기법들이 등장하게 해주는 배경이 됐다. 전통의 틀에서 해방된 작가주의 미술의 시초인 인상주의 탄생의 밑거름이 됐다.서양미술사에서 밀레 이전과 이후로 양분될 만큼 소재에서의 해방은 밀레가 남긴 위대한 업적이라 할 수 있다. 종교와 신화에서 벗어나 인간에 초점을 맞춘 것이다. 모더니즘을 선도했다는 얘기다. 밀레의 대표작이자 미국 보스턴미술관 4대 걸작인 ‘씨 뿌리는 사람’(사진), ‘감자 심는 사람들’, ‘추수 중에 휴식’, ‘양치기 소녀’가 25일부터 5월10일까지 소마미술관에서 열리는 ‘밀레’전에 출품된다. 간판작이라 할 수 있는 ‘만종’은 아쉽게도 아번 전시에서는 볼 수 없다.‘씨 뿌리는 사람’은 당시 신분이 낮았던 농부를 큰 캔버스에 어두운 색채와 거친 붓놀림으로 영웅적으로 표현했다. 노르망디를 배경으로 검게 그을린 농부가 진흙밭에서 싸를 뿌리며 힘차게 나아가는 모습을 표현했다. 대지를 무대로 살아가는 농부의 존엄한 분위기를 엿볼 수 있는 작품이다. 19세기 프랑스 민주화 혁명의 시대상이 읽혀지기도 한다.편완식 미술전문기자

빙하와 펭귄, 그리고 북극곰. 우리에게 떠오르는 극지의 이미지다. 또 하나는 어린 시절부터 읽었던 극지 탐험가들의 이야기다. 이런 이미지들과 극지 현실에는 큰 간극이 있다. 이에 주목하고 있는 한성필(43) 작가가 한 달여의 극지작업 결과물들을 선보이고 있다. 2월22일까지 아라리오갤러리 서울에서다.“수십만년간 진행된 빙하의 침식과 퇴적에 의해 만들어진 대자연의 장엄함과 그 뒤에 숨어 있는 역사(현실)의 간극이다. 흔히들 극지는 극한의 추위 속에서 자연의 가장 고요하고 천연한 모습이 냉동보존된 숭고미를 지닌 곳으로 여기고 있다. 하지만 그 속엔 탐험을 앞세운 인간 욕망들의 파편들이 즐비하다.”사실 네덜란드 탐험가 빌럼 바렌츠가 1596년에 북극해의 스발바르제도를 발견했는데, 이는 북극해에 엄청나게 많은 고래가 서식하고 있음을 유럽에 알리는 계기가 됐다. 결국 주변 바다 전체가 핏빛으로 물드는 결과를 초래했다. 18세기엔 영국의 제임스 쿡 선장이 남극권에 진입하면서 유럽의 수많은 고래 사냥꾼들을 몰려들게 했다. 20세기 중반까지 남극의 마스코트인 펭귄과 물개들도 도살됐다. 빙하가 녹아 웅덩이가 된 풍경을 찍은 작품 앞에 선 한성필 작가.“극지는 설원의 하얀 역사만 지니고 있는 곳이 아니다. 붉은 역사 또한 지니고 있는 곳임을 상기할 필요가 있다.”살육된 극지 동물들은 식용뿐 아니라 화장품, 의약품, 패션산업, 윤활유 등 인간 편리를 위해 사용되었다. 석유와 전기가 개발되기 전인 17, 18세기에는 고래 기름이 등잔과 양초의 원료는 물론 등대와 가로등의 불을 밝히는 기름으로도 널리 사용되었다.“고래기름이 밤의 어둠으로부터 인류를 해방시키면서, 산업 생산의 급격한 증가가 이뤄졌다. 오늘의 윤택한 우리 삶은 그런 유산들의 결과물이라고 해도 과언이 아니다.”20세기 초 스발바르제도에서 발견된 막대한 양의 석탄은 동토에 광산 개발 붐을 일으켰다. 한때는 유럽 최대의 석탄을 산출하기도 했다. 2차 세계대전 중 연합국과 나치 독일의 피비린내 나는 탄광 정복전이 벌어진 역사의 현장이기도 하다. 극지의 많은 곳을 배로 이동하며 작업하고 있는 한성필 작가. 그는 1년 내내 어딘가를 여행하거나, 어디인가에 정주하며 작업하고 있다고 할 정도로 부지런한 작가다. 중고교 미술교과서에도 그의 작품이 수록돼 있다.“석탄 개발과 결투의 흔적 같은 것을 포착해 내는 것이 내 작업이라 할 수 있다. 극지에서 벌어졌던 대량 포획과 자원 개발은 우리가 일반적으로 아는 것 이상으로 산업화와 현대사회의 치열한 물리적, 이념적 투쟁과 밀접하게 연관되어 있다.”최근 들어 지구온난화로 빙하가 녹으면서 드러나는 북극과 남극에 매장된 수천억 배럴의 석유는 엄청난 인력과 자본을 몰려들게 하고 있다. 19세기 ‘골드 러시’를 방불케 하는 ‘블랙 골드 러시’의 시대를 예고하고 있는 것이다.“장엄한 빙하 왕국 이면에는 문명과 자연의 충돌이, 또 자원 경쟁에 따른 문명과 문명의 충돌이 기술된 은밀하고도 오랜 서사가 숨어 있다.”그는 꾸준히 이미지와 실제의 간극을 사진, 비디오, 설치작업으로 보여주고 있다. 파사드 프로젝트는 그의 이름을 알린 작업이다. 건물 외벽을 천으로 둘러싸 찍은 사진이다.“건물 리모델링을 위해 가림막을 설치하게 된다. 흡사 붕대로 온 얼굴을 감싼 성형환자 모습이다. 붕대를 풀면 인기 연예인의 닮은꼴을 볼 수 있게 된다. 성형환자가 선호한 이미지는 드라마속의 허상 이미지다. 이같이 작업을 통해 실제와 이미지 간의 간극을 환기시켜 주고 싶다.”그는 작업을 통해 우리의 삶과, 환경이 돼주는 자연을 성찰한다. 극지로 그가 간 것도 이를 위해서다.“요즘엔 산을 오르는 ‘등정주의’보다 과정을 즐기는 ‘등로주의’가 각광을 받고 있다. 극지도 등로주의 관점에서 접근했다. 정복의 관점이 아닌 그 길속에서 우리가 상속받은 길과 앞으로 무엇을 상속해 줘야 할지의 길을 묻는 작업이라 할 수 있다.” 그는 사진이야말로 가장 현대적인 조각이라고 생각한다. 특정한 시간과 공간을 조각하듯 잘라내 작업하기 때문이다. 사진과 영상을 결합한 작업도 보여주고 있다. 극지라는 압축된 공간에서 그는 얼음속에 응고한 시간을 보여 주고자 한다. 한지 프린트에 담은 빙하의 침식과 퇴적 현상은 한 폭의 수묵화를 연상시킨다. 빙하는 여백으로 다가온다. 여백의 숭고함이다.“내린 눈이 겹겹이 쌓여 생긴 층들은 그 위로 흘러간 무수한 시간의 결들을 보여준다. 거기에서 차갑게 얼어붙은 시간의 영원성을 본다. 인간은 극지를 공간적으로 정복했을지 몰라도 그 안에 응고된 시간의 규모 앞에는 여전히 미약하고 왜소한 존재다.” 그는 극지에서 빙하를 위스키에 넣어 마셨다. 응고된 세월이 풀려나오듯 수많은 기포가 올라왔다.“오래된 얼음일수록 기포는 더 많이 생겼다. 같은 두께라 하더라도 세월의 무게로 압착되어 더 많은 공기를 담고 있기 때문이다. 영겁의 시간을 품고 있는 것이다. 산업혁명기의 얼음엔 이전시기보다 공해물질들이 많다.”그의 작품속엔 버려진 고래기름통과 포경선, 포경기지들이 보인다. 폐광의 잔해들도 있다. 서서히 자연속에 묻혀가고 있는 모습이다. 모든 것이 자연속으로 사라지고 있는 것을 보여주고 있다. 메멘토 모리(Memento Mori)를 연상시킨다.“빙하에 묻은 검은 공해 물질이 햇볕을 빨아들여 녹으면서 큰 구멍들이 생기는 것을 보았다. 큰 웅덩이가 생겼다. 겉으로 보기에는 맑은 연못 같다. 후세에게 무엇을 남겨 줄지 생각하게 해주는 풍경이다.” 그는 인간의 탐욕에 의해 착취당하는 자연에 위엄을 돌려주고 싶어한다. 그것이 우리 자신을 위한 길임을 시각작업으로 보여주려 한다. 중앙대학교 사진학과와 런던 킹스턴대학교에서 공부한 작가는 다양한 여행과 독서를 통해 깊은 통찰을 이끌어 낸다. 일상적인 것을 넘어 철학적 화두를 던진다. 내밀한 감성과 유머도 놓치지 않는다는 평가를 받고 있다. 인터뷰를 마치자마자 그는 인도네시아로 떠날 채비로 또다시 분주히 움직였다. 또 다른 작업을 위해서다. ‘이순신’ 작업도 계획하고 있다. 우리가 알고 있는 이순신과 실제 이순신의 간극을 추적해보는 작업이다. 5월엔 쿠바 아바나 비엔날레의 메인전시인 ‘개념과 경험 사이(Between the Idea and the Experience)’에 초대받아 간다. 아니쉬 카푸어, 다니엘 뷔랑, 티노 세갈 등 세계 정상급 작가들과 함께 아바나에 대규모 설치작업을 선보일 예정이다.편완식 전문기자