WDR 쾰른 방송 오케스트라가 8일 부천아트센터 콘서트홀에서 브루크너 교향곡 제4번 ‘낭만적’과 브람스 이중협주곡을 연주한다. 독일 낭만주의 교향악의 정수로 꼽히는 작품들이다. 1947년 창단된 WDR 쾰른 방송 오케스트라는 제2차 세계대전 종전 이후 연합군 점령 치하에서 출범해 지금까지 정통 독일 사운드를 지켜온 악단이다. 카를 뵘, 오토 클렘페러 등 클래식 음악사에 이름을 남긴 거장들과 협업하며 독일·오스트리아 레퍼토리 해석에서 국제적 명성을 쌓아왔다. 지휘는 2010년 예브게니 스베틀라노프 국제 지휘 콩쿠르에서 우승한 뒤 활발히 활동해온 안드리스 포가가 맡는다. 마리스 얀손스와 안드리스 넬손스를 배출한 지휘 강국 라트비아 출신이다. 브람스 이중협주곡에는 독일 첼리스트 다니엘 뮐러쇼트와 바이올리니스트 김서현이 협연한다. 첼로와 바이올린 두 악기가 서로 대화하듯 교감하는 작품이다. 섬세한 선율과 장대한 오케스트라가 균형을 이루는 낭만주의 대표작으로 꼽힌다. 2부는 브루크너 교향곡 제4번 ‘낭만적’이다. 자연과 중세적 풍경을 음악으로 형상화한 작품으로, 호른으로 시작되는 도입부가 신비로운 분위기를 자아내며 장대한 음악적 풍경을 펼쳐 보인다. WDR 쾰른 방송 오케스트라 특유의 육중한 금관과 깊이 있는 현악의 조화가 기대된다. 부천아트센터 소공연장에서는 6일 재즈 시리즈 첫 공연 ‘더 피아니스트’가 열린다. 임미정, 고희안, 이지영, 전용준 등 재즈 피아니스트 4인이 출연해 두 대의 그랜드피아노로 다양한 편성을 선보인다. 이 프로젝트는 2019년 자라섬 비욘드 시리즈로 처음 기획됐다. 다음 달 5일에는 솔로 앨범으로 그래미상 후보에 오른 최초의 오르가니스트 카메론 카펜터의 오르간 리사이틀이 열린다. 줄리아드 음악학교에서 오르간 연주 석사 학위를 받은 그는 왕립 앨버트 홀, 시드니 오페라 하우스, 베를린 필하모니 등 세계 주요 무대에서 활동해왔으며 2012년 레너드 번스타인 상을 수상했다. 이번 공연에서는 바흐의 ‘골드베르크 변주곡’과 무소륵스키의 ‘전람회의 그림’을 통해 오르간이라는 악기의 깊이와 확장 가능성을 조망할 예정이다.

또 한편의 K-뮤지컬이 영국 무대에 선다. 좀비 바이러스 창궐로 문명이 붕괴한 시대에 서울 신림동 B-103 방공호에 유일하게 살아남은 생존자가 주인공인 ‘더 라스트맨’이다. 2021년 대학로에서 처음 선보인 작품인데 5월 8일부터 6월 6일까지 런던 사우스워크 플레이하우스 엘리펀트에서 공연된다. 세계 뮤지컬 1번지인 브로드웨이와 웨스트엔드 진출을 꿈꾸는 신작이 거쳐가는 명망있는 극장이다. 신림동 정서를 그대로 가져가는 이 작품의 현지화를 도맡는 건 드라마터그(극작 및 각색 담당)를 맡은 제스로 컴튼. 연극 ‘벙커 트릴로지’, ‘카포네 트릴로지’ 등으로 국내에도 이름을 알린 영국 극작가·연출가·프로듀서다. 그는 지난달 23일 한국 언론과 만나 “한국적 디테일과 사회적 맥락을 영국 관객에게 어떻게 자연스럽게 전달할지 고민이 컸다”며 “신림동이란 공간이 가진 ‘성공 신화’와 ‘사회적 압박’의 분위기를 직접 체험하며, 이를 무대에 녹여내기 위해 노력했다”고 설명했다. “가족의 기대와 사회적 압박 속에 도시에서 살아가는 청년들의 고충은 런던, 서울, 뉴욕 어디서나 통하는 보편적 주제입니다. 이야기가 구체적이고 개인적일수록 오히려 더 보편적으로 관객에게 다가갈 겁니다.” 컴튼은 작품이 다루는 청년 세대의 사회적 고립과 소외는 영국에서도 점점 심각해지는 문제여서 영국 관객들의 공감을 살 것이라고 전망했다. 그는 “젊은 남성들이 온라인 게임 등에서만 커뮤니티를 형성하며 사회로부터 고립되는 현상이 영국에서도 늘고 있다”고 말했다. 뮤지컬 ‘벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다’로 웨스트엔드에서 권위있는 올리비에상까지 받은 영국 현역 연출가로서 컴튼은 양국 차이점에 대해서도 뚜렷하게 설명했다. 감정을 직접적으로 표현하는 한국과 달리 영국은 ‘행간’에 더 집중한다는 것. “왜 그런지는 잘 모르겠지만, 영국 관객들은 인물이 감정을 직접적으로 토로할 때 오히려 불편해합니다. 슬픔의 표현도 마찬가지예요. 한국 공연을 보면 슬픈 장면에서 배우가 우는 것을 관객이 기대하는 느낌이 있는데, 영국에서는 배우가 울면 관객은 오히려 울지 않습니다. 슬픔이 차오르는데 꾹 참고 있을 때, 그때 영국 관객이 눈물을 흘립니다.” 무대위 시각적 은유나 소품의 상징 등을 읽어내는 능력도 한국 관객에 훨씬 더 탁월하다고 한다. 그는 “서양 작품이 한국에 들어오는 경우는 많지만, 그 반대는 거의 없었다”며 “이번 무대가 그 역방향의 새로운 통로를 열 수 있다는 점이 매력적이어서 적극 응원하고 기여하고 싶다”고 말했다. K-뮤지컬의 가능성에 대해선 원작이 풍부하다는 점을 짚었다. 영·미에선 유명 소설이나 영화 등을 무대화하는데 집중하는 반면 한국은 새로운 아이디어를 무에서부터 개발하고 관객이 이를 받아들여 성공하는 사례가 있기 때문이다. “(영·미권은)솔직히 말하면 게으른 방식으로 재탕하는 경우도 많아요.” K-뮤지컬 해외 진출의 성패도 ‘독창성’에 달려있다는 설명이다. “영국 고전 문학을 무대에서 보고 싶다면 저는 아마 영국의 전통적인 극단 작품을 기대할 것 같아요. 한국에서 온 작품이라면, 한국적인 것, 한국 문학이나 한국의 철학이 담긴 콘텐츠를 보고 싶습니다.” 넷플릭스가 영화산업을 위기로 내몬 시대지만 연극·뮤지컬의 앞날에 대해선 비교적 낙관적이다. “공연은 라이브여야 합니다. 그건 영상으로 절대 대체될 수 없는 부분이 있습니다. 하지만 집에서 즐길 수 있는 엔터테인먼트가 점점 많아지고, 편하고 저렴하니까 관객을 극장으로 끌어내는 것 자체가 갈수록 어려워지는 것도 사실입니다. 그럼에도 공연은 살아남을 것이라고 생각합니다.” 하지만 한국에서도 빈번하게 이뤄지는 스크린 스타의 연극 진출에 대해선 쓴소리했다. “한 가지 바뀌었으면 하는 건, 질 낮은 상업적 작품이 너무 많다는 점입니다. 상업적인 작품 자체가 나쁜 건 아닙니다. 하지만 돈이 된다는 이유만으로 퀄리티에 전혀 신경 쓰지 않는 작품들, 그게 정말 슬픕니다. 거기다 할리우드 스타 하나 캐스팅해놓고 900달러짜리 티켓을 파는 현상도요. 그런 것들이 바뀌었으면 합니다.”

정통 재즈 명인 윈턴 마살리스가 3월 한국 무대에 선다. 재즈를 퇴조의 위기에서 구해낸 인물로 평가받는 트럼펫 연주자다. 2023년 이후 3년 만의 내한이지만 자신이 창설한 15인조 빅밴드 ‘재즈 앳 링컨센터 오케스트라(이하 JLCO)’와 함께 오는 것은 2002년 이후 24년 만이다. LG아트센터 서울에서 25·26일 열리는 공연은 전석 매진된 상태. 그래미상 9관왕이자 재즈 아티스트 최초의 퓰리처 음악상 수상자인 거장이 펼칠 무대에 대한 기대감이 커지고 있다. ◆ 재즈의 수호자 1961년 미국 루이지애나주 뉴올리언스의 재즈 음악가 집안에서 태어난 마살리스는 뉴올리언스 전통에서 출발한 재즈를 미국 음악의 정전(正典)으로 끌어올린 인물로 평가받는다. 재즈 피아니스트 아버지 엘리스 마살리스의 영향 아래 여섯 살 때 트럼펫을 잡은 그는 학교에서는 클래식을, 아버지에게는 재즈를 익혔다. 열일곱 살 때 뉴욕 줄리아드 음악원에 입학하면서 본격적으로 음악계에 발을 들였다. 이듬해 전설적인 ’아트 블레이키 앤 더 재즈 메신저스’를 거치며 뉴욕 재즈 현장의 샛별로 떠올랐다. 1982년 데뷔 음반을 발표한 지 1년 만에 클래식과 재즈 그래미상을 동시에 수상한 최초이자 유일한 아티스트가 됐다. 이 기록은 1984년에도 재현됐다. 클래식 분야에서는 스무 살에 하이든, 훔멜, 레오폴트 모차르트의 트럼펫 협주곡을 녹음해 ‘최우수 클래식 솔리스트’ 그래미를 받았다. 또 최초로 5년 연속(1983~1987) 그래미를 수상한 아티스트라는 전무후무한 기록을 세웠다. 1997년에는 오라토리오 ‘블러드 온 더 필즈’로 재즈 음악가로서는 첫 퓰리처 음악상을 받았다. 미국 흑인 노예제의 역사를 소재로 한 이 대규모 작품은 재즈가 단순한 대중음악을 넘어 진지한 예술 형식으로 인정받는 전환점이 됐다는 평가를 받는다. 루이 암스트롱과 듀크 엘링턴의 전통을 계승한다고 평가받는 마살리스에게 재즈는 음악 이상의 가치다. 1987년 링컨 센터에서 재즈 콘서트 시리즈를 시작하며 JLCO를 창설하고 약 40년에 걸쳐 오케스트라를 이끌어왔다. 재즈를 미국 민주주의와 공동체 정신의 산물로 끌어올렸다. 즉흥 연주를 통한 개인의 창의성, 스윙을 통한 집단적 협력, 그리고 블루스로 구현되는 역경에 맞서는 집요한 낙관주의를 상징한다. “재즈 밴드는 민주주의와 똑같이 작동한다. 각 연주자는 자신이 원하는 것을 연주할 권리를 갖지만, 동시에 다른 모든 연주자가 더 좋게 들릴 수 있도록 연주할 책임도 진다.” 그러나 마살리스는 재즈계에서 가장 논쟁적인 인물이기도 하다. 그의 철학은 단순하다. 재즈란 블루스와 스윙, 뉴올리언스에서 비밥까지 이어지는 ‘어쿠스틱’ 전통 위에 서야 한다는 것. 전자악기가 판을 치던 1970~80년대 퓨전 재즈와 록 리듬을 끌어들인 재즈는 그에게 ‘재즈가 아니었다’. 이 완고한 원칙주의는 다른 재즈 음악가들에게 반발을 샀다. 가장 극적인 대립이 또다른 명인 마일스 데이비스와 사이에서 생겨난 갈등이다. 마살리스에게 마일스는 흠모해온 선배였지만 마일스가 1970년대 이후 록과 팝을 재즈에 접목하자 “자국을 배신한 장군”이라며 공개적으로 비판했다. 마일스는 하이든 협주곡을 녹음한 마살리스를 향해 “죽은 유럽 음악이나 연주하고 있다”고 맞비판했다. 1986년 밴쿠버 재즈 페스티벌에선 당시 스물네 살이던 마살리스가 예순 살 마일스의 공연 도중 느닷없이 무대에 올라 트럼펫을 꺼내 든 사건이 벌어졌다. 마일스는 즉시 밴드를 세웠고, 마살리스가 퇴장할 때까지 연주를 재개하지 않았다. 재즈 피아니스트 키스 재럿은 “다른 사람 스타일을 너무 잘 모방한다, 고교생 트럼펫 소리”라고 혹평했다. 역시 비판적이었던 베이시스트 스탠리 클라크는 “재즈에 품위를 되돌려놓은 것은 사실”이라고 인정했다. 작곡가로서 그의 작품 목록에는 600곡 이상의 원곡, 11개의 무용 음악, 13개의 모음곡, 4개의 교향곡, 2개의 현악 사중주, 재즈 오라토리오, 바이올린·튜바·트럼펫 협주곡 등이 포함된다. 현재 줄리아드 음악원 재즈학과장을 맡고 있다. ◆JLCO 38년 역사의 피날레 마살리스는 2026-2027 시즌을 끝으로 JLCO 예술감독 및 음악감독직에서 물러날 예정이다. 그가 40년 가까이 이끌어온 JLCO와 함께하는 마지막 한국 무대가 될 가능성이 높다. JLCO는 트럼펫 4인, 트롬본 3인, 색소폰·목관 5인, 피아노·베이스·드럼의 리듬 섹션 3인으로 구성된 15인조 빅밴드. 1994년부터 함께한 라이언 카이저, 1993년 합류한 마커스 프린텁, 1998년부터 활동해 온 베이스의 카를로스 엔리케스 등 수십 년 경력의 베테랑부터 2025년 새로 합류한 크리스 루이스까지 세대를 아우르는 최정예 라인업이다. 이번 무대에서 JLCO는 스윙과 블루스 등 재즈의 본질을 관통하는 다채로운 레퍼토리를 통해 빅밴드만이 가진 풍성한 화성과 즉흥 연주의 묘미를 선사할 예정이다.

트로트 오디션의 흥행 계보를 이어온 TV조선 프로그램 ‘미스트롯4’가 전국투어 콘서트를 개최한다. 콘서트에는 지난 26일 결성된 TOP5와 화제의 출연자가 참가할 예정이다. 투어는 오는 4월 서울 장충체육관에서 시작한다. 이틀간 열리는 서울 콘서트에서는 양일 모두 오후 1시와 6시, 하루 두 차례씩 총 네 번의 무대가 마련된다. 이번 시즌은 초반부터 개성 강한 참가자들의 무대와 팽팽한 경쟁 구도로 화제를 모았다. 전국 시청률 15.6%를 기록하며 10주 연속 전 채널 일일 프로그램 및 목요일 예능 부문 1위에 오르기도 하는 등 인기 프로그램임을 입증했다. 방송 직후 공개되는 경연 영상과 하이라이트 장면은 온라인상에서 빠르게 확산했다. 각종 화제성 지표와 브랜드평판 조사에서도 예능 프로그램 1위를 차지하며 프로그램의 영향력을 보여줬다. 이번 투어는 무대와 객석의 거리를 좁혀 관객이 출연진의 무대를 생생히 즐길 수 있게 하기 위해, 대형 체육관 중심의 기존 방식과 다르게 1,000석~1,500석 규모의 공연장에서 열린다. 서울 공연을 시작으로 일정은 5월 인천, 부산, 대구, 고양, 광주 등으로 이어진다. 프로그램의 열기를 전국 각지에서 선보이는 콘서트로 이어갈 전망이다.

독보적 해석과 압도적 연주로 명성을 쌓은 오르가니스트 캐머런 카펜터(사진)가 10년 만에 롯데콘서트홀 무대에 선다. 무소륵스키의 ‘전람회의 그림’과 바흐의 ‘골드베르크 변주곡’으로 파이프 오르간 선율의 극한을 보여줄 예정이다. 24일 롯데콘서트홀에 따르면 카펜터는 세계 오르간계 판도를 바꾼 혁신적 아티스트로 평가받는다. 현란한 테크닉과 독창적인 편곡, 화려한 무대 매너로 유명하다. 오르간 음악을 21세기의 감각으로 재해석하며 현대 클래식 음악의 중요한 흐름을 이끌어왔다. 클래식과 영화음악, 대중음악을 넘나드는 편곡과 즉흥 연주로 ‘종교음악’, ‘보수적인 악기’로 여겨진 오르간을 현대적 콘서트 악기로 다시 자리 잡게 했다. 그래서 2016년 롯데콘서트홀 개관 페스티벌에 초청된 바 있다. 롯데콘서트홀 개관 10주년 기념 프로그램의 일환으로 열리는 이번 공연에선 그는 바흐의 ‘골드베르크 변주곡’과 무소륵스키의 ‘전람회의 그림’이라는 음악사적 대작을 전·후반에 배치한다. 이를 통해 오르간이라는 악기의 깊이와 확장 가능성을 함께 조망할 예정이다. 공연의 전반부를 여는 바흐의 ‘골드베르크 변주곡’은 변주곡 형식의 정점이자 음악적 건축미의 극치를 보여주는 걸작이다. 카펜터는 이번 공연에서 피아노와 하프시코드를 위해 쓰인 이 작품을 오르간의 다층적 음색과 공간적 울림으로 재구성한다. 여러 성부가 살아 숨 쉬는 듯한 정교한 음악적 짜임과 음색 변화를 통해 만들어내는 극적인 사운드의 대비, 그리고 페달 테크닉까지 오르간 연주자가 갖춰야 할 모든 기량이 총체적으로 요구되는 이 곡을 통해 오르간 연주의 본질을 보여줄 것으로 기대된다. ‘전람회의 그림’은 카펜터의 창작자적 면모가 드러나는 연주로 기대된다. 카펜터는 이 곡을 먼저 선보였던 2025년 필하모니 드 파리 콘서트홀과의 인터뷰에서 “‘전람회의 그림’은 거의 다시 작곡한 것에 가깝다. 많은 부분을 새롭게 추가했다”고 강조했다. 무소륵스키의 원곡이 지닌 극적인 상상력을 바탕으로 카펜터의 자유롭고 대담한 해석이 더해져 오르간의 매력이 집약된 무대를 선사할 것으로 기대를 모은다. 서울 롯데콘서트홀에서 4월 7일.

2018년 창설된 ‘이자이 국제 음악 콩쿠르’가 올해 우리나라에서 우승자를 결정한다. 벨기에 출신 바이올리니스트 외젠 이자이를 기리기 위해 벨기에에서 열려 온 콩쿠르인데, 올해와 내년 결선을 한국에서 연속 개최하고 2028년부터는 벨기에와 한국에서 결선을 번갈아 개최한다. 이자이 국제 음악 콩쿠르 조직위원회는 2026년 바이올린 부문 결선(포스터)을 벨기에가 아닌 대한민국 경기도 이천아트홀에서 개최한다고 23일 발표했다. 해외에서 개최되던 국제 음악 콩쿠르 결선이 국내에서 열리는 것은 이번이 처음이다. 최근 국제 콩쿠르를 휩쓸고 있는 한국 클래식 음악의 위상과 교육체계 등 관련 인프라를 세계가 인정한 결과로 풀이된다. 결선 라운드 공동 디렉터로 참여한 바이올리니스트 출신 국제예술학교(KISA) 남카라 교장은 “이번 결선 개최는 단순한 공동 주최를 넘어 유럽의 음악 전통과 한국의 교육철학이 공식적으로 연결되는 문화적 협력의 사례”라며 “해외에서 열리던 국제 콩쿠르 결선이 한국에서 열리는 것은 국내 음악계에도 의미 있는 이정표가 될 것”이라고 말했다. 올해 이자이 국제 음악 콩쿠르에는 23개국 121명이 지원했다. 벨기에에서 진행된 1·2차 라운드는 온라인 영상 심사와 라이브 스트리밍 방식으로 치러졌다. 그 결과 주니어 8명, 시니어 12명 등 총 20명이 7월 10, 11일 경기 이천아트홀에서 경연을 벌이게 됐다. 이번 결선 진출자 명단에는 한국의 이세나(주니어), 김아인(시니어), 임해원(시니어) 등 한국 음악 영재들이 포함되어 국내 클래식 팬들의 기대를 모으고 있다. 창설 이후 유망 바이올리니스트를 배출해 온 이자이 국제 음악 콩쿠르에선 한국인으로는 2021년 김서현이 우승을 차지한 바 있다.

바이올리니스트 김응수(사진)와 카메라타 솔이 24일 서울 예술의전당 콘서트홀에서 ‘겹의 미학 Ⅱ’ 무대를 펼친다. 김응수는 거장 티보르 버르거가 “나의 일생에 이보다 더 아름다운 바이올린 소리를 들어본 적이 없다”고 극찬한 연주자. 유럽에서 활약하며 ‘바이올린으로 그리는 삶(Das Leben)’ 등 데카에서 발매한 음반이 호평받는 가운데 자신만의 음악 세계를 고집해 온 바이올리니스트다. 그가 2019년 창단한 카메라타 솔 역시 매 시즌 뚜렷한 주제 아래 기획 공연을 선보이는 앙상블. ‘겹의 미학’은 2025년부터 시작된 카메라타 솔의 대표 시리즈다. 음악의 겹, 연주자 생각의 겹, 역사의 겹, 연주자와 청중 사이의 겹 등 다층적 의미를 품고 있다. 서로 다른 시대에 태어난 음악을 한 무대에 올려놓으면 작품과 작품 사이, 연주자의 해석과 청중의 감상 사이에 겹이 생기고, 그 겹이 쌓여 하나의 새로운 예술 경험이 완성된다는 것이 이 시리즈의 핵심이다. 바흐의 질서, 베토벤의 의지, 브람스의 낭만을 포착한 ‘겹의 미학 Ⅰ’에 이어 이번 연주회에선 번스타인과 브루흐, 두 작곡가의 세계가 교차한다. 공연의 문을 여는 번스타인의 ‘캔디드’ 서곡은 4분 남짓한 짧은 곡이지만 화려하고 경쾌한 선율로 단숨에 귀를 사로잡는 작품이다. 뮤지컬 작곡가로 유명한 번스타인이 클래식 무대에서도 얼마나 매력적인 음악을 쓰는지 확인할 수 있다. 이어지는 브루흐 바이올린 협주곡 제1번은 클래식 바이올린 협주곡 중 가장 아름다운 선율로 손꼽히는 명곡이다. 오케스트라와 바이올린이 대화하듯 주고받는 선율이 인상적인 이 곡을 빈 심포니 오케스트라 제1악장 안톤 소로코프가 연주한다. 후반부에는 김응수가 두 곡을 연달아 선보인다. 번스타인의 플라톤 ‘향연’에 의한 세레나데는 고대 그리스 철학자들의 ‘사랑’에 대한 토론을 음악으로 풀어낸 작품이다. 다섯 악장이 각각 다른 화자의 이야기를 표현한다. 마지막 브루흐 스코틀랜드 환상곡은 스코틀랜드 민요 선율을 바탕으로 한 곡으로 이국적이면서도 친숙한 멜로디가 특징이다. 지휘는 2024년 부천필하모닉 지휘로 한국 무대에 섰던 개릿 키스트가 맡는다.

“도미는 백제 사람이다. 그의 아내는 아름답고 절개가 있었다(都彌者 百濟人也/妻美而有節).” 강렬한 첫 문장으로 시작하는 사랑 이야기가 있다. 삼국사기 열전에 사오백자 한문으로 기록된 도미 부부 설화다. 이들의 지극한 사랑과 남의 아내를 탐한 백제 개로왕 여경의 욕망이 뮤지컬 무대에서 되살아났다. 고구려 장수왕에게 쓰러진 개로왕 재위 연도가 455∼475년이니 1500여년 전 이야기다. 뮤지컬 ‘몽유도원’이 국립극장 해오름극장에서 1월27일 개막해 2월22일 막을 내렸다. 최인호 작가 소설 ‘몽유도원도’가 원작이다. 뮤지컬 ‘명성황후’와 ‘영웅’ 제작사 에이콤이 2002년 ‘몽유도원도’라는 제목으로 초연한 작품을 거의 새로 만들다시피 해서 24년 만에 무대에 올렸다. 윤호진 연출, 안재승 극작, 오상준 작곡, 김문정 음악감독 등 제작진이 화려하다. 움직이는 수묵화 같은 무대와 화려한 춤·의상, 한국 전통음악과 서양 오케스트라가 결합된 27곡의 넘버 그리고 정련된 노래로 열연하는 배우들이 한국 창작 뮤지컬의 또 다른 성취를 보여줬다. 제작사는 ‘한국적 미학과 보편적 공감으로 세계 시장을 두드릴 차세대 창작 뮤지컬’을 자임하며 2028년 브로드웨이 진출을 예고했다. 극을 추동하는 건 백제 왕 여경이다. 용상에 앉아 꾼 꿈에서 “억겁을 통해 사랑해 온 여인”을 만난 여경은 화공을 불러 그림을 그리게 한 후 전국을 수소문해 그림과 똑같은 여인을 찾는다. 왕위를 지키기 위해 사랑이라는 감정마저 지운 채 살아왔지만 꿈속에서 아랑을 본 후 자신과 왕국까지 불태우는 욕망에 사로잡히는 인물이다. 뮤지컬계 에이스 민우혁과 바리톤 성악가 출신 김주택이 더블 캐스팅됐는데 카리스마 넘치는 연기와 노래를 보여줬다. 절대권력의 집착에서 벗어나기 위해 스스로 아름다움을 지워 맞서는 여인 아랑에는 유리아와 하윤주가 출연했다. 국가무형문화재 제30호 가곡 이수자로서 선비들의 노래인 ‘정가(正歌)’의 여신이란 애칭까지 가진 하윤주는 특유의 창법으로 이 작품에 독특한 매력을 더했다. 관객 다수에겐 낯선 구음(口音)으로 객석을 순식간에 매료하면서 꿈속 여인 아랑의 신비로움을 극대화한 것. 창작 뮤지컬 영역에 정가를 성공적으로 안착시켰다. 여기에 명창 정은혜도 달을 신으로 섬기며 삶과 죽음에 대한 제의를 주관하는 제사장 ‘비아’로 등장하며 이 작품이 지향하는 목표를 뚜렷하게 드러냈다. 오랫동안 절차탁마한 소리꾼만이 낼 수 있는 창법으로 도미와 아랑의 혼례를 주관하고 고혼(孤魂)을 달래는 진혼굿까지 끌어내며 극 전체를 풍성하게 만들었다. 날짜를 잘 고르면 오디션 프로그램 팬텀싱어에서 스타가 된 바리톤과 손꼽히는 명창 그리고 정가여신이 한 무대에서 만들어내는 특별한 하모니를 감상할 수도 있다. 한국적 미학을 추구하는 작품답게 발광다이오드(LED) 화면 위에서 살아 움직인 수묵 애니메이션도 강렬한 인상을 남겼다. 이모셔널씨어터가 설계한 무대와 조명 그리고 탁영환 작가가 한지와 수묵으로 제작한 영상이 무대 전체를 채웠다. 눈을 잃은 도미가 나룻배를 타고 한강을 흘러가는 장면은 그야말로 움직이는 산수화다. 극 전개에서 나룻배는 중요한 역할을 한다. 도미를 떠나보내고 다시 아랑이 도미를 찾아가고, 마지막엔 두 사람이 몽유도원으로 향해 나가는 장면까지 서사의 핵심 동선을 만들어낸다. 또 다른 인상적 장면은 바둑 대결이다. 흑백의 세를 다투는 바둑판이 희고 검은 옷을 입은 무용수들의 합을 겨루는 듯한 군무로 표현된다. 영화 ‘황산벌’(2003)에서 선보였던 인간 장기가 연상되는 장면이다. 이처럼 빼곡하게 채운 무대였지만 주인공의 입체성 부족은 아쉬운 점이다. 여경, 도미·아랑 모두 ‘무력한 연인’과 ‘욕망에 눈먼 권력자’라는 처음부터 정해진 전통적 서사를 벗어나지 못한다. 1부 마지막은 바둑 대결에서 진 도미와 여경 앞으로 아랑이 끌려오고 도미가 눈을 잃은 채 쫓겨나는 결정적 장면이다. 그런데 무대 위 감정의 소용돌이가 객석에 쉽게 전달되지 않는다. 극 중에선 채홍사 역할을 하다가 아랑을 풀어주고 여경에게 죽임을 당하는 신하 향실이 입체적 인물이나 자연스럽진 않다. 소설에선 간신인데 무대에선 너무 서둘러 충신으로 바꾼 듯하다. 해수와 진림으로 대표되는 귀족 간 권력 다툼이라는 설정도 여경의 불안과 고립을 설명하기 위해 도입됐으나 극 전체의 긴장을 끌어올리는 데까지는 이르지 못한다. 무대 미술과 음악이 세계 시장을 겨냥한 수준작이니 그 그릇에 담긴 서사와 인물 밀도만 더 채워진다면 한국 창작 뮤지컬의 새로운 이정표를 세울 수 있다. 서울 샤롯데씨어터에서 4월11일부터 5월10일까지.

바이러스의 강력한 전염성으로 좀비들의 숫자는 기하급수적으로 늘어났고, 결국 인류는 멸망하나 딱 한 사람은 살아 남았다. 좀비사태를 예견한 생존자는 지하 방공호에 1년을 버틸 수 있는 식량과 물을 마련했다. 이제 남은 건 생존자와 좀비들 간의 생존 대결이다. 생존자는 열악한 환경과 고독 속에서도 규칙적으로 생존을 이어가지만, 점차 식량이 줄어들고 좀비들은 사라질 기미를 보이질 않는다. 과연 생존자는 방공호의 문을 열 수 있을까. 우리나라에서 나온 ‘좀비’물이 영국 런던에 진출한다. 제작사 네오는 창작 뮤지컬 '더 라스트맨(The Last Man)'이 5월 8일부터 6월 6일까지 런던의 사우스워크 플레이하우스 엘리펀트에서 영국 초연 무대를 갖는다고 20일 밝혔다. 2021년 초연된 이 작품은 좀비 아포칼립스 속 방공호에 고립된 생존자의 심리를 치밀하게 그려낸 1인 록 뮤지컬이다. 이후 미국 뉴욕과 일본 도쿄에서 리딩 공연을 갖고 현지 관계자의 호평을 끌어냈다. 최근에는 중국 상하이 무대에 섰다. 이번 영국 공연을 위해 현지에는 제작사 더 라스트 맨 오프 웨스트엔드 리미티드가 설립됐다. 한국의 제작사인 네오와 김달중 연출이 직접 프로듀싱 및 연출로 참여해 한국 창작 뮤지컬의 본질을 유지하면서도 현지 시장에 최적화된 협업을 할 예정이다. 특히 이번 프로젝트에는 지난해 올리비에 어워즈 최우수 뮤지컬상을 거머쥔 '벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다'의 기획·개발 핵심 크리에이티브 팀이 의기투합한다. 뮤지컬 '벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다'의 작가인 제스로 컴튼은 이번 공연에 드라마터그로 참여한다. 그는 '벙커 트릴로지', '카포네 트릴로지'로 국내에서도 잘 알려져 있다. 네오 측은 "국내외에서 고루 인정 받은 '더 라스트맨'의 작품성을 다시 한번 증명할 수 있어 기쁘다"고 말했다.

‘음악의 아버지’ 요한 제바스티안 바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타(BWV 1001~1006). 바이올린이 들려줄 수 있는 음악의 한계를 보여주는 작품이다. 독주자가 보여주는 건 구조·신앙·사유가 응축된 하나의 우주로 여겨진다. 단 한 대의 악기로 화성과 대위법을 구현하며 음악이 최소한의 수단으로 얼마나 큰 세계를 열 수 있는가를 증명한다. 바이올리니스트 스베틀린 루세브가 2월 22일 서울 예술의전당 IBK기업은행챔버홀에서 바흐 무반주 바이올린 전곡을 연주한다. 바흐가 남긴 3개의 소나타와 3개의 파르티타, 총 6곡을 약 2시간에 걸쳐 완주하는 대장정이다. 불가리아 출신인 루세브는 동유럽의 깊은 음색과 프랑스 음악 교육의 세련된 해석을 겸비한 연주자로 평가받는다. 불가리아에서 음악 교육을 시작한 그는 프랑스 파리국립고등음악원(CNSMDP)에서 수학하며 국제 무대에 진출했다. 작곡가별 전곡 연주 프로젝트를 통해 자신의 음악 세계를 응축해 선보이고 있는 루세브의 이번 공연은 그의 전곡 연주 프로젝트의 연장선에 있다. 2025년 이자이와 파가니니의 무반주 전곡을 하루에 모두 연주하며 강렬한 인상을 남긴 바 있다. 바흐의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타는 1720년경 바흐가 쾨텐 궁정의 악장으로 재직하던 시기에 작곡된 작품이다. 작곡가로서 원숙기에 접어들던 시절 그는 기악 음악 창작에 가장 집중했다. 이탈리아 교회 소나타 전통 위에 세워진 지적인 3개의 소나타와, 유럽 각지의 무곡 양식을 흡수해 춤곡처럼 배열한 감각적인 3개의 파르티타는 구조적 대비를 통해 거대한 음악적 세계를 구축한다. 화성과 대위법적 긴장을 오롯이 한 대의 악기로 구현해야 하는 이 작품들은 모든 바이올리니스트에게 가장 근본적이자 궁극적인 레퍼토리로 꼽힌다. 루세브는 과도한 해석이나 감정의 과시 대신, 악보 안에 내재된 질서와 흐름을 정직하게 드러내는 연주로 평가받아왔다. 그는 바흐를 두고 “매일의 양식이면서도 히말라야 산과 같다”고 표현했다. 이어 “6곡 가운데는 10대 시절 스승들과 공부하며 무대에서 여러 차례 연주한 작품도 있지만, 방에서 혼자 연습만 해왔고 아직 대중 앞에서 한 번도 연주하지 않은 작품도 있다”며 “이번 공연을 준비하며 바이올린 인생을 돌아보게 됐다. 지금이 이 연주를 할 적기라는 확신이 들었다”고 밝혔다. 전곡 공연을 위한 프로그램 구성에도 그의 고민이 담겼다. 1부에서는 소나타 1번(G단조, BWV 1001), 2번(A단조, BWV 1003), 3번(C장조, BWV 1005)을 작품번호 순으로 연주한다. 그러나 2부의 파르티타는 1번(B단조, BWV 1002), 3번(E장조, BWV 1006), 2번(D단조, BWV 1004) 순으로 배치했다. 루세브는 “구조적 발전의 정점이자 차원의 확장을 보여주는 파르티타 2번의 마지막 악장 ‘샤콘느’로 공연을 마무리하고 싶었다”며 “학창 시절 졸업 연주 프로그램에 포함됐던 작품으로, 이후 줄곧 곁에 머물던 일용할 양식이었다. 동시에 연주할 때마다 여전히 올라야 할 길이 많이 남아 있는 히말라야, 그중에서도 에베레스트처럼 느껴진다. 이 곡으로 공연을 끝맺는 것은 내게 매우 중요하다”고 말했다.