리하르트 바그너(1813~1883)가 남긴 여러 걸작 중에서도 ‘트리스탄과 이졸데’는 음악사에서 특별한 위상을 지닌다. 전통적인 화성학의 규칙을 과감히 무너뜨린 혁신적 화성법 ‘트리스탄 화음’을 선보여 현대 음악의 ‘빅뱅’을 일으킨 작품 중 하나로 평가받는다. ‘채워지지 않는 갈망’을 표현하기 위해 기존 오페라의 관습이었던 아리아와 레치타티보의 경계를 허물고 처음부터 끝까지 음악이 끊어지지 않고 흐르는 무한선율 기법을 도입한 바그너 음악의 ‘인장(印章)’같은 오페라다. 1865년 6월 10일 독일 뮌헨 궁정극장 세계 초연 이후 160년 만에 ‘트리스탄과 이졸데’가 서울 예술의전당 오페라극장에서 4∼7일 전막 공연됐다. 국립오페라단이 이 작품 한국 초연을 위해 기울인 노력은 각별했다. 바그너 작품 녹음으로 최근 상을 받은 얍 판 츠베덴이 이끄는 서울시립교향악단과 함께 무대를 만들면서 ‘헬덴테너(바그너 전문 테너)’로 유명한 스튜어트 스켈톤(트리스탄), 캐서린 포스터(이졸데) 등을 불러 모았다. 연출 역시 2023년 독일 콧부스 국립극장에서 같은 작품을 올려 주목받은 스위스 출신 연출가 슈테판 메르키에게 맡겼다. 하지만 “우주선 안에서 펼쳐지는 ‘무한한 우주, 무한한 사랑’, 멀티버스 속 다시 태어난 바그너의 세계”를 표방했던 이 작품은 ‘중력’이란 암초를 피하지 못했다. 애초 연출가는 거대한 우주선 세트와 나선형 구조물, 별빛을 형상화한 조명과 거울을 통해 멀티버스 속을 떠도는 연인들의 사랑과 죽음을 그리는 ‘코스믹 오페라’를 구상했다. 하지만 무대 안전을 위해 바그너 특유의 이분법적 세계관과 현실과 또 다른 세계의 경계를 허무는 모습을 상징적으로 보여줄 예정이었던 나선형 구조물 설치 등이 취소되고 3막을 장식할 예정이었던 잔디밭도 사라졌다. 대신 무대를 원형으로 에워싼 반사판과 성계(星界)를 상징하는 상부 원형 구조물, 그리고 후면 LED 배경이 공연 내내 웅장한 코스믹 이미지를 시각화했다. 하지만 ‘멀티버스와 우주여행, 통제로 둘러싸인 세계를 박차고 나가는 두 인물의 선택’이란 애초 연출의도를 구현하기에는 역부족이었다. 스튜어트 스켈톤이 연기한 트리스탄 역시 세심한 표현력에선 ‘헬덴테너’로서 역량을 입증했지만 이 작품 특유의 사랑과 광기, 절망을 밀어붙이는 추진력은 느슨하게 느껴졌다. 육중한 트리스탄은 무대 위 거동조차 쉬워 보이지 않는 순간이 자주 포착됐다. 다섯 시간에 걸친 대작 공연 추동력은 이졸데를 연기한 캐서린 포스터로부터 나왔다. 한계를 드러내는 순간도 있었으나 노련한 무대가 돋보였다. 투명한 고음과 풍성하고 따뜻한 중저음으로 모든 음역에서 균형잡힌 소리를 들려줬다. 3막 마지막 ‘사랑의 죽음’에선 명불허전의 집중력을 보여줬다. 객석 바로 앞까지 걸어 나와 홀로 스포트라이트를 받으며 삶과 죽음, 낮과 밤, 나와 너의 구분이 사라진 환희의 세계로 나가는 신비한 과정을 아름답게 보여줬다. 호불호가 엇갈린 두 주역과 달리 홀로 존재감을 각인시킨 건 마르케 왕을 맡은 베이스 박종민이다. 배신당한 군주이자 늦게 찾아온 사랑과 신뢰가 무너지는 비극적 인물을 그리는 그의 노래는 2막 긴 독백에서 진가를 발휘했다. 풍부한 성량의 낮게 깔린 레치타티보와 성부를 가득 채우는 긴 호흡으로 상처 입은 왕의 고독과 쓸쓸함을 설득력 있게 형상화했다. ‘트리스탄과 이졸데’ 국내 초연 무대에서 가장 안정감 있는 성취를 보여준 쪽은 서울시립교향악단이다. 15년 만에 오케스트라 반주에 나선 서울시향은 난이도 높은 대작을 훌륭하게 소화했다. 서곡의 ‘트리스탄 화음’에서부터 3막 종결까지 이어지는 긴장과 해소의 파동을 안정적으로 그려냈다. 현악군은 두터우면서도 유연한 음향으로 바그너 특유의 ‘끝나지 않는 선율’을 지탱했고, 목관과 금관은 위험수위의 음량과 조화를 오가며 극의 밀도를 끌어올리는 데 성공했다. 츠베덴의 지휘 역시 무대의 제약과 성악진의 컨디션을 살피며 각 막의 구조를 선명하게 드러내는 데 중점을 두고 극을 이끌었다. 국내 최고 수준의 악단으로서 역량을 유감없이 보여준 무대였다.

사람이 코끼리를 머릿속으로 그리다 나온 글자가 ‘상(人+象=像)’이라고 한다. 그리고 경험하지 못한 것을 머릿속에 떠올릴 때 이를 ‘상상(想像)’이라고 부른다. 인간만이 가진 이 상상의 힘을 무대 위에서 증명하고 그것이 우리 삶에 왜 필요한지 묻는 작품 ‘라이프 오브 파이’가 한국 초연의 막을 올렸다. 맨부커상 수상작인 얀 마텔 동명 소설이 원작이다. 재밌으면서도 삶과 종교에 대한 깊은 통찰을 담은 원작을 중국계 이안 감독이 아름다운 영상미를 갖춘 영화(2012년)로 먼저 만들었다. 그리고 2019년 영국 셰필드에서 다시 연극으로 만들어진 후 2021년 영국 런던 웨스트 엔드, 2023년 미국 뉴욕 브로드웨이로 옮겨가며 올리비에상 5개 부문과 토니상 3개 부문을 석권한 글로벌 화제작이 됐다. 바다에서 사라진 일본선적 화물선의 유일한 생존자, 열일곱 살 소년 파이로부터 사고 경위를 조사하기 위해 일본 조사관과 캐나다 영사가 방문한 병실에서 무대는 시작된다. 인도에서 동물원을 경영하던 부친이 캐나다 이민을 결정하면서 파이는 동물원 동물들과 함께 화물선에 오르게 된다. 순조롭던 항해는 어느 밤 불어닥친 태풍으로 끝난다. 구명정에 오른 생명은 넷. 파이가 들려주는 227일간의 표류기는 여기서부터 두 갈래로 뻗어나간다. 첫 번째 이야기는 얼룩말, 하이에나, 오랑우탄, 그리고 벵골 호랑이 ‘리차드 파커’와 함께 태평양 한가운데를 227일 동안 떠도는 환상적 생존담이다. 인간의 이성과 본능이 극한의 상황에서 어떻게 싸우다 타협하지를 은유적으로 그려낸다. 얼룩말과 오랑우탄을 죽인 하이에나를 다시 호랑이가 죽이고, 소년은 이 호랑이와 함께 망망대해 보트 위에서 살아남기 위해 빗물을 받고 바다거북이 피를 마신다. 그러나 “믿을 만한 이야기를 말하라”는 조사관 추궁에 파이는 전혀 다른 두번째 이야기를 꺼내놓는다. 이번에는 동물 대신 선원과 승객들이 등장하고, 그들 사이에서 벌어진 폭력과 희생, 식인까지 암시되는 잔혹한 생존기다. 믿을 만하나 믿고 싶지 않은 이야기다. 선원, 어머니, 요리사는 각각 앞서 동물들에 대응되는 존재로 배치되고, 호랑이 리차드 파커는 결국 파이 자신의 내면이다. 살아남기 위해 끝없이 맞부딪쳐야 했던 야수적 자아가 ‘리차드 파커’로 실체화한 것. 두 이야기 중 어느 쪽이 ‘사실’인지는 듣는 이 선택이다. 파이는 두 이야기를 모두 내놓은 뒤 “어느 이야기를 믿고 싶으냐”는 질문을 던진다. 상상은 현실을 외면하는 도피가 아니라, 감당하기 힘든 현실의 의미를 다시 써 내려가는 힘이라는 것이다. 상상의 힘을 무대 위에서 가장 선명하게 구현하는 장치는 퍼펫이다. 구명보트 위에서 파이와 대치하는 벵골 호랑이는 실제 동물의 해부학적 구조를 바탕으로 설계됐다. 가벼운 재질과 나무 골격, 탄성 코드로 이루어진 몸체를 세 명의 퍼펫티어가 조종한다. 몸체를 등에 걸친 한명이 앞발을 내딛으며 큰 움직임을 연기하고 다른 한 명은 머리를 움직여 파커의 시선과 표효 등을 연기한다. 다른 한 명은 뒷 다리와 꼬리를 맡는다. 처음에는 사람의 몸과 막대, 기계적 구조가 먼저 보이지만, 장면이 진행될수록 관객의 시선은 점차 인형의 눈과 호흡, 꼬리의 떨림에만 집중하게 된다. 상상의 힘을 무대위에서 구현하는건 호랑이만이 아니다. 오랑우탄, 하이에나, 기린, 얼룩말, 바다거북 등 다양한 퍼펫이 제 몫을 연기하는데 작대기만으로 움직이는 물고기조차 정말 바다에서 솟아오른 듯한 생동감을 온 몸으로 뿜어낸다. 의도하지 않아도 퍼펫을 움직이는 퍼펫티어 모습이 눈 앞에서 지워지는 신기한 경험을 하게 된다. 사람은 믿고 싶은대로 본다. 여기에 프로젝션 영상 투사가 더해지면서 만들어낸 이미지는 병실을 한 순간에 물결 일렁이는 바닷속으로 바꾸거나 폭우가 몰아치는 선상, 파도가 넘실거리는 대양 한가운데로 관객을 데려간다. 상상의 힘이 눈앞에서 만들어내는 이미지의 향연이다. 연출진이 “이 작품을 완성시키는 마지막 재료는 관객의 상상력”이라고 강조하듯, 관객은 자신의 마음속 이미지로 바다를 채우고, 나무와 폼으로 된 호랑이에 숨을 불어넣는 공동 창작자가 된다. 인간은 망각없이 살 수 없다. 상상도 마찬가지다. 삶의 상처와 공포를 어떤 이야기, 어떤 이미지로 기억할 것인가. 그리고 그 이야기를 믿겠다고 결정하는 순간, 우리의 현실은 어떻게 달라질 수 있는가. ‘라이프 오브 파이’는 소년·호랑이의 표류기를 통해 인간에게만 허락된 상상의 능력이 얼마나 중요한 생존수단인지 단단하게 일깨운다. 불가능을 신념과 희망으로 이겨낸 파이의 여정을 경이로운 무대 예술로 보여준 작품이다. 서울 GS아트센터에서 3월 2일까지.

독일에서 각광받고 있는 극작가 롤란트 쉼멜페니히 대표작을 한국 정서에 맞게 새로 만든 연극 ‘안산, 황금용’이 공연된다. 7일 창작집단 상상두목에 따르면 ‘안산, 황금용’은 최치언 윤색·연출작으로 12일부터 21일까지 서울 씨어터 쿰에서 관객을 만난다. 원작 문학성을 최대한 살리면서도 극작가로서 ‘공간’을 희곡 안에서 중요한 기제로 사용해온 최치언 연출가의 시각으로 재배치 되어 한국의 사회〮 경제적 맥락에 맞게 재해석 된다. 독일 괴팅겐 출생인 롤란트 쉼멜페니히는 현재 독일을 대표하는 극작가다. 뮌헨에 있는 오토 팔켄베르크 연극학교에서 연출을 전공한 후 뮌헨의 캄머슈필레 극장을 시작으로 베를린의 샤우뷔네, 비엔나 부르크 극장, 베를린 폴크스퀴네 등 저명한 극장에서 일했다. 그의 작품들은 전 세계의 극장들에서 활발하게 공연되고 있다. 우리나라에서도 국립극단이 그의 고대 도시 테베 관련 연작을 2년에 걸쳐 공연중이다. 2009년 비엔나 부르크 극장에서 작·연출로 세계 초연된 ‘황금용’은 2010년 뮐하임 극작가상을 수상한 화제작. 시인·극작가·연출가로 활동해온 최치언은 원작의 보편성에 한국 이주노동 현실을 입혀 또 하나의 독립적 미학을 시도한다. 무대는 이주민 10만 명이 사는 경기 안산 다문화 거리. 타이·차이나·베트남 식당 ‘황금용’에서 일하는 베트남 청년 ‘꼬마’를 중심으로, 불법 체류, 노동 착취, 고립과 차별 등 이주노동자가 맞닥뜨린 현실이 다층적 에피소드로 펼쳐진다. 치료받지 못한 치통과 이의 부패라는 극적 장치를 통해 신체적 고통을 사회 구조의 은유로 치환한다. 주변의 한국인 또한 불행과 불안 속에 놓여 있다는 점을 드러내며, 이주민 문제를 ‘타자’가 아닌 ‘우리 모두의 이야기’로 확장한다. 형식 실험 역시 두드러진다. 작품은 7개의 에피소드, 48개의 장면으로 구성되는 비선형 구조다. 여섯 명의 배우가 17개의 배역을 오가며, 젠더와 나이 경계를 넘는 일인다역을 수행한다. 인물 재현과 배우의 현존이 교차하는 포스트 서사극의 형식을 취해 장면은 쇼트 컷처럼 빠르게 전환되고, 관객은 퍼즐을 맞추듯 서사를 완성하게 된다. 연출은 여기에 코러스를 도입해 파편화된 서사를 연결하고 리듬감을 부여한다. ‘순풍산부인과’에서 ‘미달이’로 이름을 알린 배우 김성은이 출연해 주목된다. 박혜령, 서민균, 서진, 원인진, 임지성 등 상상두목 단체의 주력 배우들이 합류해 무대를 이끈다.

세계 주요 콩쿠르 관계자들이 콩쿠르 수상이 경력을 보장하는 시대는 가고, 연주자의 독창성·진정성이 더욱 요구되는 시대가 됐다고 입을 모았다. 우승을 목표로 달리는 구조에서 벗어나, 콩쿠르가 오히려 예술가의 정체성과 방향성을 발견하는 공간이 돼야 한다는 제언이다. 한국문화예술위원회는 국제음악콩쿠르연맹(WFIMC)과 공동으로 5일 서울 종로구 대학로 예술가의 집에서 포럼 ‘비욘드 더 스테이지 2025’를 개최했다. 6일까지 열리는 이번 포럼은 차세대 연주자들에게 새로운 비전을 제시하고 콩쿠르의 미래 방향을 논의하는 자리로, 세계 클래식계 주요 기관 관계자들이 모였다. 피터 폴 카인라드 WFIMC 회장은 ‘오늘날의 예술적 정체성’을 주제로 기조연설을 했다. 카인라드 회장은 “우승이 본질이 아니다”라며 “많은 콩쿠르가 (연주자에게) 희망을 주지만 모든 기대를 실현하지는 못한다”고 말했다. 이어 “악보 너머의 연주를 하는 것이 어렵고 두렵다는 것을 잘 안다. 그러나 음악 자체가 아닌 자신만의 이야기를 하는 노력이 필요하다”며 “기존의 것의 복제가 아닌 개성, 진정성, 독창성이 중요하다”고 강조했다. 그는 관객 환경의 변화를 들어 콩쿠르와 연주자 모두 변화해야 한다고 주장했다. “클래식 관객층이 지금처럼 넓었던 적이 없어요. 이제 공연 외에도 음악 스트리밍 플랫폼으로 쉽게 음악을 들을 수 있잖아요. 우리는 젊은 예술가들이 더 과감하고 자유롭고 개성 있는 도전을 할 수 있도록 격려해야 해요. 모든 산업에서 발명가가 필요하듯, 예술가들이 우리 산업(음악)의 발명가입니다. 그들의 영향력을 잊어선 안 되고, 클래식 음악의 패러다임 전환은 지금이 적기입니다.” 이어진 세션에서는 ‘오늘날 콩쿠르는 어떻게 커리어를 지원하는가’를 주제로 각 기관 운영자들이 연사로 나섰다. 박선희 GS문화재단 대표는 “콩쿠르가 연주자 개인이 자신의 길을 발견하는 질문의 장이 돼야 한다”고 강조했다. 박 대표는 “콩쿠르의 역할에 대한 새로운 인식이 필요하다”며 예술가가 스스로에게 던져야 할 3가지 질문을 제시했다. 첫 번째는 “내 연주가 왜 지금 이 시대에 필요한지, 청중에게 어떤 감동을 줄 수 있는지”, 두 번째는 성장의 여정을 함께할 파트너십이 중요한 만큼 “누구와 함께할 것인가”에 대한 고민이다. 그는 이어 “요즘은 전통 레퍼토리와 현대 작품을 엮어내는 기획력, 디지털 플랫폼에서의 소통 능력 등이 필수 역량으로 떠오르고 있다”며 “‘경계를 어떻게 넘을 것인가’라는 질문도 중요하다”고 강조했다. 글렌 곽 인디애나폴리스 콩쿠르 대표와 디디에 슈노르크 제네바 콩쿠르 사무총장은 예술가 성장 플랫폼으로서 콩쿠르의 지원 방식을 다른 기관들과 공유했다. 디디에 슈노르크 제네바 콩쿠르 사무총장은 콩쿠르가 예술가를 성장시키는 플랫폼이 돼야 한다고 강조했다. 그는 “제네바 콩쿠르는 처음엔 단순한 콘서트 기회 제공에서 출발했지만, 지금은 코칭, 전문 컨설팅, 맞춤형 커리어 개발을 아우르는 통합 멘토십 제도로 발전했다”고 말했다. 포럼을 기획·추진한 정병국 예술위원장은 “한국이 콩쿠르 강국은 맞지만 그게 전부는 아니라는 점을 확인했다”며 “우리가 지금까지 지원한 방법이 과연 옳은가에 대해 논의하기 위해 이번 자리를 마련했다”고 말했다.

가야금 연주자 김일륜이 현재까지 활발하게 전승되고 연주되는 가야금산조 중 여섯바탕을 선정해 짧은풀이로 한 무대에서 모두 연주한다. 김일륜은 14일 오후 5시 국립국악원 우면당에서 열리는 공연에서 지난 30년(1994~2023) 동안 모두 11차례에 걸쳐 완주했던 가야금산조 최옥삼류, 황병기류, 성금연류, 김병호류, 김죽파류, 신관용류 가야금산조 여섯 바탕의 짧은풀이를 최초로 한 무대에서 모두 연주하는 특별한 기록에 도전한다. 김일륜이 오랜 준비 끝에 도전하는 이번 무대는 산조 여섯바탕의 짧은 풀이를 한 무대 위에 모두 올림으로써, 가야금산조의 정수를 되새기고, 젊은 세대에게 한국 전통예술의 우수함을 전해주는 특별한 의의를 가지고 있다. 50년 넘게 가야금을 연주해온 김일륜에게 가야금산조는 많은 의미를 지니고 있다. 어린 시절 가야금을 품에 안으며 처음 배우게 된 ‘성금연류 산조’부터 깊은 계면 선율에 이끌려 흔들리던 마음을 다잡아준 ‘신관용류 산조’, 대학 시절 꿋꿋한 우조 가락에 깜짝 놀라 빠져든 ‘최옥삼류 산조’, 선생님의 악보집 채보를 도우며 배우게 된 여성스러운 ‘김죽파류 산조’, 대학원을 준비하던 중 황병기 명인을 만나 배우게 된 ‘정남희제 황병기류 산조’, 박사과정에서 배웠던 영원한 청춘 같은 ‘김병호류 산조’는 모두 유파별 성격이 다르지만, 그에게는 늘 수련의 도구이자, 50년 넘게 가야금 연주자로 이끌어온 교과서였다. 이번 연주회에서 김일륜은 각 산조의 유파별 개성이 섞이지 않고 각기 다르게 펼치고 뭉치는 기승전결의 묘미와 세부적인 치밀함과 밸런스를 보여줄 예정이다. 19세기부터 기악독주곡으로 연주되기 시작한 가야금산조의 여섯바탕을 모두 한 무대에서 연주하는 이번 공연을 통해, 김일륜은 가야금을 전공하는 후학들에게 마중물이 되어 세대와 세대를 잇는 힘이 되기를 기대하고 있다. 이번 공연에는 장구 연주자 이태백 목원대학교 교수가 함께 호흡을 맞춘다. 김일륜 교수의 대학 동기이자, 그가 숙명여대 재직할 때 함께 했던 동료인 송혜진 숙명여대 교수가 해설을 맡아 진행한다. 중앙대 전통예술학부 교수인 김일륜은 25회의 독주회를 통해 전통과 창작을 아우르는 폭넓은 연주 세계를 구축해왔다. 2022년에는 산조·정악·창작·앙상블을 망라한 12CD 전집 ‘길’을 발표한 바 있다.

연극 ‘조씨고아, 복수의 씨앗’이 초연 10주년 기념 공연을 성료(11.21∼30)했다. 2015년 첫 무대에서 한국 연극이 거둔 값진 성취로 평가받으며 대중과 평단의 갈채를 한몸에 받았던 작품이다. 특히 이번 공연은 초연 이후 줄곧 ‘조씨고아’를 품어온 명동예술극장을 떠나 국립극장 해오름에 올랐다는 점에서 의미가 남달랐다. 10년간 쌓아온 서사와 배우들의 호흡이 대극장이라는 낯선 공간을 만나 새로운 파동을 일으켰다. ‘조씨고아’는 중국 원나라 극작가 기군상의 희곡을 고선웅 연출이 현대적으로 각색한 작품. 진나라 도안고 장군의 모략으로 조씨 문중 300명이 몰살된 뒤, 유일한 생존자인 조씨고아가 가문을 드나들던 시골 의원 정영에게 극적으로 구조된다. 정영은 낯선 아이를 살리기 위해 수많은 죽음을 견뎌야 했고, 마흔다섯에 얻은 늦둥이를 대신 바치는 극단적 선택에 이른다. 그렇게 20여 년 동안 벼린 복수는 마침내 완성되지만 그 자리에 남는 감정은 통쾌함이 아니라 깊은 허무다. 고선웅이 던진 질문은 선명하다. “복수는 정답인가. 이 끝없는 고리는 어떻게 끊어야 하는가.” 이번 시즌에서도 ‘고선웅표’ 연출의 미학은 힘을 잃지 않았다. 절묘한 타이밍의 유머와 냉정한 비극을 오가는 감정의 리듬, 생활어의 숨결을 살린 배우들의 조리 있는 발성, 그리고 장면 곳곳에 삽입된 묵자(墨子)의 개입이 촘촘히 배치되며 작품의 독특한 음악성을 이룬다. 이번 공연에서 가장 큰 변화는 무대의 규모다. 객석 수만 놓고 보면 명동예술극장의 547석에서 해오름의 1221석으로 약 두 배 늘어난 정도지만, 체감은 훨씬 크다. 실제 무대 면적으로 비교하면 126.5㎡에서 1334.4㎡로 열 배 이상 확장됐다. 초반에는 이 커진 스케일이 오히려 작품의 밀도를 낮춘 듯한 느낌을 주기도 했다. 배우들의 동선이 길어지면서 장면 간 티키타카가 다소 느슨해지고, 농축된 정서가 넓은 공간으로 빠르게 퍼져나가 ‘에스프레소’에서 ‘아메리카노’로 바뀐 듯한 인상을 준 것이다. 이에 대해 고선웅은 “여러 지방 대극장에서 공연해보니 서사의 중량감과 미장센이 오히려 더 잘 살아나는 경우가 있었다. 언젠가 해오름극장에서 올려보고 싶다는 여망이 늘 있었다”고 프로그램북을 통해 설명했다. 실제 무대가 익숙해지면서 연출가가 말한 ‘서사의 중량감’과 ‘미장센’이 눈에 들어오기 시작했다. 제작진은 이태섭 디자이너의 미니멀한 무대를 해오름에 거의 그대로 옮겼다. 텅 빈 마루와 수직으로 내려오는 커튼, 정영 가족의 조촐한 묘, 거대한 쇠사슬로 여닫는 성문, 그리고 잘린 팔과 같은 상징적 소품들이 대극장 특유의 깊이와 높이 속에서 새로운 질감을 만들어냈다. 장치가 과하지 않은 만큼 인물의 고독과 무력함이 오히려 더 크게 울렸다. 커진 공간이 인간의 운명적 왜소함을 한 층 더 부각한 셈이다. 특히 하성광이 연기한 늙은 정영의 허무는 대극장에서 더욱 증폭됐다. 굽은 등, 바닥에 스미는 목소리, 무릎 꿇은 뒷모습 등 몸짓 하나하나가 거대한 무대 한가운데를 버티며 서사의 무게를 온전히 받아낸다. 아들을 희생해야 하는 아비의 비통, 그리고 20년 만에 조씨고아에게 진실을 털어놓는 장면에서 데뷔 30년차 배우의 공력이 폭발하며 극장에 감정의 파고(波高)를 일으켰다. 진나라 왕 ‘영공’부터 성문지기까지 배역의 경중없이 모든 출연진이 뚜렷한 존재감있는 연기를 펼쳤다. 원작에 없으나 고선웅이 등장시켜 객석 곳곳에서 눈물이 나오게 만든 정영의 처 이지현 배우, 그리고 젊은이를 위해 여생을 미련없이 버리는 공손저구 정진각 연기가 묵직했다. 무엇보다 도완고 역을 맡은 장두이의 압도적 카리스마가 대극장 무대의 긴장감을 견인했다.

토니상 10관왕을 기록한 뮤지컬 ‘물랭루주!’(사진)가 2022년 한국 초연 후 3년 만에 다시 개막했다. 2001년 이완 맥그리거, 니콜 키드먼 주연 영화로 사랑받았던 작품이다. 뮤지컬 1번지 브로드웨이에서 태어난 작품답게 물량 공세를 통한 완성도가 압도적이다. 브로드웨이 버전은 제작비만 2800만달러 규모에 달하며 무대·의상·소품의 90% 이상이 미국·영국·호주 등 지정 제작소에서 제작된다. 상징적인 코끼리 세트, 풍차 세트, 에펠탑 구조물 또한 각각 약 5개월간 별도의 공정을 거쳐 완성되는 초대형 장치다. 한국 무대 역시 이 원형을 그대로 유지한다. ‘물랭루주!’의 가장 큰 매력은 역시 노래. 지난 20년간 세계적으로 사랑받은 마돈나, 아델, 리한나 등의 히트곡이 70여 곡 이상 장면 속에서 재구성된다. 감정의 흐름과 장면의 템포에 따라 치밀하게 배치돼, 관객은 익숙한 멜로디가 완전히 새로운 문맥으로 재탄생하는 순간을 경험하게 된다. 이 때문에 ‘팝과 뮤지컬 보컬의 경계를 무너뜨린 작품’이라는 평가를 받았다. 서사는 원작 영화 그대로다. 1899년 파리, 보헤미안들의 낭만과 욕망이 뒤엉킨 클럽 ‘물랭루주’에서 스타 무용수 사틴과 무명 작곡가 크리스티안이 운명적으로 사랑에 빠진다. 단장 지들러와 사틴을 소유하려 하는 몬로스 공작, 그리고 재정 위기에 처한 물랭루주를 구하기 위한 공연 제작이라는 플롯은 1막의 화려함과 2막의 비극적 긴장을 뚜렷하게 대비시킨다. 크리스티안 역에는 홍광호·이석훈·차윤해가 더블·트리플 캐스트로 참여하고, 사틴 역은 김지우·정선아가 맡는다. 서울 용산 블루스퀘어에서 내년 2월 22일까지.

줄타기에서 고수, 그리고 다시 명창으로 거듭나 한 시대를 풍미한 실존 인물의 삶을 국립창극단이 창극 ‘이날치傳(전)’으로 국립극장 달오름 무대(11.21∼29)에 되살려냈다. 반상(班常) 구분이 절대적이던 시대를 소리 하나로 뚫고 자신의 길을 개척한 예인(藝人)의 삶이다. 실존 인물을 다뤘지만 작가 윤석미는 파락호에서 권력자로 변모하는 흥선대원군을 비롯해 천주교 전래 등으로 뒤흔들리는 조선의 풍경을 그려 넣으며, 오늘과 통하는 사회적 맥락을 만들어낸다. 극의 중심은 전통 판소리지만, 무대는 남사당 계열 연희의 총집합이다. 상모돌리기, 풍물, 탈춤, 고법, 버나놀이까지 ‘놀이판’이라는 개념 아래 생동하는 무대가 펼쳐진다. 특히 초반 이날치가 줄을 타는 장면은 서울대 국악과 출신 젊은 줄타기 명인 남창동이 그야말로 “잘하면 살판이요, 잘못하면 죽을 판”이라던 줄타기의 참맛을 보여준다. “여기 있으면 양반도 나를 올려다보지 않나? 이 줄 위에만 있으면 아무도 나를 무시하지 못한단 말일세! 양반들이 못하는 거 잘하는 거! 그게 날치 꿈일세…내 세상은 이 열 자 높이(3m)! 단 한 치 폭의 이 줄 위일세! 이 줄 위가 곧 내 세상이고 내 꿈일세. 내가 이 줄 위에서 세상을 뒤집어 볼 터이니, 두 눈 크게 뜨고 한 번 지켜보시게나!” 극 중반에는 판소리 수궁가 중 ‘범 내려온다’에 맞춰 북청사자가 등장해서 연희의 흥을 한껏 끌어올린다. 이어서 팔도 명창이 맞붙는 ‘통인청 대사습’ 장면은 마치 현대의 랩 배틀을 연상케 할 만큼 역동적이다. 박만순, 김세종, 박유전, 송우룡 등 실존 명창들이 차례로 등장해 ‘수궁가’의 토끼기변, ‘적벽가’의 조자룡 활쏘기, ‘춘향가’의 천자뒤풀이, ‘심청가’의 심봉사 눈뜨는 대목 등 판소리의 정수를 객석에 쏟아붓는다. 다채로운 연희와 명창들 판소리로 외화(外華)를 이뤘다면 내실(內實)을 다잡은건 작가의 선명한 주제 의식이다. 예술의 경지에선 신분·나이보다 실력이 앞서는 것을 보여주며 꽉막힌 조선시대에도 기예로 자유를 추구한 이들의 정신을 줄곧 부각시킨다. 스승보다 열다섯 살이나 많은 몸으로 박유전의 문하에 들어가면서 이날치는 말한다. “사람답게 살고 싶다. 양반도 싫고, 벼슬도 싫다. 자유롭게 살고 싶다. 그렇게 살 수 있는 길은 소리뿐이다.” 그 고된 길 끝에 득음에 이른 날치를 향해 대원군은 말한다. “아무리 천출이라도 내가 용을 써도 못하는 걸 해냈으니, 마음으로 대접할 수밖에. 그게 뭐든 남이 못하는 걸 해내는 사람이야말로 인생의 갑이야.” 국립창극단 단원들과 객원 배우들은 연희 중심의 무대를 활력 있게 끌어간다. 개다리 역 최용석, 어릿광대 역 서정금은 재담과 해학, 그리고 찰떡같은 몸동작으로 웃음과 풍자를 쥐락펴락한다. 연희의 중심을 유지하면서도 극의 주제를 놓치지 않는 균형감이 돋보인다. 무대는 관객의 눈과 귀를 호강시키며 오늘의 창극이 어디까지 왔는지를 증명했다. 한가지 아쉬운 대목은 대원군과 중신들 앞에서 앞에서 이날치가 소리를 하는 장면이다. 울리지도 웃기지도 못하면 목을 내놔야하는 이날치가 심청가 중 물에 빠지는 대목을 ‘죽을 판, 살 판’으로 부르는데 흘러나오는 피아노 연주가 극 몰입을 방해한다.

한국 포크 음악의 역사는 가수 송창식의 노래와 함께 흐른다. 1960년대 말 윤형주와 함께 듀오 ‘트윈폴리오’로 데뷔한 송창식은 1970∼80년대 ‘고래사냥’ ‘왜 불러’ ‘한번쯤’ ‘담배가게 아가씨’ 등을 잇달아 발표하며 한국 포크·청년문화의 상징이 됐다. 특히 영화 ‘바보들의 행진’에 삽입된 ‘고래사냥’과 ‘왜 불러’는 억눌린 시대 청춘의 감정을 대변하는 곡으로 자리 잡았다. 포크 팝의 틀 안에 국악적 요소와 독창적인 화성을 녹여낸 송창식의 곡들은 “포크를 예술의 차원으로 끌어올렸다”는 평가를 받는다. 수십 년이 지난 지금도 ‘푸르른 날’ ‘그대 있음에’ 등 그의 노래는 세대를 건너 사랑받고 있다. 송창식 음악세계에서 빠질 수 없는 파트너가 기타리스트 함춘호다. 한국 대중음악계를 대표하는 세션 연주자이자 포크 기타의 거장이다. 고교 3학년이던 1979년 전인권과 함께 음악 활동을 시작했고, 1981년 이광조의 ‘저 하늘의 구름 따라’ 음반에 참여하며 프로 세션 기타리스트로 첫발을 내디뎠다. 이후 포크록 그룹 ‘시인과 촌장’ 2집 ‘푸른 돛’에서 기타와 편곡을 맡아 한국 대중음악 100대 명반에 이름을 올린 앨범의 사운드를 완성했다. 조용필·이문세·이선희·신승훈·김광석·양희은은 물론 아이유·트와이스 등 여러 세대의 뮤지션들과 작업하며 “한국 대중음악의 표준을 세운 기타리스트”라는 평가를 얻었다. 한국 대중음악의 두 거장이 12월 12일 명동 온드림 소사이어티에서 공연한다. 두 거장은 원래 명동이라는 공간과 깊은 인연을 맺고 있다. 1970년 서울 YWCA 직원식당을 개조해 문을 연 ‘청개구리’는 통기타·청바지·생맥주로 상징되는 1970년대 명동 포크송 무브먼트의 출발점이었다. 이곳은 김민기·양희은·송창식 등 젊은 포크 뮤지션들이 서로의 신곡을 들려주고, 시인·대학생·연극인들이 모여 밤늦도록 예술과 정치, 일상을 토론하던 해방구 역할을 했다 현대차 정몽구 재단이 선보이는 ‘온소 레코드: 바이닐 클럽’은 바로 이 명동 포크의 기억을 오늘에 소환하는 기획이다. 음악과 스토리텔링을 결합한 레트로 콘서트 시리즈다. 한국 포크의 성지였던 명동 ‘청개구리’의 역사와 가치를 현대적인 콘서트 형식으로 재해석하는 데 초점을 맞췄다. 무대 위에서는 송창식 특유의 즉흥성이 살아 있는 라이브와, 함춘호의 섬세한 어쿠스틱 기타가 어우러져 1970~80년대 명동·을지로 거리에서 울려 퍼지던 포크의 정서를 현재형으로 소환할 예정이다. 올해 4월 열린 첫 번째 ‘온소 레코드’ 공연에는 양희은과 음악평론가 임진모가 출연해 1970~80년대 명동·을지로의 문화적 전성기를 회고하며 ‘청개구리’가 남긴 유산을 되짚어 호응을 얻었다.

고대 로마 때부터 아름다움을 간직해온 도시 베로나가 오래된 핵발전소로 인해 폐허가 된 세상에서 연극 ‘줄리엣’이 펼쳐진다. 불길한 소문의 한복판에 있는 줄리엣은 가족들의 숨 막히는 보호 속에서 살아간다. 그러던 어느 날 줄리엣은 영화관에서 로미오와 마주친다. 서로에게 감각적인 이끌림을 느낀 두 사람은 깊은 사랑에 빠진다. 대문호 셰익스피어 고전 ‘로미오와 줄리엣’을 근미래 핵 재난 디스토피아로 옮겨와 완전히 재창작한 작품이다. 단순히 배경만 현대화하는 방식에서 벗어나 억압적 세계 속에서 존재의 감각을 되찾아가는 인물로 줄리엣을 재해석했다. 작품 중심 역시 ‘금기를 넘는 사랑’이 아니라 줄리엣이 로미오와의 만남을 통해 자기 실존을 회복하는 과정에 놓여 있다. 극 중에서는 셰익스피어 소네트가 직접 대사로 섞여 들어가며 황폐한 도시와 대비되는 시적 감수성을 만들어낸다. 대본은 2024년 국립극단 희곡공모 대상 수상 작가 김주희가 맡았다. 저스트키즈스튜디오 제작에 연출은 예란희다. 줄리엣 역은 ‘도비왈라’, ‘커튼’, ‘보도지침’ 등에서 강렬한 여성 서사를 연기해온 배우 신윤지가 출연한다. 로미오는 LG아트센터 ‘벚꽃동산’으로 해외 투어를 이어가고 있는 이주원이 연기한다. 또 김원정, 남수현, 박현숙, 조윤정, 김유남, 이경우 등 총 9명의 배우가 베로나 시민과 새롭게 구성된 인물군을 오가며 무대를 채운다. 무대미술은 동아연극상과 서울연극인대상 수상 경력을 가진 김혜지 디자이너가 공연장 특유의 원통형 구조를 적극 활용해 핵전쟁 이후의 도시 풍경을 확장한다. 음악은 국립극단 ‘이 불안한 집’, ‘십이야’ 등을 통해 독보적인 색을 구축한 음악감독 채석진이 맡아 폐허 위에서 피어나는 정서의 결을 섬세하게 더한다. 서울 미아리고개예술극장에서 12월 12일∼21일까지.