‘내 나이 벌써 중년…내게도 꿈이 있었는데…이제는 늦었으니… 그냥 주어진 대로 살아야지 뭐….’이 같은 마음가짐으로 인생 후반전을 치르려 한다면, 하루라도 더 늦기 전에 빌 어거스트 감독의 ‘리스본행 야간열차’를 관람하는 것이 생의 반전이나 일상의 전환점을 마련하는 데 도움이 될 듯싶다. 스위스 베른에서 오랜 세월 고전문헌학을 강의하며 새로울 게 없는 일상을 살아온 그레고리우스(제레미 아이언스)는 폭우가 쏟아지던 어느 날, 다리 위에서 자살하려던 낯선 여인을 구하게 된다. 하지만 여인은 비에 젖은 붉은 코트와 책 한 권, 그리고 리스본행 열차 티켓을 남긴 채 홀연히 사라져 버린다. 난생 처음으로 강렬한 이끌림을 느낀 그레고리우스는 자신의 모든 것을 내려 놓고, 의문의 여인과 책의 저자인 아마데우 프라두(잭 휴스턴)를 찾아 포르투갈의 리스본을 향한 야간열차에 몸을 싣는다.파스칼 메르시어가 쓴 동명의 베스트셀러 소설을 원작으로, 한 남자의 인생을 바꾼 기적 같은 여행을 그린 작품이다. 섬세하면서도 매혹적인 문체와 인생에 대한 철학적인 고찰이 뛰어나다는 평을 받은 원작은 전 세계 30개국에서 출간되며 ‘유럽 문학의 현대 고전’이란 별칭을 얻었다. 영화는 의문의 여인을 찾아가는 과정에서 레지스탕스와 비밀경찰, 절대미모를 가진 스테파니아(멜라니 로랑) 등 인상적인 캐릭터들을 등장시키며 시종일관 궁금증의 끈을 놓지 않은 채 흥미진진하게 극을 풀어나간다. 하지만 영화가 보여주려는 것은 극중 사건의 진행과 해결 과정이 아니라, 사랑에 대한 남녀 간의 생각 차이와 삶에 대한 열정, 일에 대한 꿈 등이다. 노련한 감독은 ‘사랑’과 ‘질투’를 바탕에 깔고, ‘당신은 인생에 한 번이라도 질투에 눈이 멀어 이성이 마비될 만큼 불타는 사랑을 해보았는지’를 묻는다. 그리고 ‘지금도 늦지 않았다는 사실’을 잔잔히 일깨우며 ‘습관적으로 되풀이하는 일상에서 벗어나기’를 조언한다. 마음에 담아두고 곱씹어볼 만한 대사들이 리스본의 여유로운 풍광과 조화를 이룬다. “단지 꿈 같은 바람일까? 지금 내 모습이 아닌 완전히 다른 삶을 선택하길 원한다면…”, “꼭 요란한 사건만이 인생의 방향을 바꾸는 결정적 순간이 되는 건 아니다”, “여행을 떠나고 나서야 나 자신을 찾아가는 여정도 시작된다” 등 밑줄 그어둘 만한 말들이 곳곳에 등장한다. 심리적인 흐름과 인물에 대한 통찰이 만족스럽고, 관객을 철학적 사유로 안내하는 대사들과 내레이션에 찬사를 보낼 만하다. 리스본 기차역부터 호시우 광장, 고즈넉한 분위기의 트램, 끝이 없을 듯 쭉 뻗은 해안도로, 그리고 가스등이 켜진 낭만적인 야경 등은 보는 재미를 배가시킨다. 제작진은 리스본의 전형적인 관광 명소들을 잡기보다는 신선하면서도 리스본 본연의 모습을 드러낼 수 있는 장소를 찾아냈다. 시각적인 아름다움과 함께 그레고리우스의 내적인 여정까지 표현할 만한 풍광을 담아낸다.거장 감독과 명배우들의 만남 또한 반갑다. 감독은 ‘정복자 펠레’ ‘최선의 의도’로 칸국제영화제 최고 영예인 황금종려상을 두 차례나 수상했다. ‘행운의 반전’으로 아카데미 남우주연상을 수상한 제레미 아이언스는 할리우드의 대표급 연기파 배우다. ‘프랑스의 보석’ 멜라니 로랑은 지적이면서 우아한 젊은 날의 스테파니아로 등장한다. ‘나우 유 씨미: 마술 사기단’, ‘비기너스’, ‘바스터즈: 거친 녀석들’ 등에서 보여준 모습보다 한층 깊이 있는 고혹미를 뽐내며 아마데우를 한순간에 빨려들어가게 할 만큼 압도적인 매력을 발산한다.  실패를 두려워말고 용기를 내면, 너무나 평범하고 새로울 게 없는 일상에서 벗어나 꿈꾸던 삶을 찾게 된다는 영화는 관객들에게 달콤한 휴식과 함께 가슴 뛰는 일탈의 기쁨을 선사한다.그레고리우스의 리스본 여행에 동반자로 나서는 매력적인 안과의사는 독일 여배우로 할리우드에서도 성공한 ‘타인의 삶’의 마르티나 게덱이다. 3대째 영화계에 종사하고 있는 ‘아메리칸 허슬’의 잭 휴스턴이 불꽃 같은 삶을 살다 간 아마데우로 나온다.김신성 기자 sskim65@segye.com

전국의 연극 전공 대학생들이 참여하는 ‘젊은연극제’가 19일 서울 대학로에서 막을 올린다.‘자유로운 상상, 22살의 축제’를 주제로 내건 올해 축제에는 셰익스피어의 ‘햄릿’ ‘베니스의 상인’ ‘오셀로’, 안톤 체호프의 ‘벚꽃동산’ 등 고전에서 지도교수와 학생들이 함께 만든 창작극까지 다양한 작품이 무대에 오른다. 연극학과 재학생뿐 아니라 졸업생까지 참여해 실험적이고 도전적인 작품을 선보이는 ‘청춘프린지’, 연기 전공을 희망하는 고등학생들을 위한 ‘전국 청소년 독백연기 경연대회’도 함께 열린다. 7월6일까지 게릴라극장·노을소극장·눈빛극장·동그라미극장·세모극장·별오름극장·대학로예술극장 3관·알과핵극장·정보소극장 등 대학로에 있는 9개 극장에서 열린다. 젊은연극제 집행위원회 측은 “미래 한국의 공연예술을 책임질 젊은 인재들이 창조적 문화역량을 마음껏 발휘할 수 있는 예술의 장”이라며 “내일의 예비 스타들을 미리 만나보는 즐거움도 만끽할 수 있을 것”이라고 소개한다.올해 22회째를 맞는 국내 유일의 전국대학연합축제인 젊은연극제는 1993년 한국연극교육학회와 한국대학연극학과교수협의회 주최로 6개교 700여명이 참여한 가운데 출범했다. 이후 지속적인 성장을 거듭한 끝에 지난해에는 52개교 53팀 8000여명, 관객 6만여명이 함께한 대규모 대학연극인 축제로 변모했다. 영화배우 하정우를 비롯해 드라마 ‘별에서 온 그대’의 김수현과 ‘응답하라 1994’에 출연한 고아라와 유연석 등이 젊은연극제 출신이다.자세한 공연 관련 정보는 연극제 홈페이지(www.ytf.or.kr)에서 확인하면 된다.김신성 기자

“나는 어리다. 건방지고 무식하나 순수하다. 아직 어리기 때문에, 커서는 보이지 않을 사실들에 민감하다. 건방진 만큼 겁 없이 비난하고 조롱하고 무시할 줄 안다. 마음에 안 드는 것들이 많다. 아무리 어려도, 세상이 내 마음대로 되지 않는다는 것을 알고 있다. 더럽고 추하고 비윤리적인 일들이 많이 일어나는데도, 바로 잡히는 것은 없다. … 이렇게 말하지만 내게 정의감은 없다. 내가 정의감으로 불타 봤자 뭘 하겠는가, … 나는 내가 어떤 어른이 될지 모르겠다. 인생이 귀찮은 방관자가 될지, 뒤돌아보지 않는 이기주의자가 될지, 혹은 세상을 바꿀 행동파가 될지. … 아직 세상에 나가지 않은 지금은 무식하게 비난하고 반론하고 비웃을 수 있다. 영원히 이러지 못할 것이라는 걸 어렴풋이 짐작한다. 그래서 이 순간이 내게는 더 없이 소중하다. 돌이킬 수 없을 십대를, 나는 온 힘을 다해 건방지게 즐기고 있다.” ‘비행소년 KW4839’는 독창적이면서도 유연한 연출로 이름이 난 여신동의 첫 번째 청소년극으로, ‘2014 국립극단 청소년극 릴-레이 2’의 마지막 작품이다. ‘탐색과 도전’이라는 부제에 걸맞게 청소년극에 대한 새로운 가능성을 무대 위에 쏟아붓고 있다. 작품은 상상 속이 아닌, 현실의 청소년들 모습과 위치를 적나라하게 드러내 보이며 그들의 목소리를 담아낸다. 청소년 문제는 곧 우리 사회 전반의 문제라는 점을 부각시킨 뒤 사회와 개인의 성찰을 이끌어 낸다. 무대는 비행기 객실과 공항을 연상시킨다. 배우들을 가운데 두고 관객들이 마주 보며 앉아 관람하는 구조다. 관객들을 보다 적극적으로 공연에 끌어들인다. 연출가는 무대와 객석의 간극을 없앴다. 극을 통해 배우들을 더 돋보이게 하면서도, 관객과 배우가 깊이 교감하는 데 중점을 두고 있다. 여행체험 형태를 띤 공연은 미지의 공항에서 이륙해, 현재 청소년들의 위치를 찾아간다. 입장한 관객들은 수속, 탑승, 비행 과정을 거친다. 극적 공간과 극적인 상황을 만들어 동시대를 살아가는 청소년들의 현 위치에 불시착하게 되고, 그곳에서 그들의 모습을 만나게 된다. 작품은 서사에 대해 새로운 접근 방식을 취한다. 이야기가 사건이나 드라마를 중심으로 흐르지 않고, 극적인 상황과 공간 자체에 머문다. 그 순간의 모습을 포착하고 나열하는, 마치 미술전시와도 같은 독특한 방식이다. 모든 것은 현재의 시간과 공간에 연결되어 그 순간의 단상에 깊이 빠져들게 한다. 관객은 승객으로, 배우들은 승무원으로, 극장은 공항으로 바뀐다.막이 오르고 모두의 탑승이 확인되면, 배우들이 등장한다. 마지막 안전수칙이 기내에 울려 퍼진 뒤, 드디어 비행기가 이륙한다. 2막이 시작되면, 공항이던 극장은 이제 교실이다. 배우들은 학생이며, 각자 휴대전화 놀이에 심취해 있다. 카톡, 셀카, 노래 듣기 등 갖가지 취미 활동은 오직 휴대전화로만 가능하다. 그들에게 휴대전화는 삶 그 자체이다. 3막에선 알 수 없는 인터뷰 소리가 극장을 메운다. 청소년에 대한 어른들의 생각과 청소년들의 생각이 무대 위에 겹쳐진다. 둘의 말이 부딪히고, 만나다가 서로 휘감는다. 소리는 증폭되어 무대 위를 질주한다. 막(4막)이 바뀌면, 어딘지 알 수 없는 공항에 착륙한다. 그곳에는 진짜 청소년들의 말이 생생하게 존재한다. 무대 위의 배우들은 눈을 가리고 서성인다. 정해진 목표 없이 ‘서성이는 현재’만이 가득 무대를 채운다. KW4839가 다시 이륙한다.‘비행소년 KW4839’는 청소년들과 소통을 나누고 그들과 만나는 작업이다. 관객들과 만나고, 청소년들과 만나고, 서로 다른 우리가 만난다. 이 다양한 만남은 결국 청소년들을 매개로 한, 자기 자신과의 만남으로 이어진다. 그들이 하지 못하는 말을 대신하고, 진실된 그들의 모습을 무대 위에 정직하고 진솔하게 표현함으로써 그들의 생각과 변화, 성장에 주목한다. 여기 있는 것은 ‘나’ 뿐 아니라 ‘우리’이다. 알 수 없는 불안함과 동시에 못 말리는 자신감으로 충만한 청소년들과 함께 우리는 지금 어디에 있는지, 어디로 향하고 있는지, 불안과 환희의 비행을 시작한다. 21일까지 국립극단 백성희장민호극장에서 관객을 맞는다. 1688-5966김신성 기자 sskim65@segye.com

이 상 규띠포리가 납작하게 누워 있다은빛 비늘을 윤슬처럼 반짝이며날렵하게 잔바다를 누비던 띠포리가모로 누워 혼미하게 가라앉고 있다발라먹을 살도 없어 생선 축에도 들지 못하고만만하다고 으레 가짓수에도 끼지 못하던그래도 국물맛 내는 데는 띠포리만 한 게 없다며끓는 물에 집어넣고 우려먹던 그 띠포리가.고열에 한기까지 갈마들어 몸살이거니 미적거리다가척추염증이라고 듣기에도 어쭙잖은 병명으로 벌써 한 달 보름이나 병상에 누워 있다무른 등에 새끼에 새끼까지 태우고지느러미짓이 그리 힘든 줄 나만 몰랐다띠포리 한 줌 넣고 된장 한 숟가락 풀어서김치 넣고 보글보글 끓이면 한 끼는 먹을거야입에 걸러 넣을 게 없을 거라며 내 걱정을 하는아내는 척추 마디마디가 물러 누워 있는데밴댕이 소갈머리처럼 연득없는 나는연하디연한 띠포리 등뼈까지 우려내어혼자 살겠다고 후룩이며 밥 말아먹고 있다띠포리는 멸치 중에서 질이 가장 낮은 종류이다. 볶음이나 다른 재료로는 부적합하나 국수를 삶고 다시국물을 낼 때, 찌개와 국을 끓일 때 띠포리를 한 줌 넣고 우려내어야 국물이 제 맛을 낸다. ‘생선 축에도 들지 못하고/ 만만하다고 으레 가짓수에도 끼지 못하던’ 띠포리는 진국을 다 내어주고 껍질만 남아 병들어 누워 있는 ‘아내’이다. 젊어 한때는 ‘은빛 비늘’을 반짝이며 ‘날렵하게 잔바다를 누비던’ 그녀가 평생 동안 국물을 우려먹은 남편 덕분에, 아이들을 다 키우고 그도 모자라 ‘새끼에 새끼까지’ 무른 등에 태우고 지느러미짓 하느라 허리를 쓰지 못하는 ‘척추염증’에 걸려 꼼짝 못하고 있다. 누워서도 끝까지 남편 걱정을 하고 있다.  그림=화가 박종성시 속의 화자가 남편이니까 아내를 띠포리처럼 우려내어 ‘후룩이며 밥 말아먹고’ 있지만, 시점을 바꾸면 아내가 남편을 우려먹고 살고, 자식은 부모를 우려먹으며 자라난다. 그래도 아무도 자신이 우려먹힌다고도, 우려먹혀서 억울하다고도 생각하지 않는 것은 사랑이라는 묘약이 있어서, 스스로 즐겨 자기를 다 내어주기 때문이다. 연한 등뼈까지 우려먹도록 자기의 전부를 다 내어주면서 오히려 더 큰 기쁨을 느끼는 것이 가족 간의, 사람과 사람 사이의 사랑이고 행복이기 때문이다. 이혜선 시인·문학평론가

뮤지컬은 이야기와 노래, 춤이 결합된 종합예술이다. 하지만 극 형태로 이루어진 특성상 관객에게 가장 먼저 주목받는 것은 이야기다. ‘캣츠’의 ‘메모리’나 ‘지킬 앤 하이드’의 ‘지금 이순간’ 등 몇몇 곡이 대중에게 주목받기도 하지만 온전히 음악이 주인공인 뮤지컬은 만나기 힘들다.‘머더 발라드’(사진)는 국내에서 흔히 보기 힘든 음악이 주인공인 뮤지컬이다. 작품은 대사 하나 없이 모든 진행이 노래로 이루어지는‘송스루(Song-Through) 뮤지컬’이다. 록이라는 하나의 장르를 기반으로 두 시간 동안 강렬한 음악이 이어지며 관객의 가슴을 울린다. 전자기타와 드럼 소리가 쉴 새 없이 쏟아지는 이 뮤지컬을 보다보면 마치 록밴드의 장대한 앨범 전곡을 감상한 듯한 느낌마저 든다. 줄거리는 단순하다. 어린 시절 불꽃같은 사랑을 했던 사라와 탐이 주인공. 뜨거운 사랑이 어느새 식은 두 사람은 이별을 맞이하고 사라는 탐과 달리 착하고 가정적인 마이클과 가정을 꾸민다. 하지만 반복되는 일상으로 권태로움에 빠진 사라는 옛 사랑인 탐을 찾아가고 세 사람의 엇갈린 사랑은 파국으로 이어진다. 이처럼 단순하면서도 굵직한 스토리가 두 시간여 동안 단 하나의 대사 없이 노래로만 진행된다. 대사가 없는 극의 특성상 관객의 이해도가 떨어질 수 있기 때문에 작품은 ‘내레이터’라는 역할을 도입했다. 등장인물들의 심리, 뒷사정 등을 친절히 설명해주는 내레이터의 노래 가사만 잘 들어도 극 진행을 따라잡는 데 어려움은 없다.노래와 함께 펼쳐지는 배우들의 춤도 볼거리. ‘송스루 뮤지컬’인 ‘머더 발라드’의 배우들은 두 시간 동안 끊임없이 노래를 부르면서 동시에 연기가 아닌 춤을 춘다. 록 기반의 뮤지컬인 만큼 춤도 강렬하고 힘이 넘친다. 뮤지컬 배우 중 몸을 잘 쓰는 것으로 유명한 한지상과 가수 출신 임정희, 린아 등의 에너지 넘치는 춤을 보는 것도 작품의 매력이다.관객의 참여를 유도하는 독특한 장치도 주목할 만하다. ‘머더 발라드’는 작품의 주요 무대가 되는 무대 위 바(Bar)의 테이블을 관객석으로 활용하는데 공연 내내 배우들은 자리에 앉은 관객 사이를 이리저리 뛰어다니며 무대를 이어간다. 또한 이 중 한 관객은 극중 마이클과 사라의 딸 프랭키 역을 맡게 되는데, 즉석에서 벌어지는 관객과 배우들의 즉흥연기가 극에 웃음과 활력을 부여한다.공연 뒤에 이어지는 커튼콜은 ‘머더 발라드’의 또 다른 백미. 작품 속 곡들의 앙코르공연으로 이뤄진 커튼콜은 마치 록 콘서트처럼 길게는 30분 가까이 이어진다. 공연의 뒷마무리라기보다 차라리 본 공연 중 하나라고 할 만하다. 젊은 배우들의 젊은 에너지가 가득한 공연이다. 지난해 겨울 배우 김수로가 프로듀서로 나서 야심차게 제작해 성공적으로 공연했던 작품. 초연멤버가 그대로 뭉쳐 더욱 향상된 팀워크를 느낄 수 있다. 올해는 대학로 무대로 옮겨 열광적인 공연을 이어가고 있다. 6월 29일까지 서울 대학로 DCF대명문화공장 1관에서 만날 수 있다. 4만4000∼6만6000원. (02)548-0597서필웅 기자 seoseo@segye.com

올해 초부터 개인적으로도 유독 많은 죽음을 마주하게 되었다. 그런데 완연한 봄이 되자 장례식과 장례식 사이에 결혼식이 적잖게 끼어들게 되었다. 그러자 마치 하루에 여러 편의 공연을 관람했을 때처럼 상반된 감성이 뒤섞이며 혼란스럽기 시작했다. 사랑과 죽음의 통과의례가 뒤섞이는 감성이 잔혹하게 다가왔기 때문이다. 그런데 이러한 밀도 높은 감성이 오히려 삶에 대한 의지와 용기를 만들어 냄을 느꼈다. ‘잔혹극’을 통해 비인간화되어가는 문명 속에서 생명력을 일깨우려던 앙토냉 아르토의 의도가 빛을 발하는 순간이었다고나 할까.하나의 생명은 다른 생명의 죽음 위에서 생겨난다. 이것이 아르토가 이야기한 ‘잔혹’이다. 그러고 보면 모든 죽음은 새로운 생명을 불러온다는 점에서 순교이다. 고전비극인 ‘오이디푸스 왕’이나 ‘햄릿’에서처럼 위대한 인물의 죽음이 집단을 직접 구원하지 않더라도 그러하다. 대표적인 현대비극인 ‘세일즈맨의 죽음’에서 소시민의 대표 격인 윌리 로먼은 자살이라는 극단적인 방법을 택했지만 이는 가족을 위한 비장한 결단이었다. 그리고 숱한 죽음을 되새기게 하는 공연이야말로 이와 같은 이름 없는 죽음들이 순교의 의미를 지니게 하는 진혼제이다.특히 제의적인 성격이 강한 공연들은 삶과 죽음이 뒤섞이는 잔혹성 속에서 깊은 교감을 불러일으키곤 한다. 올해 ‘씨어터 올림픽스’의 공식 참가작이기도 한 극단 자유의 ‘꽃, 물, 그리고 바람의 노래’(김정옥 작, 최치림 연출)에서 공주는 적군이 들이닥치는 상황 속에서도 죽은 부모와 백성들을 위해 진혼제를 올린다. 공주의 행위는 희생자들을 ‘기억’하겠다는 의미를 담고 있다. 이는 희생자들뿐 아니라 산자들의 희망을 위한 것이기도 하다. 이 연극은 고대 한반도를 배경으로, 적국의 왕자와 공주의 러브스토리를 우화적으로 담았다. 이들은 서로를 그리워하고 사랑하는 사이임에도 속한 집단의 이념이 달라 비극적인 결말을 맞이한다.이처럼 집단 간의 반목으로 슬픈 결말을 보여주는 인물들의 이야기는 공연의 단골 소재이기도 하다. 분단국가인 만큼 우리나라의 무대에서는 이념의 갈등으로 인한 비극이 빈번히 다뤄지고 있다. 특히 제의적인 연극들에서 굿의 놀이적인 면을 통해 해원이 이뤄지는 과정을 종종 볼 수 있다. 이는 죽은 자의 혼이 흥겨움 속에서 섞여 놀며 산자들에게 도움을 주길 기원하는 의미를 담고 있다. 예를 들어 극단 목화의 ‘산수유’(오태석 작·연출)에서는 결혼과 제의가 뒤섞이며 축제 분위기를 띤다. 6·25로 인한 정신적 외상에 시달리던 가족이 제사와 ‘합장’ 의식을 통해 치유되기 때문이다.지난주에 집시 음악의 대가인 고란 브레고비치의 밴드가 내한했었다. 밴드의 이름은 ‘웨딩 엔 퓨너럴’이고 콘서트 제목은 ‘집시를 위한 샴페인’이다. 작품의 분위기를 적절히 응축해서 담은 이름과 제목이다. 집시 음악의 구성진 멜로디와 흥겨움 속에는 삶의 잔혹성과 낙천성이 동시에 짙게 드리워져 있기 때문이다. 이들의 콘서트에서 희로애락이 뒤섞인 트랜스 상태에 빠져 나도 모르게 정체불명의 춤을 추다가, 이러한 혼합 감성이 ‘참 삶과 닮아 있다’는 생각을 하게 되었다. 비극성과 희극성이 혼재된 것이 바로 삶이며 죽음 아닌가. 현대 비극이 관객들에게 공감을 불러일으키는 이러한 삶의 모습을 가감 없이 드러내 보이기 때문일 것이다.현수정 공연평론가·중앙대 연극학과 객원교수

인간이라면 누구나 결국은 겪게 될 사건인 죽음. 하지만 그 죽음을 어떻게 받아들이느냐는 사람마다 제각기 다르다. 그리고 이렇게 서로 다른 죽음에 대한 관점은 ‘어떻게 살아야 하는가’라는 주제로 자연스럽게 연결된다. 죽음과 삶은 그렇게 동전의 양면 같은 관계다.뮤지컬 ‘주그리우스리’(사진) 죽음이라는 소재를 통해 삶에 대한 이야기를 하는 뮤지컬이다. 작품의 주인공은 목숨을 잃은 영혼을 저승으로 데려가는 ‘저승차사’. 우리가 일반적으로 생각하는 저승사자와 같은 존재들이다. 이들은 또한 인간이 삶을 허비하지 않고 온전하게 제대로 살도록 관리하는 존재들이기도 하다.이 저승차사들이 자살을 시도했다 실패한 사람들이 모여 사는 마을에 숨어들었다가 벌어지는 여러 가지 소동들을 담았다. 죽음을 초월한 존재가 바라보는 뒤틀린 인간세상이 코믹하게 묘사돼 있다. 꽤나 철학적인 소재와 주제를 가지고 있는 뮤지컬이지만 극은 유쾌하고 활기차다. 기본적으로 인간세상에 어수룩한 저승차사와 마을사람들간의 소동극이기 때문. 여기에 자살자들이 모여 사는 마을 주민 하나하나의 아픈 개인사가 끼어든다. 작품은 취직이 도통 안 되는 만년 백수, 왕따의 상처를 지닌 고등 학생, 가족을 잃은 후 혼자가 된 독거노인, 삶의 희망을 잃은 미혼모, 트랜스젠더 등의 이야기를 통해 현대에 만연한 다양한 상처와 문제점을 다룬다. 이들의 사연과 그로 인해 얻어지는 깨달음은 자연스럽게 ‘삶을 어떻게 살아야 하는가’라는 작품의 주제로 이어진다. 유쾌한 소동극에서 묵직한 주제로 이어지는 극의 흐름에 어색한 부분이 도드라진다는 것이 살짝 아쉽다.2012년 대구 국제뮤지컬페스티벌에서 창작뮤지컬 부문 당선작으로 선정된 작품. 이를 기반으로 지난해 ‘디스라이프:주그리우스리’가 공연됐고, 이를 개작해 ‘주그리우스리’로 재탄생했다. 8월17일까지 대학로 예그린씨어터에서 공연한다. 5만원. 1577-3363서필웅 기자

‘캣츠(Cats)’는 별다른 수식어가 필요 없는 뮤지컬의 대명사다. 뮤지컬에 큰 관심이 없는 대중조차도 한 번쯤은 들어봤을 작품, 그리고 뮤지컬에 입문하는 사람이라면 누구라도 제일 먼저 보고 싶어 하는 작품 중에 하나다. ‘오페라의 유령’, ‘레미제라블’, ‘미스사이공’과 함께 ‘세계 4대 뮤지컬’로 꼽히기도 한다. 이러한 ‘캣츠’가 내한공연을 통해 한국 팬들에게 돌아왔다. 미국·영국·호주·남아공 등의 다국적 배우들로 구성된 해외투어팀을 통해서다. 13일로 예정된 서울 공연 개막에 앞서 만난 배우들은 “‘캣츠’는 언어의 장벽 없이 남녀노소 누구라도 즐길 수 있는 작품”이라고 입을 모았다. 배우들의 몸짓과 동작을 통해 관객들이 자막을 보지 않더라도 작품의 스토리와 의미를 읽어내고 감상할 수 있다는 것. 그만큼 여타 뮤지컬들보다 더 쉽게 문화의 장벽을 뛰어넘어 소통할 수 있다는 이야기다. 이는 ‘캣츠’가 단순히 스토리와 노래만을 통해 이야기를 전달하는 뮤지컬이 아니라 배우들의 몸짓, 분장, 조명 등을 통해 고양이들의 이야기를 총체적으로 전달하기 때문이다. 이번 캣츠 공연에 협력안무로 참여하고 있는 에마 델메니코는 “공연 중 많은 의미가 언어로써 표현되는 것이 아닌 배우의 몸짓으로 표현된다”면서 “특히 모든 캐릭터의 성격이 다르기 때문에 관객들도 각각의 캐릭터에서 공감할 수 있다”며 작품의 매력을 설명했다. ‘럼 텀 터커’역으로 출연하는 배우 얼 그레고리도 “무대 위에서 다양하게 많은 일들이 일어나고 있기 때문에 공연을 보는 사람들이 공연을 볼 때마다 다른 경험을 할 수 있다”고 이야기했다. 뮤지컬 ‘캣츠’ 내한공연팀의 배우 에린 코넬(오른쪽 첫번째), 얼 그레고리(두번째)와 협력안무가 에마 델메니코(세번째). 이들은 ‘캐츠’가 배우들의 몸짓과 동작을 통해 관객과 소통하는 매력적인 작품이라고 입을 모았다.고양이들의 외양과 몸짓 하나하나가 관객에게 전달하는 메시지가 되는 ‘캣츠’는 때문에 배우들에게 아주 어려운 주문을 한다. 배우에게 고양이의 몸짓과 행동을 창조적으로 표현해내라고 하는 것. ‘그리자벨라’역의 에린 코넬은 “연습 기간 중 아침마다 리허설을 하러 나가면 가장 먼저 배우들이 기어서 다니는 것과 같은 고양이들이 할 수 있는 몸짓에 대해서 개인적으로 연습하는 시간이 있다”면서 “연출로 고양이의 캐릭터가 정해져 있는 것이 아니라 배우 스스로가 어떤 움직임을 해야 하는지 찾아야 한다”고 설명했다. 이번 공연은 2008년 이후 6년 만의 내한공연. 이번 공연팀은 13일 서울공연 개막에 앞서 지난달 30일과 이달 1일 안산에서 프리뷰 공연을 거치며 관객들의 뜨거운 호응을 받았다. 에린은 “관객들이 록 콘서트에 온 것처럼 열광적이고 뜨거운 반응을 보여주었고, 기립 박수에 정말 감동했다”면서 한국 관객들의 열정에 대해 손을 치켜세웠다. 서울에서의 본공연에 관객들이 어떤 마음가짐으로 왔으면 좋겠느냐고 물었더니 “어떤 것이든 받아들일 수 있는 마음의 준비를 하고 오면 된다”고 말한다.뮤지컬 ‘캣츠’ 내한공연은 6월13일부터 8월24일까지 서울 한남동 블루스퀘어 삼성전자홀에서 공연된다. 5만∼14만원. 1577-3363

‘장고의 과거’와 ‘가야금의 현재’를 결합한 국악 무대가 관객들과 만난다. 가야금 연주자인 박순아(오른쪽)와 타악 연주자인 조종훈이 만나 꾸미는 ‘古今鼓琴(고금고금) 프로젝트’다. 조종훈은 장고의 과거이자 전신인 ‘세요고’라는 악기와 이 악기의 연주법이었던 손으로 치는 타법에 관심을 가져왔다. 이 수타법이 지금까지 전해져왔다는 상상력을 펼쳐내며 공연을 준비했다. 박순아는 시대의 필요에 따라 개량되고 변화를 거듭해 온 25현 가야금을 중심으로 연주를 펼친다. 아직 남아있는 전통적인 가야금에 대한 편견과 고정관념을 떨치고 가장 현대적인 25현 가야금의 면모를 자유롭게 펼쳐내는 곡들을 선보일 계획이다. 장고의 과거와 가야금의 현재를 보여줄 두 연주자는 두 악기가 연주되던 기존의 연주방식을 완전히 새롭게 혹은 조금 더 확장시켜 다음 세대의 국악을 무대 위에 그려낸다. 관객에게 선보일 곡은 모두 두 사람의 창작곡으로 채웠다. 이들이 즉흥연주, 장단에 대한 이해가 매우 능하다는 점에서 폭발적인 연주력을 선보일 것으로 기대된다. 박순아는 한국음악앙상블 ‘바람곶’을 거쳐 현재 음악그룹 ‘비빙’과 한·중·일 3개국 연주단체 ‘KOTOHIME’의 멤버로 활동 중이다. 조종훈은 즉흥적이고 복잡한 장단을 특징으로 하는 동해안별신굿의 이수자다. 대학로예술극장 3관에서 관객과 만난다. 12, 13일 오후 7시30분. 전석 2만5000원. (02)703-6599강구열 기자 river910@segye.com

소리꾼이자 배우이기도 한 이자람의 ‘사천가’를 관람할 때였다. 자막 없이 구수한 전라도 사투리로 이어지는 판소리에 넋이 나간 듯 빠져들어 있는 외국인 관객이 눈에 띄었다. 우리말을 할 줄 아는 것도 아니었다. 물론 원작인 브레히트의 희곡 ‘사천의 선인’을 알고 있기 때문인지도 모르겠지만 재미를 느끼는 이유가 말의 의미 때문은 아닌 것 같았다. 그러고 보면 의사소통을 하는 데 있어 기호로서 말이 차지하는 역할은 생각보다 그리 크지 않은 것 같다. 특히 공연 무대에서는 장르를 불문하고 언어 이외의 다양한 방법으로 공감대를 형성하곤 한다. 필립 드쿠플레의 DCA 무용단은 위트 있는 내용과 다양한 장르가 결합된 복합적인 양식으로 흥미를 유발한다.프랑스의 현대무용 안무가 겸 연출가인 필립 드쿠플레가 이끄는 데세아(DCA) 무용단은 연극, 서커스, 미디어아트 등이 융합된 공연을 선보여 왔다. 이들을 처음 알게 된 것이 1999년 세종문화회관에서였는데 위트 있는 내용과 복합적인 공연 양식에 신선한 충격을 받았었다. 워낙 ‘드쿠플레스러운(Decoufleries)’이라는 신조어를 만들어낼 정도로 독창성을 인정받은 무용단이었으니. 지난주에 내한하여 공연한 ‘파노라마’는 지난 30년간 공연들의 주요 장면들을 발췌하여 재구성한 작품이다. 사실 이 무용단의 공연이 관객들에게 좀 더 친밀하게 와 닿을 수 있는 것은 약간의 해설 덕분이기도 하다. 이들 공연에서는 연극에서처럼 해설자가 등장하여 각 장면의 테마와 연관하여 힌트가 될 만한 멘트를 던지곤 한다. 그러나 해설자가 주제를 알려주려고 들거나 동작을 설명하지는 않다. 흥미로운 것은 해외 공연에서도 자막을 전연 쓰지 않는다는 점이다. 대신 그 나라의 배우가 간단한 동작도 곁들이며 의미를 전달해 준다. 한편, 연극이나 오페라 무대에서 다양한 언어가 혼재되기도 한다. 살아 있는 거장 연출가인 피터 브룩은 다국적 배우들과 함께 실험적인 연극을 만들었다. 그의 공연에서는 종종 서로 다른 국적의 배우들이 자신들의 모국어를 무대 위에서 그대로 사용하며 대화했다. 서로 다른 언어를 쓰는 배우들이 모였을 때 발생하는 문화적인 풍요로움에 주목했기 때문이다. 국내에서도 2012년에 오페라 ‘마술 피리’를 다양한 언어를 쓰는 배우들을 통해 선보였다. 대사는 프랑스어로, 노래는 독일어로 공연했다. 물론 관객의 이해를 돕기 위해 자막을 쓰긴 했다.그런가 하면, 줄리 테이머 연출로 일본의 ‘사이토 키넨 페스티벌’에서 공연된 그리스 비극 ‘오이디푸스’는 라틴어 가사와 일본어 해설로 공연이 되었다. 개인적으로 이 작품을 DVD로 보았는데, 자막이 영어여서 결과적으로 한 공연에서 세 개의 언어를 접했던 기억이 난다. 중요한 것은 대사나 가사보다 음악과 스펙터클로 원작의 비극적 감성을 전했다는 점이다. 연극 인류학자인 유제니오 바르바는 연극의 가장 중요한 요소를 희곡이 아닌 ‘배우’의 에너지에서 찾았다. 공감대를 형성하고 감동을 주는 데 있어서 언어는 일부 역할만을 할 뿐이다. 무대와 관객이 호흡을 하게 만드는 것은 논리적인 언어보다 다양한 방법으로 공연장을 채우는 에너지일 것이다. 말의 감옥에 갇히기보다 마음을 열고 느껴 보면 그 이면의 진정성을 공유할 수 있지 않을까?현수정 공연평론가·중앙대 연극학과 객원교수