캔버스에 그려진 시각적인 표현을 탐구하는 것만으로 회화의 역사를 모두 이해할 수는 없다. 오히려 정치적 상황이나 경제구조의 특성과 같은 사회적 토대를 통해 그 시대의 미술이 갖고 있던 본질적인 내용을 이해하게 되는 경우가 많다. 17세기 네덜란드는 가장 혁신적이고 자유로운 사상에 입각한 경제구조를 가진 나라였다. 급작스러운 변화를 통해 소비 및 투자의 혁명이 일어났고, 유복한 시민계급이 추구하던 미적 가치와 물질주의는 정점에 달했다. 이런 사회에서 미술품은 컬렉터의 문화적 자존감을 나타내는 하나의 재화로서 유통되었다. 네덜란드와 수교 53주년을 맞아 다양한 각도에서 17세기 네덜란드 미술의 황금기를 재조명해 본다.네덜란드 빙속팀이 타의 추종을 불허하며 지난 동계올림픽의 메달을 휩쓰는 장면을 보고 많은 사람들은 그 비결을 궁금해했다. 암스테르담의 대부분의 사람들이 얼어붙은 운하에서 열광적으로 스케이트를 타는 모습을 보긴 했지만, 그 스피드에 대한 열정이 어디에서 오는가에 대한 확실한 근거를 몰랐던 나는 네덜란드 대사관 관계자로부터 좀 더 구체적인 이유를 들을 수 있었다. 첫 번째는 예상했던 대로 체격과 체력의 현저한 우위. 그 다음으로는 자국의 바이킹사가 최초로 뒷굽에서 날이 분리되는 클랩 스케이트를 개발해 기술혁신을 이룩했다는 점, 마지막으로는 그 강렬한 인상의 오렌지색 유니폼에 있었다. 신소재 섬유는 속도를 저하시킬 수 있는 공기의 저항을 최소한으로 막아주었던 것이다. 해수면보다 낮은 평지의 땅에서 사는 네덜란드 사람들이 산의 지형을 이용한 스키와 같은 종목에 큰 관심을 가질 리는 만무하고, 평지의 얼음판에서 특화된 최첨단 기술의 힘을 빌려 스피드를 단축하는 일에 열광하는 것은 어쩌면 당연한지도 모르겠다. 헨드릭 아베르캄프의 ‘스케이트 타는 사람들이 있는 겨울 풍경’(1608년경 패널에 유화, 77×132㎝, 국립 미술관, 암스테르담). 농아였던 헨드릭 아베르캄프는 일생을 통해 얼어붙은 운하나 강 위에서 스케이트 타는 사람들의 정경을 그렸다.일반적으로 미술과는 직접적인 관계가 없을 것 같은 스케이트이지만, 17세기 네덜란드 미술에서는 풍경화가 하나의 독립된 장르로 부각되기 시작한 초기부터 스케이트를 타는 모습이 친숙한 소재로서 많이 그려졌다. 마치 눈에 보이지 않는 첨단 기술들이 빙속 기록에 영향을 미친 것처럼, 마을사람들의 겨울 레저 활동을 담은 화풍이 어떻게 출현하여, 미술시장에서 꾸준하게 인기를 얻을 수 있었는지를 분석하다 보면 어떤 외적인 요소들이 네덜란드 회화의 황금시대를 도래하게 했는가에 대해 이해할 수 있다.대표적으로 헨드릭 아베르캄프(Hendrick Avercamp, 1585∼1634)는 겨울풍경만을 전문적으로 그린 1세대 화가이다. 그는 평생 동안 빙판 위에서 스케이트를 타는 마을사람들을 그려 경제적인 성공을 거두게 되었다. 피터르 브뤼헐이 그린 농촌의 겨울 모습의 일부가 연상될지도 모르나, 아베르캄프의 그림은 움직이고 있는 다양한 계층의 사람들을 등장시켜 마치 우리가 사는 세상의 축소판 같은 느낌을 준다. 찌뿌둥해 보이는 겨울하늘과 얼음으로 뒤덮인 강 위의 빙판이 서로 맞닿아 있다. 경계가 사라진 지점에 청색, 황색, 빨간색의 옷을 입은 사람들의 움직임이 활력을 불어넣고 있다. 캔버스 속의 얼음 위 세상은 그림을 보는 우리로부터 조금은 단절된 느낌을 주기도 하는데, 이는 원근법의 사용에 의해 낮은 지평선으로 갈수록 점점 작아지는 인물들이 우리의 시선을 전혀 의식하지 않은 채 각기 자신의 일에 몰두하고 있기 때문이다. 농아로 알려진 헨드릭 아베르캄프는 어려서부터 전업화가의 길로 들어섰다. 라틴어교사였던 아버지의 영향으로 충분한 교육을 받았던 다른 형제들과 달리 그는 제대로 된 교육을 받지 못했지만 일찍부터 자신의 전문 분야를 하나 개척했던 것이다. 독립된 장르로서의 풍경화, 그중에서도 빙판 위에서 스케이트 타는 사람들을 평생 반복해서 그렸다. 흔히 볼 수 있는 마을의 겨울 풍경이라고 해도 그 안에 등장하는 작은 인물들의 자연스러우면서도 세밀한 모습을 통해 작품의 완성도를 높였다. 일 년의 달력 중에서도 12월이나 1월에만 들어갈 수 있는 그림만을 그린 그의 작품을 보고 있으면, 마치 혹독한 추위에도 아랑곳하지 않고 매일 야외에서 제작을 했을 것 같은 착각마저 든다. 그러나 등장하는 사람들의 생생한 모습들은 끊임없이 연습해온 인물 소묘를 통해 얻어진 결과다. 추운 날의 광경은 화가의 아틀리에 안에서 탄생했다. 특정한 주문 생산의 대작이 아니라, 보통의 사람들도 그림을 살 수 있는 미술 시장에서 거래된 사이즈의 그림이었다. 당시의 일기나 편지에 의하면 시골의 자연을 잠시나마 즐길 수 있는 것은 도시의 일상생활을 벗어난 즐거움으로 기록돼 있다. 아베르캄프의 시골 마을에서 스케이트를 타는 사람들의 모습은 한가로운 여가활동의 생생한 기억들이 그대로 담겨 있는 듯이 느껴졌을 것이다. 얼어붙은 운하 위에서는 배 대신 썰매가 교통 수단이 되었다.스페인으로부터 독립하기 위해 80년간 전쟁을 했던 북부 네덜란드는, 한치 앞의 상황도 예측할 수 없던 12년간의 휴전 후에 얻은 경제적 부흥으로 인해 그 전까지의 회화사에서는 볼 수 없었던 새로운 국면을 맞게 된다. 단순하고 쉬운 제작과정을 통해 싼 가격의 그림을 대량으로 제작하는 작가군이 있는 반면, 인내의 한계를 극복하며 세밀하게 그린 그림으로 경제적 성공을 누린 화가들도 대거 등장해 시장의 양극화 현상을 보였다. 또한 종교, 역사, 신화에 국한되지 않는 다양한 장르의 출현으로 인해, 풍경화나 정물화와 같은 친숙한 소재의 그림들이 상인들의 집에 걸리기 시작한 것도 바로 400년 전의 네덜란드에서 두드러지게 나타난 현상이다. 이런 상황 속에서 성공한 화가로서 입지를 굳히기 위해서는 국한된 영역에서 최고의 기법을 보이는 것이 중요했다. 전략적이고 효율적인 제작 방식을 습득하는 것 역시 필요했다. 예를 들어 특정 소재의 정물화나 풍경화, 혹은 고유의 기법을 이용한 화파의 출현이야말로, 교회나 왕정과 같은 특정 계급의 비호를 받아온 미술이 경제력을 거머쥐게 된 상인들과 새로운 엘리트층으로 그 소비층을 넓혀감에 따라 나타나게 된 현상이라 볼 수 있다. 이러한 변화에 의해 화가들이 좀 더 자유롭게 고유한 분야를 선택하며, 그 속에서 진화된 예술의 가능성을 찾아보는 계기가 주어졌다. 구경꾼에 둘러싸여 긴 나무 막대기로 작은 공을 치려는 사람은 골프의 원형으로 여겨지는 ‘kolf’를 즐기고 있는 모습이다.가장 자신 있는 부분에 도전하는 화가들의 ‘선택’은 미술시장의 새로운 활로를 개척하였고, 특정 분야를 그리는 일에 ‘집중’했기 때문에 최고의 작가들이 등장할 수 있었다. 이런 두 현상의 결합이야말로 회화예술의 다채로운 스펙트럼을 펼칠 수 있는 직접적인 원동력이 되었던 것이다. 마치 선로 전환기의 핸들을 돌려서 이전까지 달려왔던 철도의 선로에서 벗어나 다른 방향을 향하여 질주하듯이, 17세기에 접어들면서 나타나기 시작한 미술시장의 변모는 기존의 미술의 흐름을 바꿔놓는 계기를 마련했다.◆ 양정윤은…?▲교토 대학 대학원 미학미술사학과 졸업▲암스테르담 대학 미술사학과 석사·박사과정 수료 ▲현재 17세기 네덜란드의 문학과 미술을 바탕으로 한 결혼 초대장 도상 변천에 대한 책을 집필 중.

영화는 주연배우들과 감독이 다 만드는 걸까. 나머지 스태프는 이것저것 허드렛일과 드러나지 않는 잡동사니 몇 가지만 적당히 챙기면 되는 걸까. 배우들은 왜 시상식 때마다 수상소감을 통해 스태프에게 고마움을 전하는 걸까. 상반기 화제작 ‘역린’ ‘인간중독’ ‘끝까지 간다’를 통해 촬영, 조명, 무술, 분장, 음악 등 스태프의 노력과 시도, 그들의 고충과 노고를 들여다봤다.‘역린’은 정조 1년, 왕의 암살을 둘러싸고 벌어지는 인물들의 엇갈린 운명을 24시간으로 그렸다. 1777년 7월 28일에 벌어진 ‘정유역변’이 모티브다. ‘인간중독’은 불륜을 뛰어넘는 ‘사랑’을 그린다. 베트남전 영웅에 든든한 배경까지 가진 대령 진평(송승헌)은 부하의 아내 가흔(임지연)에게 걷잡을 수 없이 빠져든다. 엄격한 군 관사 안에서 비밀스럽게 만남을 이어가는 두 사람의 사랑이 위태롭게 펼쳐진다. ‘끝까지 간다’는 한순간의 실수로 시작된 사건이 걷잡을 수 없이 커져가며 절체절명의 위기를 맞게 되는 형사 고건수(이선균)의 이야기다. 정체불명 목격자(조진웅)의 등장과 수위를 높여가는 그의 협박이 보는 이의 심장을 조여온다.(왼쪽부터) ① ‘역린’의 고락선 촬영감독은 명암이 강한 조명들을 사용해 사극이 지닌 아름다움을 한층 더 끌어올렸다. ② ‘끝까지 간다’는 관객들이 마치 영화 속 사건현장에 함께 있는 것 같은 느낌을 주기 위해 로케이션 상황 조건에 맞는 실시간대 촬영으로 실감 나는 영상을 잡아냈다.촬영영화 ‘범죄와의 전쟁: 나쁜 놈들 전성시대’, ‘관상’ 등으로 유명한 고락선 촬영감독은 ‘역린’에서 자신을 암살하기 위해 궁 깊숙이 들어온 자객들을 맞는 정조의 긴장감과 심리적 압박을 표현하는 데 공들였다. 지붕을 타고 오르는 자객들의 모습과 궁 전체를 훑어보여주기 위해 헬리캠을 띄웠고, 정조와 살수가 서로에게 칼을 겨누는 장면은 초고속 카메라를 특수효과 레일에 연결해 마치 피스톤처럼 카메라를 발사하는 기법으로 촬영했다. 칼을 겨누는 시간이 1초도 채 되지 않지만 1분 정도로 과장해 보여주면서 인물들의 갈등과 감정, 역동적인 액션을 한 프레임에 모두 담아냈다. 빛의 명암을 이용한 스타일리시한 연출과 다양한 장비의 효과적인 활용으로, 감각적인 영상을 스크린에 구현해내는 데 성공했다.형사 액션물 ‘끝까지 간다’는 한순간도 예측할 수 없는 전개 속에 리얼한 영상으로 강렬한 긴장감을 불어넣으며 몰입을 돕는다. 현란한 카메라 워크와 박진감 넘치는 촬영으로 호평 받았던 ‘최종병기 활’의 김태성 촬영감독은 이선균, 조진웅 두 배우의 팽팽한 호흡을 고스란히 담아내는 데 주력하면서도, 관객들이 마치 현장에 함께 있는 것 같은 느낌을 주기 위해 로케이션 촬영의 실제 상황 조건에 맞는 실시간대 촬영으로 실감 나는 영상을 잡아냈다. 사전에 카메라의 움직임을 제한하거나 미리 정해진 틀 내에서 촬영하는 방식이 아닌, 상황에 따라 촬영 스타일을 바꾸어가며 배우의 역동성을 최대치로 끌어냈다. 조명차상균 조명 감독은 사건을 24시간 안에 담아낸 ‘역린’의 시간대별 느낌을 다르게 표현하기 위해 빛과 색감 그리고 그림자를 이용했다. 조명의 전체적인 콘셉트를 클래식으로 잡고, 왕의 의복을 손질하는 세답방에는 실제 촛불을 켜 부드럽고 풍성한 색감이 느껴지도록 했다. 무엇보다 영화의 하이라이트인 존현각의 결투 신은 라이트 크레인에 탑 라이트를 설치해 기존의 밤과는 분위기가 다른 더욱 짙고 깊은 느낌을 표현했다. ‘더 테러 라이브’ ‘파수꾼’ 등으로 실력을 입증한 송현석 감독은 ‘인간중독’만의 농밀한 화면을 만들기 위해 콘트라스트의 대비나 색감에 신경을 썼다. 특히 지금은 사용하지 않는, 1960년대에 주로 쓰이던 색감을 가져오려고 노력했다. 비좁은 군용 지프 안에서 벌어지는 강렬한 정사신 장면을 위해 차량 내부 세트를 따로 제작하고, 소나기가 내리는 여름의 끈적한 공기 속 두 남녀의 첫 사랑과 같은 감정을 고스란히 담아냈다.무술액션드라마 ‘다모’에서 ‘더킹 투하츠’까지, 그리고 영화‘역린’에서도 이재규 감독과 함께한 양길영 무술감독은 무협영화 같은 액션보다는 실질적인 액션을 표현하기 위해 힘썼다. 살아야 하는 정조, 죽여야 하는 살수, 살려야 하는 상책의 감정을 각 시퀀스에 담아내며 등장 캐릭터들의 감정을 드러냈다. 왕으로서 제대로 된 무술 교육을 받았을 정조는 정석대로 검을 다루지만 어릴 때부터 킬러로 길러져 산전수전을 겪은 살수는 몸이 먼저 반응하는 본능적인 액션을 구사한다. ‘끝까지 간다’의 최동헌 감독은 기존의 합이 잘 짜인 액션이 아닌 즉흥적인 동시액션을 택했다. 실제 맞고 깨지고 부딪치는 액션을 통해 관객들의 감정 이입을 높이는 데 중점을 두었다. 화장실, 아파트 실내 등 일상적 공간의 특성을 십분 활용한 ‘생활형 액션’은 절체절명의 상황에 처한 인물들이 치고받는 격렬한 몸싸움에다, 대역을 마다한 배우들의 열연이 더해져 색다른 쾌감과 재미를 전한다. 실제 아파트 19층에서 와이어 하나에 의지한 채 촬영에 나서고, 변기 물 속에 얼굴을 박는가 하면 맞고 뒹구는 거친 액션을 이선균에게 직접 소화케 해 리얼함을 배가시킨다.의상‘역린’에서 가장 먼저 눈에 띄는 것은 의상이다. ‘혈의 누’, ‘음란서생’, ‘방자전’으로 대종상을 세 번이나 수상한 베테랑 정경희 디자이너가 맡았다. 그는 세계 각국의 복식사를 살펴보던 중 ‘역린’의 정조 또한 가족사에 얽힌 이야기라는 점을 감안해 영국 엘레자베스 시대의 셰익스피어 ‘리어왕’에서 영감을 얻었다. ‘역린’의 의상 전체를 아우르는 콘셉트는 흑과 백이다. 영화 속 배경은 정조 즉위 1년으로 할아버지 영조의 상중이다. 때문에 붉은 곤룡포가 아닌 백룡포를 입혔다. 백룡포 흉배에는 ‘용의 목에 거꾸로난 비늘’이란 ‘역린’ 제목의 뜻을 살려 민화 속 화난 용의 모습을 수 놓았다. 상책의 복장도 기존의 내관 복장과 다르다. 초록색을 사용하지 않고 흑백 톤 안에서 수박색과 회색, 검정 계열을 사용했다. 살수는 그 특색이 느껴지도록 손으로 꿰맨 듯 닳은 옷감에 청색과 검정, 그리고 회색을 혼합해 디자인했다. 광백은 아이들을 잡아다 살수로 키우는 모습을 이미지화해 동물의 가죽과 삼베를 주로 썼다. 흑과 백에서 자유로운 사람이 있다면 정순왕후다. 정순왕후는 붉은색을 사용해 궁의 최고 야심가이자 노론의 수장으로 화려한 성격을 대변케 했다. 음악‘인간중독’의 이재진 음악감독은 “자신이 가지고 있는 배경, 지식, 계급, 위치를 다 버릴 수 있는 본질적인 사랑 이야기를 다루고 있다. 이를 그대로 전하기 위해 전자악기가 아닌 어쿠스틱 악기만을 사용했다”며 두 사람의 사랑, 그 본질에 집중하기 위해 가장 기초적인 악기 선택부터 쉽지 않았음을 털어놓는다. 어쿠스틱 악기로 연주되는 클래식 음악은 ‘인간중독’ 곳곳에서 효과적으로 사용된다. 영화 속에 삽입된 바흐의 곡은 마르첼로의 곡을 편곡한 ‘오보에를 위한 현 콘체르토(Concerto in D minor BWV 974)’를 기존의 피아노 솔로뿐만 아니라, 클래식 기타 버전으로도 새롭게 만나볼 수 있다. 이는 김대우 감독이 제안한 것으로, 김 감독은 “바흐의 음악을 들으면 슬픔, 아름다움, 처량함, 우울, 기쁨, 설렘, 낙담 등 여러 감정이 느껴지는데, ‘사랑’이란 단어 안에도 이 모든 감정이 포함되어 있다”고 말했다.송현석 조명감독은 비좁은 군용 지프 안에서 벌어지는 강렬한 정사 장면을 위해 1960년대에 주로 쓰이던 색감을 가져와 ‘인간중독’만의 농밀한 화면을 연출해냈다.분장‘역린’의 분장은 ‘광해, 왕이 된 남자’ 등 사극의 분장을 도맡아온 조태희 실장이 맡아 오랜 노하우와 꼼꼼한 손길로 캐릭터의 입체감을 살렸다. 현빈의 첫 사극 분장에서 오는 생경함을 없애기 위해 정조 캐릭터는 수염에 차별성을 두었다. 지금까지 사극에서 왕의 수염은 볼까지 이어지지 않았지만 ‘역린’의 정조는 좀 더 거칠고 역동적인 느낌을 주기 위해 귀밑에서 턱까지 수염을 붙였다. 광백은 평균 3시간 이상 소요되는 분장으로 가장 손이 많이 갔다. 세월의 무게가 느껴지는 노인의 모습을 그려야 했기에 머리카락에서 주름과 상처까지 세세한 사항들을 모두 고려하여 만들었다.김신성 기자 sskim65@segye.com

“시저를 죽일 수밖에 없어. 개인적인 원한은 없어도, 다만 로마의 공익을 위해서지. 시저는 황제가 되고 싶어 해. 황제가 되면 천성이 어떻게 바뀔지 그게 문제야. 유난히 화창한 날 독사가 기어 나오는 법이니까. 시저에게 왕관을? 그건 독 바른 이빨을 주는 셈이지.”셰익스피어 최고의 정치심리극 ‘줄리어스 시저’(김광보 연출)가 21일부터 6월15일까지 명동예술극장 무대에 오른다. 국내 공연이 많지 않은 데다 셰익스피어의 다른 작품에 비해 연구도 미미한 편인 ‘줄리어스 시저’를 만날 수 있는 흔치 않은 기회다. 1598∼1601년 사이에 출판된 동명의 희곡이 원작이다. ‘줄리어스 시저’는 “혁명 공모자들 또한 그들이 죽인 시저와 같은 모습이며, 전쟁의 끝에는 승패가 아닌 스스로 파멸하는 한심함이 남을 뿐”이라고 주장한다.“브루투스 너마저…”라는 유명한 대사로 잘 알려진 이 작품은 신으로 추앙받던 시저를 살해했지만 결국 실패한 혁명이 되고 마는 로마사 대사건을 배경으로 삼고 있다.브루투스는 공화정을 신앙과 같이 지지하는 정치가다. 고결한 성품으로 로마인들의 존경을 받지만 정치적 기교는 없는 인물이다. 그는 시저를 사랑했고 그의 총애를 받지만, 시저의 독재를 우려해 암살에 가담한다. 시저에 대한 원한이나 열등감을 가진 다른 암살 공모자들과 달리 브루투스는 유일하게 ‘공화정’이라는 대의명분 아래 로마의 자유를 위해 행동한다. 시저가 두려움과 자신감의 양면을 겉으로 드러내는 인물이라면, 브루투스는 무수히 많은 갈등을 감추려 노력하면서 거사의 정당성과 시저 암살이 대외적으로 어떻게 보여질지에 신경을 쓰는 인물이다. 끊임없이 내적 갈등을 겪다가, 결국 그로 인해 실패한다. 안토니우스는 대중의 심리를 꿰뚫어보는 영리한 웅변가다. 시저가 죽은 후 암살파를 진압하고 권력을 장악하는 그는 기회주의자이자 선동가이다. 브루투스와 달리 뛰어난 정치적 수완으로 대중들의 마음을 사로잡는다. 여자를 좋아했던 그는 클레오파트라와 깊은 사랑에 빠져 후에 ‘안토니와 클레오파트라’의 주인공으로 등장하기도 한다.암살 공모자들은 시저를 살해하기 전까지 철저하게 음모를 감추고 그에게 머리를 조아리며, 거사 당일에도 원로회 현안에 대해 논의하는 것처럼 꾸민다. 암살의 주동자 카시어스는 이상주의자인 브루투스와 달리 매우 현실적인 인물로, 정치적 역량과 추진력을 갖추고 있지만 지도자로서의 카리스마는 부족하다. 그는 높은 덕망으로 민중들의 지지를 받는 브루투스를 혁명의 선두에 세우기 위해 그의 마음을 움직이며, 시저 살해의 명분을 만들어준다.로마인들 앞에 선 브루투스와 안토니우스의 연설은 고금의 명문장으로 남는다. 브루투스는 이성적인 어조로 자신의 대의명분을 밝히며 군중의 이성에 호소하는 지적인 연설을 하는 반면, 안토니우스는 격정적으로 시저의 죽음을 애도하며 사람들의 마음에 불을 지피는 역동적인 연설을 한다. 이때 주목할 것은 권력과 군중의 관계다. 시민들은 연설에 따라 일관성 없이 이 사람 저 사람을 지지하고 부화뇌동하는 비이성적인 존재로 그려지는데, 그럼에도 불구하고 권력의 향배는 이들의 손에 달려 있다. 로마 시민들은 시저 살해 직후 마치 신을 잃은 것과 같은 공허함과 두려움에 휩싸인다. 그들은 브루투스의 연설을 듣고는 브루투스 만세를 외치며 시저가 잘 죽었다고 떠들어대지만, 곧바로 이어지는 안토니우스의 연설을 들은 뒤 브루투스의 집을 불사르자며 갑자기 적의를 표출한다. 이 사람 저 사람에게 동조하며 현혹되는 로마 시민들은 민중을 위해 거사를 모의한 ‘대의’의 허점을 보여준다.극은 한 이상주의자가 추구하던 이념을 위해 기존 질서를 파괴했을 경우, 결국 혼란을 자초하고, 그 자신마저 파멸해가는 과정을 따라간다.“이번 연극의 전제는 실패한 혁명”이라고 말하는 연출가 김광보는 ‘혁명을 일으킨 이들이 과연 영웅적 인물일까’라는 질문을 던진다. 그는 “혁명 공모자들 또한 그들이 죽인 시저와 같은 모습이고, 전쟁의 끝에는 승패가 아닌 스스로 파멸하는 한심함이 있을 뿐”이라면서 또다시 반복될 ‘역사’의 순환구조를 이야기한다. 따라서 음모를 둘러싼 인물 내면을 얼마나 잘 전달하는지가 이번 공연의 관건이다. 연출은 거세게 몰아치다가도 숨죽이는 극의 흐름에서, 정치 뒤에 숨어 있는 치졸함, 명예에 대한 욕망, 그리고 죽음에 대한 공포로 광기에 휩싸인 인간 본연의 모습을 섬세하게 묘사한다. 특히 원작에 있던 두 명의 여자 배역을 과감히 없애고 16명의 남자배우들만 무대에 세운다. 에너지 넘치는 무대 위에 첨예하게 대립하는 인물 심리와 갈등을 풀어놓는다. ‘줄리어스 시저’는 ‘타이터스 앤드로니커스’(1594), ‘안토니와 클레오파트라’(1607), ‘코리올레이너스’(1607∼1609)와 함께 셰익스피어가 로마를 배경으로 쓴 4대 정치극에 속한다. 셰익스피어의 작품세계가 희극에서 비극으로 옮겨가는 과도기 작품으로, 시저의 영웅적 면모보다는 인간적인 약점을 강조했다. 극은 ‘플루타크 영웅전’에 담겨 있는 시저, 브루투스, 안토니우스의 전기들에서 사건을 뽑아내 하나의 작품으로 압축한 것이다. 시저 살해를 중심으로 암살자들이 은밀하게 계획을 모의하는 과정이 전반부, 살해 이후 정치 소용돌이 속의 전투와 음모자들의 처절한 최후가 후반부다. 탁월한 짜임새에, 브루투스와 같이 걸출한 인물들을 생생하게 그려냈다는 평을 받고 있다.평일 오후 7시30분, 주말·공휴일 오후 3시. 화요일에 쉰다. 1644-2003.김신성 기자 sskim65@segye.com

할미꽃 마나님 고개 숙이고 오늘도 무얼 그리 생각하세요고개 넘어 시집보낸 막내딸아기잘 있는지 소식 몰라 궁금하대요봄이 오면 무덤가에 할미꽃 핀다할미꽃 피면 그립다, 할머니 생각오늘도 오빠와 무덤가에 앉아서할미꽃 쓰다듬으며 옛날얘기 생각한다할머니가 들려주시던, 할미꽃 얘기뒷동산의 할미꽃, 꼬부라진 할미꽃젊어서도 할미꽃 늙어서도 할미꽃하 하 하 하, 우습다. 꼬부라진 할미꽃꽃 필 때에 늙었나 호호백발 할미꽃천만가지 꽃 중에 무슨 꽃이 못되어허리 굽고 등 굽은 할미꽃이 되었나‘할미꽃 이야기’를 가만히 입 속으로 읊어보면, 어릴 적 초등학교(아마 3∼4학년쯤이지 싶다) 교과서에 이 시와 함께 실렸던 이야기가 생각난다. 세 딸을 애지중지 키워서 시집보낸 어머니가 혼자 늙어서 의지할 데가 없어 딸네 집을 찾아갔다가, 첫딸 집에서도 둘째딸 집에서도 쫓겨난다. 꼬부랑 할머니는 마지막으로, 세 딸 중에서 가장 효심 깊은 막내딸을 찾아서 고개를 넘어가다 힘에 부쳐 쓰러져 죽고 그 위에 눈이 덮여 한겨울이 지나간다. 봄이 되어 눈이 녹자 산 너머 사는 막내딸이 비로소 그 사실을 알고 울면서 달려오는 그림이 선명하게 떠오른다. 그 뒤에 이어서 할머니를 그리워하는 오누이가 할미꽃이 피어 있는 산기슭 무덤가에 앉아있는 그림이 있었다. 우리 집은 경남 함안의 아주 외진 산속 마을에 있었는데, 초등학교 중학교를 고개를 넘어서 타박타박 걸어다니면서 마치 내가 고개 넘어 시집간 막내딸이 된 기분이어서 이 시를 읊으며 까닭 없이 슬퍼지곤 했다. 내가 넘어다니는 고개는 공동묘지로, 수많은 무덤이 있었는데 봄이 되어 그 무덤가에 할미꽃이 피면 그 꽃을 부여잡고 울고 싶었다(나도 셋째 딸이었는데, 이다음에 커서 나는 부모님께 잘하리라 다짐하곤 했다) 그림=화가 박종성세 번째 시는 앞의 동시와는 분위기가 다르지만, 음악시간에 배워서 아이들과 놀이할 때 수시로 부르던 노래다.어린이날과 어버이날을 보내면서 1950년대, 전쟁 끝나고 얼마 안 되었던 무지하게 가난했던 시기의, 할미꽃을 소재로 한 몇 가지 동시가 생각나서 적어보았다. 어린 시절에 접했던 시는 우리의 가치관 형성에 지대한 영향을 미치고, 감수성을 길러주고 사물의 이면까지 깊이 있게 이해하게 해준다. 성인이 되어서도 자기 속에 함께 살고 있는 유년의 나, 청년의 나, 장년의 나와 수시로 만나 대화를 나누며 위안받고 영혼을 고양하며 남루한 현실을 극복해나가는 힘을 얻어 오늘을 꿋꿋하게 헤쳐나가게 해준다.이혜선 시인·문학평론가

몇 년 전, 한 대학의 뮤지컬 학과에서 서양의 전래동화를 패러디한 뮤지컬인 ‘숲속으로’를 연습할 때였다. 극에 대해 조언하는 역할인 ‘드라마투르그’로서 스터디를 진행하던 중이었는데, 연출 지도를 맡은 교수님이 학생들을 향해 던졌던 질문이 기억난다. 복수하기 위해 내려온 거인이 ‘잭과 콩나무’의 잭을 내놓으라고 윽박지르는 장면에서 본인들이라면 어떤 선택을 하겠냐는 것이었다.극중 등장인물들도 같은 주제로 논쟁을 벌인다. 잭만 넘겨주면 모두 살 수 있다는 인물도 있지만 대부분은 희생을 치를지언정 잭을 지켜야 한다고 생각한다. 바로 이 지점에서 두 번째 질문을 던져볼 수 있다. 수적으로만 보면 잭 한 명만 죽는 것이 손실이 덜한데, 그럼에도 인물들이 잭을 보호하며 희생되는 것이 옳은가? 이는 “사람이 수적인 교환가치로 평가될 수 있는 존재일까”에 대한 질문이기도 하다. 뮤지컬 ‘숲속으로’는 서양 전래동화의 패러디를 통해 현대사회의 폐해를 드러내고 해결책을 찾고자 노력하는 작품이다.아도르노를 비롯한 철학자들이 이야기했듯 근대의 문화는 ‘계몽’을 통해 오히려 ‘새로운 야만’의 상태를 보인다. 이성과 계산적인 경제원칙의 지배를 받다 못해 영혼도 심장도 상실한 디스토피아의 세계가 펼쳐지게 된 것이다. 예전에 어떤 학생이 안타까운 사정 때문에 대학원 등록을 뒤늦게 취소하자 행정실의 직원으로부터 “학생 때문에 몇 백만원이 날아갔다”는 말을 들었다고 한다. 인지상정대로라면 그 학생의 사정에 공감해주고 위로해주는 것이 맞는 일 아닌가. 그 외에도 인간의 존재 가치를 숫자로 환산해버린 예는 수없이 많다.무대는 이미 19세기 말부터 이러한 현대사회의 폐해를 드러내고 해결책을 찾고자 노력해 왔다. 특히 1, 2차 세계대전 전후로 일어났던 반사실주의 연극운동에서는 인간성을 상실하게 만든 산업사회에 대해 회의감을 표현했다. 예를 들어 표현주의 연극 무대에서 위협적인 형태로 묘사된 철골, 콘크리트, 톱니바퀴 등은 인간이 기계 부속품 취급을 받는 세상의 모습을 강조한 것이다.나아가 ‘베르톨트 브레히트’와 ‘앙토냉 아르토’ 등의 20세기 거장 연출가들은 공연을 통해 사회를 개혁하거나 치유하고자 했다. 브레히트는 다큐멘터리적인 ‘서사극’을 통해 관객이 사회의 문제점들을 함께 생각하도록 했다. 그리고 아르토의 ‘잔혹극’은 소리, 빛, 움직임 등을 강렬하게 활용하여 메말라버린 감각과 생명력을 회복시키는 데 도움을 주었다. 지금도 무대는 이러한 양식들을 이어받은 공연들이 끊임없이 현대사회의 문제의식을 공유하고 해결책을 모색하고자 노력 중이다.다시 ‘숲속으로’의 내용으로 되돌아가 보면, 거인은 전쟁과 같은 거대한 ‘인재’를 상징한다. 이는 잭뿐 아니라 모두가 함께 만들어낸 결과이다. 인물들은 이를 인정하고, 사랑하는 사람들을 잃어버린 상황이지만 절망을 딛고 일어나 미래를 바라본다. 극을 이끌어가는 사회자까지도 희생된 상황이라, 의사결정에 익숙지 않은 소시민들이 힘을 합쳐서 새로운 공동체를 만들어나간다. 이때 마음과 마음을 맞댄 유대관계로 서로를 배려하는 모습은 ‘억압 없는 유토피아’인 이상적인 공동체의 모습을 떠올리게 한다.‘숲속으로’뿐 아니라 수많은 공연들이 다양한 양식을 통해 동시대 사회의 문제의식을 드러내는 동시에 이상적인 공동체에 대한 꿈과 희망을 보여준다. 특히나 종합예술이며 협동작품인 공연은 유대관계와 공동체에 대한 이야기를 주된 테마로 담기 때문이다.현수정 공연평론가·중앙대 연극학과 객원교수

오랫동안 사랑받는다는 것. 이는 한꺼번에 큰 사랑을 받는 것보다 훨씬 어려운 일인지 모른다. 시간과 세대를 초월해 사랑받을 수 있는 가치를 지니고 있어야 하기 때문. 이는 뮤지컬이라는 문화상품에서도 마찬가지다. 특히 매년 크고 작은 작품들이 수없이 무대에 올랐다 사라지는 치열한 국내 뮤지컬시장에서 창작뮤지컬이 살아남는다는 것은 대단한 일이다. 이 장한 일을 해내고 있는 두 개의 작품이 있다. 현재도 대학로에서 ‘웰메이드 뮤지컬’로 손꼽히는 ‘빨래’와 ‘김종욱 찾기’가 그것. 각각 2005년과 2006년 초연돼 10여년 가까운 세월을 꾸준히 살아남아온 두 개의 스테디셀러 뮤지컬을 만나본다. ‘김종욱 찾기’(왼쪽)와 ‘빨래’는 창작뮤지컬계의 대표적 스테디셀러다. 탄탄한 스토리와 개성 넘치는 인물 등을 통해 10여년 가까운 세월 동안 끊임없이 사랑받을 수 있었다.◆서민들의 애환 담은 뮤지컬, ‘빨래’“슬플 땐 빨래를 해. 빨래가 바람에 제 몸을 맡기는 것처럼 인생도 바람에 맡기는 거야. 시간이 흘러흘러 빨래가 마르는 것처럼 슬픈 니 눈물도 마를 거다.” 각박한 세상 속에서 하루하루 살아가기도 빠듯한 사람들. 이들에겐 스트레스를 풀 만한 음주가무도, 취미생활도 사치다. 그래서 그들은 슬플 때 빨래를 한다. 삶에 찌든 때에 세제를 풀어 넣고 팡팡 두드린다. 그렇게 함께 빨래를 하고, 빨래를 널며 서로를 위로하며 살아가는 이웃들. 그 속에서 사랑과 정도 피어난다.‘빨래’는 서울의 달동네를 배경으로 한 뮤지컬. 그야말로 서민들의 이야기다. ‘빨래’가 가지고 있는 가장 큰 힘은 캐릭터의 생생함이다. 작가의 꿈을 안고 서울에 올라왔으나 삶이 꼬이기만 하는 강릉처녀 나영, 가족을 위해 한국에 일하러 온 순수한 몽골 청년 솔롱고, 애인과 밤낮으로 티격태격 싸우며 사랑을 키워가는 희정엄마, 나영과 희정엄마가 세들어 사는 반지하방 주인할머니까지 작품 속 인물들은 지금도 어디에선가 함께 삶을 살아갈 것 같은 진짜 우리 이웃의 모습이다. 이야기 역시 우리 삶의 속살을 그대로 담아낸다. 돈에만 눈이 먼 고용주, 체불된 임금을 결국 떼먹히고 마는 불법체류자, 세상의 따가운 눈총을 피해 숨어 살아야만 하는 장애인 등 작품 속에는 차마 인정하기 싫은 우리네 사는 이야기가 담겨 있다. 그 각박한 이야기를 ‘빨래’는 꿈과 희망이라는 동화 같은 주제를 통해 풀어낸다. 소박한 성공을 바라며 서울로 온 나영과 솔롱고는 함께 꿈을 이야기하며 수줍은 사랑을 키워간다. 아옹다옹하던 희정 엄마와 주인 할머니도 희망을 공유하며 서로를 위로한다. 그렇게 이웃들이 ‘외로워도 슬퍼도’ 꿈과 희망을 잃지 않고 살아가는 모습들은 관객에게 큰 위안이 된다. 오랜 전통만큼 탄탄한 연기력을 갖춘 대학로 대표배우들이 ‘빨래’를 거쳐갔다. 홍광호, 정문성, 김재범, 성두섭뿐 아니라 가수 겸 영화배우 임창정까지 ‘빨래’ 무대를 통해 관객과 호흡했다. 2014년 진행되고 있는 공연에는 최근 끝난 뮤지컬 ‘공동경비구역 JSA’에서 호연을 펼친 강정우, ‘여신님이 보고 계셔’의 히로인 이지숙 등 뮤지컬계 유망주 배우들이 다수 출연한다. 9월28일까지 서울 대학로 아트센터K 네모극장에서 공연한다. 5만원. (02) 928-3362◆귀여운 로맨틱코미디, ‘김종욱 찾기’누구에게나 첫사랑은 있다. 하지만 첫사랑을 기억하는 방식은 사람마다 제각각 다르다. 어떤 이는 첫사랑을 아름다운 추억으로 남기고, 또 어떤 이는 가슴 아픈 상처로 남긴다. 또 어떤 이는 끝내 고백하지 못한 어린 시절의 용기없던 자신에 대한 자책으로 첫사랑의 기억을 새겨둔다. 뮤지컬 ‘김종욱 찾기’는 이런 첫사랑의 본질에 대한 질문을 던지는 작품이다. 하지만 결코 어렵거나 복잡한 작품이 아니다. ‘로맨틱코미디 뮤지컬의 본좌’. ‘김종욱 찾기’에는 이런 칭호가 아깝지 않다. 처음 무대에 오른 지 9년이나 지난 지금까지도 그렇다. 그만큼 시간이 흘러도 사라지지 않는 재미를 담고 있다. 서로 다른 방식으로 첫사랑을 가슴에 남긴 두 남녀가 여자의 첫사랑 ‘김종욱’을 함께 찾으면서 벌어지는 이야기. 남녀의 티격태격 사랑싸움, 맛깔나는 대사, 왁자지껄한 조연의 웃음까지 로맨틱코미디에서 기대할 수 있는 모든 요소가 다 담겨 있다. 첫사랑의 본질을 탐구하는 극 자체를 의미를 즐기는 사람도, 데이트용으로 가벼운 웃음을 기대하는 관객도 모두 만족시킬 수 있는 작품이기에 긴 세월 동안 흥행할 수 있었던 것.국내 소극장 창작뮤지컬의 필수요소라 할 수 있는 ‘멀티맨’을 유행시킨 작품이기도 하다. 멀티맨이란 한 작품 안에서 다양한 역할을 소화하며 극의 재미를 더하는 사람으로 말 그대로 일인다역을 소화하는 배우다. ‘김종욱 찾기’에서는 멀티맨 한 사람이 21개의 역할을 소화하며 관객의 흥을 돋운다. 매번 다르게 변신하며 종횡무진하는 멀티맨의 활약을 보는 것도 극을 보는 재미다.‘빨래’처럼 ‘김종욱 찾기’도 오랜 세월 이어지며 스타배우의 산실이 됐다. 초연배우였던 엄기준, 오만석을 비롯해 원기준, 김무열, 신성록 등 무대와 TV화면에서 대활약하고 있는 배우들이 작품을 거쳐갔다. 서울 대학로 쁘띠첼씨어터에서 오픈런으로 공연한다. 3만∼4만원. (02)744-4033서필웅 기자 seoseo@segye.com

학생들이 질문을 해왔다. “나라 전체가 슬픔에 빠져 있는 시국에 어떤 연극과 뮤지컬을 만들어야 할지 모르겠어요”라고. 하지만, 시대의 아픔이 깊을수록 공연예술인의 사명은 더욱 명확해진다. 공연은 배우와 관객의 직접적인 ‘만남’이며, 그런 만큼 교감과 공감을 통해 개인과 공동체를 치유할 수 있는 장르이기 때문이다.오태석의 6·25전쟁 소재 연극 ‘자전거’는 해원과 치유의 서사를 담고 있다.영문학자이며 비교문학자인 임철규는 저서 ‘그리스 비극’에서 “나는 문학, 그것도 위대한 문학은 ‘애도’의 표현이라고 생각한다”고 이야기했다. 공연 또한 그러하다. 희극이건 비극이건 좋은 공연들은 역사의 상처를 기억하고 치유하는 무대를 보여준다. 그리고 치유의 서사를 담은 작품들은 현대사회의 지병이라고도 할 수 있는 집단적인 트라우마를 주요 소재로 다룬다.집단적인 트라우마의 가장 대표적인 소재는 전쟁이다. ‘그리스 비극’을 비롯한 수많은 극예술들이 잔혹한 전쟁의 역사를 다뤄 왔다. 우리나라의 경우에는 아직 해결되지 않은 과제를 안고 있는 분단국가인 만큼 6·25전쟁 소재 공연을 자주 볼 수 있다. 그중에서도 오태석을 비롯한 원로 작가들의 연극들을 보면 제의적인 형식을 취한다. 이때 제의는 살아남은 자들을 위한 것이기도 하다. 제의의 과정인 ‘기억’과 ‘애도’는 트라우마의 치유를 위해 꼭 거쳐야 하기 때문이다. 인간은 스토리텔링으로 의사소통을 하고 경험을 저장하는 존재다. 그러나 지나치게 커다란 충격은 받아들이지 못하며, ‘무슨 일이 있어났었는지’ 설명할 수 없는 상태가 된다. 이를 스스로 납득할 만한 이야기로 재구성하여 말할 수 있을 때 비로소 치유된다. ‘자전거’에서는 6·25의 트라우마로 인해 기억상실 증상을 보이던 인물이 일련의 제의적인 과정을 통해 회복된다. 그리고 극의 말미에 한국전쟁 당시 사망했던 마을 사람들의 이름이 하나하나 호명된다. 이는 상처의 역사를 매장하는 동시에 기억하려는 의미이다. 사회에서 벌어지는 커다란 사건들은 갈등과 해결이 흡사 연극과 같은 형태로 진행된다. 때문에 연극인류학자 빅터 터너는 이러한 과정을 ‘사회극’이라고 일컬었다. 인재와 자연재해가 모두 여기에 속한다. 그리고 이러한 사회극들은 종종 무대극의 중요한 소재가 된다. 이때 주로 기억과 애도의 과정을 거쳐서 치유에 이르는 서사를 보여주곤 한다.예를 들어 미국에서 9·11사태는 수많은 공연예술에 반영되었는데, 국내에서도 공연했던 뮤지컬 ‘씨 왓 아이 워너 씨’도 그러한 경우다. 하나의 사건이 보는 사람의 입장에 따라 달리 설명되는 상황을 통해 믿음의 붕괴와 혼란을 보여주었다. 이처럼 파편화되고 혼란스러운 상태를 정리하지 않고 그대로 무대 위에 올려놓는 것도 상처와 슬픔을 이야기하는 중요한 방법이다. 양차대전 이후 실존주의 철학의 영향을 받은 부조리극은 부조리한 세상의 모습을 부조리한 언어로 묘사했다. 희극이든 비극이든 공연예술은 개인과 공동체의 희로애락을 공유하는 방법이다. 그리고 역사의 상처를 나누고 미래에 대해 함께 고민하는 자리이다. 그것이 공연예술인들이 힘든 상황 속에서도 최선을 다해 무대를 지키며 시대를 증거하는 이유다. 공연예술의 무대가 이번 세월호 희생자들을 애도하며 조금이나마 슬픔에 빠진 사람들의 마음을 어루만질 수 있으면 좋겠다.현수정 공연평론가·중앙대 연극학과 객원교수

‘사랑은 비를 타고-Between Raindrops’(사진)는 세 남녀의 죽음을 초월한 사랑 이야기를 산뜻한 노래에 담아낸 뮤지컬. 국내 순수 창작 뮤지컬로는 처음으로 1000회 공연 기록을 세운 ‘사랑은 비를 타고‘의 후속작 개념으로 출발한 작품이다. 전작이 형제애 중심의 스토리라인을 가졌던 반면 이번 작품은 세 남녀의 사랑이야기를 중심으로 만들어진 전혀 별개의 극이다. 하지만, 사랑과 관계에 대한 이야기를 비라는 소재를 통해 풀어나간다는 뼈대를 공유하며 전작과의 관계를 이어간다.천재 작곡가 박하를 사랑하는 주인공 지후가 사고로 목숨을 잃은 후에도 그녀의 곁을 떠돌며 새로운 사랑을 찾아주는 이야기다. 여기에 귀신을 볼 수 있는 떠돌이 가수 요한과 요절한 여고생 귀신, 떠돌이 개 등이 어우러진 소동이 펼쳐진다. 언뜻 봐선 영화 ‘고스트’를 떠올리게 하는 진부한 스토리라고 여겨질 만하다. 하지만, 작품은 산뜻한 대사와 아기자기한 연출로 색다른 재미를 뽑아낸다. 젊은 감각이 느껴지는 연출과 젊은 배우들이 어우러져 활기찬 공연이 만들어졌다.음악이 듣기 좋은 뮤지컬이다. 기타나 피아노, 타악기 등 뮤지컬에서 자주 사용되지 않는 사운드를 중심으로 만들어진 넘버들은 극중 음악인으로 등장하는 세 등장인물들과 잘 섞여 로맨틱한 분위기를 연출해낸다. 전반적인 음악들이 어쿠스틱 기반이라 자극적이지 않고 듣기 편안하다는 것도 장점. 이러한 음악의 힘으로 산뜻하고 달달한 느낌의 뮤지컬이 만들어졌다. 이는 점점 화려해져가는 기존 뮤지컬의 넘버들과 차별화된 부분이라고 할 수 있다.젊은 배우들의 호연을 보는 재미도 있다. 보컬그룹 엠티플 출신의 가수 최원준을 비롯해 황바울, 김수민, 조연진 등 젊은 배우들이 활약한다. 군데군데 미숙한 부분이 발견되지 않는 것은 아니지만 젊은극에 걸맞은 젊은 감각을 가진 배우들이 내뿜는 에너지를 90분 동안 느끼는 것은 기분 좋은 일이다. 8월2일까지 충무아트홀 소극장블루에서 공연한다. 4만5000원. (02)3141-3025서필웅 기자

누구나 가슴속에는 여신이 살고 있다. 그 여신이 어머니일 수도 있고, 사랑하는 딸일 수도 있고, 끝내 마음을 고백하지 못한 짝사랑하는 여인일 수도 있다. 그 마음속에 살고 있는 여신을 위해 우리는 어떤 고난도 감내하며 살아간다. 그리고 모두가 그렇게 마음속에 여신을 품고 살아간다는 것을, 사랑과 가족과 고향을 그리워한다는 사실을 알게 되는 순간 우리는 서로를 이해하게 된다. 그 이해와 공감은 때로는 이해관계나 이념까지도 뛰어넘는다.‘여신님이 보고 계셔’(사진)는 6·25전쟁을 배경으로 한 뮤지컬. 때는 1952년. 국군 장교 영범과 병사 석구는 창섭, 순호, 동현, 주화 등 북한군 포로 4명을 포로수용소까지 이송하라는 명령을 받지만 때마침 불어온 폭풍우로 무인도에 표류하고 만다. 마침 북한군 포로 중 순호가 배 수리 기술을 가지고 있지만 순호는 전쟁의 트라우마에 빠져 있는 상태. 병사들은 순호가 배 수리를 하도록 설득하기 위해 가상의 여신을 만들어낸다. 여신님이 보고 있기 때문에 어려운 일이 있으면 서로 도와야 하고, 맛있는 것이 생기면 나눠 먹어야 하며, 예쁜 말만 사용해야 하며, 서로 아껴야 한다는 것. 하지만, 처음에는 순호를 설득하기 위해 여신을 만들어냈던 병사들은 어느새 자기 마음속에 하나씩 여신이 존재함을 깨닫고 서로를 이해하며 친구가 돼 간다. 시대 배경이 배경이니만큼 당연히 민족 간의 피비린내 나는 전쟁 이야기와 이념 간의 갈등이 등장한다. 또 가족을 고향에 두고 전쟁에 끌려온 가슴 아픈 이야기와 형제의 죽음까지 6·25전쟁을 배경으로 등장할 법한 모든 이야기가 담겨 있다. 하지만 작품은 이런 소재를 통해 이념을 이야기하는 대신 인간 그 자체에 집중한다. 각자의 마음속에 살아남아 서로 믿고 의지하고 생을 살아가게 하는 존재, 즉 ‘여신’을 통해 이념을 뛰어넘어 서로 이해하게 되는 남과 북의 병사 이야기를 담아낸 것.전쟁 속에 서로 대립해야만 하는 상황에서 오직 생존을 위해 서로 협력해야 하는 아이러니한 상황이 만들어내는 웃음이 신선하다. 우리 민족이 겪었던 비극적 시대상이 밑바탕에 깔려 있는 이야기이지만 씁쓸한 블랙유머라기보다 따뜻한 인간냄새가 풍기는 웃음이 배어나온다. 사람 냄새 나는 대사와 적절한 판타지를 통해 병사들이 처한 인간적 고민과 서로를 이해하는 과정을 적절히 녹여냈기 때문. 때문에 묵직한 주제의식을 훼손하지 않으면서도 극의 재미를 놓치지 않았다. 음악도 맛깔나다. 현실과 판타지를 넘나드는 이야기가 뮤지컬 넘버와 어우러지며 환상적인 분위기를 만들어낸다. 이번 ‘여신님이 보고 계셔’는 2011년, 2013년에 이은 세 번째 공연. 2011년 초연 이후 2012 서울뮤지컬페스티벌 예그린앙코르 최우수상, 2013 국회대상 올해의 뮤지컬상, 2013 더뮤지컬 올해의 베스트 창작뮤지컬 BEST3, 2013 제19회 한국뮤지컬대상 극본상 등을 수상하며 대중과 평단 모두로부터 각광받았던 작품이다. 초연, 재연에 비해 한층 넓은 공연장으로 옮기면서 일부 내용을 추가하는 등 수정을 거쳐 새로 무대에 올렸다. 7월27일까지 두산아트센터 연강홀에서 공연한다. 5만∼7만원. 1544-1555서필웅 기자 seoseo@segye.com

‘민호는 슬기가 싫다. 고자질하는 동생이 밉다. 동생 편만 드는 엄마도 밉다. 난 이 연극을 보며 우리집이랑 똑같다고 생각했다. 우리집에서도 첫째인 내 편을 들어주는 사람이 없다. 그래서 난 민호의 마음을 잘 안다. 얼마나 속 터지는지. 우리반에는 첫째가 많다. …왜 첫째 말은 잘 안들어 줄까?’한 초등생이 연극을 보고 난 뒤 적어낸 관람후기다. 올해 10주년을 맞이한 학전 어린이 무대 명작 ‘우리는 친구다’(폴커 루드비히 작, 김민기 연출·사진)의 장수 비결은 유치원생과 초등학생 아이들의 실생활을 현실감 있게 다룬 탄탄한 이야기 구조에 있다. 아이들의 일상을 섬세하게 들여다보는 재미와 함께 감동을 선사하면서 어린이 관객은 물론 동반한 부모들에게도 폭발적인 사랑을 받아, 국내 어린이 무대의 스테디셀러로 자리 잡았다.부모의 이혼 이후 겁쟁이가 되어버린 민호는 혼자서는 잠을 자지 않으려 하고, 민호 엄마는 이런 민호를 재우려고 애쓴다. 주말에 외가에 갔던 활달하고 영악한 동생 슬기가 돌아오자 민호는 슬기와 이층침대의 위 아래칸을 두고 서로 자겠다고 툭탁거린다. 민호와 슬기는 놀이터에서 장난감 총을 가지고 혼자 놀고 있는 뭉치와 마주친다. 힘이 세 보이는 뭉치가 총으로 겁을 주자, 민호와 슬기는 합세하여 뭉치를 놀린 후 집으로 도망쳐 온다.극은 초등학교 3학년 민호와 유치원생 슬기 남매가 놀이터에서 만난 뭉치와 친구가 되어가는 과정을 그린다. 공연 내내 어린이 관객들은 “어? 나랑 똑같아”라며 환호하고 열광한다. 혼자 자면 금방이라도 귀신이 나올 것 같아 곰돌이 인형을 끌어안고 잠을 청하는 소심한 성격의 민호와 맨날 TV만 본다고 ‘테레비 짱’이라고 놀림받지만 “내가 테레비만 보는 건 오빠들이 나랑은 같이 안 놀아주기 때문”이라며 맞받아칠 줄 아는 영악한 슬기, “아빠는 제 이름은 놔두고 저를 ‘뭉치’라고 불러요. 늘 말썽만 부리는 ‘사고뭉치’라는데,…우리 아빠하고는 말이 안 통해요”라며 학원을 무려 12개나 다니는 뭉치까지, 극중 주인공들의 모습이 이를 지켜보는 어린이 관객과 그대로 닮아 있기 때문이다. 이혼하고 일하며 두 아이를 보살피는 게 점점 어려워지는 엄마와 아이들에게 혼만 내는 아빠의 모습은 또 어떤가. 어린이 관객들은 깔깔거리며 웃다가 배우들과 함께 노래하며 어느새 극에 빠져들지만, 함께 온 부모들은 이를 지켜보다 마침내 내 일상을 들킨 것만 같아 종종 뜨끔하기 일쑤다. 민호와 슬기는 실수로 집 열쇠를 하수구에 빠뜨린 뭉치를 도와 열쇠 값을 벌어보려고 전전긍긍한다. 아이들이 벌이는 소동과 오해가 해결되어가는 동안 어린이 관객들은 친구의 소중함을 깨닫게 되고, 부모는 무조건 혼내기보다는 아이들에게도 나름의 이유가 있음을, 그래서 목소리를 들어볼 필요성을 절감하게 된다. 아이들이 바라는 것이 무엇인지, 또 어떤 부분에서 부모와 서로 이해가 필요한지 생각을 나눌 수 있는 가족극이다.아이들이 좋아하는 이층 침대, 공룡 인형 등 아기자기한 무대와 소품도 극의 집중을 돕는다. 라이브 밴드가 공연 내내 함께하면서 록에서부터 블루스, 발라드까지 다양한 장르의 음악을 바탕에 깔며 극의 완성도와 재미를 더한다. ‘러닝타임이 2시간이어서 지루해할 줄 알았는데 벌써 끝났냐고 하더라’, ‘엄마, 아빠, 선생님도 재미있게 보는 공연’. 학전 어린이 무대에 대한 평가는 여느 어린이 공연과는 다르다. 2004년 ‘우리는 친구다’를 시작으로 ‘고추장 떡볶이’, ‘슈퍼맨처럼-!’, ‘그림자 소동’ ‘무적의 삼총사’ 등 7개의 레파토리를 꾸준히 무대에 올려왔다. 6월1일까지 대학로 학전블루소극장에서 공연한다. (02)763-8233김신성 기자 sskim65@segye.com