오는 2월10일 개봉 예정인 ‘나의 촛불’(감독 김의성, 주진우)은 2016년 겨울부터 2017년 봄까지 광화문을 가득 채웠던 촛불을 담은 다큐멘터리 영화다. 배우 김의성과 기자 주진우가 연출하고, 대선을 앞둔 시기에 개봉한다고 하니 왠지 극적인 폭로나 긴장감 있는 추적 상황 등이 등장할 것 같지만 예상은 빗나간다. 대신 이 영화에는 당시 촛불 상황을 자신의 기억을 바탕으로 이야기하는 여러 시민, 언론인, 검사, 정치인 등이 등장한다. ‘나의 촛불’이 촬영된 시점이 촛불 정국 직후였기에 가능했던 것으로 보이는 섭외력에 놀라게 된다. 오늘은 이 영화가 많은 사람을 통해 6년 전 그때를 담아내는 방식에 대해 살펴볼까 한다. 먼저 이 영화에는 정말 많은 사람이 나온다. 자료 영상 속 사람들까지 더하면 나이와 직업, 과거와 현재 시대의 폭까지 훨씬 넓어지는데, 오롯이 이 영화의 카메라 앞에 앉아 인터뷰한 사람만도 참 많다. 영화가 시작되면 깔끔한 책꽂이 앞 빈 의자가 보인다. 손석희 JTBC 사장이 들어와 앉으면 “박근혜는 어떤 사람이라고 생각하세요?”라고 묻는 주진우 감독의 목소리가 들리고 손 사장이 답한다. 뒤이어 윤석열, 김성태, 하태경, 이혜훈, 고 정두언, 유시민, 정세현, 심상정 등 인터뷰 시점 기준 전현직 고위 공무원, 국회의원 등도 답한다. 당시 취재 현장에서의 답변이 아니라, 세팅된 인터뷰 장소에서의 차분한 답변이 이어진다. 국회의사당을 비롯한 곳곳에서 촬영된 인터뷰의 특징은 카메라 앞에 앉은 이들이 같은 질문에 연이어 답한다는 것이다. 그들의 답변은 서로 일치하기도 하고 어긋나기도 한다. 특정 상황에 대한 입장 차이를 확인하며 일종의 크로스 체크를 하는 느낌이 들기도 한다. 촛불 정국의 시간 순서대로 던져지는 질문에는 일반 시민도 답한다. 반려견이나 가족, 친구와 함께 카메라 앞은 어려 나이대의 시민도 각자의 기억에 따라 답한다. 어둠 속에 얼굴은 가렸지만 당시 촛불 현장에 출동했던 의무경찰도 답한다. 이렇듯 당시 촛불을 들었거나 미디어를 통해 지켜본 시민, 취재했던 언론인, 탄핵을 주도했던 정치인, 수사를 진행했던 검사 등의 이야기를 듣다 보면, 당시 각자의 위치에서 각자의 소신대로 행동했을 많은 이들은 그때의 자신을 떠올리게 된다. 그리고 더 나아가 지금의 상황도 둘러보게 된다. 이 영화의 또 다른 흥미로운 지점이기도 한데 영화 제작 당시 의도하지는 않았지만 시간 차이로 인한 변화도 실감할 수 있다. 촛불 직후 제작되었지만, 코로나19 상황으로 개봉이 미뤄지는 사이, 출연진 중에는 고인이 된 이도 있고 촛불에 대한 입장이 바뀌었을 것으로 추정되는 이도 있다. 강산이 절반은 바뀐 격세지감이 느껴진다. 그래서 더더욱 촛불의 의미에 대해 입체적인 생각을 할 수 있다. 그리고 이 모든 것이 영화에는 매우 차분하게 담겼다. ‘나의 촛불’은 예상보다 매우 담담한 방식으로 많은 사람의 이야기를 담아내기 때문이다. 흔들리는 영상, 취재를 거부하며 자리를 뜨는 누군가는 보이지 않는다. 영화 내내 흐르는 내레이션도 들리지도 않는다. 누군가는 재미있는 추억으로, 누군가는 직접 민주주의의 가능성으로 이야기하는 영화 ‘나의 촛불’을 통해 각자의 촛불에 대해 회상과 예상 모두 해보길 바란다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

‘아름다운 악녀’라 불리는 배우가 있었다. 바로 지난해 10월 세상을 떠난 배우 최지희씨 이야기다. 주 활동 기간이 1958부터 1973년까지이다 보니, 낯선 이름일 수 있다. 필자도 최지희 배우를 영화를 통해 처음 본 게 10년 전쯤이다. ‘이런 배우가 있구나’라고 놀라며, 미처 몰랐던 것을 아쉬워했던 기억이 있다. 한국영상자료원에서는 지난 4일 <아름다운 악녀’ 최지희(1940~2021) 추모전>을 온·오프라인으로 시작했다. 오는 16일까지 오프라인으로는 12편, 온라인으로는 6편의 영화를 상영한다. 오늘은 추모전을 소개하며, 배우 최지희를 추모해볼까 한다. (소개라고도 할 수 있겠다.) 어울리지 않는 두 단어가 만난 ‘아름다운 악녀’는 최지희 배우의 데뷔작 제목이기도 하다. ‘아름다운 악녀’(감독 이강천, 1958)는 현재 필름이 남아 있지 않아 볼 수는 없지만, 증언과 기록에 따르면, 신인배우 최지희가 연기한 소매치기 은미는 꽤 파격적인 캐릭터였다. 당시 ‘아프레걸’이라고 불리는 캐릭터로 평가되었는데, ‘아프레걸’은 프랑스어로 ‘전쟁 이후’를 뜻하는 ‘아프레 게르’와 영어 ‘걸’이 조합된 단어로 전쟁 이후 등장한 새로운 세대 여성상을 의미한다. 한국전쟁이 끝난 지 얼마 되지 않은 상황에서 최지희 배우가 연기한 은미는 영화 제목처럼 마냥 악녀로 비난할 수 없는, 전후 사회의 이면을 보여주는 신세대 캐릭터였고, 최지희 배우의 대표적인 이미지가 되었다. ‘아름다운 악녀’보다 먼저 캐스팅되었던 영화 ‘인걸 홍길동’(감독 김일해, 1958)에서도 남장 연기를 하였고, ‘말띠 여대생’(감독 이형표, 1963)에서도 발랄한 연기를 하면서, 최지희 배우의 이미지는 더욱 강화되었다. 최지희 배우에게 청룡상과 대종상 등 여러 영화제에서 여우조연상을 안겨주었던 ‘김약국의 딸들’(감독 유현목, 1963)에도 최지희 만의 파격적인 연기를 선보였다. 필자가 최지희 배우를 처음 본 것은 ‘팔도 가시나이’(감독 편거영, 1970) 였다. 박노식이 연기한 ‘용팔이’ 캐릭터가 연속으로 등장하는 영화들 속에서 최지희의 캐릭터와 액션 연기 모두 매우 인상적이었다. 이번 온라인 추모전을 통해서도 감상할 수 있는 다큐멘터리 ‘아름다운 악녀 최지희’(감독 강성옥, 2004)를 보면, 최지희 배우는 코믹 액션 영화를 가장 많이 했고, 엽기적인 여성 캐릭터도 1970년대에만 30여 편을 했다고 이야기 한다. 또한 소위 반공영화에서 인민군복을 가장 많이 입은 여자 배우일 거라고도 이야기한다. 사실 1960~70년대 한국영화의 대세 장르는 멜로영화였다. 그중 상당수는 비극적인 여성이 등장하는 슬픈 영화기도 했다. 그 사이에서 최지희는 남자 캐릭터에게 거침없이 발길질하는 액션 연기와 코믹 연기가 가능한 아름다운 악녀로서의 이미지를 굳혀갔다. 최지희 배우는 큰 키와 큰 눈을 가진 서구적인 외모의 배우, 몸을 잘 쓰는 배우, 선과 악이 함께하는 이중적인 연기에 능한 배우 등으로 평가받았다. 이번 추모전을 통해 배우 최지희를 만나보기 바란다. 특히 앞서서도 잠시 인용한 다큐멘터리 ‘아름다운 악녀 최지희’도 보기를 추천한다. 최지희 배우가 스스로에 대해 당당하게 이야기하는 모습을 볼 수 있는데, 식지않은 연기에 대한 욕심도 느낄 수 있다. 최지희 배우가 출연한 일부 영화도 볼 수 있는데, 더불어 당시 한국영화 상황도 접할 수 있다. 다시 한번 최지희 배우의 명복을 빈다. 회고전 영화 상영 이후에도 KMDb 다시 보기를 통해 오래 기억되길 바란다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

한국(Korea)을 의미하는 ‘K-’로 시작되는 단어가 유난히 많이 보이는 요즘이다. 오래전부터 보아 온 K-팝부터 K-콘텐츠, K-컬쳐, K-무비, K-드라마, K-뷰티, K-푸드, K-방역 등까지 다양한 분야에서 K라는 글자가 한국이라는 단어를 대체하고 있다. K 뒤에는 보통 영어 단어가 붙는데, ‘해외에서도 인정받는 한국’ 영화, 드라마, 음식 등의 의미로 해석할 수 있다. 나라 밖에서도 주목받고 있다고 하니, 기분 좋은 일이다. 또 다른 콩글리시라는 시선도 있다. 그러나 언어는 늘 섞이고 바뀌며 시대를 반영하기에, 우리의 변화 상황을 살펴볼 수 있는 기회기도 하다. 지난번 ‘영화’에 이어 오늘도 원론적인 생각을 해보려 한다. 바로 ‘한국적’이란 개념의 의미 변화에 대해서 말이다. 올 한해 K라는 글자가 붙여졌던, ‘한국에서 만든’ 혹은 ‘한국인이 만든’, ‘한국적인’ 것들을 보며, 1980년대까지 시간을 좀 거슬러 올라가 봤다. 단순하게 일반화하려는 것은 아니지만, 한국영화로서는 처음 칸영화제 초청을 받은 작품으로 알려진 ‘여인잔혹사 물레야 물레야’(감독 이두용, 1983)와 주연 배우 강수연이 베니스영화제에서 여우주연상을 받으며 주목받았던 ‘씨받이’(감독 임권택, 1986)의 공통점이 느껴지는지? 한국영화 사상 처음으로 칸영화제 경쟁 부문에 올랐던 ‘춘향뎐’(감독 임권택, 2000)까지 더하면 더 명확해진다. 이 영화들은 모두 사극이었다. 당시 유행했던 ‘한국적인 것이 세계적인 것’이란 말은 ‘한국 전통적인 것이 세계적인 것’이라는 말에 가까웠다. 서양인들이 이국적이고, 매력적으로 느낄 모습을 우리의 과거 모습에서 찾으려던 시도였는데, 영화계의 모습만은 아니었다. 당시 몇 년 동안 학생들에게 이런 질문을 했었다. ‘만약 외국인 친구가 한국에 방문했다면, 어디에 가고, 무엇을 하며 한국을 소개하고 싶은지?’ 놀랍게도 절반을 훨씬 넘는 (사실 대부분의) 학생들이 우리의 전통적인 모습을 소개하겠다고 답했다. 경복궁에 가고, 부채춤이나 판소리 공연을 보러 가겠다고 했다. 그러면 이어서 이런 질문을 했다. ‘우리가 한국 사람인데, 우리가 현재 먹고, 입고, 즐기는 것들은 한국적이지 않은 걸까?’ 20여 년이 지난 요즘, 힉생들에게 같은 질문을 던지면 다른 답이 나온다. 쇼핑을 하러 가고, 치킨을 먹으러 가고, 영화를 보러 가는 등등 요즘 자신들이 하는 것들을 하겠다는 답변이 훨씬 많다. 최근 K라는 글자로 칭해지는 콘텐츠와 현상들도 바로 이런 변화와 통한다. 적어도 일부러 해외 시장을 노려 우리도 익숙하지 않은 과거를 다루거나, 해외 현지화를 위해 외국어로 노래하거나 연기하지 않는다. 어느새 우리의 지금 모습 그대로를 보여줄 만큼 자신감을 갖게 되었다고 평가할 수 있겠다. 적어도 지금 우리의 모습을 ‘한국적’이라고 인식하게 된 것을 알 수 있다. 한 때 우리 음식 ‘전’을 ‘코리안 스타일 피자’라 풀어서 이야기했지만, 이젠 일반 명사 그대로 ‘전’이라 부르게 된 것이다. 올해 영국의 ‘옥스포드 영어사전’에 ‘콩글리시’를 비롯해 ‘삼겹살’, ‘대박’ 등 26개의 우리말 단어가 수록된 것도 그런 변화를 확인하게 해준다. 우리 영화와 드라마, 음악 등등의 다양한 콘텐츠를 통해 우리 언어를 포함한 다양한 문화가 알려진 것이다. 그렇다고 우리가 다른 문화를 정복했고, 이겼다는 식으로 생각할 필요는 없겠다. 그냥 현재의 나, 너, 우리의 모습으로 음악, 영화, 드라마, 음식 등등을 만들고, 공유하고, 다양한 취향대로 비판하고, 즐기고, 느끼면 된다. 더불어 전 세계가 온라인으로 연결된 상황에서, 많은 이들이 우리의 것에 관심을 가진다면, 우리 역시 다양한 것들에 관심을 가지면서 말이다. 그러면서 한국적인 것은 계속 변화할 것이다. 모든 것의 의미는 늘 변화하니 말이다. 물론 그 변화의 중심에는 우리가 있다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

오랜만에 퀴즈로 시작! 아래 영화들의 공통점은 무엇일까? ‘오즈의 마법사’(감독 빅터 플레밍, 1939), ‘시집가는 날’(감독 이병일, 1956), ‘오발탄’(감독 유현목, 1961), ‘사랑방 손님과 어머니’(감독 신상옥, 1961), ‘마당을 나온 암탉’(감독 오성윤, 2011), ‘그렇게 아버지가 된다’(감독 고레에다 히로카즈, 2013), ‘미라클 벨리에’(감독 에릭 라티고, 2015), ‘소나기’(감독 안재운, 2017), ‘엄마의 공책’(감독 김성호, 2017), ‘김복동’(감독 송원근, 2019) 시대와 국가, 길이와 장르를 뛰어넘은 위 영화의 공통점은 배리어프리 버전 영화로도 제작되어 서울배리어프리영화제를 통해 공개된 적이 있다는 것이다. 그동안 몇 차례 소개했던 배리어프리 영화란 글자 그대로 장벽 없는 영화로서, 시청각 장애라는 장벽 없이 모두가 영화를 즐길 수 있도록 해설용 자막과 녹음 작업이 추가된 영화다. 올해로 제11회를 맞이한 서울배리어프리영화제에서는 그동안 고전 영화를 비롯해 유명 영화를 배리어프리 버전으로 제작해 상영해오면서, 배리어프리 단편영화 제작을 지원하고, 배리어프리 영상제작 전문가도 양성해 더 다양한 배리어프리 영화를 제작, 지원, 공개해왔다. 그리고 작년부터는 또 다른 장벽도 넘고 있다. 코로나19 확산 상황으로 인한 변화였지만, 기존 영화제 상영 방식인 오프라인 상영 이외에 온라인 상영도 진행해, 관객들이 시간과 공간의 장벽을 넘어 영화를 감상할 수 있도록 하고 있다. 덕분에 지난 11월 14일에 제11회 서울배리어프리영화제의 오프라인 상영과 행사는 막을 내렸지만, 11월 30일까지 한국영화데이터베이스 KMDb 온라인 상영을 통해 이번 영화제 상영작 중 일부를 상영 중이라, 여전히 영화제는 진행 중이다. 작년부터 많은 영화제가 온라인 상영도 진행해, 영화제 행사장이나 상영관에 영화제 일정 맞게 방문하기엔 너무 멀어서 혹은 시간이 나지 않아서 참여할 수 없었던 관객들도 시공간의 장벽을 넘어 편한 시간에 편한 공간에서 영화제를 즐길 수 있다. 제11회 서울배리어프리영화제 개막작은 ‘그렇게 아버지가 된다’였다. 그 외 ‘남매의 여름밤’(감독 윤단비, 2019), ‘드림빌더’(감독 킴 하겐 젠슨, 2019), ‘벌새’(감독 김보라, 2018), ‘보이콰이어’(감독 프랑소와 지라르, 2014), ‘세상의 모든 디저트: 러브 사라’(감독 엘리자 슈뢰더, 2020), ‘타인의 친절’(감독 론 쉐르픽, 2018) 등 한국, 일본, 덴마크, 영국 등의 장편영화가 배리어프리 버전으로 새롭게 제작되어 상영됐다. 아쉽게도 이번 온라인 상영 목록에 오프라인에서 상영됐던 장편영화들은 빠졌지만, 배리어프리 영상제작 전문가과정 수료 작품, 배리어프리 단편영화 지원작, 한글자막 단편 애니메이션 영화 등 장단편 17편을 섹션 1~3을 통해 연속적으로 만날 수 있다. 섹션 1인 ‘달팽이의 별’(감독 이승준, 2012), ‘다시 만난 오늘’(이지연, 2021), ‘린다의 신기한 여행’(감독 고일준, 2021), ‘Delight’(감독 신현주, 2019) 등 6편은 지난 16일에 온라인 상영을 마쳤다. 현재는 섹션 2가 상영 중인데, 배리어프리 포럼 상영작인 일본 다큐멘터리영화 ‘시청각중복장애인으로 산다는 것’(감독 니시하라 타카시, 2017), ‘코로나 시대, 시청각중복장애인은 지금’(감독 니시하라 타카시, 2020)과 ‘건전지 아빠’(감독 전승배, 2021), ‘잃어버린 외장하드를 찾는 이상한 모험’(감독 백승희, 2020), ‘빵꾸찻잔’(차가희, 2021) 등 6편이 23일까지 상영된다. 뒤이어 섹션 3을 통해 ‘순영’(감독 박서영, 2021), ‘자매들의 밤’(감독 김보람, 2020), ‘공룡 둠둠’(감독 김형교, 2020), ‘비잇, 나무’(감독 이현미, 2020) 등이 30일까지 상영되면, 서울배리어프리영화제의 온오프라인 영화 상영이 모두 막을 내리게 된다. 한편, 배리어프리 포럼 영상을 비롯해 참여 감독 인터뷰 영상 등이 배리어프리영화제 유튜브 채널에도 공개되었다. 온라인 감상을 통해 특정 시간에 특정 공간까지 가야 했던 시공간적 장벽을 뛰어넘어, 시청각 장애라는 장벽을 낮추기 위해 애쓰고 있는 영화들을 감상하고, 영화인들과도 함께 하길 바란다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수 이미지 출처=(사)배리어프리영화위원회

안카 다미안 감독의 새 영화 ‘더 아일랜드’(2021)가 세계 최초로 이번 부산국제영화제에서 상영됐다. 다미안 감독은 부산을 찾아 관객과도 만났다. 그동안 다미안 감독의 영화는 부산국제영화제를 비롯해 다른 국내 영화제를 통해서도 여러 차례 소개되었다. 2020년 6월에는 ‘환상의 마로나’(2019)가 개봉되기도 했다. 이번 칼럼에선 ‘환상의 마로나’와는 또 다른 차원으로 환상적인 애니메이션 ‘더 아일랜드’를 소개해 볼까 한다. 여러모로 다양한 경계를 넘나드는 영화라 매혹적이다. - 로빈슨 크루소의 이야기? 이 영화를 소개하는 글이나 감독 인터뷰에서 어김없이 등장하는 언급은 바로 ‘더 아일랜드’가 로빈슨 크루소 이야기를 재해석했다는 점이다. 그렇다고 대니얼 디포의 소설 ‘로빈슨 크루소’의 애니메이션 버전을 상상하면 당황하게 된다. 흔히 생각하는 그런 리메이크 영화가 전혀 아니기 때문이다. 훨씬 느슨한 차원의 재해석이 자유롭게 이루어졌는데, 로빈슨 크루소가 했던 행동, 그가 느꼈을 감정, 그가 잠시 머물렀던 섬, 그가 이름 지어주고 함께 생활했던(정확하게는 하인으로 부렸던) 프라이데이 등이 또 다른 모티브가 되어 꼬리에 꼬리를 문다. 우리가 알고 있던 로빈슨 크루소의 이야기는 ‘더 아일랜드’에서 인간, 난민, 인권을 비롯해 섬, 바다, 환경, 자연, 지구, 우주로 이어지는 이야기 모음으로 확대되고, 승화된다. - 어린이용 장편 뮤지컬 애니메이션? ‘더 아일랜드’는 전체관람가 등급이 예상되는 장편 애니메이션으로 분류되지만, 주인공이 누군지도 명확하지 않고, 영화의 처음부터 끝까지 이어지는 이야기도 없다. 그래서 기존 어린이용 애니메이션을 예상했다가는 당황할 수 있다. ‘누가 언제 무엇을 왜 하는지’를 파악하기도 어렵기 때문이다. 그렇다고 이 영화가 어른용 애니메이션이라는 건 아니다. 누구든 즐길 수 있다. 다만 조금 새로운 감상 태도가 필요하다. 기승전결 이야기 전개라든지, 명확한 인물 구성 등은 잠시 잊는 것이 좋다. 장편 극영화라고 해서 그리고 애니메이션이라고 해서 무조건 익숙한 방식의 이야기 전개 방식을 채택할 필요는 없다. 영화는 글이나 말로만 표현되는 것이 아니라, 눈으로 보고, 귀로 들을 수 있는 다양한 시청각 요소로 표현되기에, 눈과 귀 그리고 마음만 열어둔다면 다양한 방식으로 많은 것을 느끼고 이해할 수 있다. 여러 에피소드가 짧게 이어지고, 각각의 에피소드에서는 로빈슨 크루소, 프라이데이 등이 번갈아 가며 중심인물로 등장한다. 뮤지컬영화의 대표적 관습으로 인물들은 노래도 부르는데, 그들이 부르는 노래는 선문답 같은 느낌을 주기도 한다. 그러나 예를 들어 그들이 끊임없이 고맙다는 말을 주고받는 노래를 시각 예술 작품을 보는 듯한 영상과 더불어 보고 듣다 보면, 여러 감각과 감정을 느끼게 된다. - 무의미한 경계들! 장편과 단편, 극과 기록, 실사와 애니메이션, 다양한 장르 등등 영화를 두고 수많은 경계가 만들어져왔다. 더불어 영화 문법, 기법, 관습 등으로 불리는 방법들도 효과적인 방법과 그렇지 않은 방법 사이에 경계도 만들어져왔다. 동시에 그 경계는 늘 무너져왔다. 새로운 인식과 시도 등이 끊임없이 등장했기 때문이다. 초현실적이고 상징적이라서 낯설기도 하지만, 익숙한 것을 찾아내려고 애쓰지만 않는다면, 의외로 편안하게 상상력의 한계를 뛰어넘는 시청각적 경험을 할 수 있다. 그리고 그때그때 의미를 해석하다 보면 우리가 살고 있는 세상에 대한 고민도 하게 된다. 부산국제영화제 홈페이지에서 ‘더 아일랜드’를 소개하는 글 중에는 “모험, 문학작품, 식민주의, 음악/춤, 코미디/유머/블랙코미디, 환경/생태, 풍자” 등의 키워드가 제시되어 있다. 어찌 보면 어울리지 않는 키워드의 조합으로 느껴지기도 하는데, 그만큼 경계를 넘나드는 풍성한 감정과 생각을 제공하는 영화다. 한편 이번 부산국제영화제도 최근 코로나19 상황으로 인해 대부분의 영화제가 시도하고 있는 온라인 상영을 진행했다. 우리나라와 아시아 단편영화 중심의 시도이긴 했지만, 고전적인 방식의 영화제와 미디어 환경 변화로 인해 가능해진 새로운 방식도 시도되고 있다. 기존의 경계가 바뀌는 중이라 할 수 있다. 영화든 영화제든 여러모로 기존의 경계가 확장되거나 변하고 있는 요즘이다. 경계를 넘나드는 새로운 시도를 목격하는 것은 늘 설렌다. 이후의 변화도 기대해 본다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

이번 칼럼은 제목이 좀 거창하게 느껴질 수 있겠다. 노르웨이 출신 그룹 아-하의 ‘테이크 온 미’가 빌보드 차트에서 1위를 한 지 40년이 다 되어가지만, 여전히 다양한 방식으로 소환되다 보니 이 노래의 역사는 노래를 대중에게 전달하는 대중매체의 역사와 무관하지 않다. 이번 칼럼에서는 이 노래를 재소환한 다큐멘터리 영화 ‘아-하: 테이크 온 미’(감독 토마스 롭삼, 아슬레우 홀름, 2021)를 소개하며, 그동안 노래 ‘테이크 온 미’를 대중에게 전달해온 대중매체에 대한 이야기도 좀 해볼까 한다. 노르웨이 출신 그룹 아-하의 1985년 빌보드 차트 1위 노래 ‘테이크 온 미’를 전혀 들어본 적이 없기는 쉽지 않다. 도입부의 드럼 비트와 신시사이저 멜로디, 후렴구의 ‘테이크 온 미, 테이크 미 온’ 부분은 그동안 영화와 TV 등 주류 영상매체를 통해 꾸준히 소환되었다. ‘라라랜드’(데이미언 셔젤, 2016)에서는 주인공들이 재회하는 야외 파티 장면에서 밴드가 연주하는 노래로서 ‘테이크 온 미’가 등장했고, ‘데드풀 2’(데이빗 레이치, 2018)에서는 이 노래의 뮤직비디오를 패러디한 장면이 등장했다. 그밖에 국내에서 ‘런닝맨’, ‘효리네 민박 2’ 등에서도 배경음악으로 사용되었다. 현재 방영 중인 한 금융 광고에서도 ‘테이크 온 미’가 사용 중이다. 이번 다큐멘터리 영화의 소환이 이전과 다른 점은 배경음악 만이 아닌 이야기의 대상으로 소환되었다는 점이다. 영화 ‘아-하: 테이크 온 미’는 제목 그대로 그룹 아-하에 대한 이야기를 담고 있는데, 노래 ‘테이크 온 미’에 대한 이야기도 포함되어 있다. 그들의 과거와 현재, 그들의 수많은 노래와 공연도 만날 수 있다. 아하의 팬 여부를 떠나, 어디선가 들어본 노래를 만든 그룹의 세 멤버인 모튼 하켓, 마그네 푸루홀멘, 폴 왁타의 어린 시절과 데뷔 시절 이야기는 호기심을 불러일으킨다. 게다가 여전히 활발히 활동 중인 그룹이니, 그들의 현실도 엿볼 수 있다. 뻔하지 않은 음악영화라서 더 매력적이다. 이 영화의 또 다른 매력은 바로 영상이다. ‘테이크 온 미’의 뮤직비디오에서 애니메이션 효과를 만들어냈던 ‘로토스코핑’ 기법이 사용됐다. 아-하의 과거와 현재 공연 모습, 과거 자료 영상, 뮤직비디오, 새로 촬영한 인터뷰 영상 등이 실사와 애니메이션 영상으로 뒤섞여 그들의 과거와 현재를 더욱 유기적으로 엮어낸다. ‘테이크 온 미’의 뮤직비디오는 1985년 당시 큰 화제였다. 1981년 여름 미국에서 음악전문 케이블 TV 채널인 MTV가 개국하면서, 보는 음악인 뮤직비디오가 점차 대중화되기 시작한 시점에 ‘테이크 온 미’ 뮤직비디오의 인기는 뮤직비디오의 영향력, 가능성 등을 확인해주었다. 당시 우리나라는 케이블 TV 방송이 시작되기 전이라 외국 뮤직비디오를 접하기는 쉽지 않았다. 지상파 TV에서 명절 특집 방송 식으로 늦은 시간에 외국 뮤직비디오를 소개하는 프로그램을 편성했었는데, VCR도 대중화되기 전이라, 본방 사수를 해야만 말로만 듣고 글로만 읽은 뮤직비디오를 볼 수 있었다. FM 라디오를 듣고, 월간 음악 잡지를 읽으며 소식을 읽고, 레코드판을 구입 해 음악을 듣고, 지상파 TV를 통해 가끔 뮤직비디오를 보던 시절을 지나, 케이블 TV를 통해 좀 더 자주 뮤직비디오를 보고, VCR로 녹화해 반복해 보던 시절을 지나 현재에 이르렀다. 2021년 9월24일 현재, 유튜브 A-HA 채널에 올라와 있는 ‘테이크 온 미’ 4K 리마스터링 버전 뮤직비디오는 13억 뷰를 기록 중이다. 앨범별로 노래와 뮤직비디오 올라와 있고, 2020년 3월까지도 활발히 진행했던 공연 영상들도 여럿 올라와, 시간과 공간을 초월한 다양한 소환이 현재의 주류 대중매체인 인터넷을 통해 진행 중이다. 지난 9월 20일에는 페이스북, 인스타그램, 트위터 등 SNS 계정을 통해 내년에 새 앨범과 영화가 공개될 예정이라는 소식도 올라왔다. 새 영화 ‘아-하: 테이크 온 미’를 영화관에서 공연 보듯 감상하고, 인터넷 세상의 다양한 플랫폼을 통해 그들의 과거와 현재까지 접하다 보면, 시간과 공간을 초월한 재미를 느낄 수 있다. 다양한 대중매체를 모두 누려보시길 바란다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

이번 칼럼에선 옛 신문 속에서 서울극장의 흔적을 찾아보며 나름의 작별 인사를 해볼까 한다. - ‘서울극장’이라는 이름이 처음 보인 건 1978년 여름 합동영화사가 인수한 세기극장은 수리를 마치고, 극장 이름을 서울극장으로 바꿔 1978년 재개관한다. 개관작은 추석을 맞아 9월 17일 개봉한 김수현 각본, 정소영 연출의 ‘마지막 겨울’이었다. 당시 기사에는 서울극장이 주로 한국영화를 개봉하는 개봉 영화관으로 운영될 예정이라는 소식도 보인다. 정부의 정책에 따라 의무적으로 제작되는 한국영화 중 절반 이상이 개봉되지 못하던 상황에서 서울극장의 역사가 시작되었다. - 서울극장이 변신한 1989년 여름 1989년에는 서울극장의 이름이 바뀐다. 이번에는 영화관 외관도 바뀌었다. 서울극장은 신축 공사를 통해 1200석 상영관 2개와 600석 상영관 1개 등 총 3개 상영관을 갖추고, 서울시네마타운으로 이름도 바꾸어 새 출발을 한다. 당시에는 ‘시네마콤플렉스’라고 칭했는데, 한 신문에서는 백화점식으로 한 건물에 여러 개의 극장이 들어선 형태라는 설명을 한다. 세계적으로 영화관은 꽤 오랫동안 1개 영화관이 1개 상영관으로 운영됐다. 1980년대 이후 점차 상영관이 늘어, 현재는 10개 관 이상의 멀티플렉스 영화관이 대세가 되었다. 우리나라의 경우 대기업 멀티플렉스인 CGV 강변점이 개관하는 1998년 이전까지 기존 대형 영화관들이 1000석 이상의 규모였던 상영관을 여러 개의 상영관으로 나누어 운영하기도 했다. 서울극장은 이런 변화를 이끈 영화관이었다. 1989년 서울의 몇몇 영화관이 상영관을 확대하게 되는데, 종로의 서울극장이 3개 관으로 강남의 시네하우스가 5개 관, 브로드웨이극장이 3개 관으로 상영관을 늘렸다. 한 영화관에서 동시에 여러 편의 영화가 상영된다는 것은 매우 획기적인 변화였다. 서울극장이 재개관한 1970년대 후반은 한국영화가 개봉관을 찾기 힘든 시기였다면, 복합상영관으로 변신한 1980년대 후반은 영화시장 개방으로 물밀듯이 수입된 미국영화가 개봉관을 찾기 힘든 시기였다. 특히 미국 대형 배급사가 국내 수입사를 통하지 않고 직접 배급하는 소위 직배 영화의 경우 기존 대형 개봉관을 잡지 못해 소형 영화관 여러 곳에서 동시 개봉하는 새로운 관행이 만들어지고 있던 시기이기도 했다. 서울극장은 한국 영화계의 변화에 빠르게 대응하는 모습을 보여왔다고 할 수 있다. ※다시 서울극장(합동영화사) 곽정환 대표의 행보도 눈에 띄는데, 이 이야기는 다음 기회로…. - 21세기에도 살아남았던 서울극장 1997년에는 7개 관으로 변신한다. “국내 최초 7개관 복합극장 탄생!”이라는 광고 문구가 눈에 띈다. 2000년대 이후 CGV, 롯데시네마, 메가박스 등의 멀티플렉스가 급속도로 증가하면서, 기존의 영화관들은 위기를 맞는다. 기존 영화관들이 멀티플렉스로 변신을 꾀하기도 했지만, 서울 기준 서울극장과 대한극장 이외에는 대부분 사라졌다. (허리우드극장도 남았지만, 더이상 개봉 영화관은 아니다.) 서울극장은 영화관 운영과 더불어 시사회를 유치하기도 하고, 이후 서울아트시네마와 인디스페이스 등에 대관을 하는 등 여러 시도들도 지속했다. 필자도 2000년대 초중반 시사회 참석을 위해 서울극장을 찾았던 기억이 있다. 최근에는 서울아트시네마와 인디스페이스 상영작이나 영화제 상영작을 보기 위해 서울극장을 찾았더랬다. 단성사, 국도극장, 국제극장, 스카라극장 등 갑작스럽게 사라졌던 서울 개봉영화관에 비하면 서울극장은 폐관 소식이 미리 알려지면서 옛 기억을 떠올릴 수 있었다. 변화한 미디어 환경 덕이기도 할 테다. 아직 인디스페이스와 서울아트시네마는 운영 중이라 아직은 서울극장이 완전히 사라지진 않았다. 이후 서울극장이 혹은 그 자리가 어떤 식으로 변화할지 지켜보려 한다. 어쩌면 이미 잊혀져 가고 있었지만, 더 이상 잊혀지지 않고 기억에 남는 한국 영화 역사 속 한 공간이 되길 바란다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

초등학교 일과 중 교사와 학생이 함께 영화를 본다면 그건 과연 공부일까, 휴식일까? 답은 상황에 따라 달라진다. 언제 왜 영화를 보는지에 따라 공부일 수도, 휴식일 수도 있다. 물론 휴식을 통해서도 늘 뭐든 공부를 하게 되니까, 결국은 모두 공부일 수도 있겠다. 오늘은 학교 안 영화 교육에 대해 몇 가지 얘기해 볼까 한다. 영화는 초등학교 교육과정에서 독립 교과목은 아니다. 그렇다고 영화가 초등학교 교육과정과 아무 관련이 없는 건 아니다. 국어, 미술, 실과 등 다양한 교과목의 성취기준 등에 영화가 언급되고 있다. 6학년 국어 교과서엔 윤가은 감독의 ‘우리들’(2016)이 나오기도 한다. 2021년 5월에 공개된 영화진흥위원회의 연구보고서 “청소년 영화교육 교육과정 기준 연구 개발” 중 초등학교 교사와 학생 대상 설문조사 결과를 봐도, 초등학교에서 영화를 보거나 만드는 일은 낯선 일이 아니다. 조사 대상인 전국 9개 학교 24명 교사 중 70.8%가 2019년에 영화 교육을 진행했다고 답했다. 조사 대상인 352명 학생도 비슷한 비율로 학교에서 영화를 보거나 만든 적이 있다고 답했다. 창의적 체험활동으로서 창작 교육을 진행한 경우부터 국어, 사회, 도덕, 음악, 미술 등 교과 수업 중에 감상 교육을 진행한 경우까지 영화 교육의 방식은 다양했는데, 영화를 활용한 교육과 영화에 대한 교육이 이 모두 진행되고 있었다. 초등학교에서 영화는 타 교과 교육 내용을 보조하는 교재이기도 하고, 다양한 영상 미디어에 익숙한 세대를 대상으로 리터러시 교육과 예술 교육의 대상이기도 하다는 걸 알 수 있다. 더불어 영화 교육의 효과에 대해서도 교사와 학생 모두 호의적인 편이었다. 교사 대부분이 영화 교육의 필요성을 긍정적으로 평가했고, 절반 이상의 학생이 앞으로도 학교에서 영화를 더 보거나 만들고 싶다 답했다. 그렇다고 모두가 초등학교 안 영화 교육을 좋아하는 것은 아니다. 교사들이 꼽은 영화 교육의 가장 큰 어려움은 ‘영화 교육에 대한 인식 부족’이었다. 수업 시간 중에 영화를 상영하는 경우, 휴식을 취하는 것으로 오해받기도 한단다. 동료 교사나 학교장, 학부모 등에게 오해받지 않기 위해, 어떤 교과에서 어떤 교육을 위해 어떤 영화를 감상할 예정이라고 미리 공지한다는 교사도 있었다. 영화 감상을 휴식이나 취미, 놀이로 생각하기 때문일 텐데, 사실 영화의 가장 큰 역할이기도 하니, 오해라 할 수만은 없다. 다만 휴식이나 놀이의 대상이 교육의 대상으로 적합지 않다는 인식은 좀 개선될 필요가 있다고 생각한다. 영화는 교육적 목적에 따라 내용과 형식적 차원을 잘만 활용하면, 넓은 세상에 대한 간접 경험과 예술적 창작물 경험 기회를 제공할 수 있다. 영화만의 얘긴 아니다. 소위 놀이의 대상도 폭넓은 교육의 대상일 수 있다는 공감대 확대가 필요하다. 초등학교에서 영화를 본다면 상황에 따라 공부일 수도 있고, 휴식일 수도 있다. 그리고 어느 경우이든 모두 소중한 경험을 제공할 것이다. 누군가에게는 영화배우나 감독 등 전문가를 꿈꾸는 기회가 될 수도 있고, 누군가에게는 미처 몰랐던 역사적 사건이나 직업의 사람들을 이해하는 기회가 될 수도 있다. 또한 누군가에게는 영화 속 OST에 빠져 음악에 관심을 두게 되는 기회가 될 수도 있다. 공부든 휴식이든 놀이든 학교 안에서도 영화가 다양한 역할을 더 많이 했으면 좋겠다. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

지난해부터 국내외 영화제들은 행사를 무사히 개최하기 위해 노력 중이다. 온라인 오프라인 영화 상영을 병행하고, 관객과의 대화나 부대행사도 새로운 방식으로 진행하는 시도가 이어지고 있다. 오늘은 고군분투하며 개막을 준비하고 있는 제천국제음악영화제, 서울국제여성영화제, 서울국제대안영상예술페스티벌 등의 여름 영화제를 소개할까 한다. 더 많은 이들이 안전하게 다양한 영화를 통해 느끼고, 생각하고, 행동하며 즐기길 기대하는 마음에서다. - 음악과 영화의 만남, 제천국제음악영화제 제17회 제천국제음악영화제는 8월 12일(목)부터 8월 17일(화)까지 온/오프라인을 통해 개최된다. ‘영화, 음악, 자연이 조화의 조화로 한 여름을 수놓는 영화제’로서 여름밤에 즐기는 음악 콘서트 등의 야외 행사가 특색이다. 올해는 처음부터 관객 규모 등을 대폭 축소해, 25개국 116편의 음악영화 상영과 더불어 12개 음악 팀이 참여하는 여러 공연 프로그램을 준비했으나, 최근 격상된 거리두기 방침에 따라 야외 공연은 취소됐다. 영화 상영과 실내 행사의 관객 규모가 더 축소되어 안타깝지만, 그래도 실내 행사와 공연은 진행될 예정이라고 한다. 비록 제천국제음악영화제 만의 특색인 음악공연도 줄고, 예매 가능한 영화 관람 좌석 수도 줄었지만, 온라인으로 상영하는 영화는 늘어 아쉬움을 달랠 수 있다. 상영 예정 영화 중 국제경쟁, 한국경쟁, 올해의 큐레이터, JIMFFACE(짐페이스), 한국음악영화 복원 기획전을 제외한 모든 영화가 온라인 상영관으로만 진행할 예정이다. 국내 플랫폼인 웨이브(wavve)에서 영화제 기간 동안 온라인 상영관을 통해 영화를 즐겨보시길 바란다. - ‘예술과 노동을 묻다’ 서울국제대안영상예술페스티벌 뒤이어 올해로 21회를 맞는 서울국제대안영상예술페스티벌(이후 네마프)이 8월 19일(목)부터 8월 27일까지 롯데시네마 홍대, 서울아트시네마 등지에서 개최된다. 국내 유일의 영화와 전시가 함께하는 뉴미디어아트 대안영화제인 네마프에서는 주류 장편 상업극영화 시장에서 벗어난 영화들을 소개한다. 올해도 소위 실험영화, 비디오아트, 미디어아트, 대안 영상 등으로 불리는 20여 개국 영화 140여 편을 만날 수 있다. 네마프의 올해 슬로건은 ‘예술과 노동’으로 140여 편의 영화 상영을 통해 기계로 대체되는 시대에 예술과 노동의 가치와 현실을 묻는다. 보통 상업성과는 거리가 멀어야 한다고 인식되는 예술 작업 즉 예술 노동은 프리랜서, 비정규직, 백수, 심하게는 루저로도 칭해지기도 한다. 예술 창작을 위해 소모된 노동력이 무가치화 되는 그림자 노동, 무임금 노동 등 예술 노동이 가진 가치를 관객들과 함께 들여다볼 예정이다. 네마프 역시 처음에 준비했던 상영과 전시, 부대행사 등의 규모가 축소될 예정이지만, 영화제 전문 플랫폼에서 온라인으로도 상영될 예정이니, 이후 관련 상세 공지를 참고하면 다양한 새로운 영화를 만날 수 있다. - ‘돌보다 돌아보다’ 서울국제영성영화제 뒤이어 제23회 서울국제여성영화제가 8월 26일(목)부터 9월 1일(수)까지 메가박스 상암월드컵경기장, 문화비축기지에서 개최된다. 서울국제여성영화제는 세계 각국 다양한 여성영화를 만나는 동시에 다양한 주제 섹션, 포럼, 간담회, 강연 등의 행사가 특색인데, 올해도 여러 준비가 이뤄지고 있다. 올 영화제는 돌봄과 보살핌, 사려와 성찰의 의미를 담은 ‘돌보다 돌아보다’를 슬로건으로, 팬데믹과 페미니즘 백래시 시대를 견디고 돌파하고 있는 여성들을 초대해 서로를 응원하고 보살피고 어제와 지금을 성찰하며 내일로 향하고자 한다. 이를 위해 다양한 섹션을 통해 패미니즘 운동의 과거와 현재를 살펴보고, ‘여자들의 집’이란 테마로 영화 속 여성들의 공간도 주목한다. 또한 시작 여성영화와 퀴어영화도 볼 수 있다. 그리고 개봉 20주년을 맞은 ’고양이를 부탁해‘(감독 전재은)의 디지털 리마스터링 버전이 선보일 예정인데, 20년 전 IMF 시대 20대 여성들의 삶을 되돌아볼 기회다. 서울국제여성영화제 역시 온라인 상영과 행사를 확대해, 66편 (장편 44편, 단편 22편)의 영화를 온라인으로 상영하고, 스페셜 토크나 특별강연, 해외 감독 GV 등이 생방송 중계되거나 사전 녹화 송출될 예정이다. 한편 올해 쉬어가는 영화제도 있다. 미쟝센단편영화제와 인디다큐페스티발 등은 올해 영화제를 개최하지 않는다고 발표했다. 새로운 모습으로 빠른 시간 내에 돌아오길 기대해본다. 코로나19 확산 상황으로 영화제 참석이 더욱 꺼려질 수도 있다. 늘 가던 동네 영화관도 못 가고 있으니 말이다. 그러나 영화제마다 거리두기 지침을 따르며 고군분투하고 있다는 점 기억하길 바란다. 여의치 않다면, 온라인 관람, 참석이라는 새로운 방법도 있다. 여전히 수많은 영화인들은 우리의 삶을 다양한 방식으로 영화에 담아내고 있다. 늘 이야기하지만, 의외의 곳에서 의외의 방법으로 인생 영화를 만날 수 있다. 자신의 편견이나 선입관, 무지 등을 깨달을 수도 있고, 자신감, 동질감을 느끼며 혼자가 아니라는 연대감을 가질 수도 있다. 뜨거운 여름, 새로운 방식의 영화제를 안전하게 즐겨보시길 바란다! 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수

지난해 개봉 예정이었던 ‘블랙 위도우’(감독 케이트 쇼트랜드, 2021)가 지난 7월7일 우리나라를 비롯해 미국, 영국 등지에서 개봉됐다. ‘블랙 위도우’는 23번째 마블 시네마틱 유니버스 영화(이하 마블 영화)로서 어벤져스 멤버 중 블랙 위도우(스칼렛 요한슨 분)의 이야기를 담고 있다. 오늘은 마블 영화가 낯설어도 영화 ‘블랙 위도우’에게 의미를 좀 부여해볼까 한다. 다시 말해 ‘블랙 위도우’가 볼만한 이유 소개라 할 수 있겠다. 블랙 위도우라는 캐릭터가 처음 등장했던 건 2010년 ‘아이언맨2’(감독 존 파브로)에서였다. 배우 스칼렛 요한슨이 연기하기엔 비중이 덜 커 보이기도 했는데, 이후 2019년 ‘어벤져스: 엔드게임’(감독 안소니 루소, 조 루소)까지 7편에서 등장했다. (쿠키 영상 등에 잠시 출연한 영화까지 포함하면 9편이다.) 만약 마블 영화도 많이 보지 못했고, 캐릭터 블랙 위도우에 대해서도 별로 기억하는 게 없다고 해도 걱정할 필요는 없다. 그냥 새로운 영화를 보는 마음으로 보면 된다. 전편과 연결되는 마블 영화 특유의 깨알 디테일을 좀 놓칠 수는 있겠으나, 내용을 이해하고 인물에 빠져드는 데에는 어려움이 없다. 오히려 또 다른 감동을 할 수도 있다. 개별 영화로도 여러 의미를 충분히 담고 있기 때문이다. 무엇보다 ‘블랙 위도우’는 마블 영화 중 흔치 않은 여성 히어로 영화라는 점에 큰 의미를 부여할 수 있다. 마블 영화 23편 중 ‘캡틴 마블’(감독 애너 보든, 라이언 플렉, 2019)에 이어 두 번째다. 코로나19 상황으로 개봉이 1년여 지연되면서, 오랜만인 느낌이기도 하다. 블랙 위도우 나타샤를 비롯해, 동생 옐레나, 엄마 멜리나까지 해결사 여성 3인방 모두 초능력 소유자가 아니다 보니, 좀 다른 결의 히어로 영화기도 하다. 좀 더 현실적인 느낌의 히어로 영화로서 SF영화보다는 액션영화에 더 가깝다고 할 수 있다. 비 초능력자인 그들은 어린 시절부터 고도의 훈련을 받아, 두뇌와 신체를 모두 활용하는 능력자이다. 또한 나름의 계기로 각성하고 새로운 선택을 과감하게 한다. 나타샤는 이미 전향해 쉴드에 합류, 어벤져스의 일원이 됐고, 옐레나와 멜리나도 이 영화에서 과감한 선택을 하고, 행동한다. 느슨하게 남성 가해자, 여성 희생자라는 구도가 설정되어 있기는 하나, 단순한 성적 대결 상황으로 그려지지는 않는다. 특히 문제 해결 구도가 흥미롭다. 구원을 마냥 기다리는 여성 캐릭터나 민폐 여성 캐릭터, 무지막지 악녀 캐릭터도 등장하지 않는다. 그들에겐 문제 해결 능력이 있다. 각성한 여성 구원자가 연대를 통해 문제를 해결한다. 갈등하기도 하나, 협의가 가능하고, 서로 돕는다. 또한 이 영화는 가족 화해 영화의 모습도 지닌다. 비록 생물학적으로 연결된 가족도, 실제 가족도 아닌 스파이 임무를 수행하던 단기간 위장 가족이었지만 말이다. 1990년대 초 오하이오에서의 짧은 임무 수행 후 가족은 해체되었고, 어린 딸들은 스파이이자 전사로 길러지고, 엄마는 묵묵히 또 다른 임무를 수행하고, 아빠는 수감생활을 했다. 유대감이나 연대감과는 거리가 멀 것 같으나, 다시 만난 그들은 딱 가족 같다. 가족의 또 다른 의미 역시 생각해보게 된다. 그동안 어벤져스 멤버 중 아이언맨, 헐크, 토르, 캡틴 아메리카. 앤트맨, 닥터 스트레인지, 블랙 팬서, 캡틴 마블, 스파이더맨 등이 각자의 이름을 단 솔로 영화로 소개되어, ‘블랙 위도우’는 마블 솔로 히어로 영화로는 좀 늦었다고도 할 수 있다. 덕분에 ‘블랙 위도우’는 풍부한 레이어를 갖추었다. 이전 마블 영화를 잘 모른다 해도, 블랙 위도우라는 캐릭터가 지닌 여러 사연과 내공은 영화 내내 느껴진다. 사실 블랙 위도우는 이미 마블 영화 시리즈에서 중재자, 관리자, 리더의 면모를 보여 왔다. 이 영화에서는 그 면모의 근원을 볼 수 있다. 한편 마블 영화에 익숙한 관객이라면, 혹은 바로 이전 영화인 ‘어벤져스: 엔드게임’을 기억하는 관객이라면, 이번 영화 ‘블랙 위도우’를 보는 내내 또 다른 감정에 휩싸이게 된다. 이 영화의 시간적 배경이 ‘어벤져스: 엔드게임’보다 앞서기 때문에, 블랙 위도우의 미래를 인지한 채로 영화를 보게 되기 때문이다. 이미 널리 알려진 내용이긴 하지만, 이 글에서는 이 정도로 마무리하겠다. 혹 마블 영화가 낯설다면, 박진감 있는 인간 승리 영화이자 훈훈한 가족 영화의 면모를 액션 영화로서 ‘블랙 위도우’를 일단 만나보기를 바란다. 이후 이전 영화들까지 찾아보며, 또 다른 의미 파악의 재미를 누리는 건 각자 선택의 몫일 테고. 송영애 서일대학교 영화방송공연예술학과 교수