최근 스마트폰 캡처 사진이나 CCTV, 차량용 블랙박스 등 일상에서 찍힌 동영상 등이 주목 받은 일들이 있었다.‘백문이 불여일견’이라고 사람들은 공개된 영상들을 근거로 사실을 확인했다고 생각하기 쉽지만, 과연 그럴까. 어떤 일의 진위를 증명하거나 추측하는데 충분한 볼거리였을까. 직접 두 눈으로 보지 못했지만 카메라 렌즈를 통해 기록된 영상은 얼마나 믿을 만할까.필자는 별로 믿을 만하지 않다고 생각한다. 카메라 렌즈, 사람의 눈, 그리고 사람 자체가 모두 믿을 만하지 않다고 보기 때문이다. 볼거리 천지인 요즘 세상에서 ‘본다는 것’에 대한 이야기를 좀 해볼까 한다. 사진이나 영상으로만 본 것을 실제로 보게 되면, 예상보다 누군가의 키가 크다거나, 얼굴이 작다고 느낀 적이 종종 있다. 실제로 보니 생각보다 넓거나 좁은, 밝거나 어두운 공간도 있고. 카메라 렌즈는 우리 눈과 비슷하기도 하지만 종류에 따라 다양한 착각을 느끼게 할 수 있다. 소위 카메라발, 조명발은 꽤 자주 우리를 착각에 빠뜨린다.물론 우리의 눈이라고 완벽한 것은 아니라서 카메라나 조명의 도움 없이 아무리 직접 본다한들 ‘도깨비 길’ 같은 오르막 내리막에 대한 착시, 주변 다른 볼거리에 따라 길이가 짧아 보이거나 길어 보이는 착시 등을 느낄 수 있다. (영화 역시 빠르게 찍은 연속 사진을 빠르게 보여줄 때 우리의 눈에 일어나는 잔상효과 덕이지 않았던가?)착시효과 같은 것이 일어나는 상황이 아니라 해도 모든 사람들이 늘 모든 상황을 제대로 목격하는 것은 아니다. 하필이면 중요한 순간에 고개를 돌렸을 수도, 눈을 감았을 수도, 자리를 떴을 수도 있다. 게다가 누군가에 무언가에 가려져 결정적인 것은 못 볼 수도 있고, 어두워서 너무 멀어서 혹은 너무 넓어서 정확히 보지 못할 수도 있다.게다가 24시간, 365일 지켜보는 것은 사실상 불가능하다. 하필 내가 도착했을 때에는 이전과는 다른 양상의 일이 벌어지고 있을 수도 있다. 두 눈에 아무리 불을 켠다 해도 우리의 눈이 모든 것을 목격할 수는 없다.그래서 CCTV이나 차량용 블랙박스 영상에 더 믿음이 가기도 한다. 그러나 상대적으로 화질이 좋지 않은 이 영상들도 촬영 거리, 카메라 위치, 속도감 등에 따라 전혀 다르게 느껴지는 정보를 기록할 수 있다.사람이 직접 찍었든, 카메라가 알아서 찍었든, 편집이나 공개 과정에서도 얼마든지 변할 수 있다. 특정 의도나 목적에 따라 다르게 포장될 수 있기 때문이다. 음악이나 자막, 내레이션까지 입혀지면 더더욱 달라질 수 있다. 요즘 인기 있는 TV 리얼리티 프로그램들 역시 하루 이틀 내내 촬영이 진행되고, 심지어 벽이나 천장 등에 설치된 여러 대의 카메라로도 촬영이 되지만 결과적으로 방영되는 부분을 극히 일부분이다. 그 일부분을 보고 그들의 하루를, 이틀을 그리고 일상을 얼마나 정확히 판단할 수 있겠는가? 마냥 행복해 보이는 모습 뒤에 전혀 다른 모습이 숨겨진 것일 수도 있다.다양한 채녈에서 전달되는 텔레비전 뉴스들도 뉴스를 전달하는 관점에 따라 동일한 사건이 조금씩 혹은 꽤 많이 다른 뉴스처럼 보이기도 한다. 심한 경우 가해자 피해자가 바뀔 수도 있다. 다큐멘터리영화도 마찬가지이다.카메라 렌즈나 우리의 눈이 지닌 한계와 더불어 이 모든 것을 조종 할 수 있는 사람의 의도나 목적 때문에 우리 주변의 수많은 영상들은 신중하게 봐져야 한다. 하필이면 저런 식의 촬영, 편집, 그리고 자막이나 녹음, CG 등을 통한 보충 설명 덕분에 내 느낌과 판단은 달라질 수 있다.카메라가 미쳐 잡아 내지 못한 모습이 있을 수도, 편집 과정에서 삭제된 모습이 있을 수도 있고, 방송 편성에서 빠질 수도, 영화 개봉이 여의치 않을 수도 있다. 그리고 그 영상을 보는 이의 시각, 청각 컨디션이나 사고방식 등에 따라서도 전혀 다르게 해석될 수 있다.영화 '왝더독'(감독 베리 레빈슨, 1999)에서 미디어를 통해 전해지는 전쟁 소식은 대통령의 스캔들을 덮기위한 쇼다. 전생의 참상을 담은 영상은 세트에서 배우를 섭외한 영상이지만, 모두가 믿어버린다. 대본대로 진행한 백악관의 기자회견 영상 등이 곁들여져 누구도 이 가짜 영상들을 의심하지 않는다.결국 가능하면 다양한 영상들을 찾아보고, 그 다양한 영상들을 다양한 관점에서 바라보는 수밖에 없다. 그리고 보이는 게 전부가 아님을, 보이지 않은 부분들도 존재한다는 것을 인지할 필요가 있다. 특히나 보이는 것을 근거로 누군가 비난하는 경우라면 더더욱 말이다.무엇보다 볼거리가 넘쳐나는 세상에서 굳이 안 봐도 될 것들은 쿨 하게 패스할 필요가 있는 요즘이다.서일대 영화방송과 외래교수

단성사는 ‘우리나라 최초의 영화관’이 아니다최근 오랜만에 단성사 소식을 접했다. 종로 3가에 위치한, 서울 시내 대표 영화관이었던 단성사가 경매 끝에 낙찰됐다는 기사를 통해서다.2년 7개월 전, 경매 시장에 나온 단성사 건물은 3차례 유찰 끝에 지난 12일 575억원에 최종 낙찰됐다. 관련 기사들에는 낙찰가에 대한 평가, 이후 수익 전망 등이 곁들여졌다. 또한 ‘최초의 영화관’이라는 수식어가 따라붙어 역사가 깊은 영화관이라는 점이 강조되기도 했다.그 기사들을 보며 여러 생각들이 겹쳤다. 영화를 공부한 사람으로서 가장 먼저 ‘최초의 영화관이 아닌데…’라는 생각이 등었고, 비록 예전 모습은 사라진 채 지하 4층에 지상 10층의 빈 건물이지만 여전히 단성사 건물로 통한다는 점이 신기했다. 이 칼럼을 처음 시작했을 때 ‘응답하라 그때 그 시절 극장傳’ 이라는 제목의 글에서 ‘사라진 옛 영화관들’을 다룬 적이 있다. 이번 글은 아마도 앞선 글의 1.5탄 쯤 될 것 같다. 단성사를 비롯해 그 시절 그 영화관들은 어쩌다 사라지게 된 걸까.우선 어쩌다 단성사는 ‘우리나라 최초의 영화관’이라는 타이틀을 갖게 됐을까. 의외로 대다수의 기사에서 이런 표현을 써서 사실 좀 놀랐다. 1907년 영화관이 아니라 공연장으로서 문을 연 단성사는 그 시절 다른 공연장처럼 이따금씩 수입 영화를 상영하기도 하다가, 1913년부터는 영화 상설관으로, 1918년부터는 영화 전용관으로 운영됐다.단성사가 생기기 전인 1903년부터 영화 상설관으로 운영되던 ‘동대문활동사진소'(이후 광무대)나 1910년부터 운영된 ‘경성고등연예관’ 등이 있었으니, 단성사를 우리나라 최초의 영화 상설관이나 영화관으로 보는 것은 무리가 있다. 아마도 비록 수년째 영업을 중단했지만, 현재 남아있는 영화관들 중 가장 오래된 영화관이라는 의미로 얘기되던 것이 와전된 것이 아닌가 싶다.전에도 언급했지만, 역사 속에서 ‘최초’ 라는 타이틀은 기준에 따라 다르게 부여될 수 있다. 초기 한국영화들도 남아있지 않고, 영화관이나 영화인 관련 자료 역시 마찬가지여서 앞으로 추가적인 업데이트가 필요할 수도 있겠지만 어쨌든 단성사가 최초의 영화관이 아닌 것은 분명하다. 물론 그렇다고 단성사의 역사적 가치마저 떨어지는 것은 절대 아닐 것이다.  필자가 기억하는 영화관 단성사는 단성사 역사의 끝자락에 해당된다. 1993년 ‘서편제’(감독 임권택)를 보기 위해 건물 밖에서 줄을 길게 섰던 기억은 아직도 생생하다. 사람 정말 많았다. 당시 한국영화 역사 상 첫 서울관객 100만명을 넘긴 영화가 개봉된 영화관이 되었지만, 이미 위기 상황은 다가오고 있었다. 서울 도심 종로와 을지로 등지에 위치한 1000석 이상의 오랜 영화관들 모두 마찬가지였다.1970년대 강남 등 서울 부도심, 변두리 지역이 개발되기 시작하면서 서서히 서울 도심 지역 분위기가 변화되는데, 1980년대에 이르면 유동인구도 줄었고, 영화 관객도 줄었다.(당시 텔레비전 방송이 시작된 것도 영화 관객 감소의 큰 이유였다) 게다가 1981년에는 공연법이 완화되어 영화관 신축이 쉬워지고 개봉관 기준도 사라져 좌석 300석 이하의 소극장은 허가 없이 신고만으로 개관될 수 있게 된다. 마침 개발이 활발해지고 있던 서울 부도심, 변두리 지역에 신축 영화관 20여 개가 들어서는 데는 불과 1년이 걸렸다.그래도 규모가 작은 영화관들이다 보니 주로 개봉관과 재개봉관을 왔다갔다 하며 영업을 했는데, 1987년 영화법 개정으로 영화시장이 개방되면서 상황은 변한다. 얼마 전 ‘영화관에 뱀이 풀렸던 이유는?’이라는 제목의 칼럼에서도 다뤘지만, 1986년 영화법 개정으로 미국 메이저 영화사의 영화들이 국내 수입업자를 통하지 않고 직접 배급되기 시작했을 때, 도심 대규모 영화관들은 직배 영화 상영을 선뜻 시작하지 못했다.적어도 한 동안은 오랜 공생 관계를 유지했던 영화제작/수입자들과 비슷한 입장을 취했던 것인데, 이때 직배사들이 취했던 차선책은 바로 여러 소극장에서 동시 개봉을 하는 것이었다. 도심에 있는 1000석 이상의 기존 영화관을 잡지 못한 대신, 300석 규모의 영화관 여러 곳을 확보하는 식이었다. 기존 도심 지역 이외의 소극장들로 관객들이 몰리면서 이 영화관들의 개봉관으로서의 입지도 확실해진다.영등포에 있던 명화극장(1982~2002), 신촌의 크리스탈극장(1985~2007, 1994년부터는 그랜드시네마), 브로드웨이극장(1989~현 롯데시네마 브로드웨이), 씨네하우스(1985~2002), 동아극장(1985~2004, 2000년부터 주공공이, 현 CGV 강남) 등 1980년대 개관한 영화관들을 기억하시는지? (이들 대부분이 사라진 상태)2003년 새로 지어진 단성사 건물(2005년 모습)개봉관들이 많이 생기면서 오랫동안 서울 지역 개봉관으로 독점적 역할을 해오던 십여 개의 도심 영화관들이 어려움을 맞는 것은 당연했다. 영화 한 편이 영화관 한 곳에서만 개봉되는 시절이 끝난 것이다.물론 이 시기 생간 영화관들 역시 2000년대 초반이 되면 기존 영화관들과 함께 위기를 맞게 된다. 1998년 문을 연 CGV 1호점을 시작으로 멀티플렉스 체인 영화관은 전국적으로 급속하게 확대되기 때문이다. 기존 영화관들 중 단성사나 명보극장, 대한극장, 서울극장, 피카디리극장, 중앙극장 등은 2000년대 전후 멀티플렉스로의 변신을 시도한다. 내부 수리를 통해 기존 1천 석이 넘었던 상영관을 여러 관으로 나누는 경우도 있었고, 아예 건물을 신축하는 경우도 있었다.1958년에 개관된 대한극장은 2001년에는 현재의 모습으로 재개관되어 현재에 이르고 있다.  단성사 맞은편에 1958년 개관된 피카디리극장 역시 2004년에 멀티플렉스 극장으로 재개관되었고, 2010년부터는 롯데시네마 피카디리로 운영되고 있다. 1969년에 개관된 허리우드극장은 1997년 기존 상영관을 3개로 나누어 현재는 허리우드 실버영화관, 서울아트시네마 등으로 운영되고 있다. (서울아트시네마는 3월 말로 10년 동안의 허리우드극장 시절을 마무리하고, 서울극장(1958~ )으로 자리를 옮길 예정)변화를 시도했지만 결국 문을 닫은 곳도 있다. 1922년 개관해 1998년 3개 상영관으로 개축되고, 2000년에는 2개관이 증설되며 중앙시네마로 이름을 바꿨던 중앙극장은 2009년 오랜 주인이 바뀌었고, 2010년에는 결국 폐관됐다. 곧 건물도 헐렸다.단성사도 1998년 2관을 개관하는 변화를 시도했지만, 2001년 소리 소문 없이 기존 건물은 헐리고 주차장으로 사용되었다. 당시 뒤늦게 철거 소식이 전해지면 많은 사람들이 충격에 빠지기도 했다.2003년 지금의 건물이 완공되어 단성사라는 이름도 유지하며 스크린 7개를 갖춘 멀티플렉스로 재개관되었으나 나머지 층의 상가 분양에 어려움을 겪으며 2008년에 부도 처리되어, 1962년 이후 처음으로 주인이 바뀌었다. 매각 후에도 영화관 영업은 한동안 지속되었지만 곧 중단되었고, 2010년 건물 전체는 리 모델링을 이유로 높은 펜스에 둘러싸였다. 그리고 2012년 경매에 넘어갔고, 얼마 전 또 다른 주인을 만났다.단성사 건물이 앞으로 어떤 모습으로 다시 문을 열게 될지 아는 사람은 별로 없다. 다시 영화관 영업을 시작할지, 아니면 그저 건물 이름으로만 남을지, 아니면 그나마도 아니어서 중앙극장, 국도극장, 스카라극장, 아세아극장, 크리스탈극장, 씨네하우스 등처럼 흔적도 남지 않고 사라질지 알 수 없다.지역 분위기와 영화 관람 형태 등이 급변하는 세상에서 옛 영화관들이 변하거나, 사라지는 것은 당연한 일일지 모른다. 사실 어린 시절 살던 집 동네가 완전히 바뀌어버린 사람들도 적지 않을 것이다.그래도 ‘100년 역사가 넘는 영화관 하나쯤 남아있다면 얼마나 좋을까’라는 현실감각 없는 아쉬움이 드는 건 어쩔 수 없다. 1936년 영화관 명치좌로 개관돼 시공관, 국립극장, 금융사 등으로 이용되다 현재는 ‘명동예술극장’으로 운영 중인 건물이 조만간 100년을 맞기는 하겠지만.언젠가 다시 문을 열게 될 단성사 건물에 옛 영화관 시절을 추억할 수 있는 공간이 조그맣게나마 마련되면 좋겠다는 바람도 가져본다.서일대 영화방송과 외래교수

‘스크린독과점’ 논란에 대해 하고 싶었던 말사회 곳곳에서 벌어지고 있는 소위 ‘갑질’ 논란이 끊이지 않는 요즘이다.영화판도 예외는 아니어서 영화 한 편을 기획·제작하는 것부터 최종적으로 상영하는 과정까지 여러 종류의 불공정한 일들이 벌어지고는 한다.그 중 대표적인 경우가 바로 요즘 자주 거론되는 ‘스크린독과점’ 문제일 것이다. 글자 그대로 특정 영화들이 많은 스크린을 차지하면서 다른 영화들은 상영 기회조차 빼앗기고 있다는 것인데, 이런 독과점 상태가 지속되면 한국영화 산업이 붕괴될 수도 있다는 우려가 제기되고 있다.여기서 특정 영화들이란 바로 대기업 멀티플렉스 체인 영화관과 계열사 혹은 자사 관계인 투자배급사가 배급하는 영화들을 일컫는다.   예를 들어 2014년 국내 박스오피스 1위 영화인 ‘명량’(감독 김한민)은 CJ E&M이 배급한 영화로 최대 1587개 스크린에서 상영됐고, ‘명량’보다 한 주 늦은 8월 6일에 개봉한 롯데엔터테인먼트 배급의 ‘해적’(감독 이석훈)은 최대 868개 스크린에서 상영된 바 있다. 두 영화가 상영된 시기의 정확한 전국 스크린 수는 알 수 없지만 2014년 12월 현재 2281 개와 크게 다르지 않았을 상황에서 두 영화가 상영된 스크린 수가 실로 어마어마했음은 짐작할 수 있다.(영화관입장권통합전산망 참고)필자도 당시 멀티플렉스 영화관에 가면 이미 본 이 두 영화 이외엔 쉽게 볼만한 영화가 별로 없었던 기억이 난다.인기 있는 영화가 많은 스크린에서 상영되는 것은 당연한 일일 것이다. 하지만 한두 편의 영화가 국내 스크린의 대부분을 차지해버린다면 문제가 아닐까. 그리고 인기를 제대로 확인해 보기도 전인 개봉 직전 혹은 직후부터 배급사와 영화관의 관계에 따라 유 불리한 상황이 벌어진다면, 당연히 불공정함을 호소하는 측이 생길 수밖에 없다.국내 최대 멀티플렉스 체인인 CJ CGV는 같은 CJ그룹 계열사로서 방송, 영화, 음악, 공연 사업을 하는 CJ E&M(이하 CJ)이 투자 배급한 영화들에게, 롯데쇼핑(주)롯데시네마 역시 자사인 롯데쇼핑(주)롯데엔터테인먼트(이하 롯데)의 투자 배급 영화들에게 스크린 수, 상영 기간, 홍보 마케팅 등에 대해 특혜를 주고 있다는 의혹은 근래 계속 있어왔다.그리고 작년 12월 공정거래위원회가 두 회사에 대해 과징금 부과와 시정 명령을 결정해 이런 의혹들이 사실로 드러나기도 했다. 관련 뉴스들도 쏟아지고 있어서 이미 익숙한 논란이겠지만 얼마 전 한국영화진흥위원회에서 발표한 ‘2014년 한국영화산업 결산’과 ‘2003년 한국영화산업 결산’ 자료의 통계를 짚어보며 ‘스크린독과점’의 심각성을 간략하나마 확인해 볼까 한다.2014년 현재 국내 대표적인 멀티플렉스 체인 영화관은 CGV, 롯데시네마, 메가박스다. 3대 멀티플렉스가 운영하고 있는 스크린(상영관) 수는 2,098개로 국내 전체 스크린 2281개 중 92.0%을 차지하고 있다.이 중 이번에 공정거래위원회의 제재를 받은 CGV와 롯데시네마의 스크린 수는 각각 948개와 698개로 전체 스크린의 72%에 달한다. 멀티플렉스 영화관이 계열 투자배급사의 영화 상영에 특혜를 주게 되면, 같은 시기 개봉한 다른 영화들은 치명적인 피해를 볼 수밖에 없다. 대안으로 문을 두드릴 수 있는 멀티플렉스 스크린 이외의 다른 스크린이 너무 적기 때문이다.그렇다고 극장 매출을 포기하고, 대안으로 선택할 수 있는 다른 매출 창구가 있는 것도 아니다. 안타깝게도 우리나라에서 부가시장 매출을 통해 극장 매출 부진을 만회할 가능성은 현실적으로 높지 않다.    2014년 한 해 국내 극장입장권 매출은 1조6641억 원으로 사상 최대였다. 반면 대표적인 부가시장인 국내 디지털 온라인 시장 매출은 2,971억 원으로 극장 매출의 17% 수준에 그쳤다. 디지털 온라인 시장은 과거 비디오 시장을 대체한 시장으로 거의 붕괴 직전까지 갔다가 최근 들어 IPTV 및 디지털케이블TV 케이블의 VOD매출 증가로 회복되고 있기는 하다. 하지만 과거 비디오 시장과 비교해 크게 축소된 상황이다.2003년 통계만 보더라도, VHS/DVD 매출액은 7390 억원이었다. 이중 비디오 대여점과 감상실 매출, 판매 매출 합계는 5290억 원이었는데, 같은 해 극장 매출액은 6327 억 원이었다. 극장 매출과 큰 차이가 나지 않는 부가시장이 존재하다보니 또 다른 기회를 가질 가능성이 있었다.그렇다고 한국영화는 미국영화처럼 자국 내 영화 시장에서보다 더 큰 매출 확보가 가능한 해외 시장을 갖고 있는 것도 아니다. 작년 한 해 한국영화의 해외 매출(완성작/서비스 수출 매출)은 6308만 달러(약 690억원, 환율 1100원 적용)에 불과했다.2003년과 2014년 한국 영화시장을 그저 숫자로 단순 비교하는 것은 무리가 있지만, 2014년 현재 극장 매출 의존도가 얼마나 심화되었는지는 확인 할 수 있다. 어떻게든 극장 매출을 높이는 수밖에는 없는 것이다. 물론 스크린을 많이 확보한다고 흥행이 보증되는 것은 아니지만, 제대로 확보해보지도 못한다면 얼마나 막막한 일이겠는가.요약해보면, 현재 한국영화는 국내 영화관에서 매출을 제대로 내지 않으면 제작비를 회수할 대안이 거의 없는 상황이다. 영화 매출의 절대 부분을 차지하는 극장 매출은 얼마나 많은 스크린에서 얼마나 자주 영화를 상영하느냐에 따라 결정되는데, 국내 스크린의 대부분을 차지하고 있는 멀티플렉스의 협력 없이는 불가능한 일이다.그런데 이런 상황에서 몇몇 영화의 스크린독과점이 발생한다면 다른 영화들은 상영 기회조차 얻기 힘들어진다. 상영 기회를 얻는 것이 힘들어진다면, 다양한 한국영화 제작이 얼마나 지속될 수 있을지 의문스럽다. 또한 다양한 외국영화를 영화관에서 만나보는 것도 힘들어질 것이다.2014년에 상영된 영화는 총 1188편이었고, 이중 한국영화는 247편이었다. 그리고 CJ와 롯데는 각각 30여 편의 영화를 배급했다. 모든 영화들이 대규모 상영을 전제로 제작되지는 않았겠지만, 한국영화와 외국영화 통 털어 꽤 많은 영화들이 한정된 스크린을 두고 얼마나 심한 경쟁을 벌였을지는 알 수 있다.  무엇보다 스크린독과점으로 인한 가장 큰 피해자는 멀티플렉스 영화관을 찾는 관객이다. 다양한 영화를 멀티플렉스 영화관에서 편안하게 만날 기회를 빼앗기고, 내 취향에 맞을지도 모르는 영화들이 제작조차 되지 않거나 수입조차 되지 않아 점차 감동 받을 영화를 만날 기회가 줄어들 수 있다.최근 스크린과 상영시간 확보에 어려움을 겪었던 ‘개를 훔치는 완벽한 방법`(감독 김성호, 2014)스크린독과점을 방지하기 위한 법적인 조치 등 다양한 해결안들이 거론되고 있고, 개선 노력도 가시화 되고 있지만, 워낙 다른 입장들이 상충하다보니 협의를 위한 시간이 걸릴 것으로 예상된다. (스크린독과점 이외에 매출 분배 비율 등 난제가 더 있기도 하다)개선 노력 중의 하나로 작년 말부터 영화관입장권통합전산망(www.kibis.or.kr)을 통해 상영 중인 영화의 멀티플렉스 체인별 스크린 수와 상영회수가 추가로 공개되고 있다. 앞서 다양한 영화 관람을 위한 정보를 얻을 수 있는 곳으로 소개하기도 했던 이곳에서 이제부터는 체인별 스크린 수와 상영회수도 가끔씩 살펴보길 권하고 싶다.유독 많은 스크린에서 여러 번 상영되는 영화 때문에, 새로운 영화 감상에 불편하지는 않은지 의심과 감시의 눈길을 주는 것은 어떨까. 물론 숨겨진 영화 감상을 위해 멀티플렉스 이외 다른 영화관을 방문해보는 것도 다시 한 번 추천하다. 매출이 공개되는 합법적인 부가시장에서 대가를 지불하고 영화를 감상하는 것은 부가시장 확대에 도움이 될 것이다.지금은 영화시장에서 최종적인 ‘갑’이라고 할 수 있는 관객들의 인식 변화와 행동 변화가 필요한 때다.서일대 영화방송과 외래교수

1989년 서울 시내 극장 몇 군데에 뱀이 풀린 사건이 있었다. 뱀뿐만이 아니었다. 그 땐 화염병, 최루탄 등 사람 많은 좁은 공간엔 절대 등장하면 안 되는 것들도 종종 극장에 출몰했었다.다행히 인명 피해는 없었지만(이후 법적 처벌은 이루어졌고), 이런 위험천만한 일을 벌인 사람들은 바로 영화인들이었다. 이유는 영화관에 대한 불만 때문이었는데, 특정 미국영화들을 상영하고 있었기 때문이었다.영화관의 미국영화 상영이야 늘 있는 일인데 뭐가 문제였던 것일까? 문제는 ‘직배’ 즉 ‘직접 배급된’ 미국영화를 상영하고 있다는 점이었다.당시 영화인들은 직배 미국영화의 극장 매출이 고스란히 미국으로 송금되는 상황을 걱정했다. 그동안은 국내 수입사가 외국영화 판권을 수입해 배급했기 때문에, 영화관과 수입사가 매출을 분배해 국내에서 그 돈이 돌았다는 것. 그 중 일부는 한국영화 제작비로도 투입되었고. (사실 수입 당시 목돈이 이미 미국으로 건너갔지만) 직배 미국영화 상영 확대는 한국영화 제작 축소로 이어질 거라는 위기감이 팽배했다.1984년 영화법 5차 개정 이전까지는 법적으로 영화 제작업자와 수입업자가 일원화 되어있었기 때문에 수입사가 버는 돈은 제작사가 버는 돈이기도 했다. 오로지 한국영화를 제작하는 회사만이 외국영화를 수입할 수 있도록 약 20여개의 회사만을 허가해주던 시절이었으니까 말이다.영화법 5차 개정 이후 영화업이 허가제에서 등록제로 바뀌고, 제작업과 수입업이 분리되었지만 여전히 국내에서 영화 업종을 할 수 있는 자격은 한국인, 한국법인에게만 주어졌다. 그리고 연간 수입영화 편수도 여전히 제한되어 한국영화 시장은 보호되었다. 물론 누구나 영화 제작과 수입을 할 수 있게 되면서, 경쟁은 치열해졌다.그러던 차에 1986년 발표된 영화법 6차 개정 내용은 영화인들에게 충격이었다. 1987년 7월부터는 외국인, 외국법인도 국내에서 영화 업종을 할 수 있게 되면서 국내 영화시장의 개방을 예고하였기 때문이었다. 우리끼리 서로 경쟁하는 것에 채 적응이 되기도 전에 외국인들과의 경쟁 상황이 열린 것이다.지금이야 너무나 당연해졌지만 영화시장이 개방되면서 미국 영화사들이 국내에 지사를 차리고 본인들의 영화를 직접 배급할 수 있게 된 것이었다. 난리가 났다. 단순히 영화관에 미국영화가 많이 걸리게 된 것을 걱정했다기 보다는, 꽤 오랫동안 한국영화계의 돈줄은 수입 외국영화로부터 나왔기 때문에 국내 수입업자들이 괜찮은 미국영화를 수입할 수가 없게 된 상황을 걱정했다.영화 '위험한 정사'(감독 애드리안 라이, 1987) 포스터.1988년 다국적 영화 배급사인 UIP가 직배영화 1호 작인 ‘위험한 정사’(감독 애드리안 라이, 1987)를 국내에서 배급했다. 당시 개봉관 잡기는 여의치 않았다고 한다. 당시 소수의 영화사나 수입사와 동거 동락해온 기존 소수 개봉관들은 쉽게 직배영화에 문을 열어주지는 않는 분위기였다.주로 소규모 영화관에서 직배영화가 상영되었는데, 서울 도심 종로, 을지로 인근 1000 석 이상의 영화관을 뚫지는 못했지만, 신촌, 명동, 강남 등지의 소규모 영화관 여러 곳에서 동시 상영하는 식이었다. 당시는 멀티플렉스가 등장하기 이전으로 대부분의 영화가 한두 개 극장에서 개봉되던 시절이었기 때문에, 나름 신선한 시도이기도 했다. (물론 단계적 개방 조치로 한 번에 여러 벌의 필름 프린트를 사용할 수는 없어서, 마냥 많은 스크린을 확보할 수도 없었다)그러다 1989년이 되면서 상황이 바뀌기 시작했다. 아카데미 수상작인 ‘레인맨’(감독 베리 래빈슨, 1988)과 스티븐 스필버그 감독의 ‘8번가의 기적’(1988) 등이 직배로 배급되기 시작하면서 관객들의 반응도 컸고, 영화관들도 흔들리기 시작했다.바로 이즈음 뱀, 화염 병, 최루탄 투척 사건들이 발생한 것이다. 특히 영화배우나 영화감독 출신이 운영하는 영화관들은 더욱 타겟이 되었다. 일종의 원망이 쏠렸던 것.그래도 마지막 보루는 있었다. 스크린쿼터 제도 말이다. 영화법 5차 개정으로 스크린쿼터 즉 한국영화 의무상영일수는 연간 146일로 강화되었다. 국내 영화관이라면 연간 상영일 중 4/5 이상은 한국영화를 상영해야했으니 말이다. (약 20일 정도의 증감이 가능하긴 했다.)최근에도 영화관에 대한 영화인들의 불만의 목소리가 커지고 있다. 1980년대 후반 뱀이 풀렸던 때와 비교하면 많은 것이 다르다. 직배된 미국영화를 상영하기 때문이 아니라, 대기업이 운영하는 멀티플렉스 상영관이 자사 계열 회사가 투자 배급하거나 제작에 관여한 한국영화들에게 특혜를 주고 있다는 의심 때문이다.한국영화 매출의 대부분을 차지하는 국내 극장 매출은 매우 중요한 부문이다. 그런데 특정 영화들이 더 많이 오랫동안 상영이 된다면, 그만큼 다른 영화들은 기회를 잃을 수 있다는 의미이니 민감해질 수 밖에 없다. 더욱이 이제는 스크린쿼터 마저 축소되어 연간 73일 이상만 한국영화를 상영하면 되니 한국영화 제작사가 믿을 구석도 줄었다.영화의 흥행 예상 혹은 결과에 따라 스크린을 분배한다고 멀티플렉스 측은 항변하지만, 그동안 특정 영화의  상영 취소나, 예약 취소, 대관 취소 등의 사례들을 떠올려 볼 때, 영화 상영 여부를 결정하는 과정에 다른 기준과 논리들도 작용하는 것은 아닌지 의심이 되기도 한다.영화를 만드는 사람들과 상영하는 사람들의 관계는 예나 지금이나 조금 복잡하다. 서로 꼭 필요하지만, 이해관계가 얽히기도 하는 그런 관계라고 할까?영화인과 영화인들 사이에 불공정한 갑질이 난무하는 갑을 관계가 아니라 함께 윈윈하는 파트너 관계 형성을 위한 현명한 방법은 없는지 고민하게 되는 요즘이다. 물론 그 옛날 결국 효과도 별로 없었던 그런 폭력적인 방법은 피해서!서일대 영화방송과 외래교수

대다수의 사람들은 자연스러운 것을 좋아한다. 억지스럽고, 인위적인 것보다는 있는 그대로라고 여겨지는 자연스러운 것을 선호한다. 그러나 자연스러워 보이는 것이 진짜 자연스러운 것인지는 한 번 따져 볼 필요가 있다.‘자연화’라는 말이 있다. 사전적 의미로 '문화적이고 역사적인 것을 자연적인 것으로 인식하게 하는 과정'을 뜻한다. 다시 말해 어떤 것을 어쩔 수 없는 것, 원래 그런 것으로 인식하게 해 배경, 상황 등을 잊게 만드는 과정을 자연화라고 한다.예를 들어, 세계 영화 시장에서 절반을 훌쩍 넘는 점유율을 차지하고 있는 미국영화의 ‘자연화’에 대해 살짝 살펴보자.사실 자국영화보다도 타국영화인 미국영화의 관객 점유율이 높은 국가들이 더 많다는 사실은 매우 부자연스러운 일일 수 있다.전 세계 관객들이 '미국영화'를 즐기는 데에도 이 '자연화'가 거론된다. 보통 '자국영화를 제작하는 것보다 미국영화를 수입하는 것이 이윤이 더 남아서'  '입장료가 저렴해서' '나라별 정책의 문제' 등 정치·경제적인 이유도 크게 작용하지만 말이다.많은 관객들이 미국영화를 보고 이해하는 데 별 문제가 없다는 것이다. 자연스럽게 내용을 이해하는 것이 가능하다는 것이다. 즉 미국영화에 ‘자연화’가 작동되고 있다는 것이다. 잘 만들어졌다는 프랑스 영화나 일본 영화를 볼 때 드는 낯설음과 자주 비교되는 그런 익숙함 말이다.필자의 경우에도 미국영화들을 어려서부터 워낙 자주, 많이 접했다보니 당연히 익숙해질 수밖에 없었다. 미국영화에 등장하는 인물들의 생각이나 행동들은 사실 자연스러워 보이기 위한 지극히 인위적인 작업을 통해 탄생되는 데도 말이다. 배경 지식 없이도 누구나 쉽게 영화를 이해할 수 있도록 보편적이라고 여겨지는 요소들을 선택하고, 최대한 개인의 이야기로 포장한다.보통 정치, 경제, 사회, 역사적 배경 상황들은 축소시키거나 생략시키고, 대신 ‘매드 맨’이라고 하는 인물들을 등장시키는 식이다. 영화 속에서 벌어지는 문제는 보통 비정상적인 특정 개인 때문에 벌어진다. 문제 해결 역시 우리의 멋진 주인공 즉 개인에 의해 이루어진다.그리고 ‘자연화’의 마지막 단계인 영화 관람 단계에서 관객들은 별 다른 불편함 없이 감정 이입도 하고, 앞 뒤 논리도 파악하며 자연스럽게 영화에 빠져들고 이해한다.2시간 안팎이라는 짧은 시간 안에 몇몇 인물을 등장시켜 많은 사람들의 정서에 호소하기 위해서는 보편화, 단순화, 개인화를 선택하는 것은 불가피할지도 모른다. 그리고 영화를 공부하려 보는 것도 아닌데, 관객 입장에서도 편한 일일 수 있다.그러나 이러한 과정에서 역사 왜곡이나 사실 축소, 편견의 재생산 등이 이루어지는 것 역시 피하긴 어렵다. 특히 여러 영화에서 비슷한 관점이 반복되고, 관객들도 별 저항을 하지 않는다면 더더욱. 이는 미국영화 뿐만 아니라 모든 영화가 마찬가지다.조금 옛 영화인 데다 어린이용 영화였지만, 디즈니 만화영화 ‘포카혼타스’(감독 마이클 가브리엘 외, 1995)를 기억하시는지?이 영화에서 북아메리카 원주민 즉 인디언들과 영국인들 사이의 갈등은 탐욕적인 영국인 총독 랫클리프 때문에 발생한 것이고, 전쟁 직전까지 간 이 갈등은 평화를 사랑하는 인디언 포카혼타스와 착한 영국인 스미스에 의해 해소된다.이 영화는 이전 디즈니 만화영화와는 확연히 달랐었다. 남성 중심적이고, 백인 중심적이라는 비난을 받으면서 즉 디즈니 만화영화에 ‘자연화’ 되지 못하는 관객들이 증가하면서 여러모로 이전 영화들과는 달라졌다.‘포카혼타스’에서 여주인공 포카혼타스는 백인 여성도 아니었고, 단순히 신랑감을 찾는 여성도 아니었다. 자연과 평화를 지켜내는 전사로 그려졌다. 비록 백인과의 사랑은 결실을 맺지 못했지만 말이다.그렇다고 이런 변화에 대해 긍정적인 반응만 있었던 것은 아니다. 어김없이 등장한 역사 왜곡 문제가 있었다. 실존 인물인 포카혼타스는 백인들 사이에서는  ‘백인들이 문명화 시킨 인디언 1호’로 통했지만, 인디언들 사이에서는 배신의 아이콘이었다고 한다. 그녀의 삶이 영화 속 삶과는 많이 달랐다는 것과 더불어 신대륙 발견이 아니라 침략으로 평가될 수도 있는 역사의 한 부분을 개인적 일탈로 왜곡했다는 비판도 있었다.이 영화가 포카혼타스에 대한 다큐멘터리 영화도 아니고, 그저 어린이 용 영화일 뿐인데 너무 진지하게 영화를 바라보는 것이 아니냐는 의견도 가능할 것이다. 동시에 어린이 용 영화이니 더더욱 역사적 상황 설정에 신중을 기해야 한다는 의견도 가능할 테고.영화에 대해 ‘자연화’를 생각하다보면 이렇게 영화가 담고 있는 시선이나 시점뿐만 아니라, 관객이 영화를 받아들이는 시선과 시점들도 파악할 수 있다. 보여 지는 대로 자연스럽게 받아들여지는 경우가 있는가하면, 부자연스럽고 불편한 경우도 있다.그래서 영화를 통해 세상을 볼 수 있다고들 하는 것일까? 단순히 영화의 내용을 통해 몰랐던 사실을 알게 되었다는 의미가 아니라, 영화를 만들어내고 있는 시점, 그 영화를 받아들이고 있는 시점들을 알게 되었다는 의미로 말이다. “이런 생각과 저런 생각들이 존재하고, 갈등하고 있구나”하는 식으로.어제의 자연스러움이 오늘의 부자연스러움으로 다가올 수도 있을 것이다. ‘여성을 저런 식으로 보여주다니’, ‘저 지역을 저리 보여주다니’, ‘저 시절을 저렇게 미화시키다니’ 등등 세상과 사람들의 생각은 워낙 다양하고, 게다가 끊임없이 변화되니 당연한 일일 것이다.어떤 영화를 보고 마냥 무엇인가나 누군가가 좋아지거나, 싫어진다면 혹시 ‘자연화’는 아닌지 잠시 생각해봤으면 좋겠다. 내가 느끼는 자연스러움이 어떤 축소와 생략, 더 나아가 왜곡을 바탕으로 한 것은 아닌지 말이다.재밌자고 보는 영화 때문에 깊이 공부까지 할 필요는 없겠지만, 자연스러워 보임에 빠져 나도 모르게 세상에 대해 좁은 시선을 갖게 되는 것은 아닌지 가끔은 삐딱해 보면 어떨까 싶다. 관객들의 삐딱한 반응 없이 세상을 담아내는 영화는 다양할 수 없고, 변할 수도 없기 때문이다. 이 얼마나 무서운 일이겠는가?서일대 영화방송과 교수

영화 ‘아내’(감독 임권택, 1976)요즘 영화 한 편을 놓고 영화 밖에서 여러 얘기들이 오가는 것을 보다 보니, 문득 ‘우수영화’에 대한 보상 제도가 시행되던 시절이 떠올랐다. ‘새마을영화’, ‘반공영화’ 등 이름의 선전영화나 계몽영화들이 ‘우수영화’로 선정되던 시절….소위 ‘우수영화’로 선정된 영화들 중 상업적으로 높은 인기를 누린 영화는 극소수였지만, 1960~70년대 내내 꽤 여러 작품들이 지속적으로 제작되었다. 1960년대에 비해 영화 관객 수가 급감했던 그 시기에 말이다.흥행여부와는 상관없이 지속적으로 제작될 수 있었던 가장 큰 이유는 바로 ‘우수영화’에 대한 보상제도(혹은 규제) 때문이었다. 1958년 발표된 ‘국산 영화 제작 장려 및 영화 오락 순화를 위한 보상 특혜 조치’로서 우수영화, 영화 수출, 문화영화 수입에 대한 보상이 시작됐다. 우수영화로 선정된 영화에게는 확실한 돈벌이라 할 수 있는 외국영화 수입권을 상으로 부여했다.당시 외국영화를 수입하기 위해서는 일단 정부로부터 수입 허가를 받아야 했는데, 그 절차가 간단치 않았고 연간 수입 가능 편수도 제한되어 있었으니 외화 수입권을 따내는 것은 의미가 컸다.함께 실시된 한국영화에 대한 면세 조치와 더불어 ‘우수영화’에 대한 보상 조치는 1950년대 말 본격적인 한국영화 제작 붐이 이는데 영향을 줬다고 평가된다. 이후 1964년부터는 문화공보부가 실시하는 ‘우수영화제작에 대한 보상제도’로서 지속됐고, 연간 20여 편의 영화가 ‘우수영화’로 선정됐다.1975년부터는 ‘우수영화’를 의무적으로 제작해야하는 제도로 바뀌어, 영화 제작사들은 반드시 1년에 2편 이상의 우수영화를 제작해야만 했다. 심사를 통해 ‘우수영화’로 선정될 영화를 영화사 당 연간 2편씩은 반드시 제작하라는 것이기에 심사과정에서 영화사간의 경쟁이 심할 것이 예상되기도 했으나, 결과적으로는 모든 영화사가 골고루 ‘우수영화’를 제작한 것으로 심사돼 나눠먹기 식이었다는 비판도 일었다.‘우수영화’와 관련된 논란은 꽤 오래 지속됐다. 점차 주객전도의 상황이 벌어졌기 때문. 말 그대로 ‘우수한’ 한국영화를 만들기보다는 ‘우수영화’로 선정되기 용이한 영화들을 만드는 분위기로 바뀌어 간 것이다. 완성도 높은 한국영화 제작 자체보다는 외국영화 수입권 획득이 목표였던 것.그렇다면 과연 어떤 영화를 제작해야 ‘우수영화’로 선정돼 외화 수입권을 받거나 영화사 운영을 유지할 수 있었던 걸까. 예를 들어 새로운 촬영 기법을 시도하면 유리했을까. 심사 주체가 문화공보부였고, 심사위원 역시 전문 영화인이 아닌 공무원들로 구성되다 보니 자연스레 정부 정책에 부합하는 것이 중요했다.1973년 개정된 제4차 개정 영화법을 보면 ‘우수영화’는 '10월 유신을 구현하는 영화'로서 1) 애국애족의 국민성 고무 진작, 2) 진취적 국민정신의 배양, 3) 새마을 운동의 적극 참여, 4) 인간 상록수 소재, 5) 농어민 계몽, 6) 성실, 근면, 검소한 자세의 인간상, 7) 조국근대화의 산업전사 소재, 8) 국난극복의 역사적 사실, 9) 국민의 총화단결, 10) 국민의 각성 촉구 등 17가지 기준이 제시되고 있다.미풍양속, 민족예술, 순수문예물 등의 기준도 포함되어 있으나 대부분 당시 정부 정책과 밀접한 관련이 있는 기준임을 알 수 있다. 매우 정치적이었던 셈이다. 이런 ‘우수영화’들은 일종의 선전영화, 계몽영화로 인식되어 대중들의 큰 인기를 얻던 것은 아니었다고 한다. 졸속으로 제작되어 완성도가 떨어졌던 것도 한 이유였을 것이다.필자가 본 영화들 중 ‘우수영화’로 선정되기도 했던 영화 한 편이 생각난다. 소위 ‘새마을영화’로 불리는 영화인 ‘아내’(감독 임권택, 1976)가 생각난다. “열심히 일해 나 혼자만이 아니라 우리 모두 잘 살아봅시다!”라는 새마을 운동 정신이 내레이션을 통해서도 직설적으로 드러나는 영화였는데, ‘아, 저 시절에는 저렇게 살았구나’ 보다는 ‘아, 저런 영화를 만들어야했구나’ 라는 생각이 자꾸 드는 통해 집중하기 힘들었던 기억이 있다.‘우수영화’는 당시 영화인들에게는 본인의 의지와는 별개로 만들어야 했던 영화였다. 물론 국민으로서 당연한 협조라고 여기는 이들도 있었을 테고, ‘우수영화’ 선정을 자랑스러워했던 이들도 있었을 테지만 말이다. 1984년 외국영화 수입 자유화가 시작되면서 외화수입권은 사라졌고, ‘우수영화’ 관련 보상 제도도 없어졌다.송영애 서일대 영화방송과 외래교수

한 해를 마무리하는 시기. 공적으로나 사적으로나 무엇이든 마무리를 해야 할 것 같은 느낌에 휩싸여 있는 요즘이다.보통 한 해를 정리(?)하는 과정에서 가장 많이 등장하는 게 '숫자들'이 아닐까 싶다. 영화의 경우에는 연간 관객 수, 매출액 등 통계를 이용한 '양적 평가'가 주로 이뤄지는데, 아무래도 쉽고 빠르게 확인 가능하기 때문일 것이다.  또 이런 '양적 평가'에서 빠지지 않는 것은 '최초', '최다' 등의 수식어이다. 남들 보다 빨리, 많이 무언가를 이루었다는 점을 높이 평가하는 것은 영화만의 일은 아니다. 다양한 분야에서 어떤 시도나 결과에 대한 수용자들의 찬사일 수도 있고, 관심을 얻기 위한 생산자들의 마케팅 노력일 수 있다. 그런데 삐딱하게 보자면, '과연 이게 최초가 맞을까?' 혹은 '정말 최다일까?'란 의문이 들 때가 종종 있다.  간판에 '원조'라고 써붙인 가게를 지날 때마다 '정말?'이라는 의심, 누구나 한 번쯤 해봤을 것이다.모든 게 착각에서 비롯된 일일 수도 있다. '난 처음인 줄 알았는데, 알고 보니 아니었던' 일들은 우리의 일상에서도 흔히 일어나지 않던가. '내가 제일 많이 한 줄 알았는데, 알고 보니 아닌' 일들도 그렇고. 세계 최초의 영화를 무엇으로 봐야 할지에 대한 논란은 꽤 오래됐다. 1894년 일반에게 유료 공개된 에디슨의 '키네토스코프(Kinetoscope)'로 상영된 영화들로 봐야할지, 아니면 1895년 뤼미에르 형제가 공개한 '시네마토그래프(Cinematographe)'로 상영된 영화들로 봐야할지.두 상영 기구 모두 '연속 촬영된 필름을 연속 영사하는 방식'이라는 점은 동일했지만, 키네토스코프는 교탁 크기의 상자 윗부분에 있는 구명에 눈을 대고 한 번에 한 명씩만 볼 수 있는 상영 기구였고, 시네마토그래프는 오늘날의 극장 영사기와 비슷하게 영화를 보여주는 기구였다. 1960년대 전후 TV가 대중화되기 전까지 영사기 상영 방식이 영화를 상영하는 유일한 방식이었으니, 시네마토그래프를 본격적인 영화 역사의 시작으로  볼 수도 있겠다. 그러나 어쨌든 영화를 촬영해 일반 개인도 볼 수 있게 됐다는 차원으로 보자면 에디슨의 키네토스코프가 첫 시작일 수 있다.유성영화의 경우에도 부분 유성영화인지, 전체 유성영화인지, 단편영화인지, 장편영화인지, 디스크 방식인지 필름 방식인지 등에 따라 타이틀을 가져가는 영화는 달라질 수 있다. 컬러 영화, 3D 영화, 와이드 스크린 영화들 역시 마찬가지다. 결국 모든 것은 '기준'의 문제이다. 기준에 따라 상황에 따라 시점에 따라 달라질 수 있다. 역사가 다 그렇지 않던가. 그나마 기술적인 시도들은 상대적으로 팩트 확인 기준이 명확하겠지만, 이것도 세상 모든 영화를 다 보지 못했으니 함부로 확언하기는 어렵다. 국내 영화 관객수나 매출액 역시 통계가 잡히지 않았던 시절이 매우 길다 보니 '역대 최다'라는 수식어에는 언제 이후 개봉 영화라는 단서가 붙는다. '최초의 한국영화' 역시 마찬가지일 것이다. 비록 일제강점기였지만 일본인 기술 스태프들이 참여한 영화라는 점이 탐탁지 않은 사람들에게 '의리적 구토'(감독 김도산, 1919)는 첫 한국영화로는 부적절하게 보일지도 모른다. 그런데 이런 최초, 최다, 최고를 앞세운 양적 평가에 빠지는 게 있다. 영화를 본 관객들 개개인이 얼마나 만족했느냐는 점이다. 관객들이 영화를 보고 얼마나 감동을 받았고, 혹시 그들의 생각이나 행동에 변화가 있었는지 관심을 갖는 '질적 평가'를 행하기 위해서는 오랜 시간과 노력이 필요하다. 표본 집단 선정에서 수년 동안 추적 관찰을 하는 것까지 언뜻 생각해도 쉽지 않아 보인다. 전문적인 연구야 전문가들에게 맡기고 일단 올 한 해 내가 본 영화들에 대한 나름대로의 평가를 해보는 것은 어떨까. 한 해 동안 몇 편의 영화를 봤는지 헤아려 보고, 그 영화들 중 내 삶에 영향을 준 영화는 없었는지 생각해보자. 단순히 통계 속 1000만 관객 중의 1명이 아니라 취향과 생각, 감정과 이성을 지닌 관객 개인으로서 말이다. 그런 과정에서 '최초'나 '최다'라는 수식어로 인한  착각이 내 머릿속을 지배했었다는 사실을 깨닫게 될 수도, 또 올 한 해 어떤 영화가 나에게 어떤 감동과 생각할 거리를 줬는지 잠시 떠올려볼 수도 있을 것이다.   뭐, 굳이 거창하지 않아도 된다. 지금 당장 떠오르는 영화부터 추억해 보시길 바란다. 꼭 작품명을 먼저 떠올릴 필요도 없다. 어떤 장면이 될 수도, 화면이나 색감일 수도, 카메라 흔들림일 수도, 대사일 수도, 배우의 표정일 수도, 그것도 아니면 음악일 수도 있다. 그 때 내 감정은 어땠고, 그걸 떠올리는 지금의 내 감정은 또 어떠했는가. 지금도 여전한가?서일대 영화방송과 외래교수사진=토마스 에디슨(Thomas Alva Edison, 1847-1931)의 키네토스코프

단편영화(短篇映畵, short film)는 글자 그대로 상영시간이 짧은 영화다. 보통 30분 이내의 영화를 일컫지만 반드시 그 시간 이내라고 정해져 있는 건 아니다. 아마도 단편영화만을 보러 극장에 가본 관객은 그리 많지 않을 것 같다. 평생 단편영화를 본 경험이 없는 관객도 꽤 있을 것이다.  주로 방문하는 멀티플렉스 영화관에서 상영하는 경우가 거의 없으니 말이다. 다양한 영화관에서 다양한 영화를 즐기자고 권해온 필자가 이번에도 동일한 맥락에서 단편영화에 대한 얘기를 좀 해볼까 한다.이미 여러 번 언급했지만, 19세기 말 세계 최초의 영화들은 단편영화였다. 그것도 1분이 채 안 되는 초단편영화. 이후 점차 영화의 상영 시간이 길어져 1910년대 쯤 되면 요즘처럼 장편영화가 대세가 된다.제1회 부천국제판타스틱영화제 개막작이기도 했고 1902년 개봉 당시 세계적인 히트작이었던 ‘달나라 여행’(감독 조르쥬 멜리에스, 1902)은 지구인들이 달에 다녀오는 내용을 14분 안에 담아낸 단편영화였다.미국에 전국적으로 영화전용관이 생기는데 기여한 ‘대열차 강도’(감독 에드윈 포터, 1903)도 12분짜리 단편영화였다.최초의 한국영화로 평가되고 있는 ‘의리적 구토’(감독 김도산, 1919) 역시 20분가량(엄밀하게는 연쇄극에서 상영된 영화 분량)의 단편영화였다.역사적으로 볼 때 1910년대 이후 꽤 오랫동안 장편영화가 대세가 되다보니 단편영화는 왠지 과도기의 영화처럼 느껴지기도 한다. 요즘도 영화 제작을 공부하는 과정에 단편영화를 만드는 경우가 많다보니 단편영화를 연습영화 정도로 여기는 사람들이 있을지도 모르겠다. 그러나 많은 관객들은 이미 짧은 영상에 익숙하다. 광고영화인 CF(Commercial Film)도 그렇고 영화 예고편들도 그렇고, 짧지만 메시지는 분명하다. 재미있기도 하다. 화려한 영상 기법들도 동원되지 않던가. 장편소설과 단편소설처럼 장편영화와 단편영화 영화 역시 상영시간에 의한 구분일 뿐, 영화 자체가 담아내는 내용과 형식은 마찬가지다. 차이점도 있지만 공통점도 있는. 단편영화는 보통 영화제에서건 일반 영화관에서건 개별 단편영화만 상영되기보다는 여러 작품이 묶여 상영된다. 마음만 먹으면 여러 편의 영화 한 큐에 볼 수 있는 셈. 아예 단편영화 몇 편을 묶은 옴니버스 영화들이 있기도 하다. ‘어떤 시선’(감독 박정범, 민용근, 이상철, 신아가, 2012), ‘다섯개의 시선’(감독 박경희, 류승완, 정지우, 장진, 김동원, 2005), ‘여섯개의 시선’(감독 정재은, 임순례, 여균동, 박찬욱, 박진표, 박광수, 2003) 등은 국가인권위원회에서 제작한 영화로서 이미 활발한 활동을 하고 있는 감독들의 단편영화들을 모은 영화들이다. 다른 내용과 형식을 갖고 있지만 모두 ‘인권’을 다뤄 한 번에 다양한 인권 이슈에 대한 여러 시선을 접할 수 있다.  2002년 9.11테러 1주기를 맞이해 제작된 옴니버스 영화 ‘11′09″01-September 11’(2002)은 11개국 11명의 감독이 각기 만든 11분 9초 1프레임 길이의 단편영화를 모았다. 참여한 감독은 이란의 사미라 마흐말바프, 멕시코의 알레한드로 이냐리투 곤잘레스, 영국의 켄 로치, 미국의 숀 펜, 일본의 이마무라 쇼헤이 등 세계적으로 유명한 감독들이었다. 감독들에게는 9.11 테러를 소재로 만들되 표현의 자유를 보장했다고 하는데, 유일한 제약은 상영시간이었다고 한다. 상영시간이 곧 9.11테러가 일어난 날짜를 상징하기 때문이다. 동일한 소재가 극영화, 다큐멘터리영화, 아방가르드영화 등 각기 다른 형식으로 다뤄진다. 인간의 폭력성, 언론의 자극적 보도 등을 비판하거나, 미국 정부를 비판하기도 한다. 천진난만한 아이들이나 사연 있는 연인의 모습이 하나의 단편에 담겼다. 9.11 테러에 대한 11명 감독들의 각기 다른 시선을 만나볼 수 있다. 영화를 보는데 다큐멘터리영화에 이어 단편영화까지 골라보는 범위를 좀 더 넓힌다면 골라 보는 재미 역시 커지지 않을까 한다. 짧은 시간만 집중하면 되기 때문에 느낄 수 있는 자유도 꽤 크다. 전 세계적으로 단편영화만 상영하는 영화제도 있고, 그렇지 않더라도 대부분의 영화제들은 단편영화 섹션들을 마련해 두고 있다. 조금만 눈을 돌려 보면 단편영화와 만날 기회는 적지 않은 편이다. 가족이나 연인, 친구들과 함께 잠시 시간을 내 단편영화를 테마로 삼아 나들이 해보는 건 어떨까. 하지만 추워진 날씨 때문에 이마저도 여의치 않다면 IPTV나 디지털케이블 TV의 VOD 영화 목록 중 단편영화 섹션을 둘러보는 것도 나쁘지 않다.서일대 영화방송과 외래교수사진=옴니버스 영화 '어떤 시선'(2012) 포스터

지난 글에 이어 다큐멘터리 영화에 대한 이야기를 조금 더 해볼까 한다. 어쩌면 조금은 개인적인 다큐멘터리 예찬론이 될지도 모르니 미리 독자들의 양해를 구한다. 매우 짧은 기록 영상, 즉 일종의 다큐멘터리로 출발한 영화는 물론 요즘의 다큐멘터리 영화들처럼 특정 사실에 대한 정보나 주장들이 펼쳐지는 수준은 아니었다. 그저 거리 풍경, 사람들의 모습 정도를 보여주는 동영상에 불과했다. 그래도 충분히 만드는 사람들과 보는 사람들 모두 흥분했다. 신기한 ‘움직이는 영상’을 만들어 볼 수 있게 됐으니까. 동영상이 더 이상 신기하지 않게 된 요즘에도 당시 영화들은 나름 볼 만하다. 19세기 말 유럽과 북미, 아시아 등 세계 곳곳의 모습이 기록돼 있으니 말이다. 비록 1분이 채 안 되는 상영시간이지만 100여 년 전 세상을 기록하고 있다는 점은 대표적인 다큐멘터리 영화의 미덕이기도 하다.  본격적인 다큐멘터리 영화의 등장은 1922년 ‘북극의 나누크’(감독 로버트 플래허티)라는 장편 다큐멘터리 영화가 개봉된 이후이다. 무성영화 특유의 간 자막(영상과 영상 사이에 삽입되어 상황 설명과 대사를 보여주는 자막)이 등장하는 영화이지만, 북극에 살고 있는 에스키모 나누크 가족의 삶은 많은 관객들에게 신선한 경험을 제공했다.  이후 다양한 지역과 사람들을 다룬 다큐멘터리 영화의 제작이 지속돼 현재에 이르고 있다. 이제 더 이상 다큐멘터리 영화는 단순한 ‘기록물’은 아니다. 개인의 일상부터 사회적 이슈까지 다양한 사람들과 사건들이 다큐멘터리 영화의 소재가 되고 있고, 다양한 영상 기법도 동원되고 있다. 다큐멘터리 영화의 화법은 극영화보다 직설적이다. 혹자는 다큐멘터리 영화가 객관성을 유지해야 한다고 주장할지 모르겠으나 다큐멘터리 영화는 만든 이들의 세상에 대한 발언이다. 미처 알지 못했던 세상을 알려주며 시야를 넓혀주기도 하고, 문제 제기를 하기도 한다. 영화 소재를 선택하면서도 그렇고, 선택된 소재를 진행시키는 구성 방법, 더 나아가 카메라의 움직임이나 편집, 보이스 오버 내레이션이나 음악 등 영상언어를 사용하며 입장을 분명히 한다.미국의 대표적인 다큐멘터리 영화 감독 마이클 무어는 ‘볼링 포 콜럼바인’(2002)에서 초등학교에서까지 벌어지는 총기 난사 사건이 벌어지는 미국 사회를 고발한다. 왜 이런 일들이 벌어지는지 추적하는 과정에서 미국 정부가 개입됐던 무력 공격과 9.11 테러 관련 뉴스 화면들을 편집해 루이 암스트롱의 ‘왓 어 원더풀 월드(What A Wonderful World)’와 함께 보여준다. 특히 이 노래의 마지막 부분과 월드 트레이드 센터 빌딩과 충돌하는 여객기를 보여주는 부분은 매우 역설적으로 감독의 주장을 드러낸 것이라 할 수 있다. 사회 문제 뿐만 아니라 지극히 개인적인 일상도 다큐멘터리 영화의 소재가 된다. ‘그레이스 리 프로젝트’(감독 그레이스 리, 2005)는 감독이 보인과 이름이 같은 여러 명의 그레이스 리를 만나는 이야기다. 한국계 미국인인 감독은 미국에서 학교를 다닌 사람이라면 ‘그레이스 리’ 라는 이름을 가진 아시아계 여성을 만나봤을 거라며, 과연 다른 그레이스 리들은 어떻게 살고 있는지 찾아다닌다. 한국인, 중국인, 학생, 언론인, 사회 운동가 등 다양한 이들의 삶을 보여주는 이 영화의 마지막 크레딧에는 수십 명의 그레이스 리가 등장하기도 한다. 지극히 개인적인 이야기로 시작했지만, 우리가 살고 있는 세상에 대한 여러가지 생각을 하게 되는 영화들도 있다. ‘겨울 아이들’(감독 옌스 샨체, 2005)은 알고 보니 돌아가신 외할아버지가 나치 간부였다는 사실을 알게 된 감독의 담담한 과거 추적 영화이다. 감독의 어머니조차 알지 못했던 외할아버지의 행적이 스크린 위에서 하나 둘 드러나기 시작한다.‘할매꽃’(감독 문정현, 2007)도 비슷하다. 감독이 늘 흘려들었던 “네 외할머니 인생은 영화야!”라는 이모들의 얘기는 사실이었다. 외갓집 마을에 가서 추적하기 시작한 할머니의 삶과 가족들의 삶은 일제 강점기와 한국전쟁의 아픔을 고스란히 담고 있었던 것이다. 빨치산, 조총련, 북송선 등 신문 지면이나 국사책에서나 본 얘기들이 바로 자기 가족의 사연이었음을 알게 되는 과정을 보여준다. ‘난소암에 걸린 카우보이‘라는 자극적인 카피에 끌려 영화제에서 봤던 ‘서던 컴포트’(감독 케이트 데이비스, 2001)를 보며 필자는 영화 초반부 내내 “저 아저씨는 누군데 계속 보여주지? 영화 언제 시작해?”라고 생각했었다. 그러다 아까부터 보고 있는 그 카우보이 중년 아저씨가 난소암에 걸린 트랜스젠더라는 것을 깨닫고 느꼈던 먹먹함을 아직도 잊을 수 없다. 트랜스젠더에 대한 내 편견과 마주친 순간이었으니까.   '명량'이나 '인터스텔라'와 같은 '스크린 몰이' 영화들이 상영되고 있는 요즘에도 비록 상영되는 규모는 작지만 여러 편의 다큐멘터리 영화가 관객들과 만나고 있다는 사실이 반갑다. 세상만사 다 그렇듯 모든 다큐멘터리 영화에 만족할 수는 없겠지만, 가끔씩 뒤통수치는 다큐멘터리 영화를 만나는 기분도한 번 느껴보시기 바란다. 내가 얼마나 좁은 시선으로 세상을 보고 있었는지 깨닫기 위해 별의 별 이야기들이 다 다뤄지고 있는 다큐멘터리 영화를 관람하는 것 만큼 좋은 방법도 없을 것이다. 내 주변에서 벌어지고 있지만 내가 다 알 수는 없는 수많은 사람들과 사건들, 나아가 우리가 살고 있는 세상을 간접적이나마 겪어보는 시간을 가져 보시길.  서일대 영화방송과 외래교수사진=영화 '북극의 나누크'(감독 로버트 플래허티, 1922)

뤼미에르 형제가 시네마토그래프로 촬영해 상영한 초기 영화들 중 '기차의 도착'(1895)옛날 옛적에 영화가 처음 탄생했던 19세기 말의 이야기를 해볼까 한다. 날씨도 추워졌고, 군밤 먹으며 할머니께 들었던 옛날이야기 기분도 낼 겸.여러분은 다큐멘터리 영화를 자주 보시는지? 요즘 관객들에게 다큐멘터리 영화는 주 관심 대상은 아니다. 멀티플렉스 영화관에서 쉽게 접할 수 있는 영화가 아니기도 하고. 그런데 인류 최초의 영화는 다큐멘터리 영화였다. 영화가 탄생한 이후 한동안 영화는 대부분 다큐멘터리였으니, 당연히 관객들이 보는 영화의 대부분도 다큐멘터리 영화였다.  그렇다고 세계 최초의 영화, 그 영화의 감독이라고 자신 있게 말할 수 있는 것은 아니다. 일단 제목이 따로 있었던 것이 아니고, 촬영 및 연출한 이의 이름을 알 수 있었던 것도 아니었다.당시 영화들이 담겨진 비디오나 DVD를 봐도, 비디오와 DVD 제작 당시 입혀진 제목이 자막으로 나올 뿐이고, 그나마도 같은 영상에 붙여진 제목이 다른 경우가 태반이다. 영화의 탄생이 다큐멘터리일 수밖에 없었고, 제목과 만든 이를 정확히 알 수 없는 이유는 당시 영화의 위상을 보면 짐작할 수 있다. 처음부터 작품 단위의 볼거리가 아니었다. 1편씩만 상영했던 것도 아니었고, 보통 여러 편이 묶여 제목 등을 알려주는 자막 없이 연달아 상영됐다. 1분이 채 안 되는 각각의 영화는 공장 문을 나서는 사람들, 플랫폼으로 들어오는 기차와 타고 내리는 승객들, 전차와 마차 그리고 사람들이 뒤 섞인 도심, 기차 창밖으로 보이는 풍경, 아이들의 재롱, 말로만 듣던 사자, 코끼리의 움직임 등을 보여주었다. 요즘 우리가 가끔 접하는 다큐멘터리 영화와는 좀 많이 다르기는 했다. 매우 짧았고, 충분한 정보다 지식을 담기 보다는 주변의 일상을 기록하는 수준이 대부분이었다.  당시 영화들이 전달하고자 했던 메시지는 “이런 곳이 있다”, “이렇게 생긴 사람들이 있다”, “아름답다”, “어떤 문제가 있다“ 식도 아니었다. 그저 “움직이죠?”, “진짜 같죠?”, 아니면 “신기하죠?” 정도의 수준이었다.1890년대 중반 미국, 프랑스, 영국 등 유럽에서 탄생한 영화는 만든 사람과 보는 사람 모두에게 ‘움직이는 사진’ 이라는 점이 핵심인 신기술이자 발명품이었다. 미국에서는 토마스 에디슨이 프랑스에서는 뤼미에르 형제가 영화 카메라와 영사기를 개발해 촬영한 영화를 대중에게 유료 공개했는데, 이들은 모두 엔지니어들이기도 했다. 말하자면 인류 최초로 움직임까지 가미된 영상을 촬영해서 재생할 수 있는 기술이 기술자들에 의해 개발되었는데, 그 기술을 증명하는 증거이자 샘플이 바로 영화였던 셈이다. 일부러 극영화를 안 만들었다기보다는 가장 큰 특징인 ‘움직이는 영상’을 증명하기 위해 주변을 촬영하는 것은 당연한 일이었을 것이다. 무얼 찍어도 관객들은 기꺼이 돈을 내고 영화관을 찾아와 신기한 움직이는 영상을 구경했으니까. 지금도 영화를 부르는 명칭으로 사용되는 ‘무비(movie)’, ‘모션 픽쳐(motion picture)’, ‘시네마(cinema)’, ‘키노(kino)’ 등은 모두 ‘움직임’이라는 의미를 갖는다. 작명되던 시절 영화에 대한 시선을 엿볼 수 있다.  중국의 전영(電影), 우리나라와 일본의 영화(映畵)는 각기 ‘전기로 만들어진 그림자’, ‘비춰진 그림’ 이라는 의미를 가지고 있다. 서양의 문물로서 영화를 처음 접한 동양인들에게는 영화가 ‘움직이는 사진’이라는 것 이전에 빛을 통해 상이 맺히는 현상이 더 신기했던 것 같다. 물론, 우리나라에서는 ‘활동사진’이란 이름으로 불리기도 했지만.휴대전화도 이름만 보면 ‘휴대하는 전화’라는 단순한 의미를 지닌다. 아마도 처음 휴대전화가 나왔을 때 대부분의 사람이 전화를 휴대할 수 있다는 사실 그 자체만으로도 열광했다는 것을 기억할 것이다.왜 영상통화가 안 되는지, 무선 인터넷이 안 되는지, 사진을 찍을 수 없는지, 음악을 들을 수 없는지, 액정은 왜 흑백인지, 왜 이리 무겁고 큰지 등은 지금의 스마트폰의 모습과 기능을 상상조차 못했던 시절이기에 당시엔 불만사항이 될 수 없었다.영화도 그랬다. 그저 인간과 사물이 프레임 안에 움직인다는 것만으로 사람들을 흥분시키기에 충분했다. 잠자면서 꿈꾸고, 혼자 상상할 때나 가능했던 움직이는 영상을 드디어 카메라와 필름, 영사기를 이용해 촬영, 재생할 수 있게 됐다는 사실이 그저 신기했을 거다. 그랬던 영화가 점차 변화하기 시작했다. 1분이 채 안됐던 ‘러닝타임’은 2시간 안팎으로 길어졌고, 주변의 일상을 보여주기보다는 특정 스토리를 보여주는 극영화로 변해갔다. 1910년대가 되면 어느새 세계에서 만들어지는 영화들의 대부분은 장편 극영화였다.   사람들은 종종 ‘초심(初心)’이란 말을 강조하고는 한다. 무슨 일이든 처음 시작했을 때의 마음가짐을 되새기자는 취진데, 영화의 초심은 이렇게나 심플했다. 만드는 사람들도 보는 사람들도 바라는 것이 많지 않았다. 영상이 움직인다는 사실만으로도 충분한 센세이션이 됐다. 멀티플렉스가 보편화된 요즘, 현대인들에게 영화는 집과 가까운 곳에서 언제라도 편리하게 즐길 수 있는 유희이자 오락거리가 됐다. 많은 이들이 영화를 보기 위해 극장을 찾는다. 오늘은 늘 봐오던 극영화에서 잠시 눈을 돌려, 100년이 훌쩍 넘는 시간동안 여전히 살아남아 다양한 내용과 방식으로 제작되고 있는 다큐멘터리 영화를 한 편 찾아보는 것은 어떨까. 물론 그 모양새가 많이 바뀌긴 했지만, 영화의 초심이라도 어렴풋이 느껴볼 겸 말이다. 서일대 영화방송과 외래교수