전 세계 700만 부 판매고를 올린 메가 히트 만화이자 넷플릭스 190개국 배급작인 일본 애니메이션 ‘피아노의 숲’이 대구에서 뮤지컬로 재탄생해 무대에 오른다. 대구국제뮤지컬페스티벌(DIMF∙딤프)과 대구문화예술회관, 국립아시아문화전당재단, 대구시립극단은 24일 대구문화예술회관 비슬홀에서 제20회 딤프 공식 초청작 뮤지컬 ‘피아노의 숲’ 제작발표회를 열고 쇼케이스를 전격 공개했다. 원작인 일본 작가 이시키 마코토의 만화 ‘피아노의 숲’은 전 세계적인 인기에 힘입어 애니메이션으로도 제작됐다. 이후 일본 아카데미상 우수 애니메이션 작품상 노미네이트, 프랑스 안시 국제애니메이션 페스티벌 초청 등 평단의 극찬을 받았으며, 넷플릭스를 통해 전 세계 190개국 시청자를 사로잡은 바 있다. 작품은 숲속에 버려진 낡은 피아노를 매개로 천부적인 재능을 지닌 소년 ‘카이’와 엘리트 코스를 밟아온 노력파 ‘슈헤이’가 펼치는 우정과 성장을 그린다. 단순히 천재성을 부각하는 데 그치지 않고, 두 소년이 진정한 자신만의 소리를 찾아가는 과정을 클래식 음악과 휴머니즘으로 엮어내 독보적인 서사라는 평가를 받는다. 이번 공연은 성석배 대구시립극단 예술감독이 프로듀서를 맡고, 국내외 최고 수준의 창작진이 의기투합해 더욱 기대를 모으고 있다. 영국에서 주목받는 차세대 연출가 마이클 펜티만이 연출과 각색을 담당했으며, 뮤지컬 ‘아멜리에’로 2020년 올리비에 어워드 작곡∙편곡 부문에 노미네이트된 바너비 레이스가 음악을 맡았다. 여기에 국내 실력파 이진욱 음악감독이 편곡과 음악감독으로 합류해 완성도를 높였다. 이미 뮤지컬 ‘아멜리에’를 통해 대중과 평단을 동시에 사로잡은 해외 창작진은 이번 작품에서 쇼팽, 모차르트 등 클래식 명곡을 기반으로 포크록, 팝을 결합한 다채로운 음악을 선보인다. 피아노를 중심으로 기타, 첼로, 바이올린, 비올라, 베이스, 콘트라베이스, 퍼커션으로 구성된 앙상블이 장면마다 인물의 섬세한 감정 변화를 드라마틱하게 그려낼 예정이다. 시각적 연출과 배우들의 호흡도 관전 포인트다. 작품의 상징인 ‘숲속의 피아노’를 무대에 구현하기 위해 그랜드피아노와 6대의 업라이트피아노가 무대 장치로 다양하게 활용되며 시각적 웅장함을 선사한다. 아울러 배우 이휘종과 천관우, 박지훈, 김채이 등 무대 위 23명의 배우가 완성하는 압도적인 앙상블과 밀도 높은 호흡은 극의 몰입도를 최고조로 끌어올릴 것으로 기대된다. 성석배 감독은 “클래식 음악을 중심으로 탄탄한 서사와 섬세한 감정선을 폭넓게 끌어내 관객들의 공감을 이끌어낼 수 있도록 최선을 다하겠다”고 말했다. 공연은 7월 5일 오후 4시, 10~12일 오후 2시와 오후 7시 30분 대구문화예술회관에 이어 25~26일 광주 국립아시아문화전당에서 세 차례 펼쳐진다.

가수 겸 뮤지컬 배우 아이비가 23일 서울 충무아트홀에서 미국 브로드웨이 진출 괒련 기자간담회에서 "많은 분의 도움으로 뮤지컬의 본고장에서 공연할 기회를 얻게 돼 너무나 영광"이라며 "대한민국 뮤지컬 배우를 대표해서 가기 때문에 많은 책임감과 부담도 느낀다"고 밝혔다. 아이비는 한국에서 592회 연기한 '시카고'의 록시 하트 역으로 미국 브로드웨이 무대에 오른다. 1년에 걸친 세 차례 영상 오디션을 통과한 그는 "제 배우 인생 자체가 록시 하트 같다"며 "다른 언어로 공연한다는 것 자체가 너무 기적 같은 일"이라고 말했다. 한국서 592회 연기한 록시, 브로드웨이로 아이비는 뮤지컬 '시카고'의 록시 하트 역으로 오는 8월 17일부터 9월 6일까지 미국 뉴욕 앰버서더 극장에서 관객을 만난다. 2012년부터 한국 프로덕션에서 다진 배역을 브로드웨이 원어 공연으로 확장한다. 박명성 신시컴퍼니 대표는 "아이비 배우가 브로드웨이에 진출하는 것 자체가 한국 뮤지컬의 위상이 그만큼 높아졌다는 뜻"이라며 "우리나라 주연급 배우들이 해외 어느 무대에 출연하더라도 세계적인 기량을 보여줄 재능이 있다고 생각해 왔다"고 했다. 아이비는 2012년부터 2024년까지 한국 프로덕션 6시즌에 참여해 전국투어를 포함한 592회 공연에서 록시 하트를 연기했다. 그는 "제가 대한민국에서 이 역할을 가장 많이 맡은 사람"이라며 "뮤지컬 무대에 서온 여정의 대부분을 록시가 차지한다는 것이 특별하다. 이제 정말 끝판왕 같은 자리까지 간 것 같다"고 말했다. 그는 "세월이 지나면서 점점 무르익은 록시를 보여드렸던 것 같다"며 "한국의 록시 하면 아이비를 많이 떠올려주셔서 저의 시그니처 배역이 된 것 같다"고 말했다. 1년간 3차례 영상 오디션에 도전…"발음부터 다시" 브로드웨이행은 1년에 걸친 세 차례 영상 오디션 끝에 확정됐다. 아이비는 록시의 대표곡 두 곡과 긴 독백 장면을 영어로 준비했고, 단계마다 받은 발음과 억양 지적을 보완해 다음 심사에 응했다. 아이비는 "영어를 배운 지 1년 반 정도밖에 되지 않았고, '시카고' 자체가 굉장히 미국적인 작품"이라며 "한국 억양을 가진 제가 그 무대에 선다는 것이 오디션을 보면서도 가능성이 높다고 느껴지지 않았다"고 설명했다. 그는 "'시카고'가 가장 미국적인 작품이라고 말한 이유는 영어 대본을 공부하면서 깜짝 놀랐기 때문"이라며 "한국 대본에는 생략된 부분이 굉장히 많고, 비틀어 놓은 대사와 가사에 숨겨진 의미가 많다는 점이 재미있었다"고 말했다. 아이비는 "오디션은 세 번 모두 영상으로 찍어서 보냈다"며 "뒤의 두 번은 김태훈 연출과 오민영 음악감독 등이 직접 와서 반주와 디렉팅, 안무를 봐줬다"고 말했다. 그는 "제 언어가 아니다 보니 정말 열심히 외웠는데도 한 번 당황하면 멈추고 입이 안 벌어지는 상황이 생겼다"며 "합격하더라도 무대에 올라가서 할 수 있을지 걱정하면서 영상을 촬영했다"고 말했다. 아이비는 마지막 오디션 영상을 미국 체류 중 촬영했다. 그는 "'시카고' 음악이 재즈라 클래식 전공자 세 분에게 반주하기 어렵다는 말을 들었다"며 "돌고 돌아 한 교회 집사님이 밤새 연습해 반주해주셨고 집까지 빌려주셔서 거실에서 영상을 찍어 보냈다"고 전했다. 9명 원어민 강사진과 영어·연기 집중 훈련 아이비는 합격 뒤 발음과 액센트를 중심으로 영어, 보이스, 연기 수업을 이어가고 있다. 원어민 강사와 현역 배우 등 9명에게 배우며 주중 대부분을 브로드웨이 공연 준비에 쏟고 있다. 아이비는 "저를 가르쳐 주는 원어민 선생님이 총 9명"이라며 "영어 자체를 늘리는 공부도 하고 연기 전공자, 보이스 코치, 실제 무대에 서는 원어민 배우들에게 악센트와 연기를 배우고 있다"고 말했다. 그는 "세 차례 오디션을 봤지만 분명 완벽하지는 않았을 것"이라며 "그래도 발전하는 모습을 좋게 봐주지 않았나 생각한다. 저는 거의 기적이라고 생각한다"고 말했다. 아이비는 "음악감독과 같이 일했던 배우들이 '이게 무슨 일이냐', '너무 자랑스럽다'며 진심으로 축하해줘 감사했다"고 말했다. 이어 "외국 공연 경험이 있는 양준모·마이클 리·김수아 배우도 대단하다고 말해줬지만 영어 대사를 생각하면 부담이 많이 된다"고 했다. 브로드웨이 제작진은 2012년 아이비가 한국어 버전 '시카고'를 준비할 때 처음 만난 뒤 수년 동안 그의 재능에 깊은 인상을 받았다고 밝혔다. 제작진은 "영어로 작품을 처음부터 다시 익히며 이뤄낸 발전은 놀라운 정도"라며 "뉴욕 무대에서 노래와 연기, 춤을 갖춘 아이비의 트리플 스렛(triple threat) 재능을 선보일 날을 기다린다"고 했다. 30주년 맞은 브로드웨이 최장수 공연 '시카고'는 1920년대 재즈와 범죄의 도시 시카고를 무대로 언론과 사법제도, 대중의 욕망을 풍자한다. 벨마 켈리와 록시 하트가 살인 피의자에서 대중의 스타로 소비되는 과정을 냉소적으로 그린다. 박 대표는 "'시카고'는 풍자적이고 언어가 많은 작품이라 배우들의 연기력이 굉장히 뒷받침돼야 한다"며 "노래도 듣기에는 편하지만 실제로 부르기에는 굉장히 어려운 곡이 많다"고 말했다. 작품은 검은 의상의 배우와 밥 포시 스타일의 안무, 무대 중앙의 14인조 라이브 재즈 밴드를 전면에 세운다. 대표곡은 벨마의 '올 댓 재즈'(All That Jazz)와 여섯 여성 수감자의 사연을 담은 '셀 블록 탱고'(Cell Block Tango) 등이다. 1996년 11월 14일 시작한 브로드웨이 리바이벌은 2026년 30주년을 맞는다. 토니상 6개 부문과 올리비에상 최우수 뮤지컬상, 그래미상 최우수 뮤지컬 앨범상을 받았고 2002년 영화로도 제작됐다. 38개국 500여 도시…'시카고'와 함께 넓힌 무대 '시카고'는 38개국 500개 이상 도시에서 공연했고 제작사 집계 기준 전 세계 누적 관객은 약 3500만 명이다. 2023년 '오페라의 유령' 종연 뒤에는 현재 브로드웨이에서 공연 중인 최장수 뮤지컬로 기록됐다. 박 대표는 "'시카고'는 어떻게 보면 신시컴퍼니의 밥줄 같은 작품"이라며 "창작 뮤지컬이 흥행에 실패하면 다음 시즌에 '시카고'를 배치해 빚을 갚았고 거의 20년 동안 그렇게 해왔다"고 말했다. 이어 "새로운 창작 뮤지컬과 연극을 만들 용기를 주는 보물 같은 작품"이라고 했다. 아이비와 신시컴퍼니의 인연은 그가 국립극장에서 '시카고'를 관람한 일을 계기로 시작됐다. 박 대표는 "처음부터 큰 역할을 맡으면 겁에 질려 도망갈 수 있으니 작은 역할부터 시작해보자고 제안했고, 아이비가 '키스 미 케이트'의 조연을 계기로 뮤지컬에 입문했다"고 말했다. 아이비는 "록시는 감옥 안에서도 다시 스타가 되고 싶은 꿈을 쫓고, 그때그때 위기를 헤쳐 나가는 영리한 사람"이라며 "제 성격에도 강인하고 항상 긍정적인 면이 있어 록시와 많이 닮았다"고 말했다. 이어 "저에게 이 기회를 주셔서 감사하고 정말 재미있게 즐기고 오겠다"고 했다.

현대 영어 오페라의 걸작으로 꼽히는 벤저민 브리튼의 ‘피터 그라임스’가 18일 국립오페라단 무대에 올랐다. 1945년 영국 초연 이후 81년, 1979년 세종문화회관 개관 당시 콜린 데이비스가 이끈 영국 로열 오페라단 내한으로 국내에 처음 소개된 지 47년 만에 이뤄진 국내 제작 초연이다. 작품은 어린 견습 소년을 조수로 부리는 관행이 남아 있던 영국 동해안의 작은 어촌을 배경으로 한다. 데려온 소년들을 잇달아 잃은 어부 피터 그라임스에게 마을은 의심과 소문으로 린치를 가하고, 끝내 그를 바다로 내몬다. 사회적 타살이다. 사랑을 노래하는 여느 오페라와 달리, 이 작품에는 사랑을 속삭이는 아리아가 없다. 제 처지를 탄식하는 인물들의 음울한 노래가 불협화음처럼 이어질 뿐이다. 무엇보다 극을 끌고 가는 것은 합창이다. 54명에 이르는 합창단이 소문과 지레짐작을 사실로 단정하며 한 사람을 몰아가는 집단으로 살아 움직인다. 바다 빛에서 군청빛으로 물들인 그러데이션 의상을 똑같이 걸친 이들은, 무대 위에서 개별성을 지운 하나의 거대한 집단처럼 보인다. 연출가 줄리앙 샤바는 이 작품을 “신화나 동화가 아니라 동시대적이고 보편적인 사회 드라마”라고 말했다. 혐오와 배제, 집단 린치라는 주제는 마녀사냥의 시대에서 온라인 여론 재판의 시대로 옷만 갈아입었을 뿐, 조금도 낡지 않았다. 다만 ‘오해와 소문이 빚은 비극’이라는 작품 홍보 문구는 보기에 따라선 동의하기 쉽지 않다. 집단이 한 개인을 극한으로 몰아간다는 구도는 지켜지나, 국립오페라단 무대 속 주인공 그라임스는 그렇게 결백하지 않다. 소년이 거듭 죽어 나가는데도 그의 태도는 변하지 않는다. 게다가 국립오페라단 무대에선 견습소년으로서는 너무 어려 보이는 어린이를 무대에 올렸다. 그런데도 그라임스는 더 나은 삶으로 올라서겠다는 맹목적 욕심에 사로잡혀 아이들의 희생 앞에서도 일말의 반성을 내비치지 않는다. 그를 구원하려는 이웃 엘렌 오포드의 헌신이 어리석어 보일 지경이다. 조지 크래브의 원작 시에서 그라임스는 연민도 가책도 없는 가해자였다. 브리튼은 이를 오페라로 만들면서 그라임스를 향한 혐의를 직접적 살해에서 과실과 방임 쪽으로 옮겨 유죄와 무죄 어느 쪽으로도 단정하지 못하게 만들었다. 그래서 질문은 피터가 아니라 객석으로 되돌아온다. 결코 무죄이기 힘든 피터를 향한 마을 사람들의 단죄는 과연 정당한가. 연출은 이 질문을 냉정하게 다룬다. 2024년 국립오페라단 ‘죽음의 도시’에서 절제된 미학과 섬세한 연출로 호평받은 샤바는 중간중간 심해어 탈을 쓴 사람들의 춤 등 고개를 갸웃거리게 만드는 장면도 넣었으나, 3막에서 연출력을 폭발시켰다. 마을 사람들이 피터를 조리돌리는 장면에서 무용수 김채희가 연기하는 꼭두각시로 피터를 등장시켜 압도적인 한 장면을 빚어냈다. 노란·파란 우비를 뒤집어쓴 채 얼굴이 지워진 인형이 군중의 손에 밧줄로 끌려다니고, 사람들이 머리 위로 플라스틱 상자를 치켜드는 순간, 단죄의 폭력성이 응축된다. 인간이 인간을 인형처럼 끌고 다니는 그 장면은 이 무대가 도달한 정점이었다. 혼이 나간 듯한 피터를 죽은 아이들의 영혼이 손전등 불빛으로 비추며 추궁하는 대목도 서늘하다. 피투성이 러닝셔츠와 반바지 차림으로 텅 빈 무대에 홀로 선 피터가 절규하는 마지막, ‘먼바다로 나아가 배를 가라앉히라’는 냉정한 조언을 따라 무대 뒤편으로 사라지는 대목도 깊은 여운을 남긴다. 무대 디자이너 앰버 판덴훅이 설계한 무대는 1·2막에서 회전무대 위 해체된 녹슨 철제 선체를 선술집·바닷가·피터의 집으로 변모시키며 불안정한 정서를 시각화했다. 거대한 배의 골조가 각도를 틀 때마다 공간의 성격이 바뀌고, 그 틈으로 인물들이 오르내린다. 마지막에 이르러선 그 장치를 모두 비워 냈다. 텅 빈 공간을 조명과 연기(煙氣)만으로 망망대해로 바꿔 놓은 극적 전환이 묵직한 잔상을 남겼다. 다만 주변 인물들의 의상은 카우보이모자를 쓴 여인숙 주인, 흰 가운의 약제사처럼 시대와 출처가 뒤섞이며, 녹슨 배가 빚어낸 무대의 사실적 질감과 다소 겉도는 느낌을 줬다. 18일 공연 출연진의 가창은 편차가 있었다. 엘렌 오포드를 맡은 소프라노 문수진은 풍부한 성량으로 극을 떠받쳤다. 타이틀 롤의 테너 크리스토퍼 벤트리스는 3막에서야 제 실력을 펼쳐 보였다. 알렉산더 조엘이 지휘한 국립심포니오케스트라는 흠잡을 데 없는 연주로 클래식 팬들의 기대가 컸던 바다 간주곡의 매력을 충실히 끌어내는 등 좋은 연주를 들려줬다.

현대 영어 오페라의 걸작으로 꼽히는 벤저민 브리튼의 ‘피터 그라임스’가 18일 국립오페라단 무대에 올랐다. 1945년 영국 초연 이후 81년, 1979년 세종문화회관 개관 당시 콜린 데이비스가 이끈 영국 로열 오페라단 내한으로 국내에 처음 소개된 지 47년 만에 이뤄진 국내 제작 초연이다. 작품은 어린 견습 소년을 조수로 부리는 관행이 남아 있던 영국 동해안의 작은 어촌을 배경으로 한다. 데려온 소년들을 잇달아 잃은 어부 피터 그라임스에게 마을은 의심과 소문으로 린치를 가하고, 끝내 그를 바다로 내몬다. 사회적 타살이다. 사랑을 노래하는 여느 오페라와 달리, 이 작품에는 사랑을 속삭이는 아리아가 없다. 제 처지를 탄식하는 인물들의 음울한 노래가 불협화음처럼 이어질 뿐이다. 무엇보다 극을 끌고 가는 것은 합창이다. 54명에 이르는 합창단이 소문과 지레짐작을 사실로 단정하며 한 사람을 몰아가는 집단으로 살아 움직인다. 바다 빛에서 군청빛으로 물들인 그라데이션 의상을 똑같이 걸친 이들은, 무대 위에서 개별성을 지운 하나의 거대한 집단처럼 보인다. 연출가 줄리앙 샤바는 이 작품을 “신화나 동화가 아니라 동시대적이고 보편적인 사회 드라마”라고 말했다. 혐오와 배제, 집단 린치라는 주제는 마녀사냥의 시대에서 온라인 여론 재판의 시대로 옷만 갈아입었을 뿐, 조금도 낡지 않았다. 다만 ‘오해와 소문이 빚은 비극’이라는 작품 홍보 문구는 보기에 따라선 동의하기 쉽지 않다. 집단이 한 개인을 극한으로 몰아간다는 구도는 지켜지나, 국립오페라단 무대 속 주인공 그라임스는 그렇게 결백하지 않다. 소년이 거듭 죽어 나가는데도 그의 태도는 변하지 않는다. 게다가 국립오페라단 무대에선 견습소년으로서는 너무 어려보이는 어린이를 무대에 올렸다. 그런데도 그라임스는 더 나은 삶으로 올라서겠다는 맹목적 욕심에 사로잡혀 아이들의 희생 앞에서도 일말의 반성을 내비치지 않는다. 그를 구원하려는 이웃 엘렌 오포드의 헌신이 어리석어 보일 지경이다. 조지 크래브의 원작 시에서 그라임스는 연민도 가책도 없는 가해자였다. 브리튼은 이를 오페라로 만들면서 그라임스를 향한 혐의를 직접적 살해에서 과실과 방임 쪽으로 옮겨 유죄와 무죄 어느 쪽으로도 단정하지 못하게 만들었다. 그래서 질문은 피터가 아니라 객석으로 되돌아온다. 결코 무죄이기 힘든 피터를 향한 마을 사람들의 단죄는 과연 정당한가. 연출은 이 질문을 냉정하게 다룬다. 2024년 국립오페라단 ‘죽음의 도시’에서 절제된 미학과 섬세한 연출로 호평받은 샤바는 중간중간 심해어 탈을 쓴 사람들의 춤 등 고개를 갸웃거리게 만드는 장면도 넣었으나, 3막에서 연출력을 폭발시켰다. 마을 사람들이 피터를 조리돌리는 장면에서 무용수 김채희가 연기하는 꼭두각시로 피터를 등장시켜 압도적인 한 장면을 빚어냈다. 노란·파란 우비를 뒤집어쓴 채 얼굴이 지워진 인형이 군중의 손에 밧줄로 끌려다니고, 사람들이 머리 위로 플라스틱 상자를 치켜드는 순간, 단죄의 폭력성이 응축된다. 인간이 인간을 인형처럼 끌고 다니는 그 장면은 이 무대가 도달한 정점이었다. 혼이 나간 듯한 피터를 죽은 아이들의 영혼이 손전등 불빛으로 비추며 추궁하는 대목도 서늘하다. 피투성이 러닝셔츠와 반바지 차림으로 텅 빈 무대에 홀로 선 피터가 절규하는 마지막, ‘먼바다로 나아가 배를 가라앉히라’는 냉정한 조언을 따라 무대 뒤편으로 사라지는 대목도 깊은 여운을 남긴다. 무대 디자이너 앰버 판덴훅이 설계한 무대는 1·2막에서 회전무대 위 해체된 녹슨 철제 선체를 선술집·바닷가·피터의 집으로 변모시키며 불안정한 정서를 시각화했다. 거대한 배의 골조가 각도를 틀 때마다 공간의 성격이 바뀌고, 그 틈으로 인물들이 오르내린다. 마지막에 이르러선 그 장치를 모두 비워 냈다. 텅 빈 공간을 조명과 연기(煙氣)만으로 망망대해로 바꿔 놓은 극적 전환이 묵직한 잔상을 남겼다. 다만 주변 인물들의 의상은 카우보이 모자를 쓴 여인숙 주인, 흰 가운의 약제사처럼 시대와 출처가 뒤섞이며, 녹슨 배가 빚어낸 무대의 사실적 질감과 다소 겉도는 느낌을 줬다. 18일 공연 출연진의 가창은 편차가 있었다. 엘렌 오포드를 맡은 소프라노 문수진은 풍부한 성량으로 극을 떠받쳤다. 타이틀 롤의 테너 크리스토퍼 벤트리스는 3막에서야 제 실력을 펼쳐 보였다. 알렉산더 조엘이 지휘한 국립심포니오케스트라는 흠잡을 데 없는 연주로 클래식 팬들의 기대가 컸던 바다 간주곡의 매력을 충실히 끌어내는 등 좋은 연주를 들려줬다. 흔한 사랑의 이중창 하나 없이 한 인간이 공동체에 의해 바다로 내몰리는 과정을 응시한다는 점에서 ‘피터 그라임스’는 오페라가 연애 서사를 넘어 당대의 사회를 정면으로 비판하는 가능성을 보여준 작품이다. 1945년 초연 이후 현대 영어 오페라의 대표작으로 자리 잡은 이 문제작을 국내 관객은 수십 년 만에 만났다. 그런데 최근 취임한 박혜진 국립오페라단 단장은 첫 언론 인터뷰에서 “‘피터 그라임스’는 대중적으로 꽤 난해한 작품”이라며 “점심시간에 전 직원이 샌드위치를 먹으며 작품을 함께 공부하는 프리뷰 시간을 만들었다”고 소개했다. 그러면서 “단장 개인의 지적 호기심이나 제작적 만족감을 채우기 위한 난해한 오페라는 지양해야 한다”는 입장을 밝혔다. 흥행 부담에서 비교적 자유로운 국립오페라단 무대에서조차 ‘피터 그라임스’ 같은 작품을 다시 만나기란 당분간 쉽지 않을 듯하다.

러시아 마린스키 발레단에서 활약 중인 스타 발레리노 전민철(사진)이 고전 발레의 정점 ‘백조의 호수’로 고국 관객을 만난다. 예술의전당은 8월 14∼23일 오페라극장에서 상연하는 유니버설발레단 ‘백조의 호수’에서 백조 오데트와 사랑에 빠지는 왕자 지크프리트로 마린스키 발레단 퍼스트 솔로이스트인 전민철이 출연한다고 18일 밝혔다. 전민철은 지난해 세계적 발레 콩쿠르인 미국 유스 아메리카 그랑프리(YAGP)에서 대상을 차지했으며, 김기민에 이어 한국인 무용수로는 두 번째로 마린스키 발레단에 입단했다. 전민철과 함께 유니버설발레단 수석무용수 이동탁과 임선우, 이승민, 이현준, 유주형이 번갈아 지크프리트로 출연한다. 유니버설발레단 수석무용수이자 간판스타 홍향기가 지난해에 이어 백조 오데트를 연기한다. 수석무용수 엘리자베타 체프라소바를 비롯해 이유림, 전여진, 서혜원도 오데트에 캐스팅됐다. 음악은 국립심포니오케스트라가 연주하며 올해부터 악단의 청년 오케스트라단(KNCO) 음악감독을 맡은 김성진이 지휘봉을 잡는다. ‘백조의 호수’는 차이콥스키의 웅장한 음악으로 유명하며 고전 발레 3대 걸작 중 하나로 손꼽히는 작품이다. 작품은 마법에 빠져 백조로 변하는 공주 오데트와 왕자 지크프리트의 사랑 이야기를 담았다. 유니버설발레단은 이 작품을 1992년 처음 선보였으며 지난해엔 초연 이후 처음으로 무대 의상을 전면 교체했다.

한 해 국내 무대에 오르는 공연은 2만∼3만여 건. 이 수많은 연극·뮤지컬·무용·콘서트 가운데 극소수만이 관객 기억에 ‘명작’으로 남는 영광을 누린다. 지난 주말 LG아트센터 서울에서 국내 초연된 알렉산더 에크만과 발레 도르트문트의 ‘한여름 밤의 꿈’도 그러하다. 천재 안무가의 비범한 상상력과 연출, 탁월한 무용수들의 헌신적인 춤이 축제와 꿈의 경계를 허무는 압도적 경험을 만들어냈다. 백야(白夜)의 나라 스웨덴 출신인 에크만이 북유럽 명절 하지(夏至) 축제를 소재로 만들어 2015년 로열 스웨덴 발레단이 초연한 작품이다. 기나긴 밤 내내 함께 마시고 춤추다 잠드는 공동체적 경험이 배경인데 에크만은 마치 한 편의 영화처럼 춤판을 빚었다. 한 장면 안에서 여러 사건이 동시에 벌어지고, 빼곡한 디테일로 채워진 무대는 거대한 세트장 같다. 무대를 물성(物性)으로 압도하는 에크만의 연출은 여전하다. 하늘에서 초록색 볼풀 공 4만 개가 쏟아진 ‘플레이(PLAY)’, 무대에 물 5000ℓ를 채운 ‘백조의 호수’에 이어 이 작품에선 무대를 가득 채운 건초 더미와 수십 미터는 됨직한 길이의 대형 테이블, 사람보다 큰 청어 모형 등이 등장한다. 1막 무대는 여름 내음이 물씬 풍긴다. 무대를 뒤덮은 황금빛 건초 더미 위에서 무용수들은 몸을 던져 뒹굴며 춤을 추고 흥을 돋운다. 무대 한가운데에는 꽃과 건초로 장식한 기둥, 메이폴(Maypole)이 솟는다. ‘5월의 나무’라는 뜻을 지닌 하지 축제의 심장이다. 사람들은 그 둘레를 둥글게 돌며 춤추는데, 개구리를 흉내 낸 익살스러운 춤이 재밌다. 축제가 무르익으면 만찬이 시작된다. 거대한 식탁에 줄지어 앉은 남녀는 점잖게 식사를 시작하나 어느 순간 술의 신 바쿠스가 강림한 듯 흐트러진다. 잔이 거듭될수록 남녀는 본성을 드러낸다. 30여 명의 남녀가 싸우고, 쓰러지고, 토하고, 웃고, 노래하고, 사랑을 나눈다. 카메라를 든 남자는 난장 속을 헤집으며 사진을 찍는다. 어떻게 마무리될까 궁금할 무렵 파티는 돌연 멈춘다. 무용수들이 잔을 들고 무대 앞 열에 나란히 서서 객석을 집요하게 응시하며 인사를 건넨다. 무대와 객석의 경계가 허물어지는 순간이다. 2막에서는 무대 위에 설치된 전자 달력·시계가 부각된다. 점멸하는 조명과 라디오·TV 채널 신호를 찾는 듯한 굉음 속에 시계는 거꾸로 돌아가고, 만찬에서 먹고 마시다 잠든 남자는 다시 축젯날 아침처럼 잠에서 깨어난다. 그러나 건초를 끌어안고 춤추던 일상은 사라졌다. 끝을 알 수 없는 어둠 속에서 테이블이 떠오르고 물고기가 허공을 헤엄치는 무대가 펼쳐진다. 머리 없는 양복남, 공중에 매달린 침대, 역시 허공으로 솟아오른 긴 테이블. 살바도르 달리와 르네 마그리트의 화폭을 떠올리게 하는 이미지가 쏟아진다. 그리고 허공을 가로지르는 거대한 청어 아래에서 무용수들은 굉음을 내며 마치 발작하듯 춤을 춘다. 문명과 규칙이 지배하던 낮의 질서가 무너지고, 현실을 교묘하게 뒤튼 아름다운 악몽이 펼쳐진다. 비슷한 춤을 떠올리기 힘든 수준인 광란의 춤판은 어느 순간 잦아들고, 무대는 다시 비워진다. 남녀는 사랑을 나누고, 두 여성 무용수가 양편에서 나와 천천히 무대를 가로지른다. 걷는 것만으로도 아름다운 춤이 된다. 그리고 에크만의 천재성이 가장 잘 드러나는 ‘한여름 밤의 꿈’의 절정이 시작된다. 그토록 많은 소도구와 장식·이미지가 범람했던 무대는 사라지고 모든 무용수는 태초의 차림만으로 형언하기 힘든 아름다움을 지닌 군무를 춘다. 꾸밈없는 몸에서 나오는 춤은 보는 이에게 특별한 감정의 북받침을 안긴다. ‘한여름 밤의 꿈’의 또 다른 비범함은 작곡가 미카엘 칼손의 음악에서 나온다. 무대 위 일곱 명의 연주자가 현악사중주와 피아노, 타악기, 전자음을 엮어 독특한 질감을 만든다. 그 위로 고음을 자유자재로 다루는 여성 보컬이 마치 판소리 구음(口音) 같은 창법으로 노래한다. 우리나라에 처음 온 발레 도르트문트는 에크만의 천재성을 헌신적인 춤과 연기로 충실히 담아냈다. 120년이 넘는 역사를 지닌 발레단인데 현대적 무용 언어를 받아들이며 국제적 위상을 쌓고 있다. 클래식 발레의 엄격한 신체 통제력을 뼈대로, 복잡하게 얽힌 장면들을 일사불란하게 풀어낸다. 마치 ‘컷’없이 영화 촬영을 완성해내듯 톱니바퀴처럼 맞물린 춤과 연기를 펼쳐낸다. 현실과 초현실이 뒤섞인 이 작품을 두고 에크만은 누구나 자유롭고 생생한 꿈을 꾸며, 그 꿈속에서는 어떤 일이든 가능하고 우리의 꿈은 끝나지 않는다고 설명한다. 잠에서 깬 ‘꿈꾸는 남자’는 다시 커튼 뒤로 빨려 들어가 한여름 밤의 단꿈과 악몽을 반복하는 ‘루프’속에 갇힌듯하다. 매일 밤 막이 내리고 이튿날 새 막이 오르는 공연장의 순환과도 닮았다. 그는 ‘극장의 마법’을 현존(presence)이라 부른다. 객석의 모두가 그 순간에 온전히 함께 존재하며 저마다의 삶과 고민을 잊는 것, 그것이 마법이다. LG아트센터는 명작 많은 극장으로 손꼽힌다. 2000년 개관작 피나 바우슈의 ‘카네이션’을 시작으로 탈리아 극장의 ‘단테의 신곡 3부작’, 이보 반 호프의 ‘로마 비극’, 로베르 르파주의 ‘887’, 양정웅의 ‘코리올라누스’, 이자람의 ‘억척가’등. 오랫동안 두고두고 이야기되는 작품을 여럿 무대에 올렸다. ‘한여름 밤의 꿈’이 그 계보에 새로 기록될 듯해 보인다. 서울 무대는 전석 매진으로 끝났고 19∼20일 화성예술의전당에서 공연된다.

무대를 집어삼킬 듯 건반 위를 질주하는 피아니스트. 2022년 반 클라이번 국제 피아노 콩쿠르 우승 이후 클래식팬 기억에 강력히 각인된 임윤찬의 이미지다. 15일 서울 송파구 롯데콘서트홀에서 만난 임윤찬은 달랐다. 천재 소년으로 출발해 세계적 피아니스트로 단숨에 올라선 그가 이번엔 ‘여유’와 ‘성숙’으로 또 한 단계 성장한 모습을 보여줬다. 이날 임윤찬의 연주회는 여러모로 특별했다. 그간 독주회나 정상급 오케스트라와의 협연을 주로 선보여 온 그가 70년 넘는 역사를 지닌 오스트리아 실내악단 카메라타 잘츠부르크, 소프라노 임선혜와 함께 모차르트 협주곡 두 곡과 아리아를 한 무대에 올렸다. 올해 모차르트 탄생 270주년을 맞아 그가 펼치는 ‘모차르트 순례’의 한 걸음으로 프로그램과 출연진까지 임윤찬이 직접 짠 무대였다. 임윤찬은 프로그램북에 기획 의도까지 손수 적어 관객에게 건넸다. 연주자가 무대 밖의 글로 마음을 전하는 일은 흔치 않다. 그는 모차르트의 음악을 들을 때마다 “이 세상은 어쩌면 맑고 순수한 장난뿐”이라는 생각에 어린 시절의 자신으로 돌아가 건반 앞에 앉게 된다고 적었다. 1부를 연 피아노 협주곡 제25번 다장조에서부터 임윤찬은 악단과 긴밀히 호흡했다. 예전의 임윤찬이 피아노를 통해 세계를 자기 안으로 끌어당기는 연주자였다면 이날의 그는 주변의 소리에 귀를 열고 기다릴 줄 아는 연주자였다. 2부에선 여유와 성숙이 한층 더 돋보였다. 첫 곡은 콘서트 아리아 ‘어찌 그대를 잊으리’. 소프라노 임선혜와 함께 만든 무대였다. 임윤찬이 성악과 호흡을 맞추는 건 보기 드문 장면이다. 피아노가 노래를 떠받치고 노래가 다시 피아노를 부르는 대화가 오갔다. 임윤찬은 이 곡이 지난해 힘들었던 시기에 자신에게 큰 위로가 됐고 그 순간이 이번 공연 기획의 영감이 됐다고 밝혔다. 본관이 같은 풍천 임씨인 임선혜와 오래전부터 이 곡을 함께하고 싶었다는 사연도 덧붙였다. 동료와 무대를 함께 만들어 가는 예술가로서 한 뼘 더 자란 모습이었다. ‘천재 피아니스트’라는 수식어를 지나서 자신이 원하는 무대를 설계하고 그 안에서 다른 연주자들과 호흡하는 단계로 들어선 것이다. 마지막 연주로 선택한 피아노 협주곡 제24번 다단조에서 임윤찬은 1·3악장 솔로에서 특유의 열정을 토해 내면서도, 카메라타의 정교한 앙상블을 여유 있게 지켜보며 합을 맞췄다. 이상권 평론가는 “이날 공연은 단순히 1786년에 탄생한 모차르트의 작품을 묶는 것이 아니라, 그가 이미 오페라와 실내악, 협주곡의 감각을 하나의 언어로 통합하고 있었음을 들려준 자리였다”며 “카메라타 잘츠부르크가 절제된 음향과 기민한 응답으로 그 언어의 골격을 세웠다면, 임윤찬은 피아노의 발화와 공명을 바탕으로 그 안의 노래와 긴장, 침묵을 현재의 감각으로 들리게 했다”고 평했다.

원형, 타원형 공간을 뜻하는 라틴어 ‘키르쿠스(circus)’. 고대 로마 시대에는 전차 경주 등이 열리던 타원형 경기장을 뜻했다. 여기서 유래한 서커스가 시작된 건 1768년 영국 런던 원형 승마장에서다. 말 묘기와 기예를 선보이고 이후 곡예사와 광대 등이 참여하면서 현대적 서커스가 만들어졌다. 국내에서는 1925년 목포 사업가 동춘 박동수가 동춘서커스단을 창단한 뒤 1960∼70년대까지 서커스가 대중 공연의 한 축을 이뤘다. 하지만 영상 매체와 대중오락의 변화 속에 전통적 서커스는 점차 설 자리를 잃었다. 그런 가운데 올여름 모처럼 다양한 서커스 무대가 관객을 찾는다. 전통적 묘기를 넘어 무용과 미디어아트, 아크로바틱, 대형 테마파크 공연까지 결합한 현대서커스가 잇따라 선보인다. ◆우주의 회전을 무대로…서커스 ‘자전’ 컨템퍼러리 공연예술단체 포스(FORCE)는 20일 은평문화예술회관 공연장에서 현대 서커스 ‘자전(Rotation)’을 선보인다. 고난도 서커스 기술과 신체 퍼포먼스, 미디어아트를 결합한 융복합 공연이다. 우주의 원리인 ‘자전’과 ‘공전’에서 영감을 받아 자체 개발한 회전 장치와 영상, 사운드로 독창적 무대를 구현했다. 지구와 우주의 현상을 연구하던 연구원들이 예기치 못한 사건으로 시공간을 넘나드는 여정이 줄거리다. 대사 없이 신체 움직임과 이미지, 음악만으로 이야기를 전달하는 비언어극으로서 어린이부터 성인까지 언어와 연령의 경계 없이 즐길 수 있다. 서커스와 무용, 미디어아트의 유기적 결합으로 ‘인간의 순환과 연결’이라는 주제를 감각적으로 풀어낼 예정이다. ◆서로를 지탱하는 균형의 미학… 아시아 초연 '인커먼' 경기아트센터에선 26∼27일 대극장에서 호주 서커스단 ‘원 펠 스웁 서커스(One Fell Swoop Circus)’의 대표작 ‘인커먼’을 선보인다. 에든버러 프린지 페스티벌 전석 매진을 비롯해 캐나다·뉴질랜드 등 세계 주요 무대에서 활동해 온 단체다. 한국에서 선보일 무대는 호주공연예술마켓 초청작이자 멜버른 프린지 페스티벌 ‘최고의 서커스상’ 수상작이다. 작품은 사회를 지탱하는 보이지 않는 연결과 공동체의 가치를 서커스라는 예술 언어로 풀어낸다. 무대 위엔 강철 폴과 로프로 이뤄진 거대한 ‘텐세그리티(tensegrity)’ 구조물이 등장한다. 인장(tension)과 구조적 완전성(structural integrity)의 합성어인 텐세그리티는 압축과 장력의 균형만으로 형태를 유지하는 구조를 뜻한다. 공중에 떠 있는 듯한 이 구조물은 공연 내내 끊임없이 형태를 바꾸며 우리 사회를 지탱하는 관계와 연결망을 상징한다. 여섯 명의 아크로바틱 예술가가 유동하는 구조물 위에서 서로를 붙잡고 기대고 들어 올리며 아슬아슬한 균형을 만들어낸다. 누군가의 무게를 받아내고 또 다른 누군가에게 자신을 온전히 맡기는 순간들은 공동체 안에서 서로를 지탱하며 살아가는 인간의 본질을 보여준다. 경기아트센터 관계자는 “인커먼은 현대 서커스의 역동적 움직임을 통해 공동체와 신뢰, 서로를 지탱하는 관계의 가치를 깊이 있게 전하는 작품”이라며 “세계 무대에서 인정받은 우수작을 국내 관객에게 소개해 동시대 공연예술의 새로운 흐름을 경험하는 계기가 되길 기대한다”고 밝혔다. ◆‘놀이터’가 된 무대… 싱크 넥스트의 코드세시 동시대 첨단 무대를 보여주는 세종문화회관의 ‘싱크 넥스트’도 올해 처음으로 서커스 아티스트를 무대에 올린다. 8월 1∼3일 공연하는 코드세시는 컨템퍼러리 서커스를 기반으로 기예와 오브제, 연출을 결합해 서커스를 동시대 공연예술로 확장해 온 아티스트다. 이번 공연에선 ‘놀이터’를 주제로 다양한 기예 도구와 움직임을 활용해 규칙과 균형이 빚어내는 긴장과 변화를 무대에 구성한다. 기술 중심의 묘기를 넘어 구조와 감각을 함께 다루는 공연 형식으로서 서커스의 가능성을 보여줄 전망이다. ◆태양의 서커스 DNA 지닌 에버랜드 ‘윙즈 오브 메모리’ 용인 에버랜드에선 지난 4월부터 ‘윙즈 오브 메모리(Wings of Memory)’를 매일 2회씩 공연 중이다. 태양의 서커스, 세븐 핑거스와 함께 서커스 강국 캐나다에서 3대 서커스 제작사로 꼽히는 엘로와즈와 에버랜드가 약 1년 6개월에 걸쳐 협업한 작품이다. 태양의 서커스 출신 크리에이티브 디렉터와 곡예 디자이너, 서커스 코치 등 연출진 20명이 방한해 제작에 참여했고 글로벌 공연단과 예술대학 출신 아티스트 20여명이 출연한다. 약 1000석 규모 전용 극장에서 40분간 펼쳐지는 공연은 콘토션, 에어리얼 폴, 러시안 스윙 등 7종의 고난도 기예에 댄스·영상·음악·특수효과를 결합했다. 숲 속에서 고니와 정령을 만난 소녀 이엘이 비밀의 세계로 들어가 우정과 용기, 동심을 회복하고 가족의 품으로 돌아오는 이야기다. 공중을 나는 고니 퍼펫과 움직이는 배 등 무대장치에 프로젝션 맵핑, 아이스 포그 등 멀티미디어 기술을 더해 환상성을 극대화했다.

이성이 그어놓은 경계를 허물려 한 예술의 충동, 낭만(浪漫)주의. 국립심포니오케스트라가 제265회 정기연주회 화두로 자연 앞에 선 인간의 경이와 죽음 너머에서 찾는 구원, 그 심층의 감정을 선율로 표현한 ‘낭만’을 택했다. 11일 국립심포니에 따르면 7월 4일 서울 예술의전당 콘서트홀에서 열리는 정기연주회는 괴테의 시에서 출발한 멘델스존의 바다가 열어놓은 정적, 슈만의 레퀴엠이 닿는 영적 평안, 그리고 베토벤이 터뜨리는 생명의 환희로 이어지는 무대다. 연주회 첫 곡 멘델스존의 ‘고요한 바다와 즐거운 항해’는 ”깊은 고요가 물 위를 지배하고, 바다는 아무 흔들림 없이 누워 있다”로 시작하는 괴테의 동명 연작시 두 편에서 착안했다. 현악기의 정적인 진행 위에 관악기와 팀파니가 점차 더해지며 항해의 움직임을 입체적으로 그려낸다. 이어서 연주하는 슈만의 합창곡 ‘미뇽을 위한 레퀴엠’ 역시 괴테의 문학과 연결고리가 있다. 소설 ‘빌헬름 마이스터의 수업시대’ 속 인물 미뇽의 장례 장면에 쓰인 시를 가사로 한다. 독창·합창이 함께하는 대편성 작품으로 2023년 퀸 엘리자베스 콩쿠르 우승자인 바리톤 김태한이 독창을 맡고, 수원시립·위너오페라·월드비전합창단이 함께 무대에 오른다. 연주회는 낭만주의의 정신적 원형으로 여겨지는 베토벤의 교향곡 제7번으로 마무리된다. 이성적 구조보다 리듬의 충동이 전체를 지배하는 낭만주의의 시원(始原)이다. 올 1월 음악감독 취임 후 악단과 호흡을 맞춰 온 로베르토 아바도(사진) 상임지휘자가 자신의 개성을 본격적으로 드러내는 무대가 될 것으로 기대된다. 아바도 음악감독은 “괴테의 문학에서 출발한 멘델스존과 슈만의 작품, 그리고 베토벤 교향곡 7번이 하나의 흐름 안에서 이어지도록 구성했다”며 “세 개의 작품이 지닌 고유한 음악적 특징과 대비를 들을 수 있을 것”이라고 소개했다.

가수 출신 뮤지컬 배우 아이비가 뮤지컬 ‘시카고’ 주역 ‘록시 하트’로서 뉴욕 브로드웨이 무대에 데뷔한다. 미국에서 활동하는 한국계 배우를 제외하면 한국인 첫 브로드웨이 주역 데뷔로 기록될 전망이다. 10일 뮤지컬 제작사 신시컴퍼니에 따르면 아이비는 지난해 브로드웨이 프로덕션으로부터 오디션 제안을 받은 후 혹독한 준비와 오디션을 거쳐 올가을 공연 단독 주역으로 확정됐다. ‘시카고’는 브로드웨이 역사상 가장 오래 공연되고 있는 미국 뮤지컬이다. 1997년 토니상 최우수 뮤지컬 리바이벌상을 포함해 6개 부문을 석권했으며 그래미상 최우수 뮤지컬 앨범상을 수상한 작품이다. 아이비는 ‘시카고’ 한국 프로덕션에 ‘록시 하트’ 역으로 2012년 처음 무대에 오른 이후 2024년까지 6시즌 동안 600회 가까운 공연을 소화해 왔다. 이번 캐스팅으로 8월 17일부터 9월 6일까지 뉴욕 앰버서더 극장 무대에 오르게 된다. 꾸준한 노력과 자기 관리로 매 시즌 최고의 기량을 선보인 끝에 브로드웨이까지 진출한 쾌거다. 한국에서 활동하는 뮤지컬 배우가 브로드웨이 프로덕션 주연으로 발탁되는 건 사실상 최초다. 뮤지컬 ‘명성황후’의 미국 공연 및 배우 마이클 리가 ‘미스 사이공’에 출연하는 등 한국계 미국인 배우가 브로드웨이 무대에 오른 경우가 있을 따름이다.