한국문화예술위원회는 소속 연주단체인 ‘아르코 앙상블’이 11일(현지시간) 벨기에 브뤼셀에 위치한 유럽의회 본부에서 열리는 특별 초청 공연 무대에 오른다고 10일 밝혔다. 이번 공연은 유럽의회 사무국의 공식 초청으로 마련됐다. 유럽 정치·외교의 중심지인 브뤼셀 의회 본부 내 '에스플러네이드 솔리다르노스크 1980' 라운지에서 개최되며, 유럽의회 의원(MEP)을 포함해 각국 외교 사절단, 의회 관계자, 방문객 등 100여 명이 함께한다. 연주곡은 의회 측 요청으로 전쟁과 갈등의 시대를 대표하는 작곡가 드미트리 쇼스타코비치의 피아노 5중주 사단조를 선보인다. 긴장과 화해, 고뇌와 희망이 공존하는 음악적 서사로 평가받는 작품이다. 피아노와 현악 4중주가 빚어내는 깊이 있는 앙상블로 경계를 넘어선 공감과 연대의 가치를 전할 예정이다. 아르코 앙상블은 세계 각지에서 활동하는 한국의 청년 클래식 연주자들로 구성된 프로젝트형 연주단체다. 차세대 음악가들이 국제 무대에서 다양한 경험을 쌓고 성장할 수 있도록 지원하고 있다. 2024년 출범 이후 미국, 독일, 영국 등 북미와 유럽 무대에서 다양한 문화외교 활동을 전개해 왔다. 앙상블 관계자는 “음악은 서로 다른 소리가 어우러져 하나의 울림을 만들어내는 예술”이라며, “이번 공연이 그 울림을 통해 다름 속에서 새로운 아름다움을 발견하는 뜻깊은 시간이 되길 바란다”고 밝혔다.

평화롭던 어느 대학교 행정지원실에 돌연 감사가 들이닥친다. 누군가 제보한 공금 50만원 횡령과 대리서명 의혹 때문이다. 직원들은 진실을 밝히고 잘못을 반성하기보다 “사소한 일로 분란을 만든다”, “누가 우리를 찔렀는가”라며 제보자를 색출하는 데만 혈안이 된다. 그렇게 시작된 소소한 횡령사건은 사무실 안에 만들어진 직원 카르텔의 폭력적인 민낯을 드러낸다. 창작집단 ‘오늘도 봄’은 신작 ‘사소한 것들’을 6월 19일부터 28일까지 서울 대학로극장 쿼드에서 공연한다고 9일 밝혔다. 작가 조은주는 개인의 경험과 사회적 맥락에서 비롯된 이야기를 희곡으로 풀어낸다. 이번 무대에선 실제 한 국립대학에서 발생한 특별감사 및 갑질 사건을 바탕 삼아 익숙한 사무실 풍경 이면에 자리한 구조적 부조리와 침묵의 카르텔을 포착한다. “좋은 게 좋은 거지”라는 ‘사소한 관행’ 아래 반복되는 방관과 자기합리화, 그리고 양심을 지키려던 개인이 ‘이방인’으로 고립되어 가는 과정이 블랙코미디와 서스펜스를 오가며 펼쳐진다. 변화는 우리가 대수롭지 않다고 여기는 ‘사소한’ 것에 의문을 제기하는 것, 그에 대해 침묵하고 공모하는 것을 거부함으로써 시작된다는 것을 보여준다. 연출은 ‘오늘도 봄’ 대표 채수욱이 맡으며 배우 문예주, 심영민, 박정현, 고병택, 최영도, 정서연, 김호준, 최은경, 백은경, 이기현 등이 출연한다.

대표적 여름 클래식 축제인 롯데콘서트홀의 ‘클래식 레볼루션’이 올해는 ‘뿌리(오리진)’를 주제로 열린다. 롯데문화재단은 8월 28일부터 9월 4일까지 ‘2026 클래식 레볼루션’이 개최된다고 8일 밝혔다. 2020년부터 열리고 있는 ‘클래식 레볼루션’은 독창적인 기획과 깊이 있는 기획으로 정평을 얻었다. 지난해에 이어 올해도 세계적인 바이올리니스트이자 지휘자인 레오니다스 카바코스(사진)가 예술감독을 맡아 축제를 이끈다. 카바코스가 제안한 올해 축제의 주제는 ‘뿌리’다. 클래식 음악의 근간을 이루는 민속 음악과 문화적 전통에 주목한다. 카바코스는 “오늘날 널리 사랑받는 많은 클래식 작품들은 민속 선율과 전통음악으로부터 영감을 받아 탄생했다”며 “이번 페스티벌은 클래식 음악의 기원을 돌아보고, 그 안에 담긴 전통과 공동체의 가치를 함께 살펴보는 자리가 될 것”이라고 설명했다. 카바코스는 바이올리니스트이자 지휘자로서 오케스트라와 실내악 무대를 넘나들며 축제를 이끈다. 최근 지휘자로서 활발한 활동을 이어가고 있는 피아니스트 김선욱 역시 체임버 뮤직 콘서트에 연주자로 참여한다. 28일 열리는 개막 공연은 안드레이 보레이코가 지휘하는 국립심포니오케스트라와 첼리스트 키안 솔타니가 함께 드보르자크 ‘첼로 협주곡 b단조’, 바르톡의 ‘오케스트라를 위한 협주곡’을 선보인다. 두 차례에 걸쳐 진행되는 체임버 뮤직 콘서트는 카바코스를 비롯해 비올리스트 앙투안 타메스티, 첼리스트 키안 솔타니, 피아니스트 김선욱과 함께 바이올리니스트 김서현, 비올리스트 김규현, 첼리스트 문웅휘와 한재민 등 국내외 연주자들이 참여한다. 9월 1일에는 카바코스와 게르스타인이 함께하는 듀오 리사이틀이 열린다. 3일에는 게르스타인의 독주회가 열리며 4일 폐막 공연에서는 카바코스가 지휘하는 수원시립교향악단과 게르스타인이 브람스 피아노 협주곡 제1번과 교향곡 제1번을 연주한다.

평범한 마을회관이다. 무대 뒤 액자처럼 보이는 무대 위에는 농구 골대가 달려 있고, 양쪽 벽에는 붉은 비상구 등이 켜져 있다. 그리고 회관 바닥에는 한 남자가 총이라도 맞은 것처럼 엎드려 있다. 곧이어 나타난 여성이 이리저리 꼭두각시를 조종하듯 남자의 팔다리를 움직인 끝에 그는 비로소 일어선다. 남자의 이름은 데이브. ‘21세기 무용 천재’라는 수식어를 가진 안무가 크리스탈 파이트가 5∼7일 LG아트센터 서울에서 한국 무대에 소개한 ‘어셈블리 홀’의 사실상 주인공이다. 파이트는 35년의 안무 경력 동안 로열 발레, 네덜란드 댄스 시어터, 파리 오페라 발레, 캐나다 내셔널 발레 등 세계 정상급 단체를 위해 60편 이상의 작품을 창작한 무용가. ‘우리를 움직이게 하는 것은 무엇인가’라는 화두를 붙잡고 다양한 작품을 만들어왔다. 자신이 이끄는 무용단 키드 피봇과 함께 만든 작품들은 발레 언어를 해체한 현대무용과 연극을 결합한 무용극이다. 특히 배우가 사전 녹음한 대사를 무용수들이 전신으로 립싱크하는 독창적 방법론과 현실과 환상·과거와 현재를 교차시키는 다중 서사가 그의 특기다. 극작가 조너선 영과 함께 만든 2023년작 ‘어셈블리 홀’은 마을회관에서 열리는 동호회 ‘자애와 보호의 기사단’ 연례 총회를 무대로 삼는다. 중세 갑옷을 직접 만들어 입고 가상의 전투를 벌이는 시대를 역행하는 이 모임은 회원 감소와 부채 증가라는 어려움을 안고 있다. 올해도 축제를 이어갈 수 있을지 불투명하다. 의장, 서기, 재무관, 대외홍보위원 등은 각자의 역할을 맡아 발언권을 요청하고 동의와 제청을 반복한다. 어쩌면 학급회의처럼 우스꽝스러운 절차다. 그런데 그 절차의 언어가 쌓일수록 회의는 점점 의식처럼 변한다. 사소한 안건은 공동체 생존의 문제로 커지고 마을회관의 낡은 무대 뒤편에는 중세 신화의 숲이 열린다. 한국 언론과 서면인터뷰에서 파이트는 “이들은 자신들이 사랑하는 활동을 이어가기 위해 모인 사람들이지만, 그것을 해마다 지속해 나가는 과정은 점점 이들을 지치게 하고, 내부의 긴장과 분열을 만들어낸다”며 “더 크게 바라보면, 우리가 함께 살아가기 위해 만들어온 구조들—예를 들면 회의 규칙, 종교, 민주주의 같은 체계들—이 얼마나 필요하면서도 동시에 연약한가를 보게 된다”고 설명한다. 무대에 오른 8명의 기사단원은 의장·서기·홍보위원·재무담당 등 각자 역할이 있지만 데이브만 뚜렷한 직책이 없다. 그는 정족수를 채우기 위해 불려온 잉여 같은 존재다. 그러다 퀘스트 축제를 홍보하기 위한 새 이야기 속에서 얼떨결에 ‘이름 없는 기사’ 역을 맡는다. 낡은 투구가 그의 머리에 씌워지는 순간 차이콥스키 피아노 협주곡 1번의 화려한 선율이 터져 나오면서 마을회관은 신화 속으로 미끄러져 들어간다. 파이트가 키드 피봇과 함께 만든 작품 중 국내에 처음 소개된 ‘어셈블리 홀’은 쉽게 읽히지는 않는다. 공동체와 민주적 절차, 신화, 구원 등으로 작품을 설명할 수 있으나 때로는 모호하다. 의미보다 이미지로 먼저 다가오는 순간이 많다. 시각적 이미지가 만들어내는 임팩트는 크고 아름답다. 갑작스러운 중세 전투 장면, 분노로 테이블이 뒤집히는 순간 등 중요 장면마다 마치 액션 영화처럼 무용수 동작이 멈추거나 늦춰진다. 파이트는 무대 위에 그림을 그리듯 스톱모션과 슬로우모션을 정교하게 구사한다. 마을회관 속 낡은 무대는 거대한 액자다. 그 액자 안에서 중세 기사들의 전투가 벌어지고 테이블이 뒤집히며 의자들이 흩어진다. 인물들은 한순간 현실의 동호회원이었다가 다음 순간 신화 속 인물로 변한다. 파이트와 영의 독특한 연출인 립싱크도 인상적이다. 무용과 연극을 결합해서 ‘탄츠테아터(무용극)’라는 장르를 확립한 피나 바우슈(1940-2009)가 떠오른다. 다만 바우슈의 무용수들이 자신의 목소리로 말하는 방식과 달리 파이트와 영은 목소리와 몸을 분리한다. 배우의 음성은 라디오 드라마처럼 흘러나오고 무용수의 몸은 그것을 살아 있는 더빙처럼 체화한다. 작품은 ‘자애와 보호의 기사단’ 연례총회를 통해 공동체의 취약함을 보여준다. 기사단 존폐를 놓고 가열되는 회의는 점점 민주주의의 축소판처럼 보인다. 발언권과 절차와 투표는 갈등을 다루기 위해 마련된 인간의 장치다. 그러나 그 장치가 아무리 정교해도 분노와 무기력과 배제는 사라지지 않는다. 그 속에서 부각되는 건 주인 없는 9번째 의자와 ‘이름없는 기사’다. 아서왕 전설과 이어지는 대목이다. 아서왕 원탁의 빈자리는 성배를 찾을 기사를 위해 비워둔 의자였다. 다만 순수 무구한 기사 갈라하드가 등장하는 전설과 달리 ‘어셈블리 홀’에선 외톨이 데이브가 빈자리를 채운다. 그는 어느 공동체에서나 볼 수 있는 존재감없는 1인이다. 아무도 기대하지 않는 자, 역할을 부여받지 못한 자, 그러나 바로 그런 인물이 공동체의 운명을 결정한다. 가장 압도적인 장면은 ‘이름없는 기사’로 각성한 데이브가 대회관에 도착하는 순간이다. 무대 위 모든 무용수가 데이브처럼 빛나는 투구를 쓴다. 여덟 명의 데이브가 동시에 존재한다. 그들은 함께 움직이다가 서로의 시간을 조금씩 어긋나게 하며 하나의 형상을 만든다. 이어 흩어진 몸과 의자와 갑옷 조각들이 모이고 흩어진 사람들이 다시 하나의 기사를 완성한다. 공동체란 처음부터 완전한 하나가 아니라 부서진 조각들이 잠시 맞물려 만들어지는 불안정한 형상이라는 사실을 웅변한다. 중립을 지켜야 하는 의장이 빠진 표결에서 데이브는 결국 해산 반대표를 던져 4대3으로 동호회를 살리고 죽는다. 남은 일곱 명은 데이브의 갑옷 조각을 하나씩 나눠 들고 무대 앞에 선다. 흩어진 조각들이 모이면 하나의 기사가 완성된다. 작품은 이렇게 처음과 끝을 하나로 잇는다. 파이트는 이 작품이 ‘인간이 본래 지닌 불완전함과 혼란 속에서 어떻게 공동체의 이상과 연대를 유지할 수 있는가’라는 질문에 대한 답이라고 설명한다. 타고난 영웅이 아닌 외톨이가 ‘이름없는 기사’로서 “당신들을 돕겠노라”고 맹세하고 힘겨운 갈등 속에 든 손 하나가 공동체를 살렸다.

가수 이미자의 대표곡 ‘동백아가씨’의 악보가 부산시문화유산으로 등록된다. 부산시는 4일 대중가요 ‘동백아가씨’ 악보를 부산시 등록문화유산으로 고시했다고 밝혔다. 이번에 등록된 자료는 1964년 작성된 표기 악보부터 1989년 편곡 악보까지 총 35건 157점의 악보와 가사지 3점으로 구성됐다. 부산시는 해당 자료가 디지털 시대 이전 수기로 작성된 음악 기록물로서 당시 대중가요 제작 과정과 음악 산업의 흐름을 보여주는 중요한 사료적 가치를 지닌다고 평가했다. 부산 출신 작곡가 백영호와 작사가 한산도가 만들어 1964년 발표된 ‘동백아가씨’는 한국 트로트의 전성기를 이끈 대표적인 국민가요다. 동명의 영화 주제곡으로 사용되며 폭발적인 인기를 끌었다. 특히 애절한 멜로디와 서정적인 가사로 사랑받으며 이미자를 ‘엘레지의 여왕’ 반열에 올려놓은 곡으로 평가받는다. 이번 문화유산 등록은 단순히 한 곡의 악보 보존 차원을 넘어 한국 대중음악사 전체의 기록 가치를 인정받았다는 점에서 의미가 있다는 분석이다. 악보에는 작곡과 편곡 과정의 흔적이 고스란히 남아 있어 당시 음악인들의 작업 방식을 확인할 수 있다. 특히 손으로 직접 작성된 원고들은 오늘날 디지털 작업 환경에서는 찾아보기 힘든 시대적 특징을 담고 있다. 부산은 그동안 ‘동백아가씨’의 창작자인 백영호와 관련된 자료 수집에도 공을 들여왔다. 앞서 부산시는 유족으로부터 자필 악보와 음반 자료 등 약 7000여점에 달하는 대중음악 자료를 기증받아 보존 사업을 추진해왔다. 한편 부산시는 이번 ‘동백아가씨’ 악보 외에도 해월정사가 소장한 성철 스님의 친필 원고를 등록문화유산으로 고시했으며, 부산박물관 소장 ‘농가월령도 십이폭 병풍’ 등도 문화유산으로 추가 지정했다. 현재 부산시가 보유한 국가유산은 총 588건이다.

첼리스트 미샤 마이스키, 바이올리니스트 오귀스탕 뒤메이 등 거장과 신예 연주자가 함께하는 클래식 축제가 열린다. 도시와 도시, 세대와 세대, 사람과 사람을 잇는 것을 목표로 2018년 미국 뉴욕에서 시작된 ‘클래시컬 브릿지 국제 음악 페스티벌’이다. 2일 서울 중구 한 호텔에서 열린 기자간담회에서 예술감독을 맡고 있는 피아니스트 클라라 민은 “음악 안과 밖뿐만 아니라 다른 섹터 그리고 세계와 관계를 점점 넓혀서 좋은 세상을 만들고 싶다”고 이번 축제를 설명했다. 4일부터 12일까지 서울 예술의전당, 롯데콘서트홀, 고양아람누리 등에서 열리는 축제에는 아티스트 21명이 공연 7회를 펼친다. 미하일 플레트네프, 오귀스탕 뒤메이, 미샤 마이스키 등 거장과 함께 고티에 카퓌송, 다니엘 로자코비치, 에드가 모로 등 젊은 연주가들이 함께 무대에 오른다. 국내에선 비올리스트 김상진, 윤진원, 클라리네티스트 조동현이 참여한다. 미샤 마이스키는 “많은 사람이 젊은이에게 해주고 싶은 조언을 묻는데, 저는 항상 젊음을 유지하라고 조언하는 편”이라며 “제 꿈은 오래 살되 젊게 죽고 싶은 것이기에, 젊은 연주자들과 연주가 기대된다”고 했다. 리다 첸도 “살아가다 보면 자신의 감정을 어떠한 장벽 없이 있는 그대로 표현하는 방법을 잊어버리는 경우 많지 않냐”며 “기성세대에서 젊은 세대로 우리가 무언가 전수하게 될 것이고 젊은 연주자와 함께 연주하며 매우 많은 걸 배운다고 생각한다”고 했다. 연주자들은 한국에서 공연에 대한 기대감도 전했다. 리다 첸은 “한국 클래식 시장 자체가 역동적이고 독특한 특징을 가졌다”며 “연주자로서 특별한 한국 관객과 에너지를 공유할 수 있다는 자체가 매우 큰 특권”이라고 말했다. 마이스키는 제자인 장한나 예술의전당 사장에 대해 “무엇을 하든 100%를 해내는 인물”이라고 했다.

매년 완성도 높은 연주로 관객과 깊이 호흡해온 ‘하나’로 연결된 평화음악회가 올해는 아주 특별한 테마로 찾아온다. 이번 공연의 핵심 키워드는 ‘프레스파뇰(Frespañol)’. 이는 프랑스(France)와 스페인(Español)의 합성어로, 역사적으로 서로 깊은 영향을 주고 받으면서도 독창적인 정서와 배경을 구축해 온 두 나라의 문화를 음악으로 투영한 개념이다. 프랑스 작곡가들이 동경한 스페인의 이국적 정취, 그리고 스페인 작곡가들이 품고 있는 민속적 열정과 리듬은 서로 다른 색채 속에서도 놀라운 공명을 만들어내며 관객들을 황홀한 음악 여행으로 이끈다. 마스네의 ‘르 시드’ 중 ‘나바라 춤’을 시작으로, 랄로의 ‘스페인 교향곡’, 샤브리에의 ‘에스파냐’, 비제의 ‘카르멘’ 간주곡, 투리나의 ‘환상적 춤곡’, 림스키코르사코프의 ‘스페인 기상곡’까지 스페인을 향한 다양한 음악적 상상력을 펼쳐낸다. 특히 바이올리니스트 장영수와 함께하는 랄로의 ‘스페인 교향곡’은 화려한 기교와 낭만적인 선율로 무대를 뜨겁게 물들인다. 권현수 지휘자는 작품마다 긴장감과 섬세한 해석을 더해 프랑스의 서정성과 스페인의 정열을 더욱 입체적으로 그려낼 예정이다. 이번 공연의 중심에는 독보적인 작품 해석력을 지닌 마에스트로 권현수가 있다. 그는 자칫 불일치할 수 있는 두 나라의 대조적인 색채를 음악적 텍스처로 촘촘히 쌓아 올리며 무대 위에 긴장감과 감동을 동시에 구현한다. 림스키코르사코프의 복잡하고 현란한 관현악법을 명료하게 풀어내기 위해 몰두하고 있는 권현수는, 88인 편성의 소리얼필하모닉오케스트라와 함께 황홀하고도 완벽한 호흡을 선보일 예정이다. 음악적 서사를 치밀하게 구축하여 관객의 몰입을 이끌어내는 그의 지휘는 이번 평화음악회를 단순한 연주회를 넘어선 하나의 거대한 예술적 서사시로 완성할 것으로 기대된다. 2008년 12월 창립된 소리얼필하모닉오케스트라는 국내외 정상급 지휘자와 새로운 문화를 이끌어갈 역량 있는 아티스트를 영입하여 신인 발굴은 물론 클래식 음악의 저변 확대와 음악예술의 발전을 위해 기여하고자 설립된 국내 최고의 민간 음악 단체이다. 한편 2012년 ‘전문예술법인’으로 지정된 소리얼필하모닉오케스트라는 매년 정기연주회 한국음악협회 한국음악상 수상과 사회 공헌 공로상을 수상했다. 2015년부터 서울특별시 및 청소년 음악회, 창작 공연, 오페라 공연, 소외이웃을 위한 찾아가는 음악회 등 다양한 연주 활동을 통해 음악적 역량을 높이고 있다.

1980년대 ‘철의 여왕’ 대처 총리가 집권하던 영국. 정부는 석탄 산업에 사망선고를 내리고 광부들은 총파업으로 저항한다. 북부 탄광촌 소년 빌리는 마을회관에서 우연히 발레를 만나 천부적 재능을 드러내지만 가족은 소년의 춤을 이해 못 한다. 빌리는 아버지의 반대와 무너져 가는 공동체의 운명에 맞서며 자신의 미래를 향해 나아간다. 뮤지컬 ‘빌리 엘리어트’가 돌아왔다. 2000년 개봉 영화를 원작으로 한 뮤지컬이다. 영화를 만든 스티븐 달드리에게 작곡가 엘튼 존이 무대화를 제안하면서 작업이 시작됐다. 2005년 런던 초연 후 올리비에상과 토니상을 휩쓸었다. 한국은 2010년 비영어권 최초로 무대에 올린 뒤, 이번이 네 번째 시즌이다. ◆“빌리? 마라톤 뛰면서 햄릿을 연기하는 격” 빌리를 다시 만난 감상은 ‘경이롭다’로 압축된다. 열한살 소년이 두시간사십분짜리 대극장 뮤지컬 주역으로서 온전히 제 몫을 하는 무대를 바라보면 자연스레 생겨나는 감동이다. 역경 속에서 자신의 길을 찾아가는 연기를 노래·고난도 춤과 함께 펼쳐 보인다. 빌리뿐 아니라 무대를 채우는 또래 친구들 역시 마찬가지다. 어린아이가 주인공인 영화는 흔하나 (어린이극을 제외한) 무대 공연 주역인 경우는 드물다. 얼마나 많은 분·초가 쌓여야 가능한 일인지, 제작진은 어떠한 노력을 했을지 가늠하기도 어렵다. 제작사 자료에 따르면 오디션으로 선발한 아역배우들은 420일에 걸쳐서 발레와 탭, 재즈, 아크로바틱을 월요일부터 토요일까지 하루 평균 6시간씩 배웠다. 80페이지에 이르는 대본과 가사를 외우고, 격한 안무 뒤에도 흐트러지지 않는 호흡법을 몸에 익혔다. 거의 1년 반에 걸친 사전 작업과 연습 끝에 만들어진 무대인 셈이다. 발레 선생 미세스 윌킨슨 역을 최정원과 함께 맡은 배우 전수미는 “대한민국 어디에서도 볼 수 없는 이 프로덕션만의 엄청난 연습량과 열정에 정말 큰 감동을 받았다. 이렇게 오랜 기간을, 이렇게 많은 연습실을 빌려 가며 준비하는 프로덕션은 없을 것”이라고 자부했다. 올해 무대에는 ‘빌리 엘리어트’를 만든 연출가 스티븐 달드리도 방한, 개막 공연에서 고사를 지내며 행운을 기원했다. 그는 한국 취재진을 만나 빌리라는 역할을 두고 “마라톤을 뛰면서 햄릿을 연기하는 것”이라고 말했다. 27일 공연에서 빌리를 맡은 김우진 역시 자기 역할을 120% 소화했다. 탭댄스와 발레, 노래를 모두 높은 수준으로 해내면서 거의 무대에서 내려오지 않은 채 공연 전체를 끌고 갔다. 특히 김우진이 성인 빌리로 출연한 발레리노 임선우와 함께 춤을 추는 장면은 특별한 감동을 줬다. 임선우는 1대 빌리 출신으로 유니버설발레단 수석무용수로 성장해서 한국발레협회상에서 최우수상까지 받았다. 십수 년 세월을 건너뛴 두 빌리의 파드되는 영화와 현실이 한순간에 만나는 특별한 순간이었다. 백조의 호수가 흐르는 둘의 춤은 절정부에 이르면 빌리가 한 가닥 와이어에 의지해 공중에서 춤을 춘다. 무용을 중력에서 풀어 놓는, 어느 무대에서도 보기 힘든 고난이도 장면이다. 몸이 가벼운 아이이기에 가능한 춤이다. 빌리가 면접장에서 추는 ‘일렉트리시티’ 춤 역시 영화보다 더한 감동을 준다. 재능을 온몸으로 표출하며, 무용의 본질이 무엇인지를 말이 아닌 몸으로 보여준다. ◆빌리의 가족과 친구, 선생님 ‘빌리 엘리어트’무대에서 최고 명장면은 ‘앵그리 댄스’다. 자신을 억압하는 환경에 분노한 빌리가 침실에서 시작해, 거리로 나와 경찰의 방패에 온몸으로 부딪치며 만들어내는 분노와 열정이 객석에 고스란히 전해진다. 뮤지컬이 영화를 압도하는 순간이다. 아이의 좌절과 시대의 폭력이 작은 몸에서 춤으로 터져 나온다. 어른 배역 중에선 마을회관 발레 선생 미세스 윌킨슨 역할이 크다. ‘제대로 된 어른’으로서 빌리의 재능을 발견하고 천재 소년의 영감을 끌어낸다. 이날 공연에선 한국 뮤지컬 1세대 스타로서 최정원이 진심어린 연기를 보여줬다. 뮤지컬에선 왠지 아빠, 할머니, 형과 빌리의 감정선은 충분히 드러나지 않았는데, 이 빈 곳을 최정원과 단짝 마이클이 채워준다. 마이클을 맡은 이루리의 천연덕스러운 연기 또한 인상적이었다. 무결점에 가까운 공연이었지만 딱 하나 눈에 걸린 대목은 아빠 앞에서 빌리가 춤을 추며 자신을 표현하는 장면이다. 아들의 춤을 본 아버지 마음의 변화는 생략된 채 바쁘게 다음 장면으로 전환돼 아쉽다. 중요한 전환점인 만큼 그 감정의 도약이 조금 더 설득력 있게 쌓였다면 하는 바람이 남는다. ◆변함없는 연대의 가치 5년만에 다시 만난 ‘빌리 엘리어트’에선 ‘연대’라는 주제가 새롭다. 파업 광부들의 이야기는 영화보다 더 심각하고 묵직하게 다뤄진다. ‘더 스타즈 룩 다운’, ‘원스 위 워 킹’처럼 극을 여닫는 합창곡 모두 “어둠 속 폭풍에도 서로 어깨를 맞대고 이겨내리”라며 연대를 강조한다. 엘튼 존이 만든 노래인데도 마치 국내 시위 현장에 울려 퍼졌던 저항가요를 생각나게 한다. 빌리가 마을을 떠나는 마지막에 광부들이 부르는 ‘원스 위 워 킹’은 “한때 우리는 영웅이었고, 왕이었노라”며 무너져 가는 공동체의 자긍심과 비애를 동시에 끌어안는다. 패배가 확실해진 순간에도 그들은 “그래도 우리는 당당히, 함께 걸어가리”라고 노래한다. 팝스타가 만들어낸 이토록 묵직한 합창이 ‘연대’라는 가치를 영국인들이 얼마나 가슴 깊이 새기고 있는지 방증한다. 그만큼 이 작품에 내재된 대처를 향한 비난은 신랄하다. 달드리는 한국 기자들에게 2013년 대처 사망 당시 런던 웨스트엔드 공연에서 대처를 조롱하는 장면을 빼야 할 지 고민했던 일화를 말해줬을 정도다. 결국 2막 오프닝 곡 ‘메리 크리스마스, 매기 대처’를 그날 무대에 올릴지 말지 관객 투표에 부쳤고, 1500여 객석 중 단 세 명만이 반대해 노래는 예정대로 불렀다고 한다. 이번 방한 간담회에서 달드리는 그 분노의 뿌리가 자신의 개인사와 맞닿아 있음을 털어놓았다. “젊은 연출가였던 1984년에 받은 첫 유급 일이, 사우스요크셔 탄전에서 급식소를 운영하던 여성들에 관한 작품을 연출하는 것이었습니다. 파업의 마지막 몇 달 동안 여러 광부 복지회관을 돌며 그 공연을 순회했죠. 제 성인기의 큰 부분이 그런 광산 마을들에 깊이 관여해온 시간이었습니다. 그래서 이건 제게 아주 개인적인 문제입니다.” 그는 무대가 영화보다 공동체의 이야기를 더 잘 전달한다고도 믿는다. “우리는 빌리 한 사람이나 그 가족만의 이야기가 아니라, 공동체 전체의 이야기를 하고 싶었습니다. 무대 버전이 그 이야기를 전달하는 데 영화보다 더 성공적이라고 생각합니다.” 대처 시대 이후 영국 제조업은 종말을 고했는데 달드리는 인공지능(AI)혁명 역시 비슷한 파고(波高)를 일으킬 것으로 내다본다. “앞으로 5년 안에 세상은 급격히 바뀔 것입니다. 큰 승자도, 큰 패자도 생기겠죠. 1984년 영국이 제조업을 버렸고 광부들이 그 과정의 일부가 되었듯, 지금 여러 산업에서 일자리가 놀라운 속도로 사라질 겁니다. 일에 헌신했던 공동체들이 무시당하고 잊혔지는 것, 그것이 실제로 벌어질 일입니다.” 그래서 그는 이 작품의 결말을 ‘달콤씁쓸’하다고 표현한다. 소년은 런던으로, 더 넓은 세계로 나아갈 기회를 얻지만 그를 키운 공동체는 무너져 간다. 마지막에 광부들이 광산으로 들어가는 모습은 그 자체로 한 산업과 한 삶의 방식에 바치는 애가(哀歌)다. 과거를 뒤로하고 새로운 세상으로 나아가야 하는 젊은 세대, 그리고 그들을 키워 세상으로 내보내야 하는 기성세대의 역할이 교차한다. 그것이 지금 필요한 연대다.

뮤지컬 ‘렘피카’는 올 상반기 공연계 화제작이자 문제작이다. 2024년 미국 뉴욕 브로드웨이에서 엇갈린 평가 속에 첫선 보인 후 얼마 안 가 막을 내린 단명작이 2년 만에 한국 무대에 다시 오르게 됐다. 연출은 흥행작 ‘하데스타운’으로 토니상을 받은 레이첼 채브킨. 그는 지난 5월 두 번째 무대 연출을 위해 직접 방한해서 열린 기자회견에서 평론가들이 작품을 제대로 알아보지 못해서 브로드웨이 흥행에 실패했다며 한국에서 새로운 생명을 부여받을 것이라는 자신감을 내비쳤다. “두 번째 무대를 거쳐야 작품이 비로소 일회성 실험이 아닌 레퍼토리로 자리잡는다”고도 강조했다. ◆타마라 드 렘피카는 누구? 타마라 드 렘피카는 20세기 초 아르데코 양식으로 그림을 그린 화가다. 러시아 혁명으로 남편 타데우시와 함께 파리로 망명한 그는 생계를 위해 그림을 시작했고 1920~30년대 유럽 상류층 초상화가로 이름을 알렸다. 그의 작품은 큐비즘의 기하학적 구조에 아르데코 특유의 미학과 관능성을 결합한 독자적 양식으로, 특히 여성을 주체적이고 성적으로 해방된 존재로 그려낸 것으로 주목받는다. 초록색 부가티 안의 자화상은 당대 ‘신여성’의 상징이 됐다. 뮤지컬은 예술가로서의 타마라의 성공 서사와 모델이었던 라파엘라와의 사랑을 세계대전·파시즘의 부상이라는 역사적 격변과 교차시키며 한 인간의 욕망과 생존으로서 그린다. ◆만족도 높은 음악 브로드웨이에서 건너온 작품답게 무대의 외형적 완성도는 고르다. 에펠탑을 연상시키는 철제 구조물을 중심으로 한 모던한 무대는 원색 의상과 조명 디자인과 어우러져 아르데코 미학을 시각적으로 구현한다. 다만 안무는 소재에 비해 그만한 인상을 남기지 못했다. 1920~30년대 파리의 자유분방한 분위기, 퇴폐적인 클럽 문화와 원초적 욕망이 작품 곳곳에 등장하는데 무대 위 몸짓은 충분히 관능적이지 않다. 그래도 음악은 ‘렘피카’의 가장 큰 자산이다. 팝·록·R&B가 혼합된 작곡가 매트 굴드의 음악은 양적으로도 질적으로도 풍성하다. 여러 노래 선율은 장르를 넘나들면서도 전반적으로 귀에 잘 들어와서 초연이 맞나 싶을 정도다. 송스루는 아니나 음악이 극의 호흡을 이끌어간다. 이는 뮤지컬 무대에서 실력으로 정평난 배우들이 모여있기에 가능한 결과이기도 하다. 국내 초연 캐스팅은 김선영·박혜나·정선아(렘피카), 차지연·린아·손승연(라파엘라), 김호영·조형균(마리네티), 최정원·김혜미(수지) 등. 선호 조합을 고르기 어려울 만큼 정상급 배우들이다. 27일 공연에선 정선아와 손승연이 따로 또 같이 깊은 내공이 실린 가창력을 보여주었다. 렘피카의 작품세계와 대척점에 선 마리네티 역을 맡은 김호영 연기와 노래가 강렬했다. 특히 솔로곡 ‘퍼펙션’은 공연 전체에서 인상적인 장면으로 손꼽힐 만 하다. ◆‘자유부인’ 서사의 보편성 “생존을 위한 수단으로써 그림을 그리기 시작한 렘피카가 점차 예술적 자아와 솔직한 자신의 모습을 찾아가는 대담한 여정.” 제작사가 내세운 ‘렘피카’ 서사다. 시각에 따라 평가가 다를 생존 인물 일대기를 이 작품은 미화하지 않는다. 적나라한 연애 행각과 욕망, 돈에 대한 집착을 있는 그대로 무대에 올린다. 솔직함 자체는 미덕이나 그러한 삶이 얼마나 많은 관객에게 공감과 이해의 대상이 될 수 있을지는 의문이다. 극 중 내내 부각되는 주인공의 가치는 여성에게 참정권도 없던 시대, 여성의 눈으로 여성을 그린 화가라는 점이다. 채브킨은 기자회견에서 렘피카를 “생존의 의지와 저항심을 가진 인물”로 설명하며, 혼돈의 시대에 렘피카의 이야기가 갖는 현재성을 강조했다. “렘피카는 여러 차례의 전쟁을 겪어낸 생존자입니다. 그 전쟁들은 결국 오만한 남성들이 저지른 것이었죠. 그렇기에 생존하려는 의지, 기쁨을 찾으려는 의지, 쾌락을 좇고 자유롭게 사랑을 하려는 의지, 그리고 자기 손으로 직접 작품을 만들어내겠다는 그녀의 의지에서 우리가 느낄 수 있는 것은 바로 ‘저항’입니다.” 그러나 이처럼 ‘신여성’이 세상의 주인임을 선언하는 이 외침이 수십년전 ‘자유부인’류 성인영화 홍수를 겪은 바 있는 한국 관객에게 새로울지 의문이다. 제작사 자율로 설정된 관람연령 제한 ‘14세 이상’도 부적절하게 여겨진다. 내용도 미성년에겐 부적합하거니와 공연 전반에 흡연, 음주는 물론 마약류가 등장한다. 공연 관람 연령 설정에 대한 최소한의 기준이 필요하게 됐다. 서울 코엑스 아티움에서 6월 21일까지.

영국의 작은 어촌 마을에서 심문이 열린다. 어부 피터 그라임스가 책임지는 견습 어부가 사망한 사건 때문이다. 사고사로 결론 지어지지만 그를 둘러싼 오해와 소문은 걷잡을 수 없이 퍼져간다. 피터는 성공과 인정만이 자신을 둘러싼 편견과 의심을 거둘 수 있다고 믿으며 새로운 소년 견습 어부를 들인다. 그러나 또다시 피터가 소년을 폭행했다는 의혹이 제기되고 마을 사람들은 그를 추격하기 시작한다. 영국 작곡가 벤자민 브리튼 대표작 ‘피터 그라임스’가 국립오페라단 무대에서 국내 초연된다. 1945년 초연 당시 “영국 오페라를 부활시켰다”는 찬사를 받으며 31세였던 브리튼에게 세계적 명성을 가져다준 작품이다. 집단 심리를 꿰뚫는 서사뿐 아니라 음악 자체만으로도 강렬한 인상을 남기는 작품이다. ‘20세기 영어 오페라의 정점’으로 극 중 ‘바다 간주곡’은 독립적으로 자주 연주되는 관현악 명곡이기도 하다. 연주는 국립심포니, 지휘봉은 영국 태생의 알렉산더 조엘이 잡는다. 빈 국립음악대학교에서 지휘를 전공한 그는 빈 국립오페라극장·런던 로열 오페라 하우스 코번트 가든·드레스덴 젬퍼오퍼 등 유럽 주요 극장을 두루 거친 지휘자다. 악보 속 뉘앙스와 긴장 관계를 선명하게 드러내는 해석으로 평단의 주목을 받아왔다. 연출은 2024년 국립오페라단 ‘죽음의 도시’를 성공적으로 이끈 스위스 출신 줄리앙 샤바가 맡는다. 그는 이번 작품에서 리얼리즘과 추상성 사이의 긴장감을 무대 위에 구현하며 공동체 안에서 벌어지는 사회적 폭력을 날카롭게 포착할 계획이다. 앰버 판덴훅의 무대 디자인 역시 강렬하다. 회전 무대 위에 해체되고 녹슨 거대한 배가 놓인다. 이 배는 단순한 배경을 넘어 마을 공동체의 공간이자 피터 그라임스의 내면세계를 상징하는 장치로 활용된다. 각도와 움직임에 따라 선술집·바닷가·피터의 집 등 다양한 공간으로 변모하며 불안정한 정서를 시각화한다. 세버린 베송의 의상은 낡고 거친 질감과 빈티지한 분위기를 살렸으며 우비·조업복·워크웨어 등을 반영해 어부의 생활감을 살렸다. 합창단은 그라데이션 염색 의상을 착용해 집단적 이미지로 관객에게 각인되도록 했다. 타이틀 롤에는 세계적인 헬덴테너 크리스토퍼 벤트리스가 선다. 영국 출신인 그는 바이로이트 페스티벌에서 파르지팔 역을 100회 이상 소화한 바그너 전문 테너다. 베를린 도이체 오퍼와 취리히 오페라하우스에서 이미 피터 그라임스 역을 맡은 바 있다. 국립오페라단과는 2013년 ‘파르지팔’에서 인연을 맺은 바 있다. 또 다른 피터 그라임스 역에는 현재 독일 올덴부르크 주립극장 전속 가수이자 빈 폭스오퍼 주역가수로 활동 중인 테너 김재석이 나선다. 유럽 극장 실전 경력 20년을 넘긴 그가 한국 오페라 무대에 서는 것은 25년 만이다. 피터의 유일한 이해자 엘렌 오포드 역에는 이졸데·투란도트 등 드라마틱 레퍼토리를 두루 소화해온 소프라노 문수진과 국립오페라단 솔리스트 오예은이 번갈아 출연한다. 바리톤 양준모와 이동환이 피터에게 쓴 진실을 건네는 발스트로드 선장을 맡는다. 서울 예술의전당 오페라극장에서 6월 18∼21일.