20세기 이탈리아 정물화의 거장 모란디(1890∼1964)의 작품 80여점이 서울에 온다. 오는 21일 더현대 서울 6층 ALT.1에서 개막하는 ‘조르조 모란디’는 이탈리아 볼로냐의 모란디 미술관과 공동 기획한 전시다. 전시를 주관하는 하지에 따르면 국내에서 열리는 모란디 전시 가운데 역대 최대 규모다. 유화 49점, 에칭 15점, 드로잉 12점, 수채화 6점 등 원작 82점이 나온다. 피렌체 우피치 미술관이 소장한 ‘자화상’(1924)은 국내 처음 공개된다. 모란디는 병과 화병, 상자와 꽃 등 주변의 평범한 사물을 반복해서 그렸다. 같은 사물도 배치와 빛에 따라 달라지는 모습을 절제된 색채와 치밀한 구도로 담아냈다. 이번 전시에서는 작품과 함께 모란디가 그림을 준비하고 완성해간 흔적을 살펴볼 수 있다. 전시는 작업실을 다룬 ‘세상을 품은 방’을 시작으로 ‘사물의 극장’, ‘꽃의 언어’ 등 8개 섹션으로 구성된다. 전시는 2027년 3월1일까지.

한국과 러시아를 대표하는 현대미술 작가들이 한자리에 모여 양국의 예술적 전통과 동시대 미술의 흐름을 선보인다. 갤러리 까르찌나(대표 김희은)는 오는 12일부터 12월 4일까지 서울 한전아트센터 갤러리에서 ‘한·러 초대 교류전(KRAEE)’을 개최한다고 밝혔다. 이번 전시에는 러시아 모더니즘을 대표하는 라브렌티 브루니, 올가 불가코바, 알렉산더 시트니코프와 한국 작가 신종식, 이세현, 박종규, 신형섭, 홍정욱 등 양국 작가 8명이 참여한다. 러시아 작가들의 작품 50여점을 비롯해 서로 다른 예술적 전통과 개성이 담긴 작품을 통해 양국 현대미술의 접점을 살펴볼 수 있다. 이번 전시는 2021년 갤러리 까르찌나와 러시아 예술 아카데미가 체결한 협력 협약을 바탕으로 추진해 온 문화예술 교류 사업의 결실이다. 양국 작가들의 예술적 성취를 공유하는 동시에 한국 현대미술의 러시아 진출 기반을 넓힌다는 점에서 의미가 있다. 갤러리 까르찌나는 이번 서울 전시를 시작으로 한·러 교류전을 정례화하고, 2027년 모스크바와 상트페테르부르크 순회전도 추진할 계획이다. 특히 한국 작가들의 작품을 러시아 미술계와 컬렉터들에게 지속적으로 소개해 현지 미술기관 및 시장 관계자들과의 협력을 확대하고, 작품 유통과 판매로 이어지는 실질적인 교류 기반을 마련한다는 구상이다. 전시 기간 러시아 문학·미술·음악·발레 등을 주제로 한 무료 인문학 특강과 전문 도슨트의 작품 해설도 진행된다. 김희은 대표는 “이번 전시가 국경과 언어를 넘어 예술로 소통하고, 한국과 러시아의 문화예술 교류를 지속적으로 이어가는 계기가 되기를 기대한다”고 말했다.

늦가을 미술관의 밤이 음악과 예술이 어우러지는 무대로 변신한다. 익숙한 전시 관람 공간에서 평소와는 다른 감각의 문화예술을 경험할 수 있는 자리가 마련된다. 공연뿐 아니라 미술관 전시까지 함께 즐길 수 있어 늦가을 밤을 문화예술로 채우는 기회가 될 전망이다. 국립현대미술관은 오는 18일 오후 6시 서울관에서 대표 야간 문화행사인 ‘MMCA 나잇’을 개최한다고 4일 밝혔다. 이번 행사는 ‘밤의 변주’를 주제로 음악과 시각예술이 결합한 공연과 전통 음악을 현대적으로 재해석한 무대를 선보인다. 첫 무대에서는 3인조 밴드 ‘까데호’와 그래픽 디자이너 필립 킴이 협업 공연을 펼친다. 까데호의 연주에 맞춰 필립 킴이 실시간 그래픽 퍼포먼스를 선보이며 음악의 흐름과 리듬을 선과 색으로 시각화한다. 소리와 이미지가 어우러지는 독특한 공연을 만나볼 수 있다. 이어 4인조 밴드 ‘추다혜차지스’가 무대에 오른다. 전통 무가를 바탕으로 레게와 재즈, 힙합, 펑크, 록 등 다양한 장르를 결합한 음악으로 전통과 현대가 어우러지는 독창적인 사운드를 들려줄 예정이다. 공연은 서울관 로비에서 스탠딩 형식으로 진행된다. 유료 행사로 참가 신청은 4일 오후 2시부터 국립현대미술관 누리집에서 할 수 있다. 행사 참가자는 서울관에서 열리는 ‘서도호’ 전시와 ‘올해의 작가상 2026’도 별도 예매 없이 관람할 수 있다.

수많은 갤러리가 공존하는 오늘날, 갤러리는 단순한 전시 공간이나 작품 판매의 현장을 넘어 자신이 선택한 작가와 미적 정체성을 드러내는 하나의 선언문이다. 2020년 팬데믹의 혼란 속에서 출발한 노두용 대표의 실린더(CYLINDER)는 기성 미술계가 정립해 놓은 전형적인 갤러리의 루트를 벗어나 자신만의 고유한 궤적으로 존재감을 드러낸 대표적인 사례다. 실린더1로 불리는 서울 관악구 봉천동의 자그마한 공간에서 출발해 불과 3년 만에 프리즈와 같은 세계적인 아트페어 무대에 안착하고 두 번째 공간 실린더2를 용산에 개관하는 등, 실린더가 보여준 행보는 단순한 운의 결과라기보다 날카로운 안목과 치밀한 기획이 축적된 결과로 읽힌다. ◆작가의 시선에서 갤러리스트의 문법으로 실린더는 노 대표 본인의 개인 작업실이자 동료 작가들의 작업을 소개하는 소소한 공간으로 처음 구상되었다. 운영을 시작하며 작가로서의 자아는 일찌감치 비워냈지만, 그는 2020년 수개월에 걸친 공간 보수 과정을 거치며 작가 지망생으로서 가졌던 마지막 시선이 공간에 깊이 반영되었다고 회고한다. 가령 작품 감상의 몰입을 방해하는 대형 문손잡이를 철거하고 손잡이 없는 통유리 문으로 문을 교체한 시도가 대표적이다. 작품을 가장 순수한 상태로 보여주기 위해 내부 환경을 완벽하게 새것처럼 유지하고 시선을 건드는 것들이 있다면 과감히 수정해 버리는 행위는, 단순한 보수작업을 넘어 오늘날 실린더를 지탱하는 시각적 문법이자 상징으로 작동한다. 작가로서의 경험은 공간의 형태를 넘어 운영 프로그램에도 반영된다. 실린더는 매년 국내 미술대학 졸업 전시에서 신진 작가를 발굴해 소개하는 ‘토크(TORQUE)’ 프로그램을 운영하고 있다. 학부 졸업 후 작업이 처분되거나 잊혀지며 느꼈던 무력감을 몸소 경험했던 노 대표는, 아카데미와 프로의 영역을 잇는 중간 다리 역할을 자처하며 작가들에게 ‘최소한 한 번의 전시 기회’를 더 제공하고자 프로그램을 기획했다. 신진 작가를 발굴하는 일은 가능성에 투자하는 일이기도 하지만, 갤러리 입장에서는 상당한 불확실성을 감수해야 하는 일이기도 하다. 그 또한 졸업 전시에서 발굴한 작가와 함께 간다는 것이 쉬운 길이 아니라는 것을 알지만, 토크 프로그램을 갤러리 프로그램의 최전선에 위치시키며 갤러리 고유의 정체성 중 하나로 각인시켜 왔다. ◆불확실성 속에서 벼려낸 고유한 지문 갤러리스트로서 노 대표가 작가를 선택하는 방식은 지극히 직관적이다. “여름에 달리기를 하다가 흘러가는 멋진 풍경을 보면 기억에 담고 싶고, 목이 마르면 자연스레 시원한 물을 찾게 되는 것처럼” 그는 선택의 기준을 설명이 필요하지 않은 본능적 감각에 빗대어 말한다. 정교한 설명보다는 이미지를 마주한 순간 느껴지는 질문들, 작품을 만든 창작자와 앞으로의 작업에 대한 궁금증이 선택의 출발점이 된다는 것이다. 그가 졸업 전시를 주목하는 것도 시작점에 서 있는 신진 작가의 작업에서 순수한 가능성을 발견하는 경우가 많기 때문이다. 실린더가 소개하는 작가들을 보면 이처럼 시장에서 아직 미학적·상업적으로 아직 검증되지 않은 작가들이 많다. 상업 갤러리 입장에서 이는 적지 않은 재정적 리스크와 불확실성을 수반한다. 그러나 노 대표는 갤러리 프로그램은 ‘지문과 같은 고유한 것’이라며, “이를 꾸려가는 사람의 결이 묻어나는 파이프라인을 만들고, 그것을 점점 강화시키는 것이 유효한 갤러리의 언어를 만드는 것이라 생각한다”고 밝힌다. 그는 자신의 선택을 기존의 문법 안에서 경쟁하지 않고 ‘아웃복싱’하는 행위로 표현한다. 알려지지 않은 작가들로부터 가능성을 발견하고 상업적 안정성만으로 설명하기 어려운 작업을 소개하는 일은 그가 말하는 기성 체제의 바깥에서 새로운 경로를 모색하는 시도다. ◆확률을 뚫고 세계 무대로 “(입자의 세계에서는) 자연법칙에 의해 완전히 막히지 않은 현상이라면, 아무리 확률이 낮아도 시간이 지나면 반드시 일어난다”는 물리학자 머리 겔만(Murray Gell-Mann)의 양자역학 명제를 삶의 모토로 삼는 노 대표에게, 미시세계의 확률적 가능성은 갤러리의 운영 철학과 닿아 있다. 금지되지 않은 목표라면 지속적인 시도를 통해 필연의 영역으로 끌어올릴 수 있다는 신념을 바탕으로, 그는 SNS를 통해 선언한 주요 글로벌 아트페어 진입을 놀라운 속도로 현실화했다. (실제로 실린더는 프리즈 서울에 참가한 첫해 ‘포커스 아시아 스탠드 프라이즈’를 수상하며 가능성을 확인시켰다.) 노 대표는 스스로에 대해 “오랜 시간이 걸릴지라도 본인이 세운 장기적 목표를 계속해서 이루고 싶어 하며, 이를 위해 끝없이 걸어가는 사람”이라고 정의한다. 이처럼 긴 호흡으로 나아가는 태도는 작가와의 인연에서도 드러난다. 2021년 1월, 갤러리 개관 초기 노 대표가 정성 어린 장문의 편지로 전시를 제안한 이유성 작가는 봉천동 실린더1의 기획전 ‘Crystal Scratch’를 시작으로, 2023년 용산(실린더2)의 개관전 ‘Yolk’, 그리고 바젤에서 열린 리스테 아트 페어를 거쳐, 올해 프리즈 런던 ‘Artist to Artist’ 섹션에 이르기까지 실린더라는 갤러리 역사의 굵직한 궤적을 함께해 왔다. 지난달 실린더는 김아영 작가의 초대로 프리즈 런던에서 이유성의 신체 알루미늄 캐스팅 신작 시리즈를 선보였다. 봉천동의 작은 공간에서 시작된 인연이 용산의 개관전과 해외 주요 아트페어로 이어지는 일련의 과정은 작가와 갤러리가 지속적인 협업을 통해 다음 단계를 함께 모색하며 성장해 온 모범 사례이자 갤러리의 내실을 장기적 관점에서 단단히 일궈 나가는 노 대표의 운영 철학을 보여준다. ◆낮은 무게중심을 유지하며 1인 갤러리로 시작하여 규모가 커진 현재까지도 여전히 강도 높은 업무를 수행하고 있는 노 대표에게 ‘그래서 내가 이 일을 계속하고 있구나’라고 느끼는 순간이 언제인지 묻자, 그는 “전시가 끝나고 작가로부터 그 자체로 즐겁고 행복했다는 이야기를 들었을 때”라고 밝혔다. 사소한 고백으로부터 보이지 않는 시간의 보상을 얻는다는 대답은 그가 갤러리 운영의 성과를 판매나 외형적 성장만으로 판단하지 않는다는 사실을 보여준다. 고등학교 시절 미술을 시작하며 가졌던 ‘미술계 안에서 유의미한 이정표를 세우겠다’는 목표를 붙잡은 채, 그는 언제나 도전하는 사람으로서 낮은 무게중심을 유지하며 가보지 못한 길을 개척해 나가는 중이다. 신리사 미술사·학고재 기획팀장

역대 대통령이 정상외교에서 받은 선물에 담긴 의미를 엿볼 수 있는 전시회가 열린다. 행정안전부 대통령기록관은 이달 3일부터 내년 9월26일까지 대통령기록관 1층 기획전시실에서 특별 기획전 ‘대통령의 외교, 세계를 품다-동남·서남아시아·오세아니아’를 개최한다고 2일 밝혔다. 대통령기록관에 따르면 이번 전시는 대통령이 외국 정상에게 받은 선물을 각국의 문화·예술·역사와 연계해 소개하는 대륙별 기획전이다. 2024년 아프리카·중앙아시아 편과 지난해 유럽 편에 이어 세 번째로 마련됐다. 전시에서는 대통령 선물 총 56점이 공개된다. 1부 ‘정상외교의 약속’에서는 선물 19점을 진열한 높이 2.5m의 대형 수장 타워를 비롯해 기념패, 그림, 대통령의 연설 등을 통해 국가 간 관계가 형성되는 과정을 보여준다. 6·25전쟁에 참전한 뉴질랜드 군인들이 즐겨 불렀던 전통 민요 ‘포카레카레 아나’도 들을 수 있다. 2부에서는 전통악기와 그림, 조각품 등 문화예술과 관련된 선물을, 3부에서는 선물에 담긴 환대와 예의, 신념의 의미를 소개한다. 마지막으로 아카이브 공간에서는 대통령 순방 사진과 옛 필름과 인화 사진 등이 전시된다. 김민재 행안부 차관은 “관람객들이 안전하고 쾌적하게 관람할 수 있도록 세심하게 운영해 달라”며 “이번 전시가 대통령 기록물의 가치를 재발견하고 정상외교의 의미를 이해하는 기회가 되기를 바란다”고 말했다.

전 세계의 시선이 쏠렸던 1988년 서울올림픽 이후 한국 사회는 어떻게 변했을까. 서울올림픽을 계기로 달라진 한국 사회와 세계화의 흐름, 한류가 형성되기까지의 과정을 살펴볼 수 있는 전시가 마련됐다. 대한민국역사박물관은 상설전시관 5층 역사관의 서울올림픽 관련 전시를 비롯해 일부 전시 공간을 개편하고 새롭게 선보인다고 31일 밝혔다. 이번 전시는 1988년 서울올림픽 전후 한국 사회의 변화를 113건의 자료를 통해 조명한다. 올림픽 유치와 개최 과정에서 달라진 도시 환경부터 해외여행 자유화, 외국 문화의 유입, 한류의 성장까지 한국이 세계와 교류하며 겪은 변화를 담았다. ‘세계 속으로, 달라지는 한국’ 코너에서는 서울올림픽 개최를 준비하며 도시와 각종 기반 시설이 정비되는 과정을 소개한다. 외국인 손님을 친절하게 맞이하자는 문구가 담긴 스티커와 서울올림픽 공식 주제가 ‘손에 손잡고’ 음반, 경기장과 공항 등에서 외국인 안내를 맡았던 통역 자원봉사자의 유니폼 등을 전시한다. 서울올림픽 이후 본격화한 세계화의 흐름도 살펴볼 수 있다. 1970년대에는 유학이나 출장 등 특별한 목적이 있어야 여권을 발급받을 수 있었고, 출국 전 반공·안보 교육을 이수해야 했다. 전시에서는 1978년 발급된 해외여행자 교육필증과 1989년 해외여행 전면 자유화 이후 등장한 '해외여행 적금' 안내서 등을 공개한다. 외국 문화의 유입을 둘러싼 당시 사회의 반응도 엿볼 수 있다. 1988년 담배 시장 개방 이후 외국산 담배 판매가 늘자 광주·전남 지역 대학생들이 수입 담배 추방 운동을 벌이며 제작한 어깨띠와 전단 등이 대표적이다. ‘한류, 세계를 만나다’ 코너에서는 창작의 자유가 확대되고 1990년대 후반 중화권을 중심으로 시작된 한류가 아시아 전역으로 확산하는 과정을 소개한다. 오늘날 세계적인 관심을 받는 한국 문화가 성장해 온 배경을 돌아볼 수 있도록 구성했다. 이와 함께 비디오 아트의 창시자로 꼽히는 백남준(1932~2006)의 작품을 소개하는 전시 공간도 정비했다. 한수 대한민국역사박물관장은 “한국 문화가 세계인의 관심을 받는 오늘, 한국 사회가 세계와 만나며 어떻게 달라져 왔는지 돌아보고자 했다”며 “오늘의 한국을 이해하는 데 바탕이 되는 다양한 주제의 전시를 통해 한국 현대사를 더욱 충실히 보여줄 것”이라고 말했다.

피카소와 백남준, 김창열 등 국내외 거장들의 작품 70여점을 한자리에서 만날 수 있는 전시가 열린다. DL그룹(옛 대림그룹)이 설립한 대림문화재단이 창립 30주년을 맞아 처음으로 소장품전을 열고 그동안 축적한 컬렉션을 공개한다. 대림문화재단은 30일 서울 종로구 대림미술관에서 'DCF 컬렉션: 대림문화재단 소장품전'을 개막했다고 밝혔다. 이번 전시는 작품을 시대나 장르별로 구분하는 대신 한 공간에 함께 배치해 서로 다른 작품 사이의 관계와 새로운 해석을 발견하도록 기획됐다. 전시는 재단의 30년 역사를 담은 아카이브와 김창열의 작품으로 시작한다. 미술관은 김창열의 1995년작 회화 '회귀'와 1997년작 조각 '비나이다'를 나란히 선보인다. 대림미술관의 전신인 한림갤러리 개관전에 참여했던 김창열이 물방울 회화에서 입체 조형으로 영역을 넓히려 했던 시도를 보여주는 작품이다. 특히 '비나이다'는 이번 전시에서 처음 대중에게 공개된다. 2층에서는 풍경과 사람, 사물, 공간 등 익숙한 대상을 새로운 시선으로 바라본 작품들을 소개한다. 미국 팝아트 작가 로이 리히텐슈타인의 '불완전한 회화'는 기존 작업에서 즐겨 사용했던 만화 이미지를 벗어나 작가가 직접 구성한 도형을 통해 비대칭성과 불완전성을 드러낸다. 프랭크 스텔라의 '괴상한 고래 그림'은 소설 '모비 딕'에서 영감을 얻어 회화와 콜라주, 입체 조형의 요소를 결합한 작품이다. 3층에는 이우환의 '조응', 하종현의 '접합', 박서보의 '묘법' 연작 등 한국 현대미술을 대표하는 작가들의 작품이 전시된다. 점과 선, 면 같은 조형 요소와 반복적인 행위, 재료의 물성을 활용해 회화의 가능성을 탐구한 작품들이다. 4층에서는 새로운 매체와 형식을 실험한 백남준의 작품과 사진 작품들을 만날 수 있다. 백남준의 '본 어게인'은 사람의 눈과 입을 연상시키는 모니터와 안테나로 구성돼 주변의 아날로그 방송 전파를 실시간으로 수신하도록 제작됐다. 아날로그 방송이 중단된 현재는 당시와 달리 화면 조정 이미지가 송출된다. 모니터 33대를 나무 모양으로 설치한 '사과나무'는 텔레비전을 자연의 나무에 빗댄 작품이다. 전파를 수신하고 빛을 내는 텔레비전이 광합성을 통해 생명을 유지하는 나무처럼 새로운 환경을 만들어낸다는 상상력을 담았다. 함께 전시된 사진 작품들은 사진 전문 미술관으로 출발한 대림미술관의 정체성을 보여준다. 대림미술관은 사진에서 디자인과 순수예술로 전시 영역을 확장해 왔으며, 이번 전시에서도 다양한 매체를 아우르는 소장품을 선보인다. 대림문화재단은 1996년 설립됐으며 대림미술관은 이듬해 개관했다. '일상이 예술이 되는 미술관'을 비전으로 사진과 디자인, 순수예술 등 다양한 분야의 전시를 소개해 왔다. 전시는 2027년 5월 30일까지 이어진다

한국 미술 문화사업협동조합(KABA)이 월하미술과 손잡고 대만 최대 규모의 국제 미술 장터인 ‘아트 타이베이 2026(ART TAIPEI 2026)’에 참가해 한국 현대미술의 저력을 선보인다. 오는 10월 30일부터 11월 2일까지 대만 타이베이 세계무역센터(TWTC)에서 열리는 이번 전시에서는 서로 다른 재료와 독창적인 시선으로 독자적인 작품 세계를 구축해 온 한국 대표 작가 4인(안준섭·박병훈·이정원·장정후)의 작품이 세계 미술 시장에 소개된다. 안준섭 작가는 자연과 풍경에서 얻은 인상을 다채로운 색채와 추상적인 화면 구성으로 재해석한다. 출품작인 ‘Upon the landscape’(2026)는 서로 다른 색면과 형태들이 겹겹이 중첩되며 만들어 내는 감각적인 리듬을 담아냈다. 박병훈 작가는 전통적인 캔버스 회화의 경계를 넘어 ‘아크릴 판’을 주요 매체로 활용하는 ‘Transparence’ 시리즈를 선보인다. 투명한 소재 바탕 위에 형성된 색채와 조형적 요소들은 빛의 변화와 관람객의 시선 이동에 따라 매 순간 새로운 공간감을 창출한다. 빛과 공간의 상호작용을 이용해 현대적인 조형 감각과 재료의 물성을 극대화한 독창적 표현법이 특징이다. 이정원 작가는 한국의 전통 산수풍경을 입체적인 질감과 섬세한 조형 언어로 새롭게 풀어낸다. 이번 전시작인 ‘Island’(2026)와 ‘Dream Journey to Geumgangsan’은 자연이 지닌 웅장함과 정적인 분위기를 담아내고 있다. 장정후 작가는 알루미늄 판을 바탕으로 다양한 혼합재료를 사용해 평면과 입체의 경계를 자유롭게 넘나드는 작업을 펼친다. 대표 출품작 ‘Tertön 100-3’(2025)은 금속 표면 특유의 독특한 질감 위에 힘 있는 선과 자유로운 색채의 움직임을 더해 강렬한 시각적 에너지를 발산한다. 이번 참가를 추진한 KABA 측은 "서로 다른 재료와 작업 방식을 가진 4인의 작가가 한 공간에서 어우러짐으로써 한국 현대미술이 지닌 풍부한 스펙트럼을 해외 시장에 효과적으로 보여줄 것"이라며, 앞으로도 국내외 기관과의 협력을 통해 한국 작가들의 해외 진출을 지속해서 지원할 뜻을 밝혔다. 'ART TAIPEI 2026'은 10월 29일 VIP프리뷰를 시작으로 11월2일까지 Taipei World Trade Center, Exhibition Hall 1 에서 개최된다.

현실과 환상을 넘나드는 독창적인 작품세계로 사랑받아 온 마르크 샤갈(1887~1985). 그의 회화부터 국내에서 접하기 어려웠던 조각과 도자까지, 프랑스 퐁피두센터가 소장한 작품 65점이 서울에 온다. 퐁피두센터 한화는 다음달 24일부터 내년 3월28일까지 ‘샤갈, 너머의 여정(Chagall, Ever Crossing·포스터)’을 개최한다고 28일 밝혔다. 샤갈이 1900년대부터 1970년대까지 약 70년에 걸쳐 펼친 예술적 실험과 표현 방식의 변화를 조명하는 전시다. 샤갈은 러시아 제국의 비테프스크에서 태어나 프랑스를 중심으로 활동하며 두 차례의 세계대전과 망명 등 격변의 시대를 겪었다. 고향과의 이별, 사랑과 상실의 경험은 그의 작품에 깊은 흔적을 남겼다. 그는 이러한 기억을 현실과 상상이 뒤섞인 환상적인 이미지로 표현했다. 이번 전시는 회화로 널리 알려진 샤갈이 조각과 도자 등 다양한 매체로 작업을 확장한 면모에 주목한다. 재제작한 스테인드글라스와 미디어 작품도 함께 선보인다. 출품작에는 프랑스 내 10개 기관에 기탁된 퐁피두센터 소장품도 포함된다. 퐁피두센터는 샤갈의 유족이 작업실에서 직접 전달한 작품들을 기증받아 세계적으로 손꼽히는 샤갈 컬렉션을 구축한 기관이다. 이번 전시는 퐁피두센터 한화의 두 번째 컬렉션 전시로, 제1전시실에서 열린다.

나무의 형상과 물질의 질감을 독창적인 조형 언어로 탐구해 온 청년 작가 이규재가 27일부터 11월 3일까지 서울 종로구 인사동 아리수갤러리 1층에서 개인전 《존재의 언어, 마띠에르》(The Language of Existence: Matière)를 열고 있다. 이번 전시는 회화 표면에 드러나는 물질성과 질감, 즉 마띠에르(Matière)를 중심으로 나무를 새롭게 해석한 작품들을 선보인다. 작가는 나무의 외형을 재현하는 데 그치지 않고, 화면에 쌓인 재료의 흔적과 겹겹이 형성된 질감을 통해 시간과 생명의 흔적을 표현한다. 작품에서 마띠에르는 단순한 표현 기법을 넘어 존재를 드러내는 언어로 기능한다. 입체적으로 형성된 표면은 나무의 생명력과 시간의 흐름을 환기하고, 관람객이 작품을 눈으로 감상하는 데서 나아가 촉각적으로 상상하도록 이끈다. 전시 제목인 ‘존재의 언어’는 사물의 외형 너머에 자리한 본질과 감각을 회화로 표현하려는 작가의 지향을 담았다. 익숙한 나무라는 대상에 재료의 층위와 표면의 미묘한 변화를 더 해 낯선 감각을 불러일으키고, 물질이 어떻게 감정과 사유를 담는 예술의 언어로 확장될 수 있는지를 탐색한다. 이번 전시는 자신만의 조형 언어를 발전시켜 가는 이규재의 작업 세계를 살펴볼 기회다. 나무의 형상과 재료의 물성이 어우러진 작품을 통해 형상과 감각, 물질과 존재의 관계를 탐구한다.