조선 왕실의 혈통과 왕위 계승의 역사를 담은 족보와 관련 문헌 53점이 한자리에 모인다. 숙종 대 편찬한 왕실 족보 ‘선원록’을 비롯해 왕실 계보의 변화와 친족 관계를 보여주는 자료들을 통해 조선 왕실의 계보가 만들어지고 정비된 과정을 살펴볼 수 있는 전시가 열린다. 한국학중앙연구원 장서각은 이달 19일부터 12월 31일까지 경기 성남시 장서각에서 기획전 ‘선원, 조선 왕실의 보첩’을 개최한다고 밝혔다. 조선 왕실 보첩을 주제로 한 이번 전시에서는 왕실의 계보와 왕통, 친족 관계를 기록한 문헌과 관련 유물 53점을 공개한다고 17일 밝혔다. 전시의 중심 자료는 1681년 편찬된 ‘선원록’이다. 선원은 아름다운 옥의 근원이라는 뜻으로, 조선 왕실은 건국 초기부터 왕통의 정당성을 확립하고 왕실의 계보를 체계적으로 기록하기 위해 선원록을 비롯한 여러 보첩을 편찬했다. 왕과 왕비는 물론 종친과 인척 등의 계보를 기록해 왕실의 혈통과 친족 관계를 관리했다. 왕실 보첩의 편찬 체계는 조선 초기부터 정비됐다. 태종(재위 1400∼1418)은 왕실 직계 후손과 그 밖의 친족을 구분하는 보첩 체계를 마련했고, 세종(재위 1418∼1450)은 편찬 범위와 수정 주기를 제도화한 것으로 알려져 있다. 숙종(재위 1674∼1720) 대에는 왕실 계보를 정비하는 작업이 이어졌다. 태조 이성계부터 현종(재위 1659∼1674)까지 각 왕의 자손을 기록한 보첩이 편찬됐으며, 왕실 구성원과 친족 관계를 명확히 하고 오류와 누락을 바로잡았다. 대군·공주·군·옹주 순으로 기록해 적자와 서자를 구분했으며, 완성된 책은 총 51책으로 푸른빛 장식을 더해 격식을 높였다. 전시에서는 1711년 무주 적상산성 선원각에 선원록을 봉안할 당시 작성한 문서와 여러 왕실 보첩도 공개된다. 왕위 계승의 정통성을 강조한 ‘선원계보기략’도 주요 전시 자료다. 1679년 간행된 선원계보기략은 이후 115차례 수정됐다. 1700년에는 단종(재위 1452∼1455)의 복위 사실이 반영되기도 했다. 왕실 보첩이 왕실 구성원의 출생과 사망, 왕위 계승 등 역사적 변화에 따라 지속적으로 수정·보완됐음을 보여주는 사례다. 왕실의 혼인과 친족 관계를 살펴볼 수 있는 자료도 전시된다. 왕과 왕비의 친인척 관리를 담당한 돈녕부에서 작성·보관한 왕실 족보 ‘돈녕보첩’은 장서각에만 남아 있는 자료다. 1881년 왕세자빈을 간택하기 위해 한글로 작성한 후보자 명단과 영조(재위 1724∼1776)가 1771년 사위들을 만난 감회를 적은 글도 공개된다. 조선 후기 왕실 계보의 변화도 확인할 수 있다. 흥선대원군(1821∼1898)은 왕실 후손의 결속을 다지고 왕실의 권위를 회복하기 위해 왕실 전체의 계보를 담은 대동보 편찬을 추진했다. ‘선원속보’와 ‘종친부 조례’ 등은 왕실 보첩의 수록 범위가 확대되고 왕실 친족을 아우르는 체계가 재편된 과정을 보여준다. 한국학중앙연구원 관계자는 “왕실 보첩은 왕실 구성원의 이름과 계보를 기록한 문헌을 넘어 왕위 계승과 왕실 질서의 변화를 보여주는 중요한 역사 자료”라며 “보첩에 담긴 계보와 친족 관계를 살펴보고, 기록에 담긴 조선 왕실의 혈통과 인물사를 새롭게 조명하는 기회가 되길 바란다”고 말했다.

사소한 볼펜 한 자루와 일상의 돌멩이가 만나 보이지 않던 거대한 우주와 생명의 구조로 확장된다. 전영기 작가가 개인전 《선망의 대상》을 통해 지울 수 없는 볼펜 선을 겹겹이 쌓아 올리며 사물 너머의 세계를 탐구한 신작들을 선보인다. ‘선망(羨望·線網)’의 이중적 의미… 동경과 걸러냄의 미학 전 작가는 전시 주제인 ‘선망’을 두 가지 의미로 해석한다. 닿을 수 없는 세계를 바라보는 동경(羨望)이자, 무언가를 걸러내고 붙잡는 그물의 망(線網)이다. 동경하는 마음으로 대상에 다가가, 선을 긋는 반복적인 행위를 통해 대상 속에 숨겨진 보이지 않는 흔적과 시간을 건져 올린다. 작업의 출발점은 평범한 모나미 볼펜이다. 수정할 수 없는 볼펜으로 화면 위에 선을 긋고 또 겹치는 과정은 작가가 대상에 머무른 시간과 진지한 태도를 축적한다. 사소한 선들이 촘촘한 망을 이루며 마침내 사물의 외형 너머에 존재하는 미지의 세계를 포착해 낸다. 돌과 바위, 세포에서 광활한 우주로의 확장 작가가 선택한 소재는 일상에서 흔히 볼 수 있는 ‘돌’과 ‘바위’다. 그러나 작가의 세밀한 시선과 겹겹이 쌓인 볼펜 선을 거치며 이 평범한 사물들은 낯선 풍경으로 변모한다. 공개된 주요 작품 중 하나인 수직 형태의 암석 작품은 세로로 붉고 어두운 톤의 미세한 결이 오목조목 형성되어 있어, 마치 생명체의 세포 조직이나 생명력을 품은 유기체 같은 밀도감을 전해준다. 또 다른 작품에서는 딥블루와 밤하늘 같은 검은 배경 속에서 우주선이나 소행성처럼 부유하는 바위가 눈길을 사로잡는다. 금빛과 푸른빛의 선이 무수히 교차하며 형성된 단층의 결은 광활한 은하수의 궤적이나 우주의 깊은 공간을 연상시킨다. 《Non-existent》: 존재하지만 아직 보지 못했던 것들 이번 전시의 작품 제목으로 쓰인 《Non-existent》는 직역하면 ‘존재하지 않는 것’을 뜻하지만, 전영기 작가에게는 단순한 부재를 의미하지 않는다. 이는 분명히 눈앞에 존재하지만, 우리가 충분히 들여다보지 않아 인식하지 못했던 세계를 뜻한다. 작가는 "수없이 겹친 선은 새로운 것을 만들어내는 것이 아니라, 이미 존재하던 세계를 천천히 드러내는 과정"이라며, "사소한 사물 속에 감춰진 보이지 않는 시간과 구조, 그리고 그것을 발견하기 위해 머문 시선을 전하고 싶다"고 설명한다. 일상의 익숙함 속에서 무한한 층위의 시간과 우주를 발견하게 하는 전영기 작가의 개인전 《선망의 대상》은 관객들에게 사물을 바라보는 새로운 시선과 깊은 울림을 선사할 예정이다. 전시는 2026년10월17일~11월8일까지 갤러리 hAns (부산)에서 열린다.

화폭을 채운 붉은색과 주황색 사이로 노란 원들이 겹겹이 번져 나간다. 가까이 들여다보면 크고 작은 원이 포개지며 꽃처럼 피어나는 모습이다. 성지영 작가의 작품 ‘단심’(2026)이다. 성 작가는 다음달 11일부터 16일까지 서울 종로구 인사동 갤러리 라메르에서 열리는 첫 개인전 ‘유무상화(有無相和)’에서 100호 이상의 대형 신작을 비롯해 회화 30여점을 선보인다. ‘유무상화’는 존재하는 것과 존재하지 않는 것이 조화를 이룬다는 뜻으로, 작가가 자신의 작업을 설명하기 위해 만든 말이다. 노자의 ‘유무상생(有無相生)’에서 출발했지만, 존재와 비존재가 서로를 규정한다는 관계를 넘어 둘의 조화에 주목했다. 작가는 존재하는 것과 존재하지 않는 것이 경계를 넘어 화합하는 상태를 ‘유무상화’라고 설명한다. 이를 표현하는 조형 언어는 ‘원’이다. 작가는 캔버스 위에 아크릴 물감을 얇게 올리고 수많은 원을 반복해서 그린다. 투명하게 비치는 색과 겹쳐진 윤곽이 화면에 깊이와 리듬을 만든다. 푸른 원들이 물결치는 듯한 ‘희망’, 초록과 노랑이 어우러진 ‘수선화 #2’ 등에서도 같은 기법을 볼 수 있다. 작가는 아크릴 물감에 물을 섞어 수채화처럼 투명한 효과를 내고, 연한 색에서 진한 색으로 원을 여러 겹 쌓아 올린다. 원의 크기와 밝기, 색채의 농도를 달리하면서 단순한 반복에서 벗어나 화면에 율동감을 만들어낸다. 물감이 쌓여 만들어지는 질감과 번지고 스며드는 색채의 대비 역시 존재와 비존재를 표현하는 방식이다. 작품의 색채에는 어린 시절의 기억도 담겨 있다. 작가는 유년 시절 할머니와 함께 지냈던 논산평야의 자연이 색채 선택에 중요한 영향을 줬다고 설명한다. 붉게 물든 노을과 황금빛 들판, 파란 하늘과 초록 정자나무 등 어린 시절 마주했던 자연의 색을 다양한 유사색으로 혼합해 화폭에 담아냈다는 것이다. 작가에게 원의 반복은 단순한 표현 기법을 넘어 시간과 내면의 에너지를 축적하는 과정이기도 하다. 작가는 원을 그리는 행위를 기도에 비유한다. 반복적으로 원을 그리면서 자신의 내면을 들여다보고, 거친 마음을 다듬어 조화로운 삶에 이르고자 한다는 것이다. 작업노트에서 “나는 보이지 않는 것을 그리기 위해 보이는 것을 그린다”고 설명한 이유다. 일본 갤러리 비카라의 야기하시 요시오 아트디렉터는 겹겹이 반복된 원들이 우주의 광활함과 미세한 세포의 움직임을 함께 떠올리게 한다고 평했다. 그는 크고 작은 원의 반복과 색채의 농담이 공간적 깊이를 만들어내며, 화면에서 생명의 움직임이 느껴진다고 분석했다. 야기하시 아트디렉터는 약 10년 전 성 작가의 작품을 처음 접했을 당시와 비교해 2023년 이후 작품에서 기술적 발전과 함께 이전에는 느끼지 못했던 정신성이 드러난다고 평가했다. 특히 2024∼2025년부터는 수많은 원으로 이루어진 추상적 화면에 꽃이나 새와 같은 구체적인 형상이 등장한다는 점에 주목했다. 원의 반복이라는 기존 조형 언어를 유지하면서 표현의 영역을 넓혀가고 있다는 것이다. 성 작가는 “이번 개인전은 단순히 완성된 그림을 보여주는 자리가 아니라 ‘유무상화’라는 새로운 예술적 언어를 세상에 발표하는 자리”라며 “반복되는 원의 궤적을 통해 관객들이 존재하는 것과 보이지 않는 것 사이의 깊은 조화를 느끼길 바란다”고 말했다. 상명대에서 서양화를 전공하고 홍익대 대학원에서 미술을 공부한 그는 영국 런던 사치갤러리와 미국 뉴욕 첼시 등 국내외 그룹전에 참여했다. 2016∼2025년에는 대형 벽화 작업도 진행했다. 전시는 갤러리 라메르 1층에서 열리며 관람 시간은 오전 10시30분부터 오후 6시까지.

서울올림픽기념국민체육진흥공단(KSPO·이사장 하형주)이 운영하는 소마미술관이 한불 수교 140주년을 맞아 서울올림픽 조각공원의 역사와 예술적 가치를 조명하는 특별전을 선보인다. 14일 국민체육진흥공단에 따르면, 소마미술관은 17일부터 내년 2월까지 ‘기념에서 풍경으로’ 전시를 개최한다. 1988년 서울올림픽 문화예술 축전을 계기로 조성된 올림픽 조각공원을 중심으로 당시 한국과 프랑스 사이에 이뤄진 미술 교류를 돌아보고, 공원이 시민들의 일상과 기억이 쌓이는 공간으로 변화해 온 과정을 살펴본다. 전시는 ‘문화올림픽과 프랑스’, ‘기념의 형상’, ‘이어지는 풍경’ 등 3부로 구성된다. 올림픽 조각공원에 참여한 프랑스 작가들의 작품을 비롯해 프랑스에서 활동한 조각가 문신과 건축가 김중업의 작품 세계를 살펴볼 수 있다. 공원을 상징하는 주요 건축물인 ‘세계평화의 문’도 주요 전시 소재로 다룬다. 동시대 작가 박미나와 최정화의 시선도 더해진다. 예술 작품뿐 아니라 미공개 아카이브 자료와 작품 보존·복원 기록을 함께 소개해 조각공원이 조성 당시의 기념성을 넘어 시민들의 삶 속에서 의미를 축적해 온 과정을 보여줄 예정이다. 전시와 연계한 문화 프로그램도 마련된다. 소마미술관은 프랑스 대사관 문화과와 협력해 오는 24일 미니 콘서트 ‘Autumn in SOMA x IFcinéma’와 야외 영화 상영을 진행한다. 11월 25일에는 ‘세계평화의 문’ 설계를 담당한 건축가 곽재환의 특강이 열리며, 다나다너다 스튜디오의 아트 캠페인도 운영될 예정이다. 전시 및 연계 프로그램에 관한 자세한 사항은 소마미술관 누리집에서 확인할 수 있다.

인공지능(AI)이 순식간에 이미지를 만들어내는 시대, 인간의 몸을 통과해 탄생한 회화는 어떤 의미를 지닐까. 샘미술관 초대기획전 ‘몸, 호흡의 흔적, 그 결과 회화’는 이미지가 넘쳐나는 시대에 인간의 몸과 삶의 시간이 빚어내는 예술의 가치를 되묻는다. 9일부터 20일까지 열리는 이번 전시는 AI와 미디어 기술의 발전으로 이미지의 생산과 소비가 빨라지는 현실에서 출발한다. AI는 방대한 데이터를 학습해 새로운 이미지를 만들어내지만, 한 사람이 몸으로 살아낸 시간까지 대신할 수는 없다. 사랑과 상실, 기쁨과 고통, 기억과 욕망은 각자의 몸에 고유한 흔적으로 남는다. 인간은 몸으로 세계를 감각하고 타인과 만나며 변화한다. 전시는 이 같은 ‘몸의 경험’에 주목한다. 작가가 붓을 움직이고 선을 긋고 물감을 올리는 과정에는 살아온 시간과 호흡이 스며든다. 화면에 남은 흔적은 대상을 재현한 이미지에 그치지 않는다. 한 존재가 세계를 느끼고 반응해온 시간의 기록이기도 하다. 전시가 내세운 문구는 이러한 문제의식을 압축한다. “몸은 기억하고, 호흡은 시간을 새긴다. 회화는 보이지 않는 생의 흔적을 드러내는 언어이다.” 김혜성·김한석·남궁호석·박지숙·이종철·이호영·정규리·정문경·정연현·홍희진 등 10명의 작가가 참여한다. 작가들은 회화와 영상 설치 등을 통해 몸과 기억, 감각과 시간이라는 주제를 각자의 조형언어로 풀어낸다. 김혜성은 홍익대 미술대학 서양화과를 졸업하고 ‘거울’과 ‘섬’을 주제로 작업해왔다. 최근에는 ‘별-알로카시아’, ‘She’, ‘Pierro’, ‘꽃’ 등의 작업을 통해 개인의 기억과 감각을 화면과 공간으로 확장하고 있다. 홍희진은 정물과 풍경 등 일상의 소재를 유화와 아크릴로 표현한다. 사적인 시간의 흐름과 과거·현재의 기억을 일상의 풍경에 상징적으로 담아내는 것이 특징이다. 남궁호석은 홍익대 회화과를 졸업한 작가이자 타투이스트다. 회화와 문신을 넘나들며 몸과 이미지의 관계를 탐구해왔으며, 2015년 ‘한국의 문신’을 펴냈다. 최근에는 ‘관심색’을 주제로 작업하고 있다. 전시와 연계한 세미나도 마련된다. 13일 오후 5시부터 6시까지 열리는 ‘AI 시대, 회화를 다시 묻다’에서는 이호영이 발제하고 이종철이 질의한다. 기획진은 이번 전시가 AI와 회화를 대립시키거나 기술 발전을 부정하려는 것이 아니라고 설명한다. 이미지가 빠르게 만들어지고 소비되는 시대에 인간의 몸을 통과한 경험과 그 흔적이 예술에서 어떤 의미를 갖는지 살펴보려는 취지다. 기술이 이미지를 만들어내는 시대에도 한 사람의 몸과 호흡이 남긴 흔적은 회화만의 질문으로 남는다.

1996년 7월 화가 임직순(1921∼1996)이 세상을 떠난 뒤, 가족들은 그의 작업실에서 한 점의 미완성 그림을 마주했다. 작고하기 전해 미국에서 본 풍경을 담던 작품이었다. 오랜 신장병 투병에도 붓을 놓지 않았지만, 그 풍경은 끝내 완성되지 못했다. 화가의 마지막 작업이 작고 30주기를 맞아 처음 관람객 앞에 나왔다. 서울미술관은 임직순의 생애와 예술세계를 조명하는 특별전 ‘내면의 세계를 그리고 싶다’를 지난 7일 개막했다. 유화 약 80점을 중심으로 드로잉과 수채화, 판화 등을 선보이고, 화구와 가구, 생활용품 등 유품 30여 점도 공개한다. 1960년대부터 1990년대 중반까지 이어진 작품세계의 변화를 연대기 순으로 살펴보는 전시다. 전시 제목은 임직순이 남긴 말에서 가져왔다. ‘꽃과 여인의 화가’로 알려진 그는 소녀와 꽃, 산과 바다처럼 익숙한 대상을 즐겨 그렸다. 그가 담으려 한 것은 대상의 겉모습뿐 아니라 그 안에서 발견한 생명의 힘과 아름다움, 이를 바라보며 자신의 내면에 일어나는 감정이었다. 충북 괴산에서 태어난 임직순은 일본미술학교 유화과를 졸업한 뒤 미술교사로 일했다. 1957년 대한민국미술전람회에서 대통령상을 받았고, 1961년 조선대학교 미술학과장 겸 주임교수로 부임했다. 광주에 정착하면서 무등산과 남도의 풍경으로 시선을 넓혔다. 탄탄한 화면 구성에 힘찬 붓질과 따뜻하면서도 강렬한 색채를 더하며 자신만의 회화세계를 일궜다. 1973년 파리 개인전을 위해 약 1년간 현지에 머문 시기의 자료도 소개한다. 파리의 거리를 담은 스케치와 판화, 전시 포스터, 자화상과 드로잉, 작품 ‘사념’ 등을 만날 수 있다. 빛에 따라 달라지는 색을 탐구하던 그의 그림은 점차 형태를 단순화하고 대담한 붓질로 감정을 드러내는 방향으로 나아갔다. 말년에는 설명적인 요소를 덜어내고 선과 색에 더욱 집중했다. 이번 전시의 특징은 그림과 함께 그 그림이 만들어진 일상의 흔적을 보여준다는 점이다. 임직순은 가장 왕성하게 활동했던 1980년대에 오전에는 여성 모델을 보며 인물화를, 점심 식사 뒤에는 꽃병이나 항아리에 꽃을 꽂아 정물화를 그렸다. 아내는 그의 작업을 위해 늘 꽃을 준비했다. 전시장에는 인물 좌상을 그릴 때 즐겨 사용한 라탄 안락의자와 그 의자에 앉은 여성 모델을 그린 작품을 함께 놓았다. 꽃 정물화 곁에는 실제 작업에 사용한 화병을 선보인다. 물감이 굳어버린 팔레트와 붓, 이젤도 화가의 작업 시간을 전한다. 미완성 유작 역시 생전 사용한 이젤과 함께 공개한다. 완성된 회화에 이르기까지의 탐구 과정도 살펴볼 수 있다. 전시를 준비하며 모은 1000여 점의 스케치 가운데 작가의 시선과 화면 구성 과정을 보여주는 자료를 골랐다. 임직순은 1980년대 후반부터 작고 직전까지 서로 맞닿아 선 두 그루의 나무를 반복해서 그리며 구도와 색채를 달리했다. 가족의 기억에 따르면 처음에는 소나무 뒤에 구름 등 배경을 그렸지만, 어느 순간 노란색 물감으로 배경을 덮고 나무만 남긴 구성에 큰 만족을 느꼈다고 한다. 관련 드로잉과 수채화, 유화를 함께 전시해 같은 소재가 어떻게 달라지는지 비교할 수 있도록 했다. 풍경화에서도 현장 관찰과 반복적인 작업이 중요했다. 여행지에서 산과 바다, 항구를 마주하며 받은 인상을 스케치와 수채화로 기록한 뒤 화실에서 유화로 발전시켰다. 1986년 울릉도와 1991년 소래포구에서 본 정박한 배를 여러 시선으로 그린 자료들은 현장의 감흥이 회화로 이어지는 과정을 보여준다. 생애 약 25회의 개인전을 열고 교육과 집필, 신문 연재, 삽화와 표지화 제작 등으로도 활동한 그의 행적은 도록과 전시 사진, 기사 등으로 돌아본다. 화실 풍경을 그려 손녀에게 보낸 편지와 스케치북에 적은 글, 1980년 출간한 화문집 ‘꽃과 태양의 마을’도 소개한다. 작품과 습작, 화구와 기록을 함께 펼쳐 평생 그림을 그린 화가의 삶을 들여다보는 자리다. 전시는 내년 2월 14일까지.

문자를 눈으로만 읽을 수 있는 것은 아니다. 손끝으로 짚는 여섯 개의 점도 누군가에게는 세상을 배우고 자신의 생각을 기록하는 글자가 된다. 시각장애인에게 읽고 쓰는 길을 열어준 한글 점자 ‘훈맹정음’이 반포 100주년을 맞았다. 국립세계문자박물관은 국립한글박물관, 송암점자도서관과 함께 특별전 ‘점에서 세상으로: 훈맹정음 100주년’을 지난 7일 개막했다. 내년 2월 14일까지 열리는 전시는 세계 점자의 탄생부터 한글 점자의 개발과 보급, 오늘날 생활 속 점자까지 살펴본다. 훈맹정음 점자표를 비롯한 국가등록문화유산 11점도 한자리에 모였다. 오는 11월 4일은 송암 박두성(1888∼1963)이 1926년 한글 점자 훈맹정음을 반포한 지 꼭 100년이 되는 날이다. 전시는 지난 한 세기 동안 한글 점자가 시각장애인의 배움과 삶을 어떻게 바꿨는지, 그 과정에서 우리 사회의 인식은 어떻게 넓어졌는지 돌아본다. 전시의 첫 경험은 글자를 읽는 대신 미술품을 만지는 일이다. 프롤로그에 놓인 엄정순 작가의 대형 촉각 미술품 ‘코 없는 코끼리 no.7’을 손으로 감상하며 관람을 시작한다. 눈으로 볼 수 없다면 형태를 어떻게 떠올릴 수 있을까. 촉각으로 작품을 알아가는 경험은 손끝으로 문자를 읽는 점자의 세계로 관람객을 이끈다. 1부 ‘여섯 개의 점: 세계 점자’는 점자와 시각장애인 교육의 발상지인 프랑스를 중심으로 구성했다. 1784년 파리에 세계 최초의 시각장애인 학교를 세운 발랑탱 아위는 2년 뒤 펴낸 ‘시각장애인 교육에 관한 시론’에서 촉각으로 읽는 돌출 문자를 제시했다. 전시에서는 프랑스국립도서관이 소장한 이 책을 만날 수 있다. 이 학교의 학생이었던 루이 브라유는 오늘날 세계에서 가장 널리 쓰이는 6점식 점자를 만들었다. 샤를 바르비에의 12점식 점자판과 루이 브라유의 6점식 점자판, 독일과 미국의 점자 자료 등을 통해 세계 점자사의 흐름을 살펴볼 수 있다. 시각장애인도 교육받을 수 있다는 생각이 손으로 읽는 문자의 발전으로 이어지는 과정이다. 2부 ‘함께 하는 점: 한글 점자’에서는 박두성과 훈맹정음을 조명한다. 인천 강화 교동 출신인 박두성은 1913년 제생원 맹아부 교사로 부임하며 시각장애인 교육에 뛰어들었다. 일제강점기 일본어 점자만 배울 수 있던 제자들을 위해 한글 점자를 연구했고, 1923년 조선어점자연구위원회를 조직한 뒤 3년 만에 훈맹정음을 발표했다. ‘시각장애인을 가르치는 바른 소리’라는 뜻의 훈맹정음은 훈민정음의 뜻을 이어 붙인 이름이다. 초성·중성·종성을 구분해 받침이 있는 한글의 특성을 반영하고, 자주 쓰는 글자는 약자로 만들어 읽고 쓰기 쉽게 설계했다. 박두성은 반포 이후에도 전국의 시각장애인에게 우편으로 점자 교재를 보내는 통신교육을 펼치며 한글 점자를 보급했다. 이번 전시에는 국립한글박물관 소장 3점과 송암점자도서관 소장 8점 등 국가등록문화유산 11점이 나온다. 1926년 한글 점자표 ‘훈맹정음’, 점자 교육 자료 ‘한글 점자 쓰는 법’, 박두성이 사용한 족답식 제판기와 점자 타자기 등이다. 1933년 일본맹인협회에서 기증한 제판기는 금속 인쇄판에 점자를 새기는 기계다. 인쇄판을 고정한 뒤 자판으로 점자 한 글자를 치고 발로 페달을 밟아 새겼다. 점자를 널리 읽게 하려면 교재를 만들고 찍어내는 일도 필요했다. 박두성이 사용한 기계와 교육 자료들은 한글 점자의 탄생 이후 보급을 위해 기울인 노력을 보여준다. 3부 ‘확장되는 점’은 한글 점자가 시각장애인의 삶과 권리를 넓혀온 시간을 다룬다. ‘맹인 점자 사용 공인에 관한 건’(1947), 잡지 ‘촉불’ 등 기록 자료와 함께 점자정보단말기, 독서확대기, 점자가 새겨진 생활용품을 선보인다. 배우고 기록하는 문자였던 점자가 일상에서 정보를 얻고 사회와 연결되는 수단으로 확장된 모습을 살펴볼 수 있다. 전시장 자체에도 시각장애인과 비장애인이 함께 관람할 수 있도록 여러 장치를 마련했다. 모든 설명문에 점자를 병기하고, 주요 자료는 만져볼 수 있는 촉각 모형으로 제공한다. 음성해설도 운영한다. 관람 동선에는 손과 발로 공간을 파악할 수 있는 요소를 반영했다. 벽과 진열장에 안전 손잡이와 서로 다른 촉감의 재질을 붙였고, 공간의 시작점은 곡선, 진열장은 직선으로 배치해 관람객이 공간을 예측할 수 있도록 했다. 주제별 공간색도 명도와 채도를 조절해 저시력자와 색각 이상이 있는 관람객의 구분을 돕는다. 4부 ‘감각하는 점’에서는 점자책과 촉각책을 직접 읽고, 점자표를 보며 자신의 이름을 점자로 써볼 수 있다. 어린이를 위한 점자 도장과 색칠 활동지, 귀로 설명을 듣고 그림을 그리는 음성해설 체험도 마련했다. 마지막 에필로그에서는 실제 점자판과 점필을 사용해 전시를 본 소감이나 점자에 관한 생각을 남길 수 있다. 김명인 국립세계문자박물관장은 “훈맹정음은 여섯 개의 점으로 시각장애인에게 읽고 쓸 권리를 돌려준 문자”라며 “반포 100주년을 맞아, 누구나 손끝과 귀로도 문자의 가치를 경험할 수 있는 전시를 준비했다”고 말했다. 전시는 인천 국립세계문자박물관 기획전시실에서 열린다. 관람료는 무료다.

그림과 글씨뿐 아니라 작품을 담았던 상자와 그 안에 남겨진 기록까지 조명하는 전시가 열린다. 작품의 제작 시기와 감식 기록, 소장 경위 등을 담은 ‘상서(箱書)’를 통해 문화유산에 얽힌 역사와 인물들의 이야기를 살펴보는 자리다. 간송미술관은 간송 전형필 탄생 120주년을 기념해 7일부터 12월 6일까지 서울 성북동 간송미술관에서 기획전 ‘상서(箱書), 컬렉션을 읽다’를 개최한다고 6일 밝혔다. 2024년 재개관 이후 이어온 3개년 기획전의 마지막 전시로, 유물 45점과 상서 61점 등 모두 106점을 선보인다. 상서는 작품을 보관하는 상자에 적은 글을 뜻한다. 작품의 이름과 작가, 제작 시기, 재료와 형식은 물론 감상자의 평가와 소장 경위까지 기록해 작품만으로는 알기 어려운 정보를 후대에 전하는 역할을 한다. 전시에서는 단원 김홍도의 인물화 ‘낭원투도’를 통해 작품과 상서가 함께 전하는 감식의 역사를 살펴볼 수 있다. 그림은 삼천갑자를 살았다는 전설 속 인물 동방삭이 불로불사의 복숭아를 얻는 장면을 담았다. 김홍도는 동방삭을 과장된 중국풍 신선의 모습이 아닌 우리 주변에서 볼 법한 인물처럼 표현했다. 간송 전형필은 1934년 이 작품을 서화가이자 감식가인 오세창에게 보여줬다. 오세창은 작품을 감상한 뒤 뛰어난 완성도를 높이 평가하는 글을 상자 뚜껑 안쪽에 남겼다. 작품뿐 아니라 당대 감식가의 평가까지 함께 전해진다는 점에서 의미가 있다. 근대 화단의 거장 안중식이 1918년에 그린 ‘한산충무’도 전시된다. 임진왜란 당시 한산도 앞바다에서 왜군을 물리친 이순신을 그린 작품으로, 전립을 쓰고 군복을 입은 이순신이 옆을 바라보는 모습이 담겼다. 이순신 초상화가 드문 가운데 초상화에 능했던 안중식이 그렸다는 점에서 눈길을 끈다. 둥글고 풍성한 얼굴과 치켜 올라간 눈매 등 안중식 특유의 인물 표현도 확인할 수 있다. 애국계몽운동에 참여했던 안중식이 나라를 지킨 이순신을 그렸다는 점에서 민족의식과 연결해 해석할 수 있는 작품이다. 작품에는 오세창의 찬문과 안중식에게 그림을 배운 이한복의 상서가 함께 남아 있다. 화가의 표현과 감식가의 평가, 제자의 기록을 한데 살펴볼 수 있어 작품의 제작과 전승 과정을 입체적으로 보여준다. 추사 김정희의 글씨에서는 나이에 따라 달라지는 필치와 서체의 변화를 확인할 수 있다. 30대에 쓴 ‘직성수구’에서는 역동적인 필치가, 50대의 ‘신취미태사잠유시첩’에서는 유려한 흐름이 두드러진다. 60대의 ‘차호호공’에서는 개성이 무르익은 추사체를, 70대의 ‘호고연경’에서는 원숙한 예서의 경지를 살펴볼 수 있다. 작품을 담은 상자에는 오세창의 상서가 남아 있어 글씨와 함께 작품을 둘러싼 기록도 감상할 수 있다. 이 밖에도 김시의 ‘선록완월’, 금가루를 사용한 그림임을 상서를 통해 확인할 수 있는 이징의 ‘고사한거’, 간송의 첫돌 사진 뒤편에 걸려 있던 조석진의 ‘인물고실지도’ 등이 관람객을 만난다. 전시장 밖 보화각 정문 앞에서는 새롭게 자리 잡은 조선시대 석호상 한 쌍도 볼 수 있다. 기존에 정문을 지키던 석사자상은 청나라 때 제작된 것으로 추정되는 유물로, 간송미술관이 지난 1월 한중 정상회담을 계기로 중국에 기증하면서 자리를 비웠다. 새 석호상은 공처럼 둥근 얼굴과 몸을 곧추세운 모습이 특징이다. 넷플릭스 애니메이션 ‘케이팝 데몬 헌터스’에 등장하는 호랑이 캐릭터 ‘더피’를 떠올리게 하는 친근한 인상도 눈길을 끈다. 이 석호상은 간송 전형필이 1935년 경성미술구락부 경매에서 일본인 수집가 와타나베 가문으로부터 당시 1200원에 구입한 것으로 알려졌다. 일제강점기 조선의 문화유산이 해외로 유출되는 상황에서 이를 지키기 위해 나섰던 간송의 수집 활동을 보여주는 유물이다. 이번 전시는 작품 자체를 넘어 상자에 남겨진 기록까지 함께 살펴보며 간송 컬렉션의 가치를 새롭게 조명한다. 짧은 글로 남겨진 상서가 작품의 이력과 이를 둘러싼 사람들의 흔적을 되살리는 셈이다.

“그 파이 그리는 남자는 버려.” 1960년대 초 추상표현주의 거장 바넷 뉴먼은 웨인 티보(1920∼2021)의 전시를 준비하던 뉴욕 미술상 앨런 스톤에게 이렇게 충고했다. 당시 뉴욕 화단을 휩쓴 것은 거대한 화면에 감정을 쏟아내던 추상표현주의였다. 케이크와 파이, 아이스크림을 가지런히 늘어놓아 그리던 티보는 당시 미술계 주류와는 거리가 멀었다. 하지만 1962년 앨런 스톤 갤러리에서 열린 그의 첫 뉴욕 개인전은 매진됐다. ‘파이 그리는 남자’는 훗날 미국 현대미술을 대표하는 화가가 됐다. 서울 동대문디자인플라자(DDP)에서 열리고 있는 ‘현대카드 컬처프로젝트 31 웨인 티보 전’은 달콤한 디저트 정물로 익숙한 티보의 얼굴을 한꺼풀 벗겨낸다. 국내 첫 대규모 회고전으로, 초기작부터 100세에 그린 마지막 자화상까지 약 75년에 걸친 회화와 드로잉 105점을 한자리에 모았다. 전시장 초반의 디저트와 샌드위치 그림 앞에서는 왜 그가 ‘케이크 화가’로 기억돼 왔는지 단번에 알 수 있다. 케이크 위에는 실제 생크림을 올린 듯 물감이 두껍게 쌓였고, 파이와 아이스크림에는 검은 그림자 대신 파랑과 주황, 보라를 겹쳐 칠해 사물의 윤곽이 빛을 받아 아른거린다. 하지만 이번 전시는 그 달콤한 표면 뒤에 숨은 ‘질서’를 들여다본다. 삼각형의 파이 한 조각과 원기둥의 케이크. 진열대 위 사탕과 구두 역시 일정한 간격으로 반복된다. 프랑스 철학자 미셸 푸코의 ‘사물의 질서’에서 전시 제목을 가져온 이유다. 티보는 친숙한 사물을 그리면서 그 안의 선과 면, 간격과 배열을 끊임없이 들여다봤다. 전시를 공동 기획한 디터 부흐하르트와 안나 카리나 호프바우어 큐레이터는 “티보는 질서를 매개체로 삼아 그 안에서 피어나는 변주 또는 차이를 그렸다”며 “티보가 본질적으로, 그리고 일관되게 추상적인 작가였다는 새로운 관점을 제시한다”고 설명했다. 이 같은 질서는 인물화에서도 이어진다. 전시장에 나온 1963년작 ‘음식을 먹는 인물들’에서는 사람들이 가까이 앉아 있으면서도 서로 시선을 나누지 않는다. 진열대의 파이처럼 각자의 공간에 고립돼 있다. 티보가 말한 ‘외로운 함께 있음(lonely together)’이다. 달고 밝은 미국의 풍요를 그린 화면에서 이상하리만큼 쓸쓸한 기운이 느껴지는 이유다. 도시 풍경에 이르면 ‘케이크 화가’라는 이미지는 더 크게 흔들린다. 샌프란시스코의 도로는 현실에서는 불가능할 만큼 가파르게 솟고 건물은 기하학적인 면으로 바뀐다. 눈앞의 풍경을 그대로 옮기는 대신 기억 속 도시를 해체해 다시 조립했다. 케이크와 구두에서 시작한 선과 면의 질서가 도시 전체로 확장된다. 전시장 마지막에는 2020년 그린 ‘백 살 광대’가 놓였다. 생전 자화상을 여럿 남겼던 티보는 100세가 된 자신을 늙은 광대의 모습으로 남겼다. 화면 밖으로 걸어나갈 듯 몸을 돌린 노인의 모습은 티보가 남긴 마지막 자화상이다. 그는 이듬해 101세로 세상을 떠났다. 전시는 2027년 2월21일까지.

그룹 방탄소년단(BTS) 멤버 RM이 약 10년 동안 수집해온 개인 미술 컬렉션을 미국 샌프란시스코 현대미술관(SFMOMA)에서 처음 공개한다. SFMOMA는 10월 3일부터 2027년 2월 7일까지 특별전 ‘RM × SFMOMA: 비트윈 유 앤드 미(Between You and Me)’를 개최한다. RM의 개인 소장품을 미술관에서 선보이는 첫 전시이자 SFMOMA가 K팝 아티스트와 협업하는 첫 사례다. 전시에는 RM의 소장품 약 140여 점과 SFMOMA 소장품을 합쳐 약 180~200점의 작품이 소개된다. RM은 이번 전시를 자신의 취향과 관심사를 보여주는 자리로 설명했다. 그는 “내 이름을 걸고 처음으로 수집한 것을 나누는 자리”라며 “한 사람이 오랜 시간 모은 컬렉션만큼 그 사람을 솔직하게 보여주는 것도 드물다고 생각한다. 그런 의미에서 이번 전시는 꽤 긴 자기소개가 될 것 같다”고 밝혔다. 컬렉션의 중심에는 한국 근현대미술이 있다. 윤형근, 박래현, 장욱진, 권옥연, 김윤신, 도상봉 등의 작품이 포함됐으며, 회화뿐 아니라 조각과 도자기, 서예, 디자인 등 다양한 장르의 작품이 전시된다. SFMOMA 소장품에서는 김환기와 백남준을 비롯해 마크 로스코, 아그네스 마틴, 앙리 마티스, 조지아 오키프 등의 작품이 함께 소개된다. RM은 한국 근현대미술을 해외 관람객에게 소개하는 데에도 의미를 뒀다. 그는 “내 컬렉션에는 한국 근현대 작가들의 작품이 많다”며 “한국 밖에서는 아직 낯선 이름도 있을 텐데 조금 더 나은 관점과 감각을 보태고 싶은 마음으로 수집해왔고, 그 과정이 이번 전시로 이어졌다”고 말했다. 이번 전시에서 RM은 단순한 작품 소장자를 넘어 큐레이터로 참여했다. SFMOMA 공동 큐레이터들과 함께 작품을 선정하고 전시를 구성했으며, 한국어와 영어 전시 글과 작품 설명을 직접 작성했다. 자신의 목소리로 녹음한 오디오 가이드와 전시장 음악도 직접 준비했다. RM은 “이번 기회를 통해 사람들이 그저 전시를 보러 가는 일이 얼마나 재미있고 즐거운 일인지 느꼈으면 좋겠다”고 전했다.