달콤한 복숭아와 화사한 꽃, 화면을 가득 채운 알록달록한 로고, 꽃과 하트를 품은 공룡…. 발달장애를 가진 고다진·최세림·안드레 작가에게 이 익숙한 대상들은 단순한 작품 소재가 아닌 각자의 세계를 드러내는 고유의 조형언어다. 16일 인천 송도컨벤시아에서 막을 올린 ‘G-round ART FAIR 2026(그라운드 아트페어)’에서는 그림을 통해 세상과 소통해온 발달장애 예술가들이 다른 작가들과 나란히 작품을 선보인다. “나만의 세상에서 나온 작품들을 많은 사람들이 보는 것이 좋아요. 그들에게 내 작품이 어떻게 기억되는지도 궁금해요.” 최 작가는 이번 아트페어에 거는 기대를 이렇게 표현했다. 수많은 관람객이 모이는 아트페어에 나서는 일이 처음부터 편했던 것은 아니다. 최 작가는 행사 참여를 고민하면서 “비장애인들과 같이하는 대규모 아트페어에 과연 작품을 선보일 수 있을까”라는 생각이 먼저 들었다고 했다. “도전은 해보겠다고 생각했지만 막상 할 수 있다고 하니 걱정과 두려움이 앞섰다”고 털어놨다. 고 작가도 설렘과 부담을 함께 이야기했다. 많은 사람에게 자신의 그림을 소개할 수 있다는 소식에 “엄청 기뻤다”면서도 “멋진 작품으로 인사드리고 싶어 어떤 그림을 그릴지 많이 고민했다”고 말했다. 고민 끝에 자신이 좋아하는 과일과 꽃을 택했다. 가족을 생각하며 그린 복숭아도 그중 하나다. 고 작가는 “그림을 그릴 때 가장 행복하다. 글로 표현하기 어려운 제 마음을 표현할 수 있기 때문”이라며 “많은 사람들에게 달콤한 향기와 행복한 마음이 전해졌으면 좋겠다”고 말했다. 안 작가는 그림을 매개로 사람을 만나는 일에 익숙해지고 있다고 말했다. 첫 개인전을 열었을 때만 해도 낯선 사람 앞에서 자기 이름을 말하는 것조차 쉽지 않았지만, 이제는 자신의 그림을 보러 온 관람객에게 오랫동안 좋아해온 공룡의 이름과 화면 속 이야기를 직접 들려주기도 한다. 공룡을 좋아해 이름을 읽고 싶어 한글을 배웠던 관심은 꾸준한 작업으로 이어졌다. 그의 ‘켄트로사우루스의 꽃나라’는 올해 특수학교 초등 미술 5학년 교과서와 교사용 지도서 표지에 실리기도 했다. 세 작가는 이번 아트페어에서 더 많은 사람에게 자신의 그림을 알리고 관람객의 반응을 직접 확인하고 싶다는 데 입을 모았다. 특히 이들은 ‘발달장애 작가’라는 수식어보다 한 명의 예술가로 관람객과 만나고 싶다고 강조했다. 안 작가는 “사람들이 제 그림을 많이 봐주면 좋고, 제 그림이 좋다고 해주면 기분이 좋아진다”며 “장애 여부가 작품을 바라보는 출발점이 아니라, 작품이 먼저 사람의 마음에 닿는 경험이 중요하다”고 했다.

16일 인천 송도컨벤시아에서 개막한 ‘G-round ART FAIR 2026(그라운드 아트페어)’에서 이유랑 작가는 화면 속 인물의 커다란 눈을 가리키며 관람객에게 설명을 이어갔다. 정면을 바라보는 인물의 시선에 대한 질문에 작가는 작품의 모티프와 작업 과정까지 차근차근 풀어냈다. 대화가 이어지는 사이 주변에는 작품을 함께 들여다보는 이들이 하나둘 모여들었다. 이 작가는 “일반적인 페어와 달리 내가 걸고 싶은 작품, 보여주고 싶은 작품을 보여줄 수 있다는 점이 좋다”며 “많은 분들에게 제 작품을 보여드리고, 그림에 담은 이야기를 관람객과 가까이서 나누고 싶다”고 기대감을 나타냈다. 이날 전시장 곳곳에서는 작가들이 직접 관람객을 맞고 작품을 설명하는 모습이 이어졌다. 600여명의 작가가 참여한 만큼 부스마다 작품의 크기와 색채, 표현 방식도 제각각이었다. 작품을 휴대전화로 촬영한 뒤 작가 이름과 가격을 메모하거나 지나쳤던 부스를 다시 찾아 작품을 살펴보는 모습도 눈에 띄었다. 특히 신진·청년 작가들이 참여한 공간에는 긴장과 기대가 함께 묻어났다. 그림을 시작한 지 2년 반가량 된 김연주 작가는 “신진작가이다 보니 저를 모르는 분들이 훨씬 많다. 작품이 판매되는 것도 좋지만 여러 자리에서 제 작품을 보여드리고 저와 제 작업을 알리는 것이 중요하다”며 “이번 아트페어에서 신작을 포함한 여러 작업을 선보이며 직접 부스에서 관람객을 만날 예정”이라고 말했다. 관람객과 작가의 만남은 부스 밖에서도 이어졌다. 개막식 퍼포먼스로 마련된 임근우 작가의 라이브 페인팅이 시작되자 관람객들의 시선이 일제히 캔버스로 향했다. 물감이 화면 위에 번지고 새로운 형상이 모습을 드러낼 때마다 휴대전화로 작업 과정을 담아내려는 관람객의 손길도 덩달아 분주해졌다. 완성된 작품뿐 아니라 그림이 만들어지는 과정까지 가까이에서 지켜볼 수 있는 자리였다. 20일까지 이어지는 행사 기간에는 라이브 페인팅뿐만 아니라 아티스트 토크와 작품 해설 등 다양한 프로그램이 진행된다. 관람객이 작품의 소재와 표현 방식, 창작 과정에 담긴 작가의 생각을 직접 접할 수 있도록 한 프로그램들이다. 아트페어에서의 만남을 후속 전시와 작품 판매, 새로운 컬렉터와의 관계로 이어가려는 취지도 담겼다. 개막식에서는 다양한 배경의 창작자들이 작품으로 평가받을 기회를 넓히는 이번 행사의 의미도 강조됐다. 더불어민주당 송영길 의원은 서면축사를 통해 “작가가 직접 전시의 주체로서 부스와 출품작을 정하고 관람객과 소통하는 매우 혁신적인 시도”라며 창작과 수익·재투자가 이어지는 ‘선순환 예술 생태계’를 만드는 도전이라고 평가했다. 이어 “대한민국의 문화적 자부심이 음악과 영상 콘텐츠를 넘어 K아트의 영역으로 확장하고 있다”며 “1인 예술가와 신진 작가들이 세계 무대로 나아갈 수 있도록 정책적·제도적 기반을 갖추는 것도 중요하다”고 강조했다. 국민의힘 조은희 의원은 “작가가 직접 대중과 소통하고 작품의 가치가 온전히 창작자에게 전해지는 열린 구조는 우리 미술 생태계에 새로운 활력을 불어넣고 건강한 미술시장의 선순환을 이끄는 든든한 디딤돌이 될 것”이라며 작가 중심의 미술 플랫폼이 갖는 의미를 짚었다. 더불어민주당 김남준 의원은 “문화와 예술은 우리가 잊고 지내던 ‘느끼는 삶’을 회복시켜준다”며 “작가와 관람객이 직접 만나 작품에 대해 소통하는 귀한 시간을 만들고, 창작의 결실이 온전히 작가들에게 돌아가는 의미 있는 기회가 되길 기대한다”고 밝혔다. 같은 당 정준호 의원도 “작품을 만든 작가가 관객에게 직접 자기 세계를 건네는 것만큼 힘 있고 솔직한 소통은 없을 것”이라며 “창작자와 대중이 한 공간에서 눈을 맞추며 호흡하려는 시도가 우리 미술계를 훨씬 더 생기 있게 채워줄 것”이라고 의미를 부여했다.

‘G-round ART FAIR 2026(그라운드 아트페어)’에서는 원로 거장의 유고작부터 신진 작가의 작품, 회화와 조각·사진을 한자리에서 만나볼 수 있다. 작가와 관람객의 접점을 넓히고, 열린 공간 구성을 통해 전시장을 하나의 ‘그라운드’로 만든 게 특징이다. 16일 인천 송도컨벤시아에서 개막한 그라운드 아트페어 행사장은 입구부터 벽체로 부스를 구획하는 일반적인 아트페어와 달리 전면에 조각 작품을 배치해 개방감을 살렸다. 가로 통로는 끝까지 일자로 뚫고, 세로 방향은 부스 너머 공간이 보일 듯 말 듯 엇갈리게 구성했다. 관람객이 입구에서 안쪽까지 시야를 확보하면서 자연스럽게 다음 작품으로 이동하도록 설계한 것이다. 중앙에는 전시장의 원점이자 휴식·교류 공간인 그라운드(운동장)를 마련했다. 관람객이 쉬어갈 수 있는 의자와 참여 작가·주요 인사들이 서명하는 사인보드를 설치하고, 중앙에는 대형 조각을 세워 공간의 중심을 잡았다. 일반 관람객을 위한 카페테리아와 작품 구매자 등 컬렉터가 이용하는 별도 공간도 준비했다. 전시장에는 한국 현대미술 원로인 고 장성순·성백주 작가의 유고작 부스가 마련됐다. 유족들이 소장해 온 작품을 재조명하고, 한국 현대미술의 유산을 관람객에게 소개하는 데 의미가 크다. 장 작가는 현대미술가협회 창립 회원이자 1961년 제2회 파리비엔날레 한국 대표로 참가한 한국 추상미술 1세대 작가다. 동양의 서예적 필치와 서양 추상회화의 구조를 결합해 내면의 정서와 정신적 세계를 드러낸 것이 특징이다. 출품작 ‘추상 413’은 구체적인 대상 대신 색면과 반복적인 붓질, 화면의 긴장으로 내면의 감정을 드러낸다. ‘장미 화가’로 불린 성 작가 부스에서는 대표작인 ‘넝쿨장미’ 연작과 추상작품을 만날 수 있다. 넝쿨장미는 장미를 사실적으로 묘사하기보다 붉은 꽃과 검은 줄기, 푸른 배경을 강렬한 색채와 거친 필선으로 엮어 꽃의 생명력을 표현한다. 붉은 꽃과 녹색 줄기가 화면을 타고 확산하는 듯한 리듬감이 두드러진다. 50여년간 계룡산 주변에 머물며 산의 사계와 생명력을 화폭에 담아온 신현국 작가의 ‘산의 울림’도 선보인다. 신 작가는 산의 외형보다 자연에서 느낀 기운과 생동감을 중첩된 색면과 힘 있는 붓질로 옮겼다. 단색화 계보를 이어온 이희돈 작가의 ‘인연’도 주목할 만한 작품이다. 한지 원료인 닥과 물감을 혼합한 재료를 겹겹이 쌓아 올려 사람과 사람, 삶과 삶이 얽히는 관계를 입체적인 질감으로 형상화했다. 외부에서 보기 힘든 이 작가의 대형 작품도 전시장에서 만나볼 수 있다. 한지와 먹, 채색이란 한국화 재료를 사용해 현대적인 추상회화를 구축해온 송수련 작가 작품도 전시됐다. ‘내적 시선’은 한지에 먹과 색을 쌓고 덜어내는 과정을 반복해 외부 풍경보다 작가의 내면에 흐르는 감정과 사유를 추상적으로 기록한 작품이다. 전시는 원로·중견 작가뿐 아니라 신진작가와 대학생, 발달장애 작가까지 폭넓게 아우른다. 신진 작가에게는 별도의 지원 부스를 제공하고, 인천대 학생들의 회화·설치작품도 소개한다. 민화, 사진·조각 등 다양한 장르를 함께 배치해 여러 세대와 배경을 지닌 작가들의 작품을 한자리에서 살펴볼 수 있도록 했다.

거장의 반열에 오른 이들도 세상에 이름을 알리지 못하던 시절이 있었다. 전시 공간 대관부터 작품 운송과 설치, 홍보와 관람객 응대까지 홀로 감당해야 했던 무명의 시간들. 뛰어난 작품성을 지니고도 장애라는 벽에 부딪혀 세상과 소통할 기조차 얻지 못하는 이들도 적지 않다. 이들에게 필요한 것은 단순히 작품을 걸어둘 벽이 아니라 관람객과 컬렉터, 그리고 기업을 만나 교감하고 든든한 사후 지원까지 받을 수 있는 마당이다. 세계일보가 주최하는 ‘G-round ART FAIR 2026(그라운드 아트페어)’은 바로 이 지점에서 출발한다. 17일부터 20일까지 인천 송도컨벤시아에서 열리는 이번 그라운드 아트페어는 신진·청년 작가부터 중견·원로 작가 그리고 편견을 딛고 일어선 발달장애 작가까지 총 600여명의 예술가를 한자리에서 만날 수 있다. ‘예술을 넘어서, 휴머니즘이 되다’라는 기치 아래, 작가와 관람객, 컬렉터와 기업이 연결되는 상생의 장이 펼쳐진다. ◆작가에게 직접 작품 속 ‘비하인드 이야기’ 듣는 묘미 이번 그라운드 아트페어의 가장 큰 묘미는 작가와 관람객 사이의 ‘진짜 대화’다. 작가는 자신의 부스에서 관람객을 맞고 작품을 직접 설명한다. 관람객은 작품 옆에 붙은 제목과 재료, 크기를 확인하는 데 그치지 않고 ‘왜 이런 그림을 그렸는지’, ‘어떤 과정을 거쳐 작품이 만들어졌는지’를 작가에게 물어볼 수 있다. 아직 미술시장에 널리 알려지지 않았지만 저마다의 독창적인 조형 언어를 빚어내는 작가들, 새로운 재료와 표현방식으로 시대를 실험하는 이들과 마주하며 관람객은 미술의 지평을 넓힐 수 있다. 마음에 드는 작품을 만나 생애 첫 컬렉터로 발돋움하는 설렘도 누릴 수 있다. 또한 만 40세 이하 신진작가를 위한 특별 지원 부스 16개가 마련됐다. 50여명의 젊은 작가가 참여해 자신의 작품을 관람객과 컬렉터에게 선보인다. 전시 경험과 미술시장 진입 기회가 상대적으로 부족한 젊은 작가들에게 작품을 알릴 실질적인 기회를 제공하자는 취지다. 동시대를 살아가는 젊은 세대의 고민과 감정, 미래에 대한 상상을 담아낸 작품이 관람객을 맞이한다. 초보 컬렉터라면 가격 책정 과정부터 작품 관리법까지 평소 물어보기 어려웠던 궁금증을 현장에서 편안하게 해소할 수 있다. 작가와 조금 더 깊은 호흡을 나누고 싶다면 매일 한 번씩 열리는 ‘아티스트 토크’가 제격이다. 사전 예약으로 운영되는 소수 정예 프로그램으로 창작의 이면에 숨겨진 이야기와 작가 고유의 철학을 고스란히 전해 듣는 시간이다. 작가들의 재능기부로 문턱을 낮춰, 누구나 현대미술을 친근하고 깊이 있게 이해할 수 있도록 돕는다. 만남이 일회성으로 스쳐 지나가지 않도록 행사 이후 인연을 이어갈 네트워킹 프로그램도 마련돼 있다. 자유롭게 교류하는 네트워킹 파티를 비롯해 향후 작가의 작업실을 방문할 수 있는 탐방 프로그램 등도 연계된다. 작품 구매에 그치지 않고 작가의 든든한 팬덤과 동반자가 되는 장기적인 관계 맺기가 이뤄지는 셈이다. ◆기업과 손잡고 신진 작가 지원… 성장 ‘선순환 모델’ 제시 젊은 작가들의 지속 가능한 창작 환경을 조성하기 위해 단순한 협찬을 넘어 기업과 협업할 수 있는 자리도 마련됐다. 기업 협찬존에서 작가와 연결되고 향후 전시·프로젝트·작품 구매 등으로 관계가 확장될 수 있도록 접점을 만드는 것이 목표다. 참여 기업들은 부스 조성과 홍보를 지원하며 청년 작가들의 든든한 버팀목이 된다. 작가에게는 안정적인 시장 진입의 기회가, 기업에는 문화예술을 통해 사회와 소통하는 미래 지향적 파트너십의 계기가 되는 셈이다. 향후 기업 사업장 내 작품 전시와 작품 구매, 임직원 문화 프로그램, 고객 초청 행사 등으로 협력 범위를 확대해 지속적인 관계로 발전시키는 방안도 추진할 수 있다. 특히 하나은행의 지원으로 마련된 발달장애 작가들의 공모 수상작 전시는 이번 그라운드 아트페어의 빛나는 차별점 중 하나다. 발굴과 수상에 머물던 기존의 방식을 깨고 이들의 작품을 당당히 미술시장에 선보인다. ‘창작 지원·공모·발굴·수상·아트페어 전시·대중과의 만남’으로 이어지는 작가 성장의 선순환 모델이 그라운드 아트페어에서 완성된다. 기업이 작가를 발굴하고 창작을 지원한다면 그라운드 아트페어는 그 작품을 대중과 컬렉터에게 연결한다. ‘지원받는 예술가’에서 ‘작품으로 평가받는 작가’로 성장하는 길을 만드는 것, 이번 하나은행과 아트페어의 만남이 갖는 의미다. 기업 말고도 일반 컬렉터가 작가들의 든든한 후원자가 될 수 있도록 미술품 소장에 대한 전문 강연도 개최한다. 아트테크의 기본 개념부터 작품 보존법, 현대미술의 흐름을 짚어주는 강연들이 초보 컬렉터의 길잡이가 되어 준다. 단순한 투자 수익을 좇는 것을 넘어 작가의 성장 가능성과 예술적 가치를 함께 아끼는 건강한 소장 문화를 배울 수 있다. 전문 도슨트가 주요 작품과 전시 내용을 소개하는 ‘전시 하이라이트 투어’는 작품 감상의 깊이를 더해준다. 작품에 대한 기본적인 해설뿐 아니라 미술시장 동향, 작가별 작품세계, 초보 관람객을 위한 작품 감상법 등을 함께 안내한다. 이를 통해 관람객이 작품을 보다 깊이 이해하고 자신만의 관점으로 미술을 감상할 수 있도록 지원한다. 프로그램별 세부 일정과 참여 방법은 그라운드 아트페어 공식홈페이지 부대행사란을 통해 확인할 수 있다.

갤러리 중심의 기존 아트페어에서 벗어나 작가가 직접 작품을 선보이고 관람객·컬렉터와 만나는 ‘작가 중심’ 아트페어가 인천 송도에서 막을 올렸다. 미술시장의 문턱을 낮추고, 보다 많은 사람이 일상에서 예술을 쉽게 접하고 향유할 수 있는 장을 만들겠다는 취지다. 세계일보가 주최하는 ‘G-round ART FAIR 2026’(그라운드 아트페어)은 16일 오후 인천 송도컨벤시아에서 VIP 프리뷰와 개막 행사를 열고 공식 일정에 들어갔다. 첫 회를 맞은 그라운드 아트페어는 작가가 직접 전시의 주체가 된다는 점을 전면에 내세웠다. 갤러리가 작가와 작품을 선별해 소개하고 판매하는 일반적인 아트페어 방식에서 한 걸음 더 나아가 작가가 자신의 부스에서 작품을 직접 설명하고 관람객·컬렉터와 소통하도록 했다. 이날 개막식에는 박찬대 인천시장, 더불어민주당 김영배·조계원 의원, 이인재 인천대학교 총장, 김장호 예술경영지원센터 대표 등 정·재계와 문화예술계 인사, 참여 작가 등이 대거 참석했다. 박정훈 세계일보 대표이사는 개막식 환영사에서 “그라운드 아트페어는 작가와 작품이 중심에 서는 새로운 형태의 아트페어”라며 “작가와 컬렉터가 작품을 매개로 현장에서 만나는 구조가 우리 미술시장의 새로운 가능성을 보여줄 것”이라고 말했다. 참석자들도 이번 행사가 작가와 관람객의 접점을 넓히고 새로운 미술시장 모델을 제시하는 계기가 되기를 기대했다. 박 시장은 “이번 아트페어는 갤러리가 아니라 작가가 직접 부스의 주인이 돼 관람객과 만난다는 점에서 의미가 크다”며 “미술을 어렵게 느끼는 시민들도 작가와 직접 소통하며 예술에 한 걸음 더 가까이 다가갈 수 있는 진정한 소통의 장이 될 것”이라고 밝혔다. 김 의원도 “작가들이 직접 참여해 정성을 쏟는 자리인 만큼 많은 사람에게 꿈과 영감, 희망과 행복을 주는 행사가 될 것”이라고 강조했다. 조 의원은 “발달장애 작가와 만 40세 이하 신인작가, 대학 미술학과 학생들에게 부스를 지원하고, 배리어프리 전시를 기획한 것은 예술이 소수의 전유물이 아니라 모두의 것임을 보여주는 실천”이라고 짚었다. 이번 아트페어는 전시 경험과 미술시장 진입 기회가 상대적으로 부족했던 창작자들에게 참여 기회를 넓혔다. 신진·청년 작가부터 중견·원로 작가까지 600여명이 참여하며 지역 작가와 미술 전공 대학생도 작품을 선보인다. 이 같은 ‘작가 중심’의 취지는 개막 첫날 전시장에서도 그대로 드러났다. 관람객들이 부스에 머물며 작가에게 작품의 소재와 작업 과정을 묻거나 구매를 문의하는 모습이 곳곳에서 눈에 띄었다. 그라운드 아트페어는 이날 VIP 프리뷰를 시작으로 17일부터 20일까지 나흘간 일반 관람객을 맞는다.

박물관 전시실의 문화유산을 자신만의 시선으로 바라보고 이를 글로 표현해보는 글쓰기 프로그램이 마련돼 눈길을 끈다. 일반적인 글쓰기 강좌와 달리 박물관의 전시와 문화유산을 글쓰기의 출발점으로 삼는 것이 특징이다. 국립중앙박물관은 오는 10월 14일과 21일, 28일 세 차례에 걸쳐 성인 대상 교육프로그램 ‘박물관에서 글쓰기’를 운영한다고 15일 밝혔다. 올해 하반기 프로그램에는 ‘우아하고 호쾌한 여자 축구’, ‘아무튼, 술’, 산문집 ‘다정소감’ 등을 쓴 에세이스트 김혼비 작가가 참여해 유물 감상과 대화를 통해 확장한 생각을 글로 풀어내는 과정을 이끈다. 프로그램은 수요일 야간 개장 시간에 맞춰 오후 7시부터 9시 30분까지 진행된다. 참가자들은 국립중앙박물관 상설전시실에서 문화유산을 감상하고 자신의 감상을 다른 참가자들과 나눈 뒤 이를 다양한 방식의 글로 표현하게 된다. 참가자들은 전시 담당자의 설명을 들으며 유물을 새롭게 바라보고, 전문 작가의 글쓰기 지도를 받는다. 혼자 유물을 감상하는 데 그치지 않고 다른 참가자들과 이야기를 나누면서 서로 다른 시선과 해석을 접하고, 자신의 생각을 확장해 글로 표현하는 방식이다. 이번 프로그램은 비교적 여유롭게 전시를 감상할 수 있는 수요일 야간 개장 시간에 진행되는 만큼 참가자들은 하루가 저무는 시간에 전시실을 천천히 거닐며 자신에게 특별하게 다가오는 유물과 장면을 발견하고 자신의 경험과 기억, 상상을 연결해 감상할 수 있다. 이후 각자가 발견한 것을 다른 참가자들과 이야기하며 서로 다른 관점을 접한다. 국립중앙박물관은 이러한 감상과 대화, 공유의 과정이 생각을 확장하고 한 편의 글을 만들어가는 바탕이 된다고 설명했다. 국립중앙박물관은 지난해 이훤 작가와 함께 ‘박물관에서 글쓰기’를 처음 운영했으며, 올해 상반기에는 김금희 작가와 프로그램을 이어왔다. 하반기에는 일상의 다양한 소재를 참신한 관점과 문체로 풀어내 온 김혼비 작가가 참여한다. 김 작가는 참가자들이 전시실에서 발견하고 다른 사람과 나눈 생각을 글의 소재로 발전시켜 자신만의 언어로 표현할 수 있도록 3주간 글쓰기 과정을 이끌 예정이다. 참가자는 사전 신청자 가운데 15명을 선발한다. 신청 기간은 오는 9월 17일부터 27일까지이며, 국립중앙박물관 교육플랫폼 ‘모두’에서 신청할 수 있다. 선정 결과는 10월 2일 발표한다. 프로그램은 국립중앙박물관 상설전시실과 교육관에서 진행된다.

가을 달빛이 가장 좋은 밤, 추석. 달은 가득 차고, 곡물은 익고, 열매는 여문다. 자연은 한 해의 시간을 순환하여 결실이라는 자리로 되돌아온다. 떠난 이들이 고향으로 발걸음을 옮기듯, 시간도 계절도 다시 돌아온다. ◆돌아가는 길 한국 기하 추상의 선구자 이준(1919-2021)의 ‘회향(回鄕)’은 ‘고향으로의 귀환’을 찬란한 색채와 기하학적 구성으로 펼쳐낸다. 넉넉하게 차오른 보름달을 연상시키는 형상 아래, 솟아오른 산봉우리를 닮은 직선들이 화면을 가로지른다. 빛을 향해 가지를 뻗는 생명처럼, 선들은 하늘을 향해 솟구친다. 중앙에는 씨실과 날실로 직조된 듯한 작은 패턴들이 가득하다. 프리즘을 통과한 빛의 결정일까. 우측 하단에는 수평의 선들이 프레임 너머로 이어질 듯 뻗어나간다. 화면 안으로 들어오는지, 밖으로 나아가는지 알 수 없는 선들은 끝없이 펼쳐진 공간을 항해하는 돛단배처럼 또 하나의 움직임을 만든다. 달의 인력이 밀물과 썰물을 만들어내듯, 오고 가고 떠나고 향하는 움직임들이 한 화면에서 역동한다. ◆빛의 화가 이준은 1919년 경남 남해에서 태어났다. 1939년 일본 태평양미술학교에 입학해 서구의 회화 기법을 익혔다. 특히 유럽 인상주의에서 빛을 다루는 방식과 입체주의적 형태 표현에 주목했다. 초기에는 이러한 관심을 반영한 도시의 인물과 풍경, 정물 등 구상 회화를 많이 남겼다. 광복 이후 귀국한 그는 자신이 나고 자란 한국의 모습을 표현하는 데 집중하기 시작했다. 한국전쟁 중에는 동료 예술가들과 함께 종군 문인단인 ‘문총구국대’의 일원으로 활동하며 현실에 깊이 천착했고, 휴전 이후에는 노점에서 과일을 파는 소녀의 모습 등 지극히 일상적인 주제를 그렸다. 그러나 구체적인 장면을 그리는 동안에도 그의 관심은 단순한 재현에 머무르지 않았다. 형태를 과감하게 변용하고 빛과 어둠의 대비를 실험하는 등, 화면에는 이미 추상을 향한 조형적 탐구가 자리 잡고 있었다. 1960년대부터 본격적인 추상의 길로 들어선 그는 100세가 넘는 고령에 이르기까지 다양한 기법을 실험하며 수많은 작품을 남겼다. 그러나 그의 일생을 관통하는 변하지 않는 주제는 ‘빛’과 ‘자연’이었다. 고향 남해의 굽이진 산과 바다, 타오르는 태양과 안온한 달빛은 평생에 걸친 영감의 원천이 되었다. 그는 남해를 “빛의 고향”이자 “색의 원천”이며 “영원한 노스탤지어”라고 불렀다. 그리고 빛과 형체, 색채가 어우러진 자연을 보며 “색을 통해 빛을 느끼고 싶었고, 빛을 통해 색을 표현하고 싶었다”고 말했다. 자연에 대한 순수한 인상과 심상을 담아내는 과정에서 구상과 추상의 경계는 무화되었다. 산의 능선을 따라 흐르는 빛과 바다 위에 번지는 색, 나뭇가지 사이로 스며드는 햇빛과 밤하늘에 떠오른 달의 형상은 점차 단순한 형태와 색채로 환원되었다. 기하학적으로 구성된 화면은 분명 추상화의 과정을 거친 결과물이지만, 이는 누구나 직관적으로 감응할 수 있는 정갈하고 단순한 형태로 대상의 정수를 남겨두기 위한 선택이었다. 구체적인 대상을 지워내는 것이 아니라, 빛과 어둠, 색과 형태의 관계를 직관적으로 조직함으로써 오랫동안 마음에 품어온 자연의 감각을 더욱 선명하게 드러내는 것이다. ◆달의 그림자 ‘회향’이 달이라는 상징을 중심으로 고향으로 돌아가는 발걸음을 표현했다면, ‘월영(月影)’은 고향을 향한 마음의 깊이를 그린다. 달의 형태는 둥근 원으로 직관적으로 제시되지만, 화면을 채우는 것은 달 그 자체라기보다 달빛이 품은 아득한 세계에 가깝다. 어둠 속에서 달빛이 닿은 곳들은 색면과 촘촘한 패턴으로 분절되어 그려진다. 희미하게 수평으로 뻗어나가는 직선들은 은은한 달빛의 광선을 연상시키고, 작은 격자들은 달이 머금은 빛처럼 화면 곳곳에서 반짝이며 달빛이 남긴 잔상으로 머문다. 화면을 넓게 가로지르는 검은 면조차 자세히 들여다보면 수많은 격자들로 채워져 있다. 칠흑 같은 어둠으로 보이던 화면은 수많은 빛의 조각으로 풀어지고, 빛과 어둠은 서로를 밀어내지 않은 채 한 화면 안에 함께 머문다. 달빛이 어둠을 몰아내는 것이 아니라 그 안에 스며들듯, ‘월영’의 어둠 역시 빛의 부재로 남아 있지 않다. 깊고 검은 면 안에도 촘촘한 격자들이 빛의 결정처럼 곳곳에 남아 있다. 달의 그림자는 그렇게 빛이 사라진 자리가 아니라, 빛과 어둠이 겹쳐진 깊이로 다가온다. 우리가 떠나온 고향, 남겨두고 온 것들도 물리적으로는 부재하지만 기억 속에서 결코 사라지지 않는다. 아득한 시간과 거리 속에서 그것들은 희미한 잔상으로 다시 되살아난다. ‘월영’의 달빛은 그렇게 어둠에 가려져 있던 곳까지 스며들며, 잊혀져 있던 것들과의 거리를 촘촘하게 꿰어낸다. 어둠과 정적 속에서 더욱 선명해지는 기억. ‘월영’은 떠나온 이들의 마음에 남은 고향의 풍경이다. ◆본래 있던 자리로 고향 남해의 찬란한 자연이 그에게 “영원한 노스탤지어”였던 것처럼, 이준의 작품에는 언제나 회귀의 감각이 흐른다. 그러나 그것은 단순히 과거의 시간이나 지나온 장소로 되돌아가는 일에 대한 것만은 아니다. 이준의 작품에 반복적으로 등장하는 산과 바다, 태양과 달, 빛과 어둠은 모두 시공간을 넘어 ‘자연’이라는 근원적 세계를 가리킨다. 이준이 그려낸 ‘고향’은 우리가 때때로 잊고 살아가는, 그러나 결코 잃어버릴 수는 없는 인간 존재의 본질이다. 따라서 이준의 노스탤지어란 지나간 것을 슬퍼하는 마음이 아니라, 우리 안에 내재되어 있음에도 망각하며 지내온, 찬란한 자연과 하나되어 느끼는 생의 환희에 대한 재발견이다. 이곳에서 ‘돌아감’이란 자연과 빛의 본래적 감각 속으로 다시 스며드는 일이다. 신리사 미술사·학고재 기획팀장

그동안 정기 전시 기간에만 제한적으로 관람할 수 있었던 간송미술관을 이제 온라인에서 언제든 둘러볼 수 있게 됐다. 미술관 건물과 주요 소장품을 가상현실(VR)로 구현해 실제 전시관을 걷듯 작품을 감상할 수 있는 서비스가 공개됐다. 네이버의 선행기술 연구개발 자회사 네이버랩스와 간송미술문화재단은 최근 간송미술관의 주요 전시 공간과 소장품을 가상현실로 둘러볼 수 있는 ‘간송미술관 VR투어’ 서비스를 선보인다고 밝혔다. 국내 최초의 사립미술관인 간송미술관은 그동안 봄·가을 정기 전시 기간에만 제한적으로 문을 열어왔다. 이번 서비스로 이용자는 PC와 모바일을 통해 시간과 장소에 관계없이 미술관 내부를 둘러볼 수 있다. 실제 전시관 동선을 따라 이동하면서 유물을 감상하고 작품에 대한 상세 해설도 확인할 수 있다. VR 공간에는 실제 미술관에 전시되지 않은 유물도 담겼다. 네이버랩스는 간송미술관의 전시 공간인 보화각과 ‘문화보국’ 전시 출품작 등을 디지털트윈 기술로 구현했다. 특히 오랜 기간 간송미술관 정문을 지켰던 청대 석사자상도 디지털 공간에서 다시 만날 수 있다. 이 석사자상은 지난 7월 중국에 기증돼 현재 미술관 현장에서는 볼 수 없지만, 디지털 데이터로 영구 보존·복원해 VR 공간에 구현했다. 야외에 있어 직접 관람하기 어려웠던 괴산팔각당형부도와 석조팔각승탑 등도 가상공간에 배치했다. 제작 과정에는 전문 스캐너 장비 없이 스마트폰 카메라만으로 정밀한 3차원(3D) 매핑을 수행하는 네이버랩스의 비전 기술이 활용됐다. 이를 통해 기존 방식보다 제작 비용과 공정을 크게 줄였다는 게 네이버랩스의 설명이다. 네이버랩스는 그동안 자체 공간지능 기술을 문화유산 분야에 접목해 왔다. 2022년 국립중앙박물관에 도입한 증강현실(AR) 내비게이션을 비롯해 여러 장의 사진만으로 입체 장면을 재구성하는 신세시스(NVS) 기술 기반의 네이버지도 플라잉뷰3D 등이 대표적이다. 이동환 네이버랩스 비전그룹 리더는 “소중한 문화유산을 공간지능 기술을 통해 디지털 공간에 담아내 누구나 제약 없이 감상할 수 있게 했다”며 “앞으로도 현실의 공간과 사물을 디지털로 잇는 기술을 고도화해 나갈 것”이라고 말했다.

추석을 앞두고 작품을 만든 작가와 직접 만나 이야기를 나누며 미술을 즐길 수 있는 대규모 아트페어가 인천 송도에서 열린다. ‘2026 그라운드아트페어(GROUND ART FAIR·포스터)’가 오는 17일부터 20일까지 나흘간 인천 송도컨벤시아에서 개최된다. 미술 애호가뿐 아니라 가족과 연인, 친구가 함께 작품을 감상하고 작가와 소통할 수 있는 문화예술 행사다. 그라운드아트페어의 가장 큰 특징은 갤러리가 중심이 되는 일반적인 아트페어와 달리 작가들이 직접 부스를 꾸리고 관람객을 만나는 ‘작가 중심 아트페어’라는 점이다. 관람객은 작품을 눈으로 보는 데 그치지 않고 창작 배경과 표현 기법, 작품에 담긴 이야기 등을 작가에게 직접 들을 수 있다. 전시장에는 회화와 한국화, 서양화, 민화, 조각, 공예 등 다양한 분야의 작품이 소개된다. 전통적인 미감을 살린 작품부터 현대적이고 실험적인 작품까지 폭넓게 만날 수 있다. 한 작가의 작품세계를 집중적으로 보여주는 개인부스와 여러 작가가 함께 꾸미는 공동부스도 마련된다. 행사가 특히 강조하는 것은 작가와 관람객의 ‘소통’이다. 미술에 익숙하지 않은 관람객도 작가의 설명을 들으며 작품에 보다 쉽게 다가갈 수 있도록 했다. 작품을 감상한 뒤 궁금한 점을 바로 묻거나 마음에 드는 작품의 제작 과정과 가격, 관리 방법 등에 대한 설명도 들을 수 있다. 미술품 구입을 처음 고민하는 관람객에게도 문턱을 낮췄다. 갤러리나 경매를 통하지 않고 작가와 직접 작품에 대해 대화를 나누면서 자신의 취향에 맞는 작품을 찾아볼 수 있어서다. 작품을 소장하지 않더라도 전시장을 둘러보며 좋아하는 색과 표현 방식, 작가를 발견하는 것만으로 미술을 즐길 수 있다. 어린이와 청소년에게는 교과서나 화면으로 접했던 미술작품을 실제로 살펴보는 현장 체험의 기회가 된다. 부모와 자녀가 함께 작품을 감상하고 서로 다른 느낌을 이야기하는 과정도 자연스러운 문화예술 교육이 될 수 있다. 신진작가부터 중견·원로작가까지 다양한 세대가 한 공간에서 관람객을 만난다는 점도 눈길을 끈다. 경력이나 소속보다는 작품 자체와 작가의 개성을 앞세워 한국 미술의 여러 흐름을 한자리에서 보여준다는 취지다. 작가에게는 자신의 작품세계를 알리고 새로운 관람객과 컬렉터를 만나는 기회가, 관람객에게는 아직 널리 알려지지 않은 작가와 작품을 먼저 발견하는 기회가 된다. 행사가 열리는 송도컨벤시아 주변에는 송도센트럴파크와 쇼핑·외식 공간이 있어 전시 관람과 나들이를 함께 즐길 수 있다. 낮에는 미술작품을 감상하고 작가들을 만난 뒤 센트럴파크를 산책하거나 주변에서 식사를 하는 식으로 하루 일정을 꾸릴 수 있다. 그라운드아트페어 관계자는 “작품을 어렵게 바라보는 데서 벗어나 작가와 직접 만나 이야기를 나누며 미술을 보다 친근하게 경험할 수 있도록 준비했다”고 말했다.

올해 ‘키아프 서울 2026’과 ‘프리즈 서울 2026’에서는 수백억원대 초고가 작품의 ‘한 방’보다 여러 가격대에서 거래가 이어지고 한국 작가의 강세가 두드러졌다. 다만 관람 열기가 판매로 고스란히 이어진 것은 아니어서 미술시장의 본격적인 회복을 말하기에는 이르다는 평가도 나온다. 서울 강남구 코엑스에서 열린 키아프와 프리즈에는 각각 18개국 175개 갤러리, 30여개 국가·지역의 130여개 갤러리가 참여했다. 키아프는 2일부터 6일까지 닷새간, 프리즈는 2일부터 5일까지 나흘간 열렸다. 7일 한국화랑협회와 프리즈에 따르면 키아프에는 약 8만명, 프리즈에는 7만명 이상의 관람객이 찾았다. 관람객 규모는 두 페어 모두 최근 3년간 비슷한 수준을 유지했다. ◆수백억 대작 대신 유영국 25억… ‘골라 사는’ 시장 가장 눈에 띈 것은 한국 작가의 약진이다. 국제갤러리가 프리즈에 출품한 유영국의 1971년 작 ‘Work’는 22억∼25억원에 팔려 프리즈 서울에서 거래된 한국 작가 작품 중 역대 최고가를 기록했다. 서울시립미술관에서 회고전이 열리고 있는 유영국에 대한 높아진 관심이 시장에서도 확인된 셈이다. 갤러리현대는 김창열 작품 5점을 판매했으며 최고가는 110만달러(약 15억원)였다. 조현화랑은 이배의 브론즈 조각과 드로잉을 4만∼14만달러(약 5000만∼2억원)에 판매했고 서도호·김윤신 등의 작품도 새 주인을 찾았다. 해외 작가 중에서는 타데우스 로팍이 아드리안 게니의 회화를 110만유로(약 17억원), 안토니 곰리의 조각을 75만파운드(약 14억원)에 판매했다. 미술관과 기관의 구매도 활발했다. 프리즈에는 25개 국가·지역의 178개 미술관·기관 관계자가 찾아 역대 최대 기관 참여를 기록했다. 리만머핀의 김윤신 작품은 국내 주요 미술관 컬렉션에 들어갔고, 하우저앤워스의 라시드 존슨 회화는 국내 주요 기관에 120만달러(약 17억원)에 판매됐다. 이는 서울이 단순 거래 시장을 넘어 작품 발굴과 전시·소장 논의가 이뤄지는 국제 미술계의 주요 거점으로 자리 잡고 있음을 보여주는 대목이다. 반면 초기 프리즈 서울을 상징했던 수백억원대 초고가 작품의 존재감은 줄었다. 2022년 첫 행사에서 피카소의 4500만달러(당시 613억원) 작품 등이 화제를 모았던 것과 달리 올해는 수천만∼수억원대 작품을 비롯해 폭넓은 가격대에서 거래가 이어졌다. 컬렉터들도 이름값만 좇기보다 작가와 가격을 따져 선택적으로 지갑을 여는 모습이 두드러졌다. 키아프에서도 고가 작품부터 중저가 작품까지 다양한 가격대에서 거래가 이어졌다. 갤러리현대는 백남준·정상화·김보희·김성윤 등의 작품을 판매해 18억원 이상의 실적을 올렸고, 국제갤러리는 유영국의 1979년작 ‘Work’를 6억∼7억2000만원에 판매했다. 가나아트는 박은선 작품 6점을 5억원 이상에 팔았다. 신진 작가 작품에도 손길이 이어졌다. 스페이스 윌링앤딜링에서는 40만∼300만원대 작품 16점이 판매됐고, 키다리갤러리의 임일민 작품 11점은 완판됐다. 1998년생 박영환을 내세운 갤러리 휴에서도 약 25점이 팔렸다. 이현숙 국제갤러리 회장은 “올해는 30대를 중심으로 한 젊은 컬렉터층의 유입이 눈에 띄게 늘었고 중국·일본·태국 등 국제 컬렉터들의 방문 또한 지속적으로 다양해지고 있음을 실감했다”고 말했다. 작품이 팔리고도 판매 사실이나 가격 공개를 꺼리는 화랑도 적지 않아 전체 거래 규모는 공개되지 않았다. ◆한국 미술 존재감 커진 프리즈… 키아프는 독자색 강화 올해는 두 페어의 성격 변화도 눈에 띄었다. 해외 거장과 초고가 작품으로 키아프와 차별화했던 프리즈에서는 한국 갤러리와 한국 작가의 존재감이 한층 커졌다. 올해 프리즈 참가 갤러리 133곳 가운데 한국 갤러리가 57곳을 차지했고, 서도호·유영국을 비롯한 한국 작가들의 판매 성과도 두드러졌다. 다양한 가격대의 작품 거래가 이어지면서 프리즈와 키아프의 기존 성격 차이도 다소 옅어졌다는 평가가 나왔다. 그러면서도 54개 국가·지역에서 컬렉터와 미술계 관계자가 방문해 국제적인 외연은 유지됐다. 한편 25주년을 맞은 키아프는 자체 콘텐츠 강화에 힘을 줬다. 처음 크리에이티브 디렉터 체제를 도입해 정구호 디렉터가 공간과 콘텐츠 전반을 맡았다. 전시장 디자인과 동선을 손보고 피아니스트 조성진이 참여한 ‘Kiaf Classic’, 증강현실(AR) 특별전, F&B 공간 등을 선보였다. 관람객 반응도 이어졌다. 프리즈가 먼저 끝난 뒤 키아프만 열린 마지막 날(6일)에도 8000명에 가까운 관람객이 전시장을 찾았다. 다만 화려해진 행사장과 판매 실적 사이에는 온도차가 있었다. 일부 주요 화랑에서는 억대 거래와 완판이 이어졌지만 상당수 화랑 관계자들은 “사람은 많은데 작품을 사지 않는다”며 판매 부진을 호소했다. 올해는 2022년부터 이어진 키아프와 프리즈의 ‘한 지붕’ 체제가 사실상 마지막을 맞은 해이기도 하다. 내년부터 키아프는 코엑스에 남고 프리즈 서울은 동대문디자인플라자(DDP)로 옮긴다. 공동 티켓과 협력 관계는 이어지지만 한 공간에서 국내외 컬렉터와 관람객을 공유했던 조건은 달라진다. 한국 작가의 강세와 신중해진 구매 흐름 속에서, 장소를 나눠 개최하는 내년 행사는 키아프와 프리즈가 각자의 색깔과 경쟁력을 증명해야 하는 첫 시험대가 될 전망이다.