경기도 광명시 과천로에 위치한 국립현대미술관 과천관에서는 건축이라는 예술 분야를 사랑하는 사람들의 축제가 한창이다. 바로 미술관 1전시실 및 중앙홀에서 열리고 있는 ‘올림픽 이펙트: 한국 건축과 디자인 8090’ 전시다. 88올림픽을 계기로 벌어진 한국 건축과 디자인의 격변을 고찰하는 전시인데, 관람객 누구라도 추억에 잠길 작품들로 풍성하다. 건축과 디자인은 사람이 있는 공간 어디에나 영향을 미치는 예술 분야임을 다시 한번 떠올리게 된다. 전시는 방대한 아카이브를 꼼꼼하게 챙겨 선보인다. 작가와 전시를 준비한 학예사들이 한마음이 돼 들인 정성이 눈에 선하다. 작가 게리 허스트윗, 구본창, 권민호, 다이아거날 써츠(김사라), 서울과학사, 서울스테이지, 선우훈, 이만익, 진달래&박우혁, 최용준, 텍스처 온 텍스처 등의 작품과 자료가 300여 점에 달한다. 작품 및 자료 협조처도 디자인회사 212 컴퍼니, 컴퓨터 건축 설계 시스템 ‘캐드’를 한국에서 처음 도입한 정림건축 등 20여 곳에 이른다. 정다영 학예연구사는 “올림픽이라는 사건 이면에 있던 토대, 이를 계획한 이들에 대한 존경을 담았다”고 말했다. 이 아카이브 중에 놓쳐선 안 될 것이 있다. 88올림픽 개·폐회식 미술감독이었던 화가 고 이만익의 아카이브다. 이번 전시에서 최초로 공개됐다. 개회식의 하이라이트를 구상하며 색연필로 그린 그림, 출연자들의 의상 스케치와 메모 등이다. 한국적 서양화의 거장으로 존경받던 그가, 전쟁을 딛고 일어난 한국을 세계에 알리는 국제행사의 중책을 맡으며 했던 고민, 책임감의 무게, 꿈꾸고 바랐던 구상이 30여년이 지난 지금 관람객과 만난다. 백남준의 미디어아트 작품 ‘다다익선’의 설계도와 모형, 김수근의 올림픽주경기장 모형 등도 눈길을 잡는다. 물론 자본의 집중적 투입, 화려한 스펙터클을 회고하기만 하는 전시는 아니다. 사진작가 구본창이 남긴 작품들은 올림픽이라는 국가행사를 계기로 전면에 부상한 국가주의 이면의 소외된 사람, 장소를 담았다. 진달래&박우혁의 설치작품도 올림픽이라는 사건을 중층적으로 바라보게 하는 작품이다. 로비는 달리기 경기장처럼 트랙이 그려져 있고 곳곳에 설치된 LED화면에서는 규칙적으로 도형들의 움직임이 일사분란하게 반복되고 있다. 이들은 기자간담회에서 “88올림픽은 한국디자인 선진화의 시작이었고, 그 내용에는 ‘좋지 않은 것을 가리기’, ‘규칙을 지키는 ‘모범시민’되기’가 있었다”며 “시각적인 측면에서 그리드(격자) 패턴, 규격화돼 있고 규칙이 있는 경기장과 공통점이 있다는 데에서 착안해 만든 작품”이라고 설명했다. 선우훈의 디지털드로잉 ‘캐릭터라이즈드’는 그 시대에 나서 자라고 성장해 지금은 예술가가 된 작가의 톡톡 튀는 아이디어와 아기자기함으로 전시를 한층 즐겁게 한다. 전시 후반부에 놓인 권민호의 설치작품 ‘일하는 손’은 이 전시의 훌륭한 마무리다. 전시에 참여한 모든 이들의 마음을 한 데 모아 건축가들을 향해 헌사하는 듯한 작품이다. 캐드가 도입되기 전에 사용됐던 제도판을 사람 키보다도 크게 확대한 모형이 은은한 조명을 받아 반짝이고 있는 모습이다. 이 작업대 앞에서 1㎜의 오차도 없도록 선을 긋고 지우며, 건축가들이 하얗게 지새운 밤이 떠오르는 듯하다. 4월11일까지. 김예진 기자 yejin@segye.com

그의 손에서 벽돌은 보석이 됐다. 이 탐나는 벽돌을 만든 작가는 바로 프랑스 현대미술가 장 미셸 오토니엘이다. 서울 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리에서 그의 개인전 ‘뉴웍스(NEW WORKS)’가 열리고 있다. 유리조각 작품, 드로잉, 회화 등 신작 총 37점이 관람객을 맞고 있다. 육면체 형태의 보석인듯 영롱하게 빛나며 가장 먼저 시선을 사로잡는 작품들은 벽돌 모양으로 만든 유리공예 작품 ‘프레시어스 스톤월(Precious Stonewall)’ 연작이다. 벽돌이 가진 투박함, 일상성, 평범함, 강인함, 단단함과는 정반대에 유리의 섬세하고 투명한, 특별하고 장식적인 아름다움이 있다. 이 극단적 대비를 의도한 것일까. 벽돌이라는 형태 안에서 유리라는 재료가 더욱 도드라진다. 오토니엘은 2010년 인도 여행 중 만난 수공예가의 장인정신에 감동을 받아 인도의 전통 유리공예 기법을 배우고 협업하기 시작했다고 한다. 특히 인도에서 집을 짓기 전, 땅을 먼저 사고 그 땅에 벽돌 더미를 쌓아두는 관습에서 영감을 받아 유리벽돌 작품을 제작했다. 인류 역사에서 삶의 터전을 구축한 재료, 생활을 보호했던 재료로서의 벽돌 의미를 떠올린 것. 전시에서는 오토니엘의 유명한 장미회화 연작도 볼 수 있다. 바로 루브르 박물관에 영구소장된 ‘루브르의 장미’와 동일하게 작가가 다시 제작한 작품이다. 금박을 칠한 캔버스에 검정 잉크로 장미 형태를 작가만의 시선으로 재창조했다. ‘루브르의 장미’는 작가가 루브르 박물관에 전시 중인 17세기 바로크 화가 페테르 파울 루벤스의 회화 작품을 보다가 구석에서 발견한 장미에서 영감을 받아 만들었다고 한다. 2019년 루브르 박물관의 유리 피라미드 건축 30주년 때 박물관 초청을 받아 전시됐으며, 이후 현대미술 작품으로서는 이례적으로 소장까지 이뤄져 화제를 모았다. 31일까지. 김예진 기자

“없어서 못팝니다.” 지난달 이우환 화백(사진)의 작품을 두고 서울의 한 갤러리 관계자의 말이다. 위작 논란에도 불구하고 이 화백의 작품이 크게 인기를 끌고 있다는 말이었다. 이 화백은 한국 추상미술의 거장이자 세계적 작가다. 2016년 경찰이 이우환 위작 제작 유통범을 붙잡으면서 위작 논란이 처음 불거졌고, 지난달 KBS가 위작 논란을 한 차례 재조명하기도 했다. 이 갤러리 관계자는 “구해 달라는 사람은 많은데 구하기도 쉽지 않다”고 미술시장의 분위기를 전했다. 지난해 미술시장은 ‘이우환의 해’였다고 해도 과언이 아니다. 사단법인 한국미술시가감정협회에 따르면 이우환 화백의 작품은 지난 한 해 동안 국내 8개 경매사가 진행한 온·오프라인 경매에 228점이 출품됐고, 이 가운데 180점이 낙찰돼 총 149억7337만2735원의 낙찰총액을 기록했다. 세번째로 많은 작품이 경매에 출품된 작가였고, 두번째로 많은 작품이 낙찰된 작가였다. 낙찰총액으로는 압도적인 1위를 기록했다. 경매는 미술품을 거래하는 주요 통로다. 전년도인 2019년, 2018년, 2017년과 비교해도 반전이다. 2017∼2019년에는 계속 낙찰총액 1위에 고 김환기 화백이 올랐다. 김환기 화백이 기록한 낙찰총액이 300억원대 안팎이었던 것과 비교하면 그에 절반 정도인 액수이지만, 지난해 미술시장의 전반적 침체, 신종 코로나바이러스 감염증 사태로 인한 거래 위축 등으로 총 거래액 자체가 줄어들었다는 사실을 감안할 필요가 있다. 한국미술시가감정협회 측은 “전반적으로 볼 때 이우환의 약진이 절대적 우위를 점했다”며 “최고 낙찰가 30순위 목록에 무려 10점을 올려 3분의 1을 차지할 정도로 강세가 두드러졌다”고 설명했다. 김예진 기자

미술품 소장. 더 이상 ‘그들만의 리그’가 아니다. 최근 미술계에는 ‘큰손 주춤, 개미 진출’이라는 변화의 분위기가 곳곳에서 감지된다. 기존엔 미술품을 소장한다고 하면 억대의 그림들을 컬렉터라 불리는 소수 부자들이 하는 것으로 여겨졌지만 요즘은 분위기가 다르다. 오히려 거액 작품 거래보다는 많은 이들이 접근할 수 있는 중저가, 신진 작품들의 온라인 거래에서 활력이 느껴지고 소액으로 구매할 아이디어가 경쟁적으로 나오고 있다. 이 같은 변화는 미술 시장 전체가 한 단계 업그레이드할 수 있는 토양이 될 수 있어 주목된다. 그간 한국에서는 미술품을 소장하고 향유하는 문화가 워낙 척박했고, 대중의 층이 워낙 얇았던 탓에 “한국 미술시장은 한계가 뚜렷하다”는 말들이 많았다. 미술품을 소장, 거래하고 향유하는 문화가 확산돼야 그 나라 미술계와 작가들도 발전할 기회가 커질 수 있어서다. 최근 미술 시장의 저변 확대 움직임은 기존 한계를 넘어설 수 있는 청신호가 되고 있다. ◆새로운 소유방식 제안하며 저변 확대 ‘조각난 작품을 산다고?’ 지난해 11월 아이프 미술경영연구소, 갤러리인 호리아트스페이스가 공동으로 연 김남표 작가의 ‘검질’ 전시에서 일명 ‘셀(cell) 시리즈’를 처음 선보였을 때, 성공 여부에 반신반의한 반응이었다. 셀 시리즈는 마치 타일처럼 작은 조각 캔버스들에 쪼개 그림을 그리고, 그 조각들이 모여 하나의 거대한 작품을 이루는 방식으로 완성된 대형 작품들이었다. 가령 셀 시리즈의 하나인 제주도 잡초 넝쿨 풍경 작품은 가로 25㎝, 세로 25㎝ 크기의 작은 캔버스 53조각 그림들로 이뤄졌으며, 조각들이 모여 전체 크기 세로 185㎝ 가로 270㎝의 대형 작품이 된다. 한 사람이 53조각을 전부 구매할 수 없고 한 사람당 1∼4개씩만 구입할 수 있게 한다는 프로젝트 계획도 내놨다. 그렇게 다양한 사람들이 그림을 나눠 갖고 정기적으로 교환해 걸어볼 수 있으며, 작가와 소장가들이 정기적으로 만나고 감상을 나눈다는 구상이었다. 조각 그림을 산 사람들은 수천만원 거액을 들이지 않고도 한국의 대표적인 중진작가의 작품을 소장한 컬렉터이자 후원자가 되는 셈이다. 김윤섭 아이프 대표는 “요즘 미술품의 투자가치에 관심이 많아지면서 공동구매가 유행하고 있는데, 이런 방식은 증서를 받고 지분을 확보하는 것일 뿐이고, 철저히 작품의 경제적 가치만 나눠 갖는 것”이라며 “미술품이 갖는 가치까지 나눠 진정으로 공동소유할 수 있는 방식이 무엇일까 고민했다”고 소개했다. 이 프로젝트는 결국 소기의 성과를 거뒀다. 아이프 측은 15일 “19명에게 25점이 판매됐다”며 “의사, 변호사, 배우, 영화감독, 가수, 자영업, 주부 등 작품을 소장한 구매층은 매우 다양했다”고 후기를 전했다. 이어 “구매자들은 공동소장이라는 취지에 깊게 공감했으며 구매 이후에도 소장자와 작가가 교감할 수 있는 기회가 지속된다는 점에 매우 큰 관심과 매력을 느끼는 모습이었다”고 소개했다. 작품을 소장한다는 의미가 단순히 소유욕이나 재테크 수단을 넘어 창작자에 대한 심적 후원과 응원의 마음에서 비롯된 행위라는 점도 공감을 일으켰다고 한다. 기획의도가 들어맞은 것이다. 아이프 측은 “미술품을 소유하고자 하는 관심과 실천 사례가 매우 늘어난 것을 체감한다. 특히 연령도 젊어지고 연령과 계층도 다양해졌다”고 했다. ◆새로운 소비층 발굴로 저변 확대 새로운 수요층을 발굴하고 여기에 적극적으로 어필하고 있는 것도 미술 시장 저변 확대의 뚜렷한 양상이다. 특히 밀레니얼세대는 명실상부한 신흥 수요층. 한 30대 전문직 여성 김모씨는 국내 메이저 경매사 서울옥션이 아트상품 거래 대중화를 목표로 만든 자회사인 프린트베이커리를 여러 차례 이용했다. 김씨는 “미술에는 문외한이지만, 집에 그림이 있어야 멋지다고 생각해서 항상 관심이 있었는데 소장가치도 있고 가격도 괜찮은 작품을 파는 곳이라 해서 이용하게 됐다”며 “선물용으로도 이용하는데, 그림이 흔한 선물은 아니다 보니 받는 사람들도 좋아한다”고 경험담을 소개했다. 화랑 대표들은 코로나19로 주거 공간을 꾸미려는 욕구와 재테크에 대한 관심이 높아진 것, 방탄소년단 등 유명 인사들이 방송이나 소셜미디어에서 미술품을 소장 행위를 노출하면서 젊은 층에 큰 영향을 미친 것 등을 밀레니얼 소비층 부상의 이유로 꼽곤 한다. 서울옥션은 자회사 서울옥션블루를 통해 밀레니얼세대를 주요 타깃으로 한 공동구매 플랫폼 ‘소투(SOTWO)’ 출시도 앞두고 있다. 거래대상은 한정판 스니커즈부터 미술품까지 밀레니얼세대 취향을 공략하고, 투자금 문턱은 최대한 낮춘다는 계획으로 최소 공동구매 금액을 1000원으로 설정했다. 또다른 경매사 케이옥션은 지난해 온라인 경매에서 젊은 미술품 경매 입문자들이 유입되는 것을 확인하고 가능성을 봤다. 이후 온라인 라이브 응찰 등 디지털 방식의 경매를 계속 업그레이드해 나갔다. 온라인 경매와 중저가 작품들도 거래가 활발해진 것은 수치로도 학인됐다. 사단법인 미술 시가감정협회가 최근 조사한 ‘2020 국내 미술품 경매시장 결산’ 자료에 따르면, 국내 미술품 경매사 8곳에 출품된 작품 수는 3만점을 최초로 넘어섰고 이 가운데 1만8349점이 낙찰되는 등 거래량이 증가했다. 반면 작품별 낙찰 최고가 1위가 전년도의 절반도 안 되는 약 27억8800만원으로 나타났고, 매출액도 1153억원으로 2017∼2019년도에 2000억원 안팎이었던 것과 비교해 크게 낮았다. 온라인 경매에 공을 들인 경매사들의 실적이 눈에 띄게 높았다. 한국미술시가감정협회는 ‘큰손’의 움직임이 눈에 띄게 줄었음을 반증하는 동시에 대중의 관심이 높아져 그간 저평가돼 온 한국 근현대미술과 고미술 거래가 활발했던 것으로 분석했다. 협회의 김영석 감정위원장은 “미술 경기가 조금만 되살아나면 그만큼 미술품 경매시장의 대중화가 크게 확산될 가능성이 높다”고 평가했다. 김예진 기자 yejin@segye.com

한국전통문화대가 졸업생과 재학생들이 함께 조선왕실의 문화를 해석하여 개발한 상품 40여점을 선보이는 ‘균형감각, 조선왕실의 문화’ 전시회를 오는 21일부터 27일까지 개최한다고 15일 밝혔다. 서울 서촌 무목적에서 개최되며 사전예약을 해야 관람할 수 있다. 전시회를 주도한 한국전통문화대 전통문화상품개발실은 지난 1년간 조선왕실의 문화에 관해 집중적으로 연구해 ‘균형감각’이라는 단어로 재해석했다. 검소하나 누추하지 않고, 화려하나 사치스럽지 않던 조선왕실의 균형을 ‘왕의 시간: 을야지람’, ‘왕의 의복: 의금상경’, ‘왕의 공간’으로 소재를 나누어 18품목 40여점의 작품이 출품됐다. ‘왕의 시간’에서는 오후 9시부터 11시까지 왕이 잠자리에 들기 전 휴식을 취하며 독서하던 시간을 말하며, ‘호롱’ 작품(사진)을 통해 왕이 찾던 일과 휴식의 균형을 느낄 수 있다. ‘왕의 의복’에서는 화려한 비단 위에 얇은 홑옷을 덧입어 화려함을 감추었던 것에 착안한 ‘향낭’ 작품을 만날 수 있다. ‘왕의 공간’은 조선왕실의 건축, 조경 등에서 발견한 균형감각을 도자합, 향로 작품으로 소개한다. 회당 4명씩 예약할 수 있으며 관람료는 없다. 강구열 기자 river910@segye.com

판화는 판에 형상을 새겨 찍은 그림이다. 하나의 원판으로 여러 작품을 찍을 수 있어 가치가 폄하되기도 한다. 하지만 판화만이 가지는 예술성과 매력이 분명히 존재하고, 고도의 기술과 노력이 필요하다. 서울 종로구 인사동 통인화랑에서 막을 올린 기획전 '해학의 풍경'은 흉내 낼 수 없는 판화만의 독창적인 조형 세계를 소개한다. 지난 2019년에 이어 같은 제목으로 여는 두 번째 판화전이다. 전시 제목은 어두운 현실을 웃음으로 승화하는 해학의 힘에 주목해 지었다. 이번에는 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 사태로 위축된 일상에도 웃음을 잃지 않길 바라는 작가들의 바람도 담았다. 강행복, 김상구, 김희진, 민경아, 박재갑, 이언정, 정승원, 홍승혜 등 원로부터 신진까지 판화 작가 8명이 다채로운 작품을 선보인다. 한국 현대 목판화를 대표하는 김상구는 풍부한 색채와 목판에 새겨진 칼자국이 두드러지는 작품을 출품했다. 50여 년 동안 목판화를 제작해온 작가의 작품에서 한국적 목판화의 정수를 엿볼 수 있다. 강행복은 불교의 화두를 바탕에 둔 '화엄'이라는 작품을 전시한다. 판화를 하나의 책처럼 실로 이은 아티스트 북 형식의 작품에 30년 작품 세계를 압축했다. 절에서 직접 꿰맨 작품은 복제가 불가능해 세상에 단 한 점뿐이다. 민경아는 서울 도시 풍경과 민화 속 호랑이, 피노키오 등의 이미지를 차용해 현실과 가상, 진실과 거짓, 현재와 과거, 동양과 서양이 혼재된 이야기를 만들어낸다. 김희진은 눈앞에 없는 기억을 더듬어 그려낸 세계를 목판에 되살렸고, 정승원은 일상의 소소한 행복과 즐거운 경험을 실크스크린 기법으로 경쾌하게 표현했다. 홍승혜는 수채화 같은 색감이 느껴지는 수성 목판 작업을 보여주며, 이언정의 작품 속 도시 풍경은 만화처럼 아기자기하고 유쾌하다. 최근 여러 방면에서 예술가적 재능을 펼치고 있는 전 국립암센터장 박재갑 서울대 명예교수의 판화 작품도 볼 수 있다. 이계선 통인화랑 관장은 "판화를 여러 장 찍어내는 작업으로 보는 시각도 있지만 오랜 시간 매우 어려운 과정을 거쳐 완성되는 예술"이라며 "판화의 매력에 빠져 모인 작가들이 각기 다른 시각에서 꼬박 1년간 준비한 작품들"이라고 말했다. 전시는 다음 달 7일까지.

해외 다른 나라들은 우리나라의 미술사를 어떻게 보고 느끼고 배웠을까? 밖으로만 향하던 우리의 시선을 돌려, 밖에서 우리를 어떻게 보았을지 시각을 바꿔보는 전시가 열린다. 서울 종로구 홍지문1길에 위치한 김달진미술자료박물관은 오는 4월 24일까지 ‘나에게로 떠나는 여행 : 외국 연구자의 한국미술 연구’ 전시를 연다고 14일 밝혔다. 전시에서는 한국미술을 다룬 외국인들이라는 이색 소재로 채워졌다. 조선시대 말부터 현재까지 한국미술을 다룬 외국 연구자, 큐레이터들의 단행본과 전시 팸플릿, 사진 등 아카이브 약 100점이 공개된다. 또 원로 이론가들의 인터뷰 영상 및 관련 서적도 전시된다. 가령 전시에서는 독일 베네딕도회 신부이자 한국학자 안드레아스 에카르트(Andreas Eckardt, 1884-1974)를 소개한다. 그는 한국미술사를 통사(通史)로 최초로 기술한 이다. 일제강점기인 1929년에 ‘조선미술사(Geschichte der koreanischen Kunst)’를 출간했다. 독일로 돌아간 뒤에는 1956년부터 1974년까지 뮌헨대학 한국학과 교수를 지냈다. 1962년에는 독일정부공로훈장과 한국정부문화훈장을 받았다. 1968년 ‘한국의 도자기’, ‘한국문학사’를 펴냈다. ‘옥낙안’이라는 한국이름을 사용하기도 했던 에카르트는 “조선미술에는 놀라운 간결성이 나타나 있다. 선이나 형태의 아름다움에 대한 세련된 감각과 장식에서 조각과 부조의 억제된 사용법이 서로 어울려 있다. 중국미술에서 당연시하던 윤택함을 조선 예술가는 좋아하지 않았다”고 쓰기도 했다. 그는 ‘제2의 조국 한국이여 빛나라’라는 글에서 활자인쇄술과 한글, 전도사 없이 기독교를 도입한 역사를 언급하며 이 세 문화 사건때문에 한국을 더 사랑하게 됐다고 밝혔다. 일본 민예운동가이자 미술평론가 야나기 무네요시(柳宗悅, 1889-1961)의 조선미술에 대한 주요 개념을 피력한 초기원고 ‘조선의 미술’(1922), 미국 조지아대학 교수 엘렌 프세티 코넌트(Ellen P. Conant)의 기획으로 해방이후 최초로 해외에서 개최된 ‘한국현대미술전(Contemporary Korean Paintings)’(1958)의 팸플릿 등을 전시장에서 만날 수 있다. 권영필 전 한국예술종합학교 교수, 김홍남 전 국립중앙박물관장, 송미숙 성신여자대학교 명예교수, 이성미 한국학중앙연구원 명예교수의 인터뷰 영상이 전시 해설을 내놓아 관람객의 이해를 돕는다. 김달진 박물관장은 “일반적으로 한국미술사 통사를 한국인이 아닌 1929년 독일인 안드레아스 에카르트가 쓴 ‘조선미술사’ 독문판과 영문판이 있다는 것을 잘 모른다”며 “코로나19로 외부로 향하기 어려운 때에 우리 미술사를 돌아보는 계기로 삼는 전시”라고 소개했다. 김예진 기자 yejin@segye.com

피로 물든 광장 위에서 예술가들은 무슨 생각을 했을까. 1989년 중국 천안문 6·4항쟁 6년여 후, 쑹둥은 엎드려 땅에 몸을 붙인 채 찬 공기를 들이마시고 따뜻한 날숨을 내뱉었다. 영하 19도의 혹한에 꽁꽁 언 바닥은 끄떡 없었다. 그 역시 40분간 숨 불기를 멈추지 않았다. 희생자 숫자조차 아직도 정확히 가늠하지 못하는 항쟁의 실패 후, 중국의 억압적 현실 앞에 개인의 좌절을 드러냈다. 1996년 1월 쑹둥이 벌인 행위예술 ‘입김’은 사반세기가 지났지만 지금 봐도 여전히 울림이 크다. 이주현 명지대 미술사학과 교수는 “동시대 작가들이 대거 구미(歐美)로 망명한 가운데 쑹둥은 국내에 남아 6·4항쟁 이후의 심리적 실어상태를 행위예술을 통해 풀어나갔다”고 설명한다. ◆중국 거장 3인방 예술 속 현대사 부산시립미술관에서는 ‘중국 동시대 미술 3부작 : 상흔을 넘어’ 전시가 한창이다. 주진스와 쑹둥, 류웨이 시기별 대표작가 3명의 대표작과 신작 38점이 선보인다. 1950년대생, 1960년대생, 1970년대생 각기 다른 세대의 대표 작가들이 천안문 6·4항쟁이라는 역사적 배경 하에 형성된 중국 동시대 미술을 어떻게 만들어 왔는지 한눈에 보여주는 전시다. 1960년대 후반 1970년대 후반까지 중국은 문화대혁명 시기를 보내며 극심한 억압을 경험했고, 덩샤오핑 집권 후에는 국가주도로 급속히 현대화됐다. 1989년 6·4항쟁 전후 중국 현대사가 세 작가의 작품에 압축적으로 담겨 있다. 양은진 학예연구사는 “1980년대 초반부터 1990년대 말까지 약 10년간 중국미술분야는 서양에서 150년 동안 이뤄진 변화를 한꺼번에 받아들이면서 빠른 변화를 거쳤다”고 설명했다. 전시는 중국 현대미술을 1979∼1984년 후문화혁명기, 1985∼1989년 85미술운동 시기, 1990년대로 구분한다. 후문화혁명기에는 형식미와 추상미를 추구하는 경향과 문화혁명 이후의 상처를 드러내는 ‘상흔미술’과 ‘향토회화’ 등 사실주의 회화가 주류를 이뤘고, 중국 아방가르드의 시초라고 하는 ‘싱싱화회’ 등 정규미술교육을 받지 않은 자발적 예술가들이 출현했다고 설명한다. 85미술운동시기에는 전형적인 중국식 전위예술운동이 혁명적 변화를 주도했다. 1990년대에는 정치적 팝아트, 냉소적 사실주의 등 현재 세계 미술시장에 가장 많이 소개되는 작품들이 주를 이뤘다. 이번 전시의 주인공 주진스와 쑹둥은 1세대 개념미술 대표이며, 류웨이는 ‘포스트 마오 세대’ 대표로 국제무대에서 활약하고 있다. 기혜경 관장은 “중국동시대미술의 거장 3인의 대표작품을 동시에 감상하는 것은 중국에서도 흔치 않은 일”이라고 했다. ◆자유의 상흔 드러내는 주진스 1954년생인 주진스는 싱싱화회 참여 작가로 중국개혁개방 1세대다. 기성의 권위에 대한 도전과 창작의 자유, 민주화를 요구하며 중국미술관의 철제 담벽에 시위 성격으로 펼친 전시였던 ‘싱싱미전’은 중국 미술사에서 하나의 사건이었다. 주진스는 바로 그 일원이다. 1980년대 후반부터 1990년대 초반까지 독일 베를린 유학시절 중국 전통 화선지를 재료로 제작해 선보인 ‘팡전 프로젝트’와 2000년대 이후 엄청난 두께감을 가진 특유의 회화 스타일로 유명하다. 그가 이번 전시에 내놓은 신작들은 그의 대표적 스타일을 잘 보여준다. ‘쇠락하던 시대의 도약’은 유화물감을 두껍게 칠해 질감 효과를 내는 회화기법인 임파스토를 극단적으로 밀어붙인 그의 독창적 스타일의 정수다. 대형 캔버스 위에 두껍게 얹은 물감 덩어리들을 두고 양 학예사는 “평면의 한계를 뛰어넘고, 오랜 시간 마르지 않는 특성으로 회화에 시간의 의미를 부여한 작품”이라고 설명했다. 24m가 넘는 대작 ‘남과 북’은 한국 상황을 주제로 해, 이번 전시에 대한 작가의 애정이 느껴진다. 그는 시골 제지공장에서 느릅나무 껍질, 쌀, 또는 대나무를 이용해 전통적인 방식으로 일종의 한지를 만들고, 이 쌀종이를 하나하나 구긴 다음 다시 펴서 형태를 구성한다. 이번 작품은 쌀종이 1만3200장으로 만들었다. 남과 북이 겪고 있는 민족의 상흔을 표현했다. ◆자본의 상흔 드러낸 쑹둥 1966년생인 쑹둥은 서민들이 살아가던 후통에서 나고 자랐으며 부친은 반혁명분자로 몰려 핍박을 받았다. 가족에 대한 향수에서부터 정치 권력의 억압, 급격한 도시화 속 소외된 사람들의 상처에 내내 시선이 꽂힌다. 격렬한 저항정신과 순수성이 전위적 개념미술로 승화됐다. 6·4항쟁 넉 달 전, 갓 미대를 졸업한 쑹둥은 강렬한 사회 비판메시지를 드러낸 중국현대미술전에 참가했다가 전시를 강제 폐막당한다. 6·4항쟁 후 중국현대예술전 참여 작가들이 대거 망명했지만, 그는 국내에 남아 현실에 정면으로 맞섰다. 이후 그가 벌인 행위 예술 ‘물로 쓴 일기’, ‘물도장찍기’, ‘입김’ 등은 그가 중국에 남아 현실을 정면으로 응시하고 겪어내지 않았다면 나올 수 없었을 명작들이다. ‘물도장 찍기’는 물 수(水)자가 새겨진 도장을 물 위에 반복적으로 찍는 행위예술, ‘물로 쓴 일기’는 붓에 먹이 아닌 물을 묻혀 돌 위에 3년간 일기를 쓴 행위예술이다. 물도장은 아무리 세게 여러 번 내려쳐도 물 위에 도장을 찍을 수 없고, 물로 쓴 일기 역시 아무런 흔적을 남기지 않는다. 억압적 중국 사회상, 작가의 허무주의를 절박한 몸짓으로 표현한 것이다. 관람객이 직접 참여할 수 있는 작품인 신작 ‘상흔’은 이번 전시의 하이라이트라 할 만하다. 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 이동이 제한되고 통제가 극심한 상황에서 지난 50년간 살아오며 느꼈던 사회적 억압이 다시 떠오른 것을 계기로 제작했다고 한다. 전시장 밖 로비 공간 바닥에 거대한 장기판이 그려졌고 그 위에 말들이 세워졌다. 말들은 찌그러진 전등갓과 낡은 소파, 흠집난 가전제품과 장식장들을 모아 만든 것으로, 묘하게도 제각각 아름다운 설치작품처럼 보인다. 도시개발에 밀려 이주한 사람들이 버리고 간 물건들을 수집한 것인데 떠난 사람들의 삶의 흔적이 배어 있다. 전시장 내에 따로 마련된 평범한 장기판에서 관람객이 말을 움직이면, 미술관 직원이 쑹둥의 작품을 따라 옮긴다. 제3자가 보기에 마치 보이지 않는 손에 의해 거대한 장기판이 움직이는 것처럼 보인다. 제3자는 말을 움직이는 실제 의사결정권자를 볼 수 없는 게임이 되는 셈이다. 중국 사회를 은유한 것이다. ◆포스트 마오 세대 류웨이 류웨이는 문화혁명시기 교육 공백기를 경험하고 서양미술을 배우러 망명이나 유학을 가야 했던 이전 세대와 달리, 1990년대 대학에서 정식으로 서양미술을 공부했다. 앞선 세대의 개념미술로부터 분리를 목표로 즉흥적이고 파격적 작품을 제작했던 ‘후감성(Post Sense Sensibility) 그룹’으로 활동했다. 사회비판적 시각을 유지하고 정치팝, 냉소를 드러내면서도 풍자와 유머를 담는다. 이번 전시에서는 대표작 ‘풍경’을 감상할 수 있다. 2004년 상하이비엔날레 측이 작품 수정을 요구하자 항의의 의미로 출품한 작품인데, 오히려 호평을 받고 류웨이라는 이름을 중국 미술계에 알린 계기가 됐다. 벌거벗은 남성들이 허리를 굽혀 엉덩이를 치켜들고 있는 모습을 찍은 흑백 사진이다. 관람객들은 ‘이것은 수묵화인가’ 하며 작품을 들여다보지만 한참 후 수묵화 속 산이 아니라 엉덩이임을 눈치채게 된다. 류웨이만의 재기발랄함을 보여주는 작품으로 평가된다. 다음 달 28일까지. 부산=김예진 기자 yejin@segye.com

한국 전통 옻칠의 아름다움을 보여주는 전시가 열린다. 오는 15일부터 24일까지 서울 중구 동호로에 위치한 디자인갤러리 모이소에서 서울과학기술대학교 디자인학과 나성숙 명예교수의 개인전 ‘나성숙 옻칠전’이 열린다. 전시에서는 북촌 한옥마을을 중심으로 전통을 현대 관점에서 재해석한 작가의 시리즈가 선보인다. 한국 기와 지붕의 아름다움과 모란꽃의 부귀를 다양한 기법으로 제작했다. 옻칠, 주칠, 흑칠, 삼베, 생칠, 나전, 금, 금박이 활용됐다. 평면작품 35점을 비롯해 전통 혼수함 등이 선보인다. 나 교수는 우리나라는 물론 일본과 중국의 옻칠 장인을 사사하고 북촌한옥마을 봉산재와 서로재에서 전통을 펼치고 있는 작가다. 2008년부터 ‘나성숙 옻칠학교’를 운영하기도 했다. 나 교수는 서울미대 응용미술과와 환경대학원을 졸업하고 국립중앙박물관 씨아이(CI), 서울시청 광장 조성, 올림픽로 상징조형물 등 주요 디자인 선발 및 지정 과정에서 심사위원을 지낸 바 있다. 김예진 기자

따뜻한 감성으로 바라본 자연을 캔버스에 담는 작가 최장칠의 개인전(사진)이 오는 15일부터 열린다. 서울 종로구 새문안로에 위치한 갤러리 내일은 오는 15일부터 28일까지 신년 특별 기획 최장칠 초대전을 연다고 10일 밝혔다. 전시에서는 ‘숲’, ‘해송’, ‘수련’, ‘계곡’ 등 자연을 모티브로 한 다양한 작품들이 소개된다. 최장칠은 자연을 있는 그대로의 색감이 아닌, 자연 안에서 느낀 감정의 색감으로 표현하면서 이상적인 자연의 풍광, 유토피아적인 자연 모습을 그리는 작가다. 이동현 미술평론가는 “시각적 느낌보다 더 월등한 체험적 느낌 즉, 몸짓 예술의 도취적 감정에서 영감을 끄집어낸다”며 “자연 속에서의 작가의 풍요로운 몸부림을 포효적으로 캔버스에 전달하고, 이제껏 흔하게 보지 못한 낯선 색감을 표출하는 것은 작가의 조형미술적 감각에서 교감할 수 있다”고 평했다. 또 “스크래치 기법을 활용한 팝아트 요소가 절충된 인상주의로 불린다”고 설명했다. 김예진 기자