국립극장 공연예술박물관이 25일부터 내년 2월 말까지 국립극장 무대디자인 역사를 조망하는 개관 10주년 기념 기획전시 ‘무대 위 새로운 공간의 창조, 무대디자인’을 서울 배재학당 역사박물관에서 개최한다. 2009년 한국 최초로 설립된 공연예술 전문 박물관으로서 기획한 이번 전시는 1950년대부터 현재까지 국립극장 전속단체(국립창극단, 국립무용단)와 이관단체(국립극단, 국립오페라단, 국립발레단)의 주요 공연 중 1973년 국립극단 ‘성웅 이순신’의 무대디자인(사진) 등 국립극장 무대에 올라간 실물 무대디자인 작품을 총 263점 선별하여 공개한다. 전시는 크게 1부와 2부 전시로 구성되는데 1부 전시에서는 한국 공연예술사를 써온 쟁쟁한 무대 디자이너들의 작품세계를 한눈에 볼 수 있다. 2부 전시에는 전시 관람객이 직접 무대디자이너의 작업을 체험할 수 있는 공간도 있다. 관람객의 움직임에 따라 영상과 조명 등이 상호작용 기법으로 유연하게 변화하며 무대디자인이 연출되는 체험 겸 감상 공간이 마련돼 있다. 또한 ‘무대디자이너의 방’ 코너에서는 무대디자인 제작 과정을 담은 영상과 한국 무대디자인의 거장 이태섭, 박동우의 인터뷰 영상을 통해 생생한 무대 뒤 이야기를 보고 들을 수 있다. 박성준 기자

벌써 10년도 넘은 이야기다. 일본식 경차 디자인이 미국에 처음 소개되었을 때 미국인들은 아주 신기해했다. 지금은 많이 익숙해졌지만, 직사각형 박스에 지나치게 작아보이는 바퀴가 달린 디자인은 당시만 해도 일본 밖에서는 거의 본 적 없는 모습이었다. 일본 도로가 좁다고는 하지만 유럽도 도로 사정은 일본과 별로 다르지 않을 텐데 유독 일본에서 특이한 디자인이 나온 것을 두고 ‘디자인 갈라파고스 현상’이라고 하는 사람도 있었다. 흥미로웠던 건 박스형 경차 디자인을 설명하던 당시 한 미국 자동차 평론가의 글이다. 그런 신기한 모양의 자동차가 일본에서 생겨난 이유를 설명하기 위해 그 평론가는 “일본 전통의 세단의자” 디자인을 이야기했다. 세단의자(sedan chair)는 우리식으로 말하면 가마에 해당한다. 작은 박스나 지붕이 없는 의자에 높은 사람이 앉고, 하인들이 의자에 붙은 긴 막대를 들고 이동하는 이 운송수단은 사실 한국이나 일본뿐 아니라, 중국, 프랑스, 영국, 포르투갈 등 전 세계적으로 역사가 깊다. 그런데도 굳이 일본의 전통 이동수단이라고 이야기하면서 박스형 경차 디자인이 거기에서 비롯된 것이라고 설명하는 건 다소 억지스럽게 읽혔다. 하지만 그 평론가로서는 이해하기 힘든 외국의 문물을 설명하기 위해서 그 출발점, 혹은 발생 이유를 찾아야 했을 것이고, 그렇다면 일본에서 제일 비슷하게 (=박스처럼) 생긴 전통적인 이동수단이 무엇이 있을까 하고 뒤지다가 세단의자를 찾게 되었을 것이다. 그렇게 한 결과 그 자동차 평론가가 맞는 답을 찾았느냐고 하면 고개를 갸우뚱하겠지만 비슷한 시도는 항상 일어난다. 사람들은 낯선 물건, 낯선 개념을 만났을 때 자신들이 알고 있거나 익숙한 ‘시각적 어휘’를 뒤져서 가장 가까운 것을 찾아내기 때문이다. 서양미술사에서 예수 그리스도의 모습도 그렇다. 지금은 긴 머리와 수염, 그리고 발등까지 내려오는 통으로 된 긴 옷을 입은 남성의 모습으로 누구에게나 익숙하지만, 처음부터 그랬던 것은 아니다. 기독교는 그 탄생부터 시작해서 2000년 넘는 역사 속에서 예수의 형상을 묘사하는 일을 두고 씨름을 벌여온 종교다. 일단 기독교의 모태가 된 유대교의 율법이 사람을 얼굴을 포함한 모든 형상을 그림이나 조각으로 표현하는 것을 엄하게 금했다. (이런 금기는 기독교로 넘어오면서 수백 년에 걸쳐 조금씩 완화되지만 비슷한 뿌리를 지닌 아브라함계열 종교인 이슬람에서는 여전히 살아있다). 예수를 구세주이자 신의 아들로 생각하고 섬겼던 초기 기독교인들은 대부분 유대인들이었고, 형상을 묘사하는 것에 대한 강한 거부감을 가진 사람들이었다. 따라서 기독교가 지금의 이스라엘에서 출발해서 지금의 터키 지역, 그리고 로마에 도착하는 초창기에는 예수의 얼굴을 그린 예가 없었다. 하지만 로마에 도착하자 상황이 달라졌다. 고대 그리스와 로마 사람들은 자신이 섬기는 신의 이미지를 그림과 조각으로 옮기는 데 전혀 거리낌이 없었을 뿐 아니라, 그런 이미지를 필요로 하는 사람들이었다. 그런 그들에게 얼굴도 알지 못하는 신을 믿으라고 하는 건 쉬운 일은 아니었을 것이다. 전 세계 종교의 역사가 보여주지만 항상 전통은 교리보다 강하다. 기독교가 그림과 조각을 좋아하는 로마에 도착한 이상 예수의 이미지가 만들어지는 것은 시간문제였을 뿐이다. 결국 기독교가 생겨난 지 300년이 채 되지 않아 예수의 이미지가 생겨나기 시작했다. 그 시기에 그려진 그림이 잃었던 양을 찾아 어깨에 멘 ‘선한 목자’ 예수다. 아직 기독교가 박해받던 시기였기 때문에 기독교인들은 로마 제국의 감시를 피해 카타콤이라 불리는 지하묘지에서 모였고, 이 그림도 그런 곳에 그려졌다. 그런데 자세히 보면 예수의 모습은 우리가 흔히 상상하는 로마의 청년이다. 허벅지까지만 내려오는 짧은 튜닉에 종아리를 감싸는 부츠형 샌들을 신고, 긴 수염은 보이지 않고 머리카락도 짧다. 미술사가들은 이런 그림이 등장한 이유가 당시 로마에서 그림으로 묘사된 젊은 남성들은 대부분 황제들이었고, 이 그림을 그린 사람이 특별히 지중해를 건너 이스라엘 지역으로 여행하지 않는 이상 유대인들이 어떤 차림을 했는지 알 수 없었기 때문이라고 설명한다. 즉, 자신이 가진 시각적 어휘를 총동원해서 할 수 있는 묘사가 이게 전부였던 거다. 하지만 이렇게 외국에서 건너 온 사상이나 문물을 자국의 제한된 문화적 어휘로 묘사하는 것에는 이점도 존재한다. 바로 이질적 문명의 토착화다. 수백 년이 지나 기독교가 유럽 북부까지 퍼져나갔을 때 그들 눈에 전혀 낯선 중동지방의 남자 모습을 한 예수와 자신들과 다르지 않은 백인 남자의 모습을 한 예수 중에서 어느 쪽을 더 쉽게 받아들였겠는지를 생각해보면 충분히 이해할 수 있다. 내 대학원 시절 인도미술을 가르치던 한 인도계 교수는 “서구는 불교와 불교미술을 힌두교, 힌두미술보다 좋아하는 경향이 뚜렷하다”고 했다. 그 이유는 기독교적인 종교관을 가지고 불교를 보면 이해가 쉽기 때문이라는 것이다. 그 교수에 따르면 부처도 예수처럼 젊어서 고난의 길을 걸으며 주위에 진리를 가르치다가 세상을 떠났고, 제자들이 그 사상을 전파하면서 종교가 되었을 뿐 아니라, 불교의 절과 승려제도도 가톨릭 수도원의 전통을 통해 (다소 부정확해도) 이해가 가능하다. 하지만 다신교인 힌두교의 신의 개념과 종교의 개념은 유럽인들에게는 너무나 생소해서 비슷한 설명틀이 유럽문화에 존재하지 않고, 그래서 이해 자체가 쉽지 않다는 것. 결국 한 문화가 전혀 다른 문화에 이해되고 이식되기 위해서는 받아들이는 문화에 비슷한 어휘가 존재해야 하고, 그것을 통해서 새로운 문화를 이해하는 틀이 만들어져야 한다. 이런 토착화를 바라보는 시선은 같은 기독교 내에서도 달라서, 가톨릭의 경우 오래전부터 토착화에 적극적인 반면, 개신교는 이를 조심스럽게 경계해왔다. 운보 김기창 화백이 예수의 생애를 그리면서 예수와 제자들을 조선시대 인물들로 그린 것도 개신교에서 자란 그가 가톨릭으로 개종한 이후라는 사실은 그래서 흥미롭다. 자동차 이야기로 돌아가면, 자동차의 역사를 아는 사람들은 유럽 자동차와 미국 자동차의 미묘한 차이를 이렇게 설명한다. 자동차가 처음 발명된 유럽에서 자동차는 귀족들이 타는 고급 마차 개념의 연장선상에 존재하고, 그래서 유럽 브랜드들이 대부분 비싼 가격의 고급 제품을 생산하는 데 주력했지만, 그런 자동차가 미국으로 건너오면서 누구나 탈 수 있어야 하는 이동수단으로 바뀌었다. 포드의 모델 T가 미국 자동차의 선조처럼 여겨지는 이유는 바로 대중성 때문이었다. 유럽의 고급 마차는 미국에는 없는 전통이었고, 넓은 땅과 귀족문화의 부재로 인해 미국의 마차는 대중적, 실용적 이동수단에 불과했기 때문에 유럽의 자동차 문화도 미국에서 그렇게 토착화 과정을 겪은 것이다. 흥미로운 건 미국에서 온 가족을 태우고 서부로 향했던 ‘포장마차’의 전통과 사고방식이 아직도 살아있다는 사실이다. 온 가족을 넉넉하게 태우고도 짐을 많이 실을 수 있어야 하는 대형 미니밴과 SUV는 미국적 전통의 산물이다. 하지만 그런 이동수단이 다시 태평양을 건너면 택시로 탈바꿈하기도 하는 것이 토착화의 마술이다.

문화체육관광부 대한민국예술원이 이달 15일부터 11월 9일까지 아랍에미리트(UAE) 아부다비 문화재단 특별전시장에서 '대한민국예술원 미술전 아랍에미리트 특별전'을 연다. 이번 특별전에선 국내 미술 각 분야를 대표하는 예술원 회원 19명의 작품을 선보인다. 한국화가 이종상의 '원형상-구룡폭', 서양화가 이준의 '축제-에이(A)', 조각가 전뢰진의 '산가족', 서예가 이수덕의 '대해명월', 공예가 이신자의 '기원' 등 총 19점이다. 15일 개막식에는 나덕성 예술원 회장, 엄태정 예술원 미술분과 회장, 권용우 주UAE대사, 누라 알 카비 UAE 문화지식개발부 장관, 현지 작가 등이 참석할 예정이다. 예술원 해외 특별전은 2017년 북경 주중한국문화원에서 열린 중국특별전과 2018년 주오사카한국문화원에서 열린 일본특별전에 이어 이번이 세 번째로, 주UAE 한국대사관이 매년 개최하는 '코리아 페스티벌'의 개막행사로 마련됐다. '코리아 페스티벌'에서는 미술 전시뿐만 아니라 예술원 회원들이 전통 무용과 가야금 연주로 축하공연을 펼치며 현지 관람객들에게 다양한 한국 문화를 선보인다. 나덕성 회장은 "이번 해외특별전은 기획에서부터 시행까지 예술원과 현지 한국문화원이 UAE 문화지식개발부의 적극적인 지원을 받아 준비했다"며 "양국 간 문화예술 교류 기회를 더욱 확대하는 데 중요한 계기가 되기를 바란다"고 말했다.

“쓰임과 기능만 강조하던 때를 지나 공예분야도 미래 감성산업으로 진화하고 있습니다.” ‘2019청주공예비엔날레’의 안재영(51·광주교대 미술교육과 교수·사진) 예술감독은 9일 “이번 공예비엔날레에서는 시간과 정신, 기술을 결합한 공예의 이상향을 선보이는 데 주안점을 두었다”고 밝혔다. 그러면서 안 감독은 “이상향은 아름답고 독창적인 공예품 덕분에 우리 삶의 질이 향상되고 행복감도 커지는 세상을 의미한다”고 덧붙였다. 8일부터 열리고 있는 비엔날레의 주제를 ‘미래와 꿈의 공예, 몽유도원이 펼쳐지다’로 정한 것에 대해 그는 “공예의 미래상을 어떻게 보여줘야 할까 고민하다가 안견이 안평대군의 꿈을 그린 ‘몽유도원도’에서 영감을 얻었다”고 설명했다. 그는 이어 “각박하고 삭막한 현실에 사는 현대인에게 즐거움만 가득한 꿈의 세계를 선물하고 싶었다”면서 “전시장에 들어서는 순간 몽유도원 같은 환상의 공예세계를 만날 수 있도록 했다”고 강조했다. 안 감독은 “본 전시에는 미국 스웨덴 독일 인도 프랑스 등 23개국 203개팀 712명의 작품 1500여점이 출품됐다”며 “이번에는 공예의 가치와 지향점을 보여주는 담론에 집중, 이런 의도에 맞는 작품들로 선택했다”고 말했다. 그는 “폐막식 때 가장 뛰어난 작품을 뽑아 ‘황금 플라타너스상’을 수여할 예정”이라며 “베니스비엔날레의 ‘황금사자상’에서 착안한 이 상은 청주의 명물인 플라타너스 가로수길에서 이름을 땄다”고 밝혔다. 안 감독은 “아름다움과 위로, 공감 같은 공예의 가치들이 몽유도원처럼 펼쳐질 청주에서 가을을 함께 산책하듯 거닐었으면 좋겠다”고 말했다. 청주=김을지 기자

공예의 모든 것을 볼 수 있는 ‘2019 청주공예비엔날레’. 지난 7일 열린 개막식에 문재인 대통령 부인 김정숙 여사가 참석했다. 김 여사는 이날 “공예는 그 어떤 장르보다 장인정신으로 완성하는 예술인 것 같다”며 “숱한 시간과 인내, 그리고 성실한 노력이 축적된 놀랍도록 섬세하면서도 따뜻한 이 작품들을 온 세상이 직접 눈으로 확인했으면 한다”며 작가들을 격려했다. 이 행사는 8일부터 다음달 17일까지 41일 동안 청주시 청원구 내덕동 ‘문화 제조창C(옛 연초제조창)’를 비롯해 정북토성, 안덕벌의 오래된 빈집, 청주향교 등에서 열린다. 1999년 시작해 2년마다 개최되는 이 행사는 올해 11회째를 맞는다. 청주공예비엔날레는 세계에서 유일하게 도자·목공·금속·유리·종이·섬유로 만든 모든 공예를 선보이는 것이 특징이다. 청주공예비엔날레는 그동안 세계 각국에서 작가 3000여명이 참여하고, 관람객 40만명이 방문하는 세계 최대 규모·최고수준으로 성장하고 있다. 박혜령 보도팀장은 “우리나라를 비롯해 세계 여러 나라에서는 섬유, 디자인, 도자기, 금속 등 단일분야의 비엔날레를 열고 있다”며 “청주비엔날레만 유일하게 모든 공예를 선보인다”고 말했다. ‘미래와 꿈의 공예-몽유도원이 펼쳐지다’의 주제로 열린 이번 전시는 5개 기획전과 3개의 특별전으로 구성됐다. 전시장에는 한국과 미국, 중국, 스웨덴, 독일, 일본, 인도, 프랑스 등 18개국 203팀 700여 명의 작가의 작품 1500여점이 선보이고 있다. 관람객은 공예 페어에 들러 지역 공방과 작가, 대학생들이 만든 창작품을 현장에서 살 수 있다. ◆예술공간으로 거듭난 ‘연초제조창C’ 주 전시관은 담배를 생산했던 옛 연초제조창이다. 이 공장은 경영난으로 1999년 생산을 중단하고 2004년 폐쇄했다. 5만3133㎡의 부지에 24개동의 건물로 이루어진 이 공장은 문화공간으로 계속 변신 중이다. 우선 청주비엔날레가 이 공장 본관동 5층 건물을 리모델링해 관람객을 맞이하고 있다. 청주공예비엔날레는 2011년부터 이곳에서 개최해 오고 있다. 인근 건물 1개동은 문화 관련 업체 80여개가 들어선 첨단산업단지로 변신했다. 첨단산업단지에는 문화 콘텐츠 관련 창작·창업을 지원하는 충북콘텐츠코리아랩도 둥지를 틀었다. 담뱃잎 보관 장소였던 ‘동부창고’는 원래 11개동이었다. 건물을 허물고 다시 짓는 대신 문화로 재생하는 방식을 통해 7개동을 보존시켜 다목적 홀과 전시실, 콘서트실, 악기연습실 등 갖춘 시민예술촌으로 거듭나고 있다. 일부 건물에는 지난해 12월 국내 첫 수장형 미술관인 국립현대미술관 청주관이 들어섰다. 이 미술관은 공예비엔날레 개막에 맞춰 은밀하고 비밀스러운 수장고 속으로 들어가 도자, 유리, 가죽, 목공예 등 다양한 작품을 접할 수 있도록 하고 있다. 한범덕 청주시장은 “시민들이 수준 높은 문화를 향유하도록 옛 연초제조창의 기존 건물을 보존하면서 문화예술과 문화산업의 요람으로 발전시키고 있다”며 “연간 관광객 300만명 이상을 끌어들일 세계적인 문화명소로 만들어 대한민국 문화랜드마크로 키워 나갈 것”이라고 밝혔다. 청주시는 옛 연초제조창 전체 명칭을 최근 ‘문화제조창C’로 정했다. 옛 연초제조창은 청주의 대표적 산업시설이자 국내 제1담배 공장이었다. 근로자 2000~3000명이 해마다 솔과 라일락, 장미 등 담배 100억개비를 생산했다. 1946년 최초로 문을 연 이래 1999년 문을 닫을 때까지 청주의 산업을 이끌었다. 하지만 2004년 공장이 문을 닫은 후 도심 속 흉물로 방치돼 왔다. 철거와 재개발을 놓고 논란이 끊이지 않았다. 청주시는 시민들의 의견을 들어 이 공장을 매입한 뒤 2007년부터 문화시설로 갖춰가고 있다. ◆토성과 빈집을 전시장으로 활용 이번 비엔날레는 정북동 토성(사적 제415호)에서도 열린다. 이곳에서는 기획전 ‘인간의 자리’가 열려 청주의 모태인 토성의 문화적 가치를 조명한다. 관객은 삼국시대에 조성된 이곳에서 움집 만들기 체험을 할 수 있다. 충청도 병마절도사 관아로 사용됐던 율량동 고가는 가상현실을 통해 과거와 현재를 경험할 수 있는 공간으로 만든다. 안덕벌 일대 버려진 빈집에 10여점의 공예작품을 전시하는 특별전이 열린다. 청주향교에서는 한국인의 정서에 내재한 유교적 정체성을 느끼게 하는 작품들이 전시 중이다. 또 향교에서는 유교 전통을 체험할 수 있는 프로그램도 접할 수 있다. 청주역사전시관도 전시장으로 활용한다. 이곳은 옛 청주의 산업의 물류기지였던 청주 기차역을 모형으로 만들어 시민들이 옛 추억을 느끼도록 문화공간으로 만들었다. 이곳에 분단을 소재로 한 사진작품 50여점이 전시된다. ◆중국 현대미술 거장 ‘위에민쥔과 팡리쥔’을 만나다 여러 나라를 초대하는 국가관 중 하나인 중국관에서 중국 현대미술의 4대 천왕이자 아이콘으로 꼽히는 위에민쥔과 팡리쥔이 참여하고 있다. 이 두 사람은 중국 현대미술의 4대 천왕 중 2명이다. 이 두 사람이 하나의 전시공간에서 만나는 것은 국내에서 이번이 처음이다. 위에민쥔의 작품 ‘소가소 비상소(笑可笑 非常笑·웃겨 엄청 웃겨의 뜻)’와 청주에서 처음으로 공개되는 2019년 신작 ‘심우(尋牛)’가 전시된다. 소가소 비상소의 작품은 제스처와 입 모양이 박장대소를 하고 있지만 중국의 문화혁명과 개혁, 개방으로 인한 혼란, 공허, 분노, 슬픔을 표현한 작품이다. 팡리쥔의 작품 ‘2016’은 건달의 모습으로 중국 사회에 대해 비판한 작품이다. 이 두 사람의 작품을 통해 특유의 ‘냉소적 리얼리즘’을 목도할 수 있는 시간이 될 것이라고 전문가들은 말한다. 또 중국관에서는 현대미술에 공예를 더한 ‘공예적 미술’을 볼 수 있다. 동양철학을 기반으로 회화·조각 등 다양한 기법을 넘나드는 작업으로 새롭게 떠오른 작가 통쩐강의 작품도 접한다. 또 종이에 대한 새로운 해석이 담긴 실험적 예술 ‘늘어나는 조각’으로 유튜브를 사로잡은 리홍보 작품을 만날 수 있다. 청주=글·사진 김을지 기자 ejkim@segye.com

서울 강남구 청담동을 떠나 용산 이태원으로 자리를 옮긴 박여숙화랑이 새 공간의 첫 작가를 선택했다. 달항아리(사진)로 국내외에서 명성을 쌓은 권대섭(67)이다. 10일 개막하는 권대섭 개인전은 ‘더할 것도 뺄 것도 없는 작품을 만들고자 노력한다’는 철학 아래 지난 40년간 흙, 물, 불과 씨름하며 백자에만 매진한 작가의 예술 세계를 소개한다. 권대섭은 홍익대에서 서양화를 공부했으나 우연히 인사동에서 백자를 본 뒤 도자작가의 길을 걸었다. 그는 1979년부터 5년간 일본 규슈 나베시마요(窯)에서 도자를 배웠고, 1995년 덕원미술관에서 첫 국내 전시를 열었다. 그는 조선 백자 항아리를 현대적인 감각으로 구현해내고 있다는 평가를 받는다. 45㎝를 넘는 높이의 강건한 항아리로 중국과 일본의 도자기 중에는 찾아볼 수 없는, 특별한 한국의 도자 작품으로 꼽힌다. 전통 장작가마를 고집하는 권대섭은 조수도 없이 혼자서 불의 미학과 대결하고 있다. 한 가마에 4점밖에 구울 수 없어 1년에 보통 겨우 6점의 백자 항아리를 완성작으로 빚어낸다. ‘내 마음을 움직이지 못하면 부수어 버린다’고 한다. 외국에서도 한국백자 전통을 이어가는 그의 작업을 일찌감치 눈여겨봤다. 권대섭의 달항아리는 지난해 10월 영국 런던 경매에서는 추정가 3배에 가까운 5만2500파운드(약 7700만원)에 낙찰됐다. 최근 벨기에 화랑 악셀베르보르트는 권대섭 작업을 유럽 컬렉터들에게 소개하는 작품집을 펴내기도 했다. 이번 전시는 상징적인 달항아리부터 다양한 크기와 형태의 작품을 두루 선보인다. 과작인 권대섭의 작품을 모처럼 한자리에서 풍성하게 감상할 자리다. 박여숙화랑은 “작가의 단련된 예민함과 자연의 힘이 결합해 작업의 뛰어난 질과 연속성을 이뤄내는 것”이라면서 “언뜻 특별할 것 없어 보이는 백자 항아리는 적당한 두께로 성형됐을 때 비로소 활달하고 시원한 감정을 가진다”고 설명했다. 권이선 기자 2sun@segye.com

오는 27일까지 서울 종로구 평창동 가나아트센터에서 열리는 류 화백의 개인전에는 하 화백에 대한 그리움과 부부가 공유한 예술관들을 고스란히 엿볼 수 있다. 개인전으로 열리는 전시이지만 하 화백의 30주기를 맞아 이를 회고하는 전시도 함께 마련됐다. 최근 전시회장에서 만난 류 화백은 “주변에서는 이제 하인두의 그늘에서 벗어나라고, 류민자가 우뚝 서야 한다고 했지만 어떻게 그러겠나”라며 “굳이 벗어난다고 벗어날 수 있겠냐”고 말했다. 그의 말처럼 전시장에는 서로 영향을 주고받으면서도 각자 독자적인 조형성을 보여주는 작품 46점이 전시돼 있다. 하 화백은 1950년대 앵포르멜이 처음 한국에 들어올 때 영향을 받았으나 한국적 주제에 열망이 있던 그는 만다라의 기하학적 형태와 불교 사상을 주로 작품에 담았다. 아울러 오방색과 단청에서 나타나는 조형 효과나 색채 등 전통적인 기법을 작업에 적용해 한국적인 앵포르멜 화풍을 완성했다. 고 천경자 화백의 제자로 홍익대 동양화과 출신인 류 화백의 작품은 한국화와 서양화를 넘나든다. 그도 전통과 불교사상을 기조로 비정형의 추상을 선보여왔다. 다만 류 화백은 하 화백과는 달리 자연이라는 대상을 재현하며 추상과 구상의 조형 양식을 모두 실험했다. 이처럼 두 사람의 작품은 비슷한 듯 닮아 있다. 강렬한 색채와 단청 무늬처럼 이어지는 색띠가 특히 그렇다. “제 작품 속 색띠가 남편의 그림을 연상케 한다고요? 원래는 제가 먼저했어요. 작업실을 같이 쓰다 보니 서로 영향을 많이 주고받았어요. 선생님(남편)이 살아 계셨을 때도 내가 먼저 했네, 아니네 투닥거리고 했었지요. 하하.” 류 화백은 남편 하 화백의 못 다 이룬 꿈을 아쉬워하며 그리움을 나타냈다. 그는 “옛날에 선생님 조교였던 박서보 화백이 국립현대미술관에서 전시하는 것을 보니 부러웠다”고 말했다. 그러면서 “살면서 한 번은 국립현대미술관에서 전국에 흩어진 남편의 작품을 모아 전시를 하는 게 내 꿈”이라며 “고생만 하다 간 남편인데, 국립현대미술관에서 보란 듯이 전시를 열어주고 싶다”고 당부하듯 강조했다. 전시장에는 하 화백이 잠들어 있는 경기 양평 청계리의 벚꽃 핀 모습을 담은 작품 ‘청화예원’도 걸렸다. “30년 전 선생님을 보내면서 심은 나무가 벌써 아름드리가 됐어요. 세월이 참 빠르네요. 남편은 친구이자 선생님이었어요. 남편이 있을 때는 서로 가차 없이 얘기해주고 그랬는데 좋은 스승이자 벗이 없으니 아쉽네요. 그 사람이 살아 있었다면 그림이 더 밝고 명랑해졌을 텐데 말이에요.” 권이선 기자 2sun@segye.com

#책이 있는 평화로움 최근 슬픈 소식을 하나 들었다. 좋아하던 서점이 문을 닫았다는 것이었다. 도산공원 앞에 위치한 이 서점의 이름은 ‘공원’을 뜻했다. 소란스러운 강남의 한복판에 있지만, 그곳에는 평화로움이 있었다. 커다란 창 밖 계절의 풍경과 책으로 가득 찬 내부 공간은 항상 그림처럼 어우러졌다. 나의 취향에 딱 맞는 북 큐레이션을 살펴보고 있으면 책을 읽지 않아도 시간이 금방 흘렀다. 어쩐지 오래 그 자리를 지켜줄 것만 같았는데 세상에 영원한 것은 없다는 걸 다시 한번 느낀다. 좋아하던 서점은 사라졌지만, 독서의 계절은 돌아왔다. 가을을 두고 독서의 계절이라 부르는 이유가 명확히 밝혀진 바는 없다. 얼마 전 죽간과 관계가 있다고 들은 이야기는 꽤 그럴듯했다. 대나무로 만든 죽간은 종이 발명 이전에 글을 쓰던 재료다. 봄, 여름을 지나 가을이 되어야 대나무를 채취하여 만들 수 있었다. 그제야 책이 나오니 가을이 독서의 계절이 되었다는 것이다. 이 이유를 제치고서라도 가을은 분명 책을 읽기 좋은 계절이다. 여름 무더위에 책 앞에서 흐려졌던 집중력이 되살아나는 시기이기 때문이다. 서늘한 바람이 담긴 공기를 느끼고 앉아 있으면 한자리에 머무르는 것이 어려운 일이 아니다. 실제로 가을에 읽었던 책이 유독 더 선명히 기억에 남은 것 같기도 하다. 올가을을 함께 보내줄 책을 만나기 전에 책이 담긴 그림을 꺼내 보고자 한다. #이진용이 그린 책등의 아름다움 이진용(1961~)은 1961년 부산에서 태어났다. 동아대학교 조소과를 졸업하고 작가 활동을 시작했다. 1984년 세종 미술대상 대상, 1990년 동아 미술대전 특선을 수상한 바 있다. 국립현대미술관, 서울시립미술관, 부산시립미술관 등에서 열린 단체전에 참가했다. 서울시립미술관, 호암미술관 등에서 작품을 소장하고 있다. 그는 조각을 전공했지만, 회화에서도 뛰어난 기량을 보인다. 대표작인 ‘하드백(Hardbacks)’ 연작을 보면 그 능력이 드러난다. 볼 때마다 사진인지 그림인지 헷갈리는 경험을 일으키는 작품이다. 항상 화면에 얼굴을 가까이 가져가 살펴보고 나서야 그림인 것을 깨닫는다. 하지만 이내 믿을 수 없어져 몇 발자국 뒷걸음질했던 기억이 있다. ‘하드백(Hardback)’은 책의 책등이 보이는 장면의 작품이다. 동양 서적은 책등을 가로로 쌓았고, 서양 서적은 책등을 세로로 꽂아 그렸다. 특이한 점은 책을 보고 그린 것이 아니라 책의 체취를 맡고 그렸다는 것이다. 그는 책의 체취를 그리는 시도를 통해 시각 너머의 경험을 표현했다. ‘사물의 외형을 버리고 내재한 이미지는 취한다’는 뜻의 ‘사형취상(捨形取象)’을 담았다. 책을 읽는 것은 단순한 시각적 경험에서 끝나지 않는다. 활자를 보고 그 너머의 의미를 생각하고 생성해내는 활동이다. 이렇게 작가는 책이 단순한 활자 모음이 아니라고 생각한다. 그것은 역사가 축적한 노력과 지식의 결정체다. 그렇기 때문에 그 또한 그림을 세필로 오랜 시간 그려낸다. 붓에 물감을 묻혀 캔버스에 조심스럽게 선을 긋는다. 그것을 살며시 지우고 다시 위에 선을 긋는다. 이러한 과정을 여러 번 반복한다. 예닐곱 시간이 걸려서야 얇은 책의 종이 한 장을 겨우 그려낸다. 작가는 이 작업 방식에 설명을 덧붙인다. “어릴 때부터 오래된 절 지붕 처마에 쌓인 먼지가 좋았고 비가 오면 처마 끝에서 오랫동안 똑똑 떨어지는 낙수가 좋았다. 낙숫물이 댓돌을 뚫는다고 하지 않는가. 작은 에너지가 반복되고 누적되는 힘에 관심이 있다. 마치 낙숫물이 몇 백년 똑똑 떨어지다 어느 날 바위를 뚫듯, 내 작업에 그런 순간이 오든 안 오든 나는 그런 순간을 향해 지속적으로 반복적으로 작업을 한다.” #홍경택이 그린 현대의 책가도 홍경택(1968~)은 경원대학교 회화과를 졸업했다. 이후 아르코미술관(2015), 두산갤러리(2012) 등에서 개인전을 열었다. 국립현대미술관(2010), 플라토(2011), 광주시립미술관(2012) 등 국내 유수 미술관 단체전에 참여했다. 국립현대미술관, 일민미술관, 아모레퍼시픽미술관 등에서 작품을 소장하고 있다. 홍경택 하면 가장 먼저 떠오르는 타이틀은 ‘홍콩 크리스티 경매에서 최고가를 기록한 한국 화가’다. 벌써 10년도 더 지났지만 아직도 잊을 수 없는 미술계의 사건 중 하나다. 그의 작품 ‘연필 1’은 2007년 홍콩 크리스티 경매에서 약 8억원에 낙찰됐다. 그동안 저평가받았던 한국 미술을 다시 생각하는 계기가 되어 의미가 있었다. ‘연필’ 연작은 린넨 위를 수십 개의 연필이 가득 채운 작품이다. 화려한 색의 연필들은 화면 밖으로 튀어 나갈 듯 뻗어 나간다. 이 작품은 여동생의 잔뜩 모은 펜 뭉치를 보고 그리던 것이 발전했다. 플라스틱 사물이 보여주는 가벼움을 통해 가볍지 않은 삶의 속성을 담고 싶었다. 작품에 해골, 인형, 화초 등 다양한 사물을 등장시켜 삶과 죽음, 종교와 세속 등 다양한 해석을 가능케 하는 이유다. 홍경택의 작품 세계는 ‘연필’ 외에도 넓다. 그리고 그중 내가 가장 좋아하는 것은 ‘서재’ 연작이다. ‘서재’ 연작은 셀 수 없이 많은 책이 보이는 작품이다. 대형 서점을 그려 현대인들에게 필요한 동굴을 표현하고자 했다. 다른 작품들이 에너지를 발산하는 형태라면 이 작업은 에너지를 응축하는 모양새를 갖췄다. 언젠가 방문했던 작가의 작업실에서 느낀 그의 모습과도 닮았다. 깊이 있게 보고, 모으고, 의미를 헤아릴 줄 아는 사람의 모습이었다. ‘NYC 1519’(2012)는 뉴욕에서 본 어느 서점을 그렸다. 작가는 그냥 서점이라고 말했지만, 미술 코너를 그린 듯하다. 화면 우측의 책장에는 암브로시우스 보스샤르트의 ‘튤립, 장미, 카네이션, 물망초 등이 꽂힌 화병’(1619), 프란시스코 데 수르바란의 ‘성 프란시스코’(1660), 그리고 레오나르도 다빈치의 ‘모나리자’(1517) 등이 인쇄물로 붙어 있다. 좌측 하단의 책 표지를 보면 반 고흐와 마티스의 유명 도록임을 알 수 있다. 모두 지금 그려지는 것이 아니라 역사로부터 온 작품들의 모습이다. 작가는 이 작업을 두고 다음과 같이 말했다. “지금이 21세기라고 해도 굉장히 다양한 차원의 사람들이 살아가거든요. 어떤 사람들은 정말 19세기를 사는 사람도 있고, 저처럼 아직 20세기에 사는 사람도 있고 21세기를 사는 최첨단의 사람도 있죠. 그런데 저는 어떤 힘의 원천, 힘의 장소, 그런 고유한 장소는 있어야 한다고 생각해요. 과연 현대인들이 21세기에 예술작품이나 테크놀로지가 충만한 기기들을 만들 때에 미래만 바라보고 그것을 만들 수 있을까요? 결국은 과거에서 많은 걸 끌어다 쓰거든요.” #가을에는 책을 읽읍시다 가을에는 책을 읽자는 말이 넘쳐흐른다. 실제로 주변에서 독서 다짐을 하는 모습도 보인다. 하지만 그것이 실행으로 이어지지는 않는 모양이다. 국립중앙도서관의 전국 공공도서관 데이터 분석을 보면 가을 대출이 가장 적다. 어쩐지 1월과 8월의 대출량이 높고 9월, 11월, 10월 순으로 가장 적다. 가을에는 책을 읽자. 앞의 두 작가의 작품에서 보았듯 책은 종이, 활자 그 이상이다. 지난 시간이 우리에게 보내준 선물이고 우리는 그것을 통해 더 넓은 세계로 간다. 정통 시나 문학에 다가가기 어렵다면 흥미 있는 분야의 책 먼저 읽어보자. 책 읽는 것이 익숙해진 뒤에는 모든 주제와의 거리가 좁혀진다. 이제는 책도 다양한 방식으로 읽을 수 있는 세상이다. 전자책도 있고 책 읽어주는 유튜브 채널도 있다. 하지만 종이로 읽는 책의 맛이 가장 좋다고 감히 말할 수 있다. 종이책은 손으로 책을 쥐고 남은 양을 가늠하며 줄거리를 상상해볼 수 있다. 하지만 전자책이나 음성책은 이야기의 전개가 어느 정도 남았는지 추측이 어려워 상상의 세계를 펼치기 어렵다. 이번 주말이 오면 서점에 가서 이번 가을을 함께할 책들을 데려올 예정이다. 상상의 세계를 든든하게 채우며 다가올 추운 날들을 대비해야겠다. 김한들 큐레이터, 국민대 미술관·박물관학 겸임교수

탱글탱글하면서도 선선한 이미지를 선보인다. 한글이 이렇게 바뀔 수도 있다. 10월에 맞는 색깔과 디자인이 어우러진 창작품이다. 한글은 그야말로 멋진 글자인데도 우리는 인식하지 못할 때가 있다. 오는 5일부터 다음달 11일까지 ‘문화역서울 284’(옛 서울역사)에서 ‘2019 타이포잔치: 국제 타이포 비엔날레’가 펼쳐진다. 문화체육관광부가 주최하고 한국공예·디자인문화진흥원(원장 최봉현)과 국제타이포그래피비엔날레 조직위원회가 공동 주관한다. 타이포잔치란 한글 등 글자와 갖가지 사물로 창작물을 만들어 내는 창작 경연대회다. 한글을 소재로 독립 디자이너들이 과감하고 신선한 창작물을 만들어낸다. 모두 같은 색깔과 동일한 디자인만을 떠올리기 쉬운 한글이 이처럼 멋들어진 창작물의 주체가 될 수 있다. 글자 낱개로 분해하고 조립하는 행위에 초점을 맞춰 다양한 프로그램을 진행한다. 타이포그래피는 활자에만 국한되지 않는다. 그림과 사진, 기호, 움직임 등 ‘모든 것’을 재료로 삼는다. 행사에는 22개국 127개 팀이 참여해 만화경, 다면체, 시계, 모서리, 잡동사니, 식물 등 6개 관점에서 글자와 사물 관계를 조명한다. 만화경 섹션에서는 7개국 13팀 작가들이 점, 선, 면 등의 요소와 숫자를 조합한 작업을 소개한다. 색 조각들의 움직임과 조합으로 이뤄진 만화경의 원리를 이용해 분해하고 조립하는 사물 타이포그래피다. 다면체 섹션에서는 국내 17개 팀이 사물이 된 글자, 사물의 모양을 빌린 글자를 탐구한 창작물을 선보인다. ‘사물이 된 글자’ 또는 ‘사물의 모양을 빌린 글자들’을 살펴보고 관찰하며 사물과 타이포그래피가 만나는 공통 지점을 탐구한다. 시간 개념과 시계의 기계적 특성을 주목한 ‘시계’, 온갖 물건을 수집해 타이포그래피와 관련된 물건을 분류한 ‘잡동사니’, 한글 등 다양한 문자로 일종의 숲을 만든 ‘식물들’도 전시된다. 예술감독을 맡은 작가그룹 진달래와박우혁은 2일 “타이포그래피의 핵심 원리인 분해와 조립을 단서로 글자와 사물의 관계를 새롭게 조명할 것”이라면서,“좁은 의미의 사물은 구체적이고 개별적인 대상이지만, 넓게는 수학이나 음악 같이 모든 추상적 형태나 국면이 될 수도 있다”고 밝혔다. 권이선 기자 2sun@segye.com

비엔날레의 계절이 돌아왔다. 2년에 한 번씩 열리는 국제미술축제 비엔날레가 다양한 주제로 전국에서 줄줄이 관객을 맞는다. 광주디자인비엔날레부터 서울도시건축비엔날레 등이 가을의 정취를 더할 예정이다. ◆디자인 통해 인간 본질 모색 지난 추석 연휴 ‘2019 광주디자인비엔날레’를 찾은 관람객은 평소 주말에 비해 3배 이상 증가했다. 지난 7일 막을 올린 광주디자인비엔날레는 다음달 31일까지 55일간 열린다. 8회째인 올해 비엔날레는 ‘휴머니티’라는 주제를 통해 근본적인 디자인의 가치·역할을 탐구하며 사회와 인류 공동체를 위한 디자인 비전을 제시한다. 전시에는 영국, 프랑스, 미국, 일본 등 50개국에서 디자이너 650여명, 120여개 기업이 참여해 1130여점의 작품을 선보인다. 영국 노팅엄 트렌트대학, 프랑스 파리국립 장식미술학교, 조선대, 파주타이포그래픽학교, 코리아디자인멤버십 등 국내외 대학의 청년 디자이너들 100여명도 창의적이고 실험적인 작품을 내놓았다. 기아·현대자동차, 루이 카토르즈, 모헤닉, 나팔 등 국내외 유명 기업이 참여한 전시전도 마련된다. 가장 눈길을 끄는 것은 현대 디자인의 출발점으로 불리는 바우하우스(BAUHAUS) 설립 100주년 기념전이다. 1919년 설립된 바우하우스는 1933년 폐교돼 역사적으로 짧은 존속기간에도 세계 각국에 디자인의 개념과 교육이념이 널리 공유될 수 있도록 기회를 제공했다. 헝가리 출신의 작가 키스 미클로시와 네덜란드 대표 디자이너 단 로스하르더의 작품도 만날 수 있다. ◆‘집합’서 찾는 도시의 동력 서울에서는 글로벌 학술·전시 축제 ‘2019 서울도시건축비엔날레’가 한창이다. 이번 비엔날레는 ‘집합도시(Collective City)’를 주제로 동대문디자인플라자(DDP), 돈의문박물관마을, 서울도시건축전시관, 세운상가, 서울역사박물관 등에서 오는 11월10일까지 65일간 열린다. 시가 주최하고 서울디자인재단이 주관한다. 비엔날레의 전시는 크게 ‘도시전’과 ‘주제전’으로 나뉜다. 도시전은 세계 각 도시의 공간·시간·사회적 요소를 바탕으로 형성된 도시의 집합적 결정체를 통해 현대 도시를 이해하고 미래 도시의 결과물을 엿볼 수 있는 전시다. 도시전에서는 관람객이 지진의 위협을 몸으로 체험할 수 있는 멕시코 작가의 ‘빅 이퀄라이저’, 필리핀 마닐라의 전봇대와 가로등 조명을 재현한 ‘상황 대응형 인프라, 도시 마닐라를 위한 새로운 대안’, 중세부터 1980년대에 이르는 독일 프랑크푸르트의 건축양식 조각품 ‘하이퍼시티’ 등을 볼 수 있다. 주제전은 다양한 분야의 전문가가 ‘집합도시’를 주제로 연구한 결과물이나 도시 구성을 재해석한 프로젝트 전시다. 네덜란드 출신 바스 프린선 작가가 경남 합천 해인사의 팔만대장경을 직접 촬영하고 실제 크기로 현상한 ‘이미지와 건축 #11: 팔만대장경’과 런던·브뤼셀·헬싱키 등 3대 유럽 도시의 공공주택을 모형과 사진, 도면으로 소개한 ‘약속의 땅, 저가형 주거지와 건축에 관하여’ 등이 챙겨볼 만한 작품들이다. 다음달 8일에는 도자, 섬유, 유리, 금속 등 공예의 모든 분야를 총망라한 세계 최초의 공예 분야 비엔날레인 ‘2019 청주공예비엔날레’가 열린다. 올해 주제는 ‘미래와 꿈의 공예 - 몽유도원이 펼쳐지다’로, 국내외 유망작가의 실험정신과 전통과의 융화를 통해 이상적인 아름다움을 간직한 공예의 몽유도원을 선보인다. 권이선 기자 2sun@segye.com