‘프린트 베이커리’에서는 국내외 유명 아티스트는 물론, 신진 아티스트들의 협업 작품을 감상할 수 있다. 미술을 모르는 사람도 누구나 눈으로 즐기고, 에코백·우산 등 일상 소품을 합리적인 가격에 소장하는 이점도 있다. 프린트 베이커리 ‘아트 슈퍼마켓’이 23~25일 서울 인사아트센터 1~3층에서 열린다. ‘집도 배고프니까!’를 주제로 소확행을 자극한다. ‘소비가 확실한 행복’이라는 점에서 ‘집 꾸미기’를 제안한다. 서울옥션이 2012년 론칭한 미술 대중화 브랜드인 프린트 베이커리가 지난해 5월, 9월에 이어 올해 세 번째 아트슈퍼마켓을 펼친다. 국내외 약 100명의 아티스트와 삼성전자, 그라폴리오 등 다수의 기업이 참여하여 미술작품은 물론 조명, 가구, 생활가전 등을 선보인다. 특히 체험 및 포토존을 준비하여 관람객이 직접 참여할 수 있도록 했다. 전시장을 거실, 주방, 침실, 오피스 등 다양한 생활공간으로 탈바꿈시켜 국내외 아티스트들의 원화, 판화는 물론 아트상품 등을 한자리에서 만나 볼 수 있다. 1층은 ‘집을 위한 베이커리’를 주제로 아티스트 마리킴, 디자인 스튜디오 스티키몬스터랩, 슈퍼픽션 등의 작품과 샤비워크샵, 하울팟 등 브랜드 작품을 함께 선보인다. 주거공간으로 탈바꿈한 전시장 2층은 ‘집을 위한 테이스팅 룸’이다. 카레클린트, 앤더슨씨 등의 가구와 아티스트들의 미술품이 조화를 이룬다. 김환기, 이왈종 등 한국 대표작가들의 판화 및 아트상품 부스와 함께 유선태, 윤병락, 하태임, 김남표, 유충목, 장콸, GFX 등 다양한 작가의 신작을 전시한다. 3층은 ‘슈퍼픽셔너리 타운’을 주제로, 삼성전자와 ‘1도 인쇄 공모전’을 함께 주최했던 네이버 그라폴리오의 결과물로 구성됐다. 슈퍼픽션 작품 이미지를 활용한 삼성전자 비스포크 냉장고가 전시장에 작품으로 진열되며, 네이버 그라폴리오와 협업한 ‘1도인쇄 공모전’의 당선작도 전시된다. 또한 올해 초 프린트 베이커리의 심화브랜드로 론칭한 라이크레지던스(LAiKresidence) 부스도 만날 수 있다. 프린트 베이커리는 온라인 매장과 함께 삼청, 한남 등 직영점과 백화점과 쇼핑센터 등 모두 8개 오프라인 매장을 운영 중이다. 권이선 기자 2sun@segye.com

대구보건대학교(총장 남성희) 인당뮤지엄은 오는 30일까지 현대책거리 그림의 현주소를 한 눈에 볼 수 있는 민화 전시회를 연다고 14일 밝혔다. 전시회는 민화 전문가인 미술사학자 정병모 경주대 교수가 기획했다. 총 33명의 작가가 참여해 우리 조상이 아낀 책을 기반으로 상상력을 펼쳐 주목할 만한 현대 민화 작품 39점을 출품했다. 현대 민화의 책거리에 대한 경향을 파악하고, 앞으로의 가능성을 되짚어 볼 수 있다. ‘책거리’는 조선시대 그림이지만 현대적 미감이 충만하면서 모더니티(Modernity)를 나타낸다. 다른 나라 민화뿐 아니라 전통 회화와 차별화한 경쟁력을 갖는다. 인당뮤지엄은 이번 전시회의 연계행사로 오는 14일 뮤지엄 로비에서 ‘책거리 이야기’를 주제로 정병모 교수의 특강을 진행한다. 이어 오는 28일 문화가 있는 날에는 ‘현악 4중주와 함께하는 영화음악 콘서트’도 연다. 전시회 관람은 오전 10시부터 오후 5시(주말과 공휴일 휴관)까지며 관람료는 무료다. 석은조 인당뮤지엄 관장은 “이번 전시회는 지역민에게 민화의 가치와 아름다움을 널리 알릴 수 있는 좋은 기회”라고 말했다. 대구=김덕용 기자 kimdy@segye.com

어린 시절 학교에서 근처의 사찰로 야외학습을 간 적이 있다. 동네에서 멀지 않은 절이었지만 불교와는 거리가 먼 집안에서 자란 내게 절은 아주 낯선 곳이었다. 경내에 가득한 향냄새, 스피커로 울려 퍼지는 목탁소리 등 내 감각을 통해 전달되는 모든 정보가 이질적이었지만, 그중에서도 가장 낯설었던 것은 시각정보였다. 특히 사찰 입구에 있는 천왕문을 통과하면서 마주친 사천왕상은 거의 충격에 가까웠다. 사람보다 훨씬 큰 조각이 툭 튀어나올 것 같은 눈으로 내려다보는 모습은 어린 시절, 불교라면 그저 불상 정도만 알고 있었던 나를 놀라게 하기에 충분했다. 물론 사천왕상이라는 형태 자체가 보는 사람들을 압도하도록 디자인되어 있기 때문에 나의 놀란 반응은 당연한 일이었을 것이다. 하지만, 아직도 내 기억에 생생하게 남아있을 만큼 강렬했던 것은 사천왕상의 색이었다. 우리나라 전통 건축물에 사용된 단청(丹靑)과 비슷하게 청, 적, 황, 백, 흑이 사람의 모습을 한 조각상에 적용되었다는 것이 더욱 충격적이었겠지만, 그것이 어떤 색이든 상관없이 거대한 인물상이 그렇게 채색되어 있다는 것 자체가 전달하는 느낌은 일종의 두려움에 가까웠다. 왜냐하면 그때까지 내가 본 인물조각은 채색되지 않은 것들이었기 때문이다. 지금이야 (가령 김경민 조각가의 작품 같은) 공공예술 등을 통해 채색된 인물상을 보는 일이 드물지 않지만, 조금만 오래된 조각상들을 생각해보면 대부분 채색을 꺼려왔다는 사실을 발견할 것이다. 서울의 대표적인 공공미술이라고 할 수 있는 광화문의 이순신상(1968)이나 비교적 근래에 세워진 세종대왕상(2009)에 페인트로 사실적인 채색을 한다고 생각해보자. 멀쩡한 동상을 왜 천박하게 만드느냐는 항의가 빗발칠 게 분명하다. 그 두 동상은 추상조각이 아니고 실존인물을 사실적인 방법으로 묘사한 것이다. 그런데 그걸 더욱 사실적으로 보이도록 피부색과 곤룡포의 황금색과 붉은색을 칠하는 것이 왜 이상하게 느껴질까? 그 이유는 우리가 가지고 있는 조각에 대한 선입견 때문이다. 우리는 불상이나 사천왕상처럼 특별히 동양의 전통을 따르는 인물상이 아니라면 대부분의 동상, 특히 인물상은 채색을 하지 않는다는 선입견을 가지고 있다. 그리고 그것은 서양의 전통에서 왔다. 우리나라에는 위인이나 유명한 인물의 모습을 공공장소에 동상이나 석상으로 세우는 전통이 존재하지 않는다. 따라서 한국의 길거리나 공원에 세워진 동상들은 모두 서양문물을 받아들인 근대 이후에 만들어진 것들이다. 그런데 서양의 전통적인 조각상들은 그것이 대리석으로 만들어졌든 청동으로 만들어졌든 상관없이 채색을 하지 않고 재료가 그대로 드러나 있고, 우리는 그 전통을 가져온 것이다. 가령 르네상스 조각의 거장 미켈란젤로의 대리석상들을 보면 전혀 채색되어 있지 않다. 미술사라는 학문이 태동한 시점이 바로 르네상스 시기이고, 그 이유는 그때가 훗날 모든 예술가의 존경을 받는 천재적인 대가들이 집중적으로 등장한 시기이기 때문이다. 게다가 우리가 아는 밀로의 비너스 등 고대 그리스의 조각들 역시 하얀 대리석이기 때문에 서양 미술사는 채색되지 않은 하얀 대리석 조각이야말로 정통이었고, 아름다움의 기준으로 생각했다. 그런데 그게 과연 사실일까? 세상의 모든 역사는 항상 새롭게 다시 쓰인다지만, 21세기에 들어와서 고대 그리스 로마 조각만큼 충격적인 변화를 겪는 역사도 드물다. 2003년 독일 뮌헨에서 시작되어 10년 넘게 전 세계를 순회한 ‘채색된 신들(Gods in Color)’이라는 전시회는 고대 그리스 로마의 조각상들이 흰색이었다는 상식을 통째로 뒤집어 버렸다. 독일의 고고학자 빈첸츠 브링크만의 오랜 연구의 결과물인 이 전시회는 우리가 처음부터 하얀 대리석으로 제작된 줄 알았던 고대의 석상 대부분이 화려하게 채색되어 있었다는 사실을 보여주었다. 브링크만과 다른 많은 학자의 연구에 따르면 고대 그리스와 로마의 석상들은 피부와 머리카락, 옷, 장식이 밝고 화려한 색으로 칠해져 있었다. 하지만 파괴되지 않고 후세에 전해진 조각상들은 험한 기후에 노출되어 수백 년이 지나는 동안 물감을 모두 잃었고, 땅속에 묻혔다가 꺼낸 조각의 표면에 남아있던 물감은 발굴한 사람들이 흙을 떨어낼 때 함께 떨어져나갔다. 그 결과 르네상스 시절에 이르면 고대의 조각상들은 모두 우리가 아는 하얀 대리석이었고, 르네상스라는 단어가 의미하듯 과거를 되살리려 했던 당시 예술가들이 자신의 작품에 채색을 하지 않았던 것은 당연한 일이다. 그렇다면 브링크만은 그 사실을 어떻게 알게 되었을까? 1980년대 초 석사과정으로 연구하던 시절 그는 고대 조각가들이 어떤 종류의 도구로 돌을 깎았는지를 연구하기 위해 특수한 전등을 사용해서 표면을 자세히 살펴보다가 석상 표면 구석구석에 물감자국이 남아있는 것을 발견한 것이다. 그리고 그런 자국은 한 석상에만 국한된 것이 아니었고, 그 사실을 안 브링크만의 연구가 시작된 것이다. 그런데 여기에서 한 가지 의문이 생긴다. 르네상스 이후로 무수히 많은 미술사학자가 무수히 많은 그리스 로마 조각을 샅샅이 살피고 연구해왔는데 어떻게 1980년대에 들어서야, 그것도 대학원생의 눈에 처음 띄게 되었을까? 이 질문의 답은 바로 유럽인들의 편견에 있다. 유럽의 고고학자들과 미술사학자들은 이미 오래전부터 고대 조각의 표면에서 물감자국을 발견했다. 하지만 그런 자국을 발견할 때마다 흙과 함께 열심히 털어버렸다. 그들의 생각 속에는 르네상스 거장의 대리석 조각이 있었고, 그 거장들은 당연히 고대의 조각들을 참고했을 것이기 때문에 고대 그리스와 로마, 그리고 르네상스를 잇는 채색되지 않은 하얀 대리석 조각이라는 계보를 가정하고 있었다. 그렇게 생각한 대표적인 미술사학자가 그 유명한 요한 요하임 빙켈만이다. “신체는 희면 흴수록 아름답다”고 믿었던 그에 눈에 미세한 물감 자국은 띄지 않았고, 보였어도 대수롭지 않게 생각했고, 아무도 부인할 수 없을 만큼 분명한 물감 흔적이 발견되면 그 조각은 그리스 이전의 다른 문명의 유물이라고 치부했다. 그리고 그런 그의 생각에서 백인우월주의의 느낌을 피하기 힘든 것이 사실이다. 왜냐하면 근대 이후로 유럽의 인종차별 역사에서 백인의 우월성을 이야기할 때 그리스 로마의 대리석 조각은 꾸준히 등장해왔고, 지금도 많은 백인우월주의자가 그렇게 생각하고 있다. 18, 19세기의 유럽학자들은 같은 지중해 문명에 속한 이집트에서 발견된 채색된 조각은 ‘비유럽 문화’이기 때문에 그런 것이고, 유럽 백인들은 순수한 흰색을 면면히 유지해왔다는 허구를 만들어내어 믿었고, 20세기에 들어와서는 인종주의를 믿지 않는 예술가나 학자들도 흰색의 미학을 이어받았던 것이다. 다행히 브링크만을 비롯한 많은 학자의 노력은 21세기에 비로소 결실을 맺었고, 많은 미술사 교과서가 ‘채색된 그리스 로마 조각상’을 정설로 가르치고 있다. 하지만 고대의 채색 조각이 우리에게 가르쳐주는 것은 고대 그리스 로마 사람들의 사고방식만이 아니다. 우리의 편견과 굳은 사고는 눈앞에 있는 증거도 보지 못하게 할 수 있다는 사실이다. 박상현

인간의 몸으로 피할 수 없었던 생명의 유한함에 직면했던 경험을 식물로 풀어내는 작업을 이어온 정윤영(32) 작가의 네 번째 개인전 ‘겹의 언어’전이 8월 21일부터 27일까지 서울 종로구 팔판동 갤러리도스에서 열린다. 정 작가는 순수 회화에 불교미술의 요소를 가미시킨 자신만의 고유한 작업 방식으로 평면 회화 작품 20여 점을 선보인다. ‘겹의 언어’라는 전시 제목이 호기심을 자극한다. 일반적으로 ‘언어’는 ‘생각을 나타내거나 전달하는 데에 쓰는 음성, 문자 따위의 수단. 또는 그 음성이나 문자 따위의 사회 관습적인 체계’를 의미한다. 그러한 언어가 ‘겹쳐진다’면, 어떤 일이 일어날까? 잡힐 듯 잡히지 않는, 알 듯 말 듯한 의미가 여러 겹으로 포개어져 위장(僞裝)한 채 숨바꼭질을 하고 있는 듯 하다. 그 이야기에 귀 기울여보자. 사람들이 일반적으로 이야기하는 몸은 대부분 ‘질병 없는 몸, 고통 없는 몸, 무결한 상태의 몸’이다. 하지만, ‘건강하지 않은 몸, 불안을 겪는 몸, 질병을 겪는 몸’도 사실은 모두 ‘몸’이다. 우리는 별다른 생각 없이 건강한 몸에 대한 환상을 가지고 늘 그것을 염원한다. 그러나, 우리가 항상 건강한 몸을 유지할 수 있을까? 또, 완전한 건강이라는 것이 정말 존재하는 것일까? 질병은 우리의 염원처럼 제거되고 소거되어야 하는 대상일까? 정 작가는 바로 이러한 질문에 천착하여 작업을 진행하였다. 개인적으로 불완전한 몸에서 비롯된 상실감을 바탕으로 ‘어디까지가 나의 몸일까?’라는 의문을 가졌다. 특히 이번에 선보일 작품에서는‘나만의 정서로 만들어놓은 몸’을 생성과 소멸의 과정으로 바라봤다. “존재와 시간 사이의 관계는 다층적이다. 비록 납작한 평면 그림에 불과할지라도, 얇고 유약한 비단 위에 이전에 남겨진 붓질이 스며들고 다음 것 위에 얹혀져 이어지는 상태는 새로움을 만드는 것이라기 보다 남아있는 상태에 덧붙여지고 또 덧붙여진 채로 지속되고 있는 나의 과거이자 현재 그 자체다. 나의 현재와 현존을 작품으로 가시화하는 과정에서 어떤 감정들이 시시각각 겹쳐진다. 인간이기 때문에 겪게 되는 영원하지 않다는 것, 그리고 한계에 직면했던 과거의 경험은 현재까지 그 잔영이 남아있다.”(작가노트 중에서) 정 작가는 자연에 존재하는 것들을 통해 자신의 내면을 재현하는 작업을 이어가고 있다. 그의 작업에서 식물은 지속적으로 모티프가 되어왔다. 이번 전시에서 선보이는 작업에 등장하는 식물의 이미지는 기존의 탐미적이었던 꽃과는 차별성을 보인다. 특히, 식물로 위장한 것처럼 보이는 신체의 이미지는 숨겨져 있으면서도 드러내고 싶은 것처럼 어딘지 모르게 의심스럽다. 자신의 신체에 새겨진 고통의 기억, 그리고 존재의 연약함을 일상적으로 자각하며 살아가야 하는 인간의 유한함은 정 작가에게 중요한 성찰의 대상이다. 매우 현실적이고 물리적이면서, 동시에 극도로 형이상학적이고 종교적이기까지 한 모순적인 사고와 감정들이 자아 안에 뒤섞여있다. 정 작가의 작품에는 선명한 색채와 부드러운 생동감을 전해주는 선적인 리듬의 조화가 눈에 띈다. 꽃잎의 수맥을 연상시키는 섬세한 선묘, 율동적으로 흐르는 듯한 굵직한 선적 요소들, 때로는 세밀한 부분들을 대담하게 덮어버리는 붓 터치, 흐르는 물감 등으로 다양한 형태와 색채가 자유롭게 어우러진 화면은 부단한 조형 실험의 흔적이다. 역동적이고 추상적인 화면 위에 제시된 절개된 꽃의 단면, 잎의 줄기, 혹은 장기를 연상시키는 유기적인 형태들은 무한한 자유로움과 어우러진다. 그는 병상의 경험에서 비롯된 덧없는 존재로서 유한한 삶을 영위하는 것에 대한 불안정함, 막연한 느낌, 스치는 생각, 안타까운 기억들을 다소 모호하지만 그것을 매개로 하여 감정을 되살려내어 캔버스에 옮긴다. 미술계 내에서는 작가가 자전적이거나 개인적이고 내밀한 이야기를 담는 작업을 하면, 감성적인 ‘일기장 작업’으로 구분 짓고 그 가치를 폄하하는 분위기가 있다. 하지만 연약한 인간의 몸으로 피할 수 없는 병마의 고통에 직면하여 생명의 유한함을 뼈저리게 체험했던 고독한 시간, 생명에 대한 갈망과 애착, 생명의 지속을 위한 노력에 대한 성찰은 사적 영역에서 그치는 것이 아니라, 누구에게나 있을 법한 일이기에, 이러한 일련의 사적인 경험에 관한 기억을 중첩이라는 방식으로 구현한 작업으로 함께 나눈다는 점에서 너와 나의 이야기이자 우리의 이야기이며 또 다른 형태의 예술이 될 수 있다. 정 작가는 작품에서 모순으로 가득한 현실을 살아가지만 결국 모든 것이 다르지 않음을 깨닫는 과정에서 서로 다른 것들을 함께 둔다. 결국 이러한 이질성의 공존을 통해 전하고자 하는 메세지는 혼종을 통한 생명의 연장과 새로운 생명의 시작을 염원하는 것이다. 그의 작품에 내포된 윤회를 통한 끊임없는 존재의 지속, 죽음 다음에 이어질 다른 차원의 존재에 대한 성찰은 ‘지금, 여기’에서 경험하는 가시적인 갈등 요소들이 영속하지 않음을 알고, 없어질 것에 대한 욕망의 허무함을 보는 이들로 하여금 자각하게 한다. 그의 개인적인 기억의 과정을 보여주는 ‘겹의 화면’은 작가의 선별적인 선택을 통해 미학적으로 승화된 깨달음의 기쁨을 공유할 준비를 마쳤다. 조정진 기자 jjj@segye.com

국립춘천박물관, 강원도 고성군은 관동팔경 특별전 ‘고성 청간정’을 기념하기 위해 박물관 중앙홀에서 고성의 청간 해변과 청간정을 간접적으로 느껴볼 수 있는 포토존(사진)을 설치하고 이벤트를 진행한다고 4일 밝혔다. ‘8월의 추억 사진 증정 이벤트’(7~14일)는 청간정 포토존에서 사진을 찍으면 10월 말 특별전이 시작할 무렵 자신의 글씨가 새겨진 사진과 함께 박물관에서 사용할 수 있는 1만원 상당의 커피 쿠폰을 보내주는 행사다. ‘게릴라 폴라로이드 촬영 증정 이벤트’는 오는 7~9일 등이 진행된다. 기간 내 선착순 100명까지 무료로 기념 포토존에서 즉석 사진을 찍어 제공한다. 12월까지 진행하는 ‘SNS 해시태그 인증이벤트’는 포토존에서 사진을 찍어 본인의 소셜네트워크서비스(SNS)에 제시된 해시태그와 함께 업로드하면 참여자 중 추첨을 통해 커피 쿠폰을 상품으로 제공한다. 강구열 기자 river910@segye.com

5회째를 맞는 ‘한국여성극작가전’(사진)이 다음달 4일부터 10월 13일까지 서울 종로구 대학로 스카이씨어터에서 열린다. 한국여성연극협회가 2013년 시작한 한국여성극작가전은 국내 여성 극작가의 작품을 대중에게 소개하는 행사다. 2016년 제4회 행사를 열었는데, 연극계 내부 갈등으로 중단됐다가 3년 만에 재개되는 것이다. 올해 개막작은 이미정 작가·이정하 연출의 ‘미스테리 맘’(9월 4∼8일)이다. 일상의 소소한 기쁨을 되새기는 여자의 시선으로 삶의 희로애락을 그린다. 여성 독자들의 폭발적인 지지를 받은 에세이 ‘죽고 싶지만 떡볶이는 먹고 싶어’(9월 18∼22일)도 연극으로 선보인다. 백세희 작가의 우울증 극복기가 백은아 연출과 만나 무대에서 어떤 화학작용을 할지 기대를 모은다. 최명희 작가·김국희 연출의 ‘내 사랑 외디푸스’(9월 11일∼15일), 홍란주 극작·연출의 ‘거트루드’(9월 25∼29일), 정경진 작가·노승희 연출의 ‘그 집’(10월 2∼6일), 이지훈 극작·연출의 ‘나의 강변북로’(10월 9일∼13일)까지 6개 작품이 무대에 오른다. 한국여성연극협회는 “여성극작가전은 여성 예술인들의 지속 가능한 문화교류를 목표로 한다”고 밝혔다. 박성준 기자 alex@segye.com

문화체육관광부 해외문화홍보원은 4일(현지시간)에 브라질 최대의 문화경제 중심지인 상파울루 파울리스타에서 주브라질한국문화원(사진)의 국유화·이전 개원식을 개최한다고 1일 밝혔다. 주브라질한국문화원은 아르헨티나, 멕시코에 이어 중남미 지역에서는 세 번째로 2013년 10월 문을 열었다. 이번에 도심의 건물을 새롭게 매입해 이전, 개원한다. 2개 층, 연면적 849㎡로 조성된 새 한국문화원은 2009년 ‘오늘의 젊은 작가상’을 수상한 김기라 작가가 설계부터 참여해, 한국 건축을 상징하는 기역자형 대들보 상징물에 한국적 색감을 살린 공간으로 거듭났다. 특히 디지털한국문화체험관을 새롭게 설치해 첨단기술을 접목한 문화 콘텐츠를 체험할 수 있도록 했다. 상파울루 파울리스타 대로에서 열리는 이전 개원식에는 남사당 놀이패와 인기가수 공민지의 거리 축하공연을 비롯해 김묵원 작가의 드로잉 공연 등이 펼쳐진다. 홍보원 김태훈 원장은 “이전 개원 후 한 달 동안을 한국문화 특별홍보기간으로 정하고, 비무장지대(DMZ) 전시회, ‘전통음악아카데미’ 등의 문화행사를 열 계획”이라며 “상파울루의 중심지에 자리 잡은 한국문화원을 통해 한국문화의 홍보와 양국의 문화교류가 더욱 활발히 이루어지기를 기대한다”고 밝혔다. 강구열 기자 river910@segye.com

◆수원시립아이파크미술관 ‘셩: 판타스틱 시티’전 수원시립아이파크미술관의 ‘셩: 판타스틱 시티’전은 유네스코 세계문화유산인 수원 화성과 이를 축조한 조선 제22대 왕 정조(1752∼1800)에 대한 이야기다. ‘셩’은 성(城)과 함께 정조의 이름을 뜻한다. 미술관 측은 “정조 20년에 반포된 ‘어정규장전운’에 ‘?’의 음이 ‘산’이 아닌 ‘셩’으로 표기돼 있다”고 설명했다. 국내 작가 10명이 수원 화성과 정조를 주제로 설치, 회화 등 신작 22점을 선보인다. 민정기 작가는 도시 풍경에 역사 이야기를 재구성한 ‘서장대에서 본 광교산’ 등 세 점을 내놓았다. 김도희 작가의 ‘만인융릉’도 눈에 띈다. 네 가지 색의 흙으로 성인 손바닥만 한 무덤 수천기를 전시장에 일일이 쌓아 올려 만들었다. 성 축조에 힘을 보탰을 이름 없는 민초들을 상징하는 듯하다. 전시를 관람한 뒤 미술관 옆에 있는 수원 화성 성곽길을 거닐며 전시의 의미를 곱씹어 보는 것도 좋다. 전시는 오는 11월3일까지. ◆부산시립미술관 ‘핀란드 웨이브’전 부산시립미술관은 해외로 눈을 돌렸다. ‘핀란드 웨이브’(Finnish aalto)전은 제목 그대로 핀란드의 문화·예술을 다룬다. 가구와 공예품, 의상 등 디자인과 현대미술을 망라한다. 핀란드 작가 34명과 미디어 아티스트 듀오 IC98의 작품 총 181점이 전시된다. 특히 핀란드의 디자인 거장 알바 알토(1898∼1976)의 파이미오 의자가 눈길을 끈다. 나무를 구부려 만든 인체 공학적 구조가 특징이다. 1931년 디자인한 작품이란 사실이 놀랍다. 카이 프랑크(1911~1989)의 1950년대 유리공예 작품도 시대를 앞서갔다. 설치미술가인 카리나 카이코넨은 부산 시민들이 기증한 헌옷 800여벌로 미술관 2층 로비에 ‘우리는 당신의 날개’란 작품을 만들었다. 미술관 측은 “핀란드 사진작가 그룹인 헬싱키 스쿨에 대한 전시 아이디어가 대규모 국제 기획전으로 확대됐다”고 설명했다. 전시는 오는 11월26일까지. ◆대전시립미술관 ‘한국화, 신와유기’전 대전시립미술관은 ‘한국화, 신와유기’전을 열고 있다. 와유(臥遊)는 누워서 유람한다는 뜻. 조선 시대 선비들이 집에서 명승이나 고적을 그린 그림을 감상하는 것을 이르던 말이다. 한국화가 22명의 작품 48점을 통해 관람객들도 한국화의 와유를 경험해 볼 수 있다. 이 중 황인기 작가의 신작 ‘겨울 남곡리’는 한국화에 대한 고정관념을 깨는 디지털 산수화다. 작업실을 오가며 본 풍경을 디지털 픽셀로 전환해 합판에 플라스틱 블록으로 표현했다. 가로 5.76m, 세로 2.88m에 달하는 대작이다. 대전을 비롯한 충남 지역은 한국화가를 여럿 배출했다. 이번 전시에 참여하는 작가 중 한국화 거장인 민경갑(1933∼2018) 작가와 조평휘·이종상·정명희·오윤석 작가도 충남 출신이다. 전시는 오는 10월13일까지. 박진영 기자 jyp@segye.com

“‘데이비드 호크니’전처럼 당대 현대미술 현장과 결합하면서 관람객들의 요구를 충분히 수용할 수 있는 현대미술 걸작전을 2년마다 홀수 연도에 진행할 예정입니다.” 백지숙(사진) 서울시립미술관(SeMA) 관장은 지난 29일 취임 후 첫 기자 간담회에서 “관습적인 명화전이나 대중문화전에서 벗어나겠다”면서 이같이 포부를 밝혔다. 백 관장은 올해 3월 2년 임기에 들어갔다. 다음 달 4일 막을 내리는 ‘데이비드 호크니’전은 올해 미술계에서 관심이 뜨거웠던 전시다. 영국 출신 작가 데이비드 호크니(82)의 작품 세계를 다룬 이 전시에 지난 4개월여간 30만여명이 다녀갔다. 백 관장은 “관람객의 연령층이 10대부터 80대까지 골고루 분포돼 있고, 관람 시간도 평균 1시간30분에 달한다”고 설명했다. 짝수 연도에는 서울미디어시티비엔날레에 주력한다. 내년 20주년인 제11회 비엔날레 예술감독으로 프랑스 퐁피두센터의 융 마 큐레이터를 선임했다. 첫 외국인 예술감독이다. 백 관장은 또 장소가 아닌 권역과 기능, 역사에 기반을 둔 네트워크형 미술관을 지향한다. 미술관이 운영하는 공간은 본관과 분관 2개 등 총 7개. 여기에 2022년까지 평창동 미술문화복합공간과 서서울미술관, 서울사진미술관을 만들어 특성화를 꾀한다. 이를 위해 오는 11월 2021∼2030년 중장기 발전 계획을 수립한다. 무엇보다 예산 확보가 관건. 백 관장은 어려움을 토로하면서도 “후원 주체의 맞춤형 사업 포트폴리오를 구성하겠다”고 했다. 박진영 기자

국내외 젊은 작가들의 동향을 살펴볼 수 있는 전시가 진행 중이다. 학고재는 서울 종로구의 신관에서 소속 작가 단체전 ‘프리뷰 PREVIEW’를 열고 있다. 학고재 소속 작가 6명의 드로잉, 회화 등 작품 총 28점을 선보인다. 김현식(54)·이우성(36)·박광수(35)·장재민(〃), 영국 작가 톰 안홀트(32), 독일 작가 팀 아이텔(48)이 그 주인공이다. 최근 학고재에서 개인전을 열었거나 열 예정인 작가들이다. 이 중 이우성 작가의 ‘한여름’(2015)은 여름에 어울리는 작품이다. 금방이라도 잘 익은 수박이 반으로 갈라져 빨간 속이 훤히 드러나 보일 것만 같다. 강렬한 보색 대비가 인상적이다. 장재민 작가는 장승들이 늘어선 모습에 착안한 신작 ‘토템 폴 #4’(2019)를 선보인다. 거친 붓질로 채워진 회색빛 캔버스를 들여다보면 장승의 형상이 드러난다. 작가는 “오늘날 쓸모를 잃은 장승들은 세월을 감내하며 본연의 자리를 지키고 있지만 관심을 갖고 살펴보지 않으면 쉽게 잊히는 풍경이 됐다”고 말한다. 박미란 학고재 큐레이터는 “올해 개관 31주년인 학고재의 다음 세대 풍경을 내다보고 기반을 다지기 위해 마련한 전시”라면서 “뚜렷한 개성을 바탕으로 독자적인 작품 세계를 구축해 온 젊은 작가 위주로 전시를 구성했다”고 설명했다. 전시는 오는 9월8일까지. 박진영 기자 jyp@segye.com