고전과 현대를 아우르는 동화 일러스트를 통해 동심의 세계에 빠져들 수 있는 전시회가 열리고 있다. 경기 광명시의 호반아트리움은 ‘아트 인 더 북(ART in the BOOK): 감성을 깨우는 일러스트 판타지 세계’전을 준비했다. 출판사 여원미디어·한국가드너와 협업해 국내외 그림책 작가 20여명의 원화 등 다양한 작품 300여점을 선보인다. 한국인이 사랑하는 ‘신데렐라’나 ‘인어공주’, ‘장화 신은 고양이’를 비롯한 고전 동화뿐 아니라 이란 작가 라시나 크헤이리예의 ‘내가 만약 시장님이 된다면’, 프랑스 작가 산드라 푸아로트의 ‘우리 아빠는 광부’ 등 현대 작품도 만날 수 있다. 이탈리아 작가 프란체스카 델로르토의 ‘신데렐라’는 이번 전시에서 처음 공개한다. 또 2008∼2011년 볼로냐 국제아동도서전과 브라티슬라바 일러스트레이션 비엔날레(BIB)에서 수상한 작가들의 작품도 소개한다. 호반아트리움 관계자는 “관람객들이 그림을 그리고 각자 생각을 적는 공간도 마련했다”면서 “오감으로 느끼고 받아들일 수 있는 전시로 기획했다”고 설명했다. 전시는 내년 2월9일까지. 박진영 기자 jyp@segye.com

김홍도와 김응환은 1788년 정조의 명령을 받아 금강산을 유람했다. 두 화가가 금강산의 풍경을 그림으로 남긴 것은 물론이다. 김홍도는 이때 정조에게 보이기 위한 두루마리를 제작했다고 하는데 지금 전해지지는 않는다. 그러나 이 두루마리의 밑그림으로 추정되는 ‘해동명산도첩’(海東名山圖帖·사진)이 남아 있다. 묵풀로 그린 32점인데, 빠른 속도로 그렸으나 현장을 생동감 있게 전한다. 김홍도보다는 덜 알려진 김응환은 당대에 “중국 화가의 필적”, “정밀한 그림에 맞지 않는다” 등의 평가를 받은 화가다. 그가 금강산을 보고 그린 ‘해악전도첩’(海嶽全圖帖)은 김홍도의 세심함과 대비되는 거침없는 필치가 돋보인다. 김홍도, 김응환의 작품은 국립중앙박물관의 특별전 ‘우리 강산을 그리다: 화가의 시선, 조선시대 실경산수화’에서 동시에 감상할 수 있다. 개인 소장의 해악전도첩은 60점으로 구성되는데, 이번 전시회에서 펼쳐놓은 약 40점 대부분은 일반에 처음 선보이는 것이다. 전시회는 고려후기부터 조선후기까지 우리의 산천을 그린 실경산수화 360여점을 선보이는데, 절정은 역시 조선후기의 작품들이다. 겸재 정선의 이름이 가장 우뚝하다. 그의 ‘풍악도첩’(楓嶽圖帖)은 세밀한 필치와 과감한 구도가 인상적이다. 박물관 이수미 미술부장은 “진경산수화는 18세기 이후 정선의 영향권에 있는 실경산수화라고 보면 된다”며 “진경산수 화가들은 실경산수화 전통 위에서 중국 남종화 양식을 수용하고, 자연 변화를 민감하게 관찰해 독창적 시각과 화법을 심화했다”고 설명했다. 강구열 기자

#‘꽃나무는 심어 놓고’에서 보는 근대와 지금의 꿈 이번 여름 흥행 중인 전시에는 서울시립 북서울미술관의 한국근현대명화전 ‘근대의 꿈: 꽃나무는 심어 놓고’가 있다. 대한민국임시정부 수립 100주년을 맞이해 우리 근현대 시기의 주요 작품을 선보이는 자리다. 구본웅, 권영우, 권진규, 김환기, 나혜석, 남관, 박노수, 장욱진, 천경자, 한묵 등 작가 30여명의 작품을 만날 수 있다. 평소 미술에 관심이 있다면 한 번쯤 들어 보았을 이름들이다. 흥행의 이유에는 레트로 열풍의 긍정적인 영향으로 늘어난 역사에 관한 관심이 있을 것이다. 전시는 개막과 동시에 하루 평균 관람객 2000여명을 모았다. 세계적 아이돌 그룹 방탄소년단(BTS)의 리더 RM이 전시장을 방문하며 인기의 상승 곡선은 더욱더 가팔라졌다. 그가 기념사진을 찍은 김환기의 ‘영원한 노래’(1957)에 특히 인파가 몰린다는 소식이다. 미술관 측은 작품 보호를 위해 아크릴 액자를 설치할 예정이라고 밝혔다. RM이 이 작품 앞에 선 것은 팬들 사이에서 큰 반향을 일으키고 있다. 작품 제목이 가수란 직업과 부합해 오랜 시간 노래하는 사람으로 남겠다는 다짐으로 해석되기 때문이다. 개인적으로는 20세기와 21세기 한국을 대표하는 예술가의 만남으로 보여 의미가 있다. RM은 영국 런던에서, 김환기는 브라질 상파울루에서 한국인이 오른 적 없는 무대에 최초로 섰던 이들이다. #김환기, 남도에서 서울, 서울에서 일본, 그리고 파리로의 여정 김환기(1913~1974)는 1963년 상파울루비엔날레에 한국에서 처음 참가한 작가다. 이때 출품한 작품으로 명예상을 수상하는 쾌거를 이루기도 했다. 상파울루비엔날레는 1951년 브라질 문화 융성에 크게 기여한 프란치스코 마타라초 소브리뉴가 창설했다. 베니스비엔날레, 휘트니비엔날레와 함께 세계 3대 비엔날레로 꼽힌다. 김환기는 1913년 전남 신안군 기좌도(현 안좌도)에서 태어났다. 섬 소년으로 푸른 바다와 짙은 하늘 속에서 자랐다. 이 영향으로 바다와 하늘을 닮은 현색과 심청색을 작품에 자주 사용했다고 생각한다. 남도 부농의 외아들인 그는 15세에 서울로 유학을 떠나 중동학교에 입학했다. 미술에 재능을 보여 본격적으로 공부를 하고자 일본으로 건너갔다. 도쿄 일본대학 예술학원 미술부에 진학해 졸업했다. 이어서 같은 대학의 연구과 과정을 수료했다. 재학 시절 일본 개혁기에 서구 화법을 도입한 진보적 작가들을 스승으로 두었다. 기무라 쇼하치를 비롯해 나카시마 주니로 등 후기 인상주의 양식을 따른 이들이다. 또 동료 작가들과 아방가르드 양화연구소, 백만회 등의 그룹을 조직했다. 입체파, 미래파 등 서양의 새로운 미술 경향을 함께 익히며 대담한 시도를 펼쳤다. 대상을 있는 그대로 그리기보다는 추상적으로 해석해 내는 식이었다. 그는 귀국 이후 화가이자 교육자, 미술 행정가로 활동했다. 다양한 분야에서 한국 추상미술의 기반을 마련하는 데 앞장선 것이다. 1950년까지는 서울대 미술대학에 재직했다. 6·25전쟁이 일어나자 부산으로 피란해 홍익대 교수로도 일했다. 대표적인 제자이자 사위로 단색화 주요 작가인 윤형근이 있다. 한국미술협회 이사장을 역임하기도 했다. 이러한 활동 속에 ‘우리 것을 그려야 한다’는 자각을 거쳤다. 여러 문인과의 교류를 통해 알게 된 우리 고유의 미의식을 작업에 포함하기 시작했다. 기존의 추상화에 달, 매화, 구름, 나무, 달항아리 등 한국적 모티브를 등장시켰다. “코리아는 예술의 노다지올시다”라며 지인에게 글을 남긴 적도 있다. 작업의 원천을 한국적 미와 풍류에서 찾았음을 그대로 전한다. 1956년 프랑스 파리로 유학을 떠나서도 이런 경향을 지속했다. 낯선 땅에서 자기 정체성을 고민하며 더 강해졌다고 볼 수도 있다. 자기 작품이 가질 수 있는 고유한 정신이 나고 자란 곳에서 옴을 알게 됐다. 그리고 그것을 오랜 시간 작업에 담아내는 작가로 남기 위해 연구했다. ‘영원한 노래’는 이때 작업 세계를 반영한 작품이다. 실내에서 창문을 통해 보이는 풍경을 그렸다. 한국적 모티브 중에서도 십장생, 매화 등 전통적 영원 관념의 소재가 등장한다. 그것들을 자신이 창조해 낸 추상적인 분할 화면 안에 조화롭게 배열했다. 선의 교차로 인해 디자인적으로 느껴질 수 있으나 전보다 물감을 두껍게 칠해 조절했다. #뉴욕 밤하늘에 떠올린 그리운 얼굴들, ‘어디서 무엇이 되어 다시 만나랴’ 앞서 언급한 1963년 상파울루비엔날레는 김환기의 작업 인생을 뒤집어 놓았다. 그는 참여 작가인 동시에 커미셔너 역할을 맡아 비엔날레를 참관했다. 그리고 세계 미술계의 활동 무대가 파리에서 미국 뉴욕으로 움직이고 있음을 알게 됐다. 뉴욕에서 잭슨 폴록을 중심으로 생겨난 추상표현주의는 특히 인상 깊었다. 일정을 마친 직후 귀국하지 않고 그대로 뉴욕으로 향했다. 1960년대에 예정에 없던 뉴욕행은 극적이라 말할 수 있다. 처음에는 어려움이 있었지만, 록펠러재단에서 지원금을 받게 됐다. 맨해튼 73가의 아파트에 작업실도 마련했다. 그곳에서 기존에 펼치던 작업에 대해서는 잠시가 됐든 영원이 됐든 잊기로 마음먹었다. 세계 무대에서 자리 잡기 위해서는 보편성과 근본성에 중점을 둬야겠다 생각했다. 그림의 기초가 되는 선과 점, 그리고 면을 연구하며 새로운 예술 항로를 개척했다. 그 끝에 다다른 것이 1970년에 등장한 전면 점화(點畵)다. 전면 점화는 글자 그대로 전면에 점이 있는 그림이다. 완성하기 위한 작업 과정은 다음과 같다. 거대한 캔버스에 점을 하나 찍는다. 점이 된 물감의 번짐이 멈출 때까지 기다린다. 번짐이 멈추면 그 옆에 또 다른 점을 찍어 화면을 메울 때까지 반복한다. 점이 가득 찬 화면을 향해 다시 붓을 든다. 점 하나를 개별 세계로 인식하고 그것의 주변을 선으로 둘러싼다. 모든 점을 선으로 둘러싸고 난 뒤에 한 번 더 그렇게 한다. 선을 그릴 때 사용하는 색은 점과 대비를 일으키거나 반대로 유사하다. 파랑과 노랑, 또는 빨강같이 서로 대비하는 경우에는 시각적 자극을 일으킨다. 비슷한 색이 어우러지는 경우에는 미묘한 진동이 생겨난다. 점은 자극과 진동을 통해 주변 세계로 확장하는 모양새를 갖게 된다. 마치 밤하늘 별이 빛을 뿜어내는 듯 보인다. 그리고 점은 무리를 이루거나 회전하면서 전체적인 질서와 조화를 이룬다. 별들이 우주에서 만들어 내는 질서, 화음과 똑 닮았다. ‘어디서 무엇이 되어 다시 만나랴’(1970)는 전면 점화의 대표 작품이다. 1971년 제1회 한국미술대상전에 출품해 대상을 받은 작품의 연작이다. 이것으로 변모한 작품 세계를 한국에 선보여 놀라움과 찬사를 받았다. 어느 비평가는 변화한 외면만을 마주한 때를 떠올리며 충격적이라고 쓰기도 했다. 물론 넓어진 내면의 세계를 깨닫고는 곧 감동했다고 한다. 작품 제목은 절친한 벗이었던 김광섭의 시 ‘저녁에’의 한 구절이다. 2015년 서울의 한 갤러리에서 작품 옆에 붙여 두었던 시가 선명하다. ‘저렇게 많은 중에서/ 별 하나가 나를 내려다본다/ 이렇게 많은 사람 중에서/ 그 별 하나를 쳐다본다/ 밤이 깊을수록/ 별은 밝음 속에 사라지고/ 나는 어둠 속에 사라진다/ 이렇게 정다운/ 너 하나 나 하나는/ 어디서 무엇이 되어 다시 만나랴’ 김환기는 이 시를 읽으며 고국의 친구들 생각을 하게 됐다. 뉴욕에서 한국인을 만나기란 드문 일이었다. 특히 예술을 교류할 사람은 백남준, 김창열 등 몇 되지 않았다. 하늘을 보며 그리운 대상을 떠올리는 동양적 사고가 바탕이 되어 작업을 시작한 것으로 보인다. 점을 하나 찍을 때마다 그리운 얼굴을 연상하고 그들과의 인연을 상징했다. 한 사람은 하나의 우주다. 그렇기에 이 작품은 수많은 우주가 담겨 있는 가늠할 수 없이 넓은 세계다. #김환기를 설명하는 말은 ‘김환기’ 전면 점화는 유채 물감이란 서구적 재료를 사용한다. 그런데도 한국화에서의 먹을 연상시키는 자연스러운 번짐과 스밈이 있다. 아스러지듯 사라지는 모습은 서정적인 분위기를 자아낸다. 세계 어디에도 없는 독자적인 조형 양식이자 느낌이다. 이런 이유로 전면 점화는 한국 미술 경매 최고가를 네 번이나 경신했다. 김환기의 라이벌이 김환기라고 불리는 이유다. 그리고 그 전에 김환기를 설명하는 말은 김환기라고 이야기한다. 김환기는 일본에서 귀국했을 때 김향안 여사와 결혼했다. 김 여사는 시인 이상의 아내였으나 사별하고 혼자인 상태였다. 결혼 이후 둘은 사랑하며 예술적 지지자로 남은 생을 함께했다. 1974년 김환기는 뇌출혈로 세상을 떠났다. 이후에도 김향안은 예술적 지지자의 역할에 충실했다. 작고 이듬해에 환기재단을 설립했으며 1992년에는 서울 종로구 부암동에 환기미술관을 세웠다. 이곳에 가면 그의 작품과 드로잉, 소품까지 만날 수 있다. 영원한 노래와 별, 그리고 꿈 그 자체가 그대로 있다. 김한들 큐레이터, 국민대 미술관·박물관학 겸임교수

김환기가 1958년에 그린 '항아리와 날으는 새'가 경매에서 11억원에 새 주인을 찾았다. 케이옥션은 지난 17일 강남구 사옥에서 개최한 7월 경매에서 이 작품이 이번 경매 최고가인 11억원에 낙찰됐다고 18일 밝혔다. 이 작품은 김환기가 프랑스에 머물 당시에 그렸는데, 새 한 마리가 항아리를 관통하는 모습을 화폭에 담았다. 크기는 가로 53㎝, 세로 72.7㎝이며, 전반적으로 푸른색을 띤다. 이외에도 박서보 작품인 '묘법 No. 10-78'이 9억8천만원에 낙찰됐고, 김종학이 그린 '설악의 여름'은 3억1천만원에 팔렸다. 고미술 부문에서 기대를 모은 대동여지도(大東輿地圖)는 추정가 5억5천만∼7억원에 나왔으나 유찰됐다. 경매 전체 낙찰률은 71%였고, 낙찰 총액은 70억240만원을 기록했다.

미술사가들은 흔히 에두아르 마네(1832~83)를 가리켜 ‘최초의 모더니스트(현대화가)’라고 부른다. 일반인들의 눈에는 마네가 인상파 화가인 모네, 혹은 입체파 화가인 피카소처럼 쉽게 눈에 띄는 화풍을 갖고 있지 않고, 그냥 이전 화가들의 그림과 크게 다른 점이 보이지 않기 때문에 그렇다. 등장인물들이 19세기의 옷을 입고, 현대적인 환경에 있다는 것 외에는 17, 18세기의 여느 그림 속 인물들과 크게 달라 보이지 않는데 왜 학자들은 마네를 특별하게 취급할까? 그가 1873년에 그린 ‘철도’라는 작품에서 단서를 찾아볼 수 있다. ‘철도’ 혹은 ‘생라자르역’이라고 불리는 이 그림은 수수께끼 같은 그림이다. 마네는 이 그림을 그리기 10년 전에 이미 ‘풀밭 위의 점심식사’, ‘올랭피아’ 같은 선언적인 작품으로 프랑스 화단에 충격을 주었다. 서양미술사에 잘 알려진 주제를 현대적인 시각으로 풀어내는 바람에 비판과 조롱을 받은 마네는 ‘철도’에서 평범해 보이는 젊은 여성과 어린 여자아이를 등장시켰다. 티치아노나 라파엘 같은 르네상스 거장들의 그림에 바탕을 두었던 ‘올랭피아’, ‘풀밭 위의 점심식사’ 같은 작품과 달리, ‘철도’는 과거의 어떤 그림도 연상시키지 않는다. 그뿐 아니다. 무릎 위에 갓 태어난 듯한 강아지와 책을 올려놓고 있는 이 여성과 등을 돌리고 서 있는 아이는 그 정체를 알 수 없다. 사람들은 이 여성이 아이의 엄마인지, 이모인지, 아니면 아이를 봐주는 보모인지 궁금해했지만, 그림에서는 아무런 단서를 찾을 수 없다. 게다가 화면 구성까지 어설퍼 보인다. 젊은 여성이 화면의 왼쪽으로 많이 치우쳐 있으니 여자아이가 중심인물일 것 같은데, 아이는 정작 등을 돌리고 있다. 그림의 제목은 철도이고, 당시 가장 크고 붐비던 생라자르역을 그렸지만, 기차는 보이지도 않고, 보기 흉한 검은 철창이 보는 사람의 시선을 가리고 있다. 마네는 무슨 생각으로 이 작품을 그렸을까? 사실은 이 그림이 가진 어정쩡한 구도, 정체를 알 수 없는 등장인물이야말로 마네가 현대화가, 즉 모더니스트임을 보여주는 요소들이다. 마네는 당시에는 존재하지도 않았던 ‘스냅샷’을 그림으로 표현한 것이다. 스냅샷이란 예술적인 표현이나 보도용 사진으로 사용할 의도 없이 일상의 모습을 대충 찍은 사진을 말한다. 미리 계획하지 않고 찍은 사진이라서 구도랄 것도 없고, 초점도 잘 맞지 않는 사진들이 대부분이고, 사진 속 장면에 특별한 의미나 주제가 없다. 그야말로 아무 생각 없이 눈앞에 있는 것을 찍은 사진이다. 하지만 스냅샷 사진과 마네의 이 그림에는 큰 차이가 있다. 스냅샷은 카메라로 손쉽게 찍으면 그만이지만 마네는 가로 114㎝, 세로 93㎝의 캔버스에 오랜 시간을 들여서 그려야 했기 때문이다. 당시 사람들은 마네가 불완전한 구도와 주제를 알 수 없는 장면을 정성껏 그린 이유를 이해하지 못했다. ‘올랭피아’와 ‘풀밭 위의 점심식사’는 논쟁거리라도 되었지만, 대중과 비평가들의 눈에 ‘철도’는 그냥 “못 그린” 그림이었을 뿐이다. 그러나 마네의 ‘철도’는 시대를 앞선 그림이었다. 마네가 ‘철도’에서 보여주려고 했던 현대세계의 모습은 1870년대 관객에게는 전달이 되지 않았지만, 마네보다 100년 늦게 태어난 미국의 대표적인 스냅샷 사진작가 개리 위노그랜드(1928∼84)가 사진으로 보여주었을 때는 대중도 마네가 보여주었던 ‘현대성(모더니티)’이 무엇인지 깨달았다. 길거리를 지나다가 마주치게 되는 장면을 가감 없이 사진에 담은 위노그랜드는 “내게는 사진 속 장면이 무슨 스토리를 담고 있는지 설명해야 할 의무는 없다. 잘 묘사할 의무만 있을 뿐”이라고 했다. 그는 사진으로 하여금 정해진 스토리를 전달하게 하는 것은 거짓말을 하는 것과 같다고 했다. 특정한 장면이 스토리를 갖고 있다는 것은 환상에 불과할 뿐이고, 작가는 눈앞에 펼쳐지는 장면을 잘 담기만 하면 된다고 믿었다. 이런 위노그랜드의 생각으로 ‘철도’를 보면 우리는 마네가 이 그림을 그린 의도를 충분히 이해할 수 있다. 그는 거창한 의미를 담은 웅장한 역사화를 그리던 선배 화가들과 달리, 자신이 사는 장소와 시간을 떠나지 않았다. 그림에 등장하는 생라자르역은 자신의 작업실 바로 옆에 있었다. 사람이 많이 몰리는 유명한 역이었지만, 그림에는 무슨 역인지 구분하기도 힘들 뿐 아니라, 그림에서 기차역임을 암시하는 요소는 방금 지나간 기차가 남겨놓은 증기뿐이다. 마네는 그것이 현대성이라고 생각했다. 현대의 도시는 전통적인 마을과 달리 사연도, 배경도 알 수 없는 익명의 사람들이 가득한 곳이다. 그런 장소에서 마주친 장면에 우리가 스토리를 부여할 수 있을지는 몰라도 그건 어디까지나 우리의 머릿속에서 만들어낸 허구다. ‘철도’에 등장하는 여성이 아이의 엄마인지, 아니면 보모인지를 알 수 있는 흔적이 없는 것은 그 때문이다. 아이의 얼굴을 볼 수 있으면 딸임을 알 수 있었을지 모르지만, 마네는 아이의 고개를 돌려 숨겨버렸다. 모델을 세워놓고 스튜디오에서 작업했음에도 불구하고 그림에 등장하는 모든 요소를 철저하게 우연히 마주친 풍경처럼 만든 것이다. 한 평론가는 이 그림 속에는 강아지와 책, 부채 등 다양한 소품들이 등장하지만 그것들은 모두 “팩트일 뿐, 단서가 아니다”고 설명했다. 여성의 얼굴은 완전한 무표정이고, ‘올랭피아’와 달리 관객인 우리가 아닌 다른 뭔가를 멍하니 보고 있다. 아이의 얼굴을 볼 수 있다면 아마도 똑같은 표정을 하고 있지 않을까? 두 명의 인물이 캔버스의 균형을 깨고 화면의 왼쪽으로 치우친 것도, 인물의 다리가 잘려나간 것도 마치 고개를 돌리다가 슬쩍 목격한 듯한 효과를 의도한 것으로 보인다. 단체사진이 존재하기 훨씬 전에 단체초상을 만들어낸 네덜란드 화가들과 마찬가지로, 마네는 스냅샷 사진이 등장하기 훨씬 전에 스냅샷을 그림으로 그려낸 것이다. ‘철도’는 마차를 타고 빠르게 지나가다가 내다본 창밖 풍경이라고 해도 과언이 아니다. 이렇게 시대를 앞선 작품을 대중과 평론가들은 몰라봤겠지만, 진부한 역사화에 질려 있었던 일군의 젊은 화가들은 놓치지 않았고, 마네가 추구하던 현대성이라는 주제를 이어받아 계속 발전시켰다. 그들이 바로 모네와 피사로 같은 인상주의 화가들이다. 마네는 인상파가 아니지만, 미술사 서적이 예외 없이 마네로 시작하는 이유는 그가 사람들의 눈앞에 있으면서도 아무도 정확하게 표현하지 못했던 현대성을 짚어내어 전달했기 때문이다. 도시에 사는 우리는 마네의 그림 속에 등장하는 무표정한 사람들을 항상 목격한다. 우리는 그들이 누구인지, 어디에서 와서 어디로 가는지 모르고, 무슨 사연이 있는지는 더더욱 알 수 없다. 그들 눈에 비친 우리도 마찬가지다. 그것이 마네가 발견한 현대성이었다.

국립민속박물관이 선조들의 여름철 일상을 담은 상설 전시 ‘한국인의 하루’를 새롭게 단장했다. 부채, 죽부인 등 피서용품을 비롯해 여름철 밭농사 도구 등 각종 유물 79점을 선보인다. 전시장 입구에서는 장기를 두는 두 노인의 모습을 묘사한 운보 김기창(1913∼2001) 화백의 ‘장기도’가 관람객들을 맞는다. 전시 코너에서는 땅을 갈 때 소가 끄는 극젱이와 소의 입에 씌우는 소입망 등 여름철 밭농사 도구와 모시 짜기에 필요한 날틀, 모시칼 등을 볼 수 있다. 또 마을 사람들의 협동조직 두레를 중심으로 여름철 김매기의 풍경을 보여 주는 도롱이와 삿갓, 농기, 술병 등도 전시한다. 강구열 기자 river910@segye.com

보헤미안 랩소디(Bohemian Rhapsody), 러브 오브 마이 라이프(Love Of My Life), 킬러 퀸(Killer Queen)…. 영국의 전설적인 록 그룹 퀸의 명곡들을 비디오 아트와 설치미술 등으로 재해석한 전시가 열리고 있다. 서울 종로구 아라아트센터에서는 ‘보헤미안 랩소디: 퀸 월드 투어 전시’가 진행 중이다. 센터의 지하 1∼4층 전시장이 퀸의 대표곡 9곡을 주제로 구성된 게 가장 큰 특징이다. 국내외 작가 7명이 전시에 참여했다. 전시장 곳곳에는 유독 거울이 많다. 퀸의 보컬 프레디 머큐리(1946∼1991)의 다양한 모습, 정체성을 형형색색의 거울로 표현했다. 머큐리가 생전에 입었던 무대의상, 자필 노트 등 퀸의 각종 소장품도 만날 수 있다. 센터 관계자는 “퀸 매니지먼트 측은 한국을 시작으로 일본이나 호주 등지에서 전 세계 전시 투어를 준비 중”이라면서 “퀸 매니지먼트 대표인 짐 비치의 방한 일정을 조율하고 있다”고 설명했다. 전시는 오는 10월6일까지. 박진영 기자 jyp@segye.com

오스트리아의 거대한 얼음 동굴인 아이스코겔 홀레, 허공을 응시하며 생각에 잠긴 사자, 바나나 잎을 우산 삼아 비를 피하는 새끼 오랑우탄…. 자연의 위대함을 다시금 생각해 볼 수 있는 내셔널지오그래픽의 사진전 ‘네이처스 오디세이’(Nature’s Odyssey·대자연 서사시)가 서울 예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있다. 이번 전시의 주제는 지구 보존. 찰나의 아름다움을 포착한 사진과 영상 120여점을 선보인다. 이 중 영국의 사진작가 맨디 바커의 ‘플라스틱 쓰레기로 만든 예술’은 플라스틱 쓰레기 문제의 심각성을 환기한다. 작가가 영국의 한 해변에서 플라스틱 폐기물 수백점을 모아 만들었다. 또 ‘스페이스 헬멧’을 쓰고 우주비행사가 돼 지구를 바라보는 듯한 경험을 할 수 있다. 고해상도의 프로젝터와 어안렌즈(카메라 앵글이 180도 이상으로 촬영할 수 있게 설계된 특수 렌즈)가 장착된 이 헬멧은 세계적인 거장 대런 아로노프스키 감독의 내셔널지오그래픽 다큐멘터리 ‘원 스트레인지 록’(One Strange Rock)을 상영한다. 평일 오후 2시와 4시에 내셔널지오그래픽 사진아카데미 소속 사진작가들의 전시 설명을 들을 수 있다. 전시는 오는 9월27일까지. 박진영 기자

◆도내 유일 문화지구 ‘저지문화예술인마을’ 제주의 서쪽에 자리한 제주도립김창열미술관은 제주를 대표하는 공공 미술관이다. ‘물방울 화가’로 유명한 김창열(90) 화백의 업적과 정신을 기리기 위해 설립됐다. 평안남도 맹산 출신인 김 화백은 “6·25전쟁 당시 피란 생활을 한 제주가 제2의 고향”이라며 제주에 작품 220점을 기증했다. 지난달 27일 미술관에서 만난 직원 김보인씨는 “선생님이 미술관에 애정이 많으셔서 서울에서 한 달에 한 번 정도는 오신다”고 전했다. 김 화백에게 물방울을 그린다는 건 모든 것을 무(無)로 돌려보내기 위함이다. 미술관을 공중에서 내려다보면 한자 돌아올 회(回) 모양인 건 이 같은 이유에서다. 김 화백은 그 중심인 빛의 중정이란 공간에 분수를 설치해 물방울을 표현했다. 김창열미술관이 있는 곳은 도내 유일한 문화지구인 저지문화예술인마을이다. 면적 32만5100㎡의 광활한 이 마을에는 미술가, 사진작가 등 다양한 분야의 예술인 33명이 거주하며 작품 활동을 하고 있다. 이 중 이명복(61) 작가는 2010년 마을에 정착했다. 제주 4·3사건에 천착해 제주의 전형적인 어머니들을 캔버스에 담고 있다. 예술인들의 활발한 활동으로 동네는 자연스레 활기를 찾았다. 주민협의회 위원장인 배정현 갤러리 현 대표는 “물이 고이지 않고 숲이 많아 원래 사람이 살지 않던 곳이었다”며 “매년 가을에는 축제를 열고 있다”고 설명했다. 마을은 제2의 도약을 준비하고 있다. 제주도에 따르면 이타미 준 건축문화재단 기념관과 제주 민화전시관, 저지 복합공방미술관, 꽃차 연구소 등이 들어설 예정이다. 마을에 작업실을 둔 단색화 거장 박서보(88) 화백은 갤러리를 짓는다. ◆세계적 건축가 이타미 준과 안도 다다오 제주에는 세계적인 건축가 이타미 준(한국명 유동룡·1937∼2011)과 안도 다다오(78)의 작품을 비교해 가며 감상하는 재미도 있다. 재일동포 이타미의 포도호텔과 방주교회, 안도의 본태박물관과 유민미술관이 대표적이다. 모두 자연과의 조화를 고민한 흔적이 엿보인다. 1층 단층 구조인 포도호텔의 외관은 한 송이의 포도를 연상케 한다. 이타미는 제주의 오름과 집에 착안했다. 호텔 내부에는 작은 올레길을 만들어 문과 창문으로 열림을, 벽과 코너로 닫힘을 표현했다. 포도호텔에 있는 포도갤러리는 모든 작가들에게 무료로 대관해 주고 있다. 포도호텔과 가까운 방주교회는 노아의 방주를 모티브로 삼았다. 건물이 물 위에 떠 있는 듯한 착시를 일으킨다. 지붕은 제주의 변덕스러운 날씨에 반응한다. 날이 좋으면 푸른색, 어두우면 회색을 띤다. 본태박물관과 유민미술관은 콘크리트를 외장재로 노출하는 안도만의 건축 기법이 공통된 특징이다. 본태미술관에서는 멀리 산방산이 보이고, 유민미술관은 곳곳에서 섭지코지를 느낄 수 있다. 변준희 건축사는 “이타미 준은 지역성을 중시했고 안도 다다오는 자기 완결성을 중시한다”고 두 건축가의 차이점을 설명했다. 제주=박진영 기자 jyp@segye.com

백제의 미술은 부드럽고 온화하여 인간에게 친숙한 느낌으로 다가온다. 작가 김동영은 이러한 친근감과 우아함을 아우르는 이미지를 눈에 쉽게 읽히도록 형상화하고 이를 작업의 모티브로 삼았다. 백제의 문양들은 대개 도교와 불교의 세계관을 함축하고 있다. 작품 속에 등장하는 연꽃이나 봉황은 백제인이 지닌 삶의 표상이자 꿈이며 욕망과 이상을 갈망하는 표현 매체다. 작가는 문양이 지닌 형태의 흐름을 중시하면서 백제 문화에 담긴 삶과 애환을 드러내고 있다. 문양의 조형인자들이 지닌 응집력을 구축하면서 시각적 요소를 현실과 가상의 경계로 유인해낸다. 특히 굴곡진 선묘를 극대화해 장열하면서도 형태적 느낌이 강조된 구도를 완성해낸다. 작품에 표출된 다양한 문양들은 백제시대의 역사적 맥락에서 발아하는 내면의 정체성이다. 지나간 삶의 기표들을 수단 삼아 한 시대의 문화적 공간을 함축한 결과의 산물이다. 더불어 전통문양의 형태 해석을 꾀하기 위해 입체적 효과를 끌어내고 금속성의 재질감과 그윽하면서도 다채로운 색상의 그라데이션으로 이미지를 발현하며 이상적 의미를 부각시킨다. 전통의 양식을 창작의 발상 에너지로 전환시켰다. 역사 문화 고유의 시각적 사상을 재해석한 뒤 역사의 상징성이 주는 생명력을 형상화해내고 있다. 7월 1일부터 31일까지 경남 창원시 몽갤러리에서 관객을 맞는다. 김신성 기자 sskim65@segye.com