#한국 근대미술의 발상지 대구 얼마 전 광화문에서 반가운 만남이 있었다. 미국에 사는 지인이 한국을 방문한 것이다. 한국을 처음 와본다는 그는 설레 보였다. 맨해튼에서 주로 생활하기에 서울의 규모에 꽤 놀라기도 했다. 그래서 그 넓은 서울에서 가고 싶은 곳이 어디냐고 물었다. 그러자 의외의 답변이 돌아왔다. 그가 가보고 싶은 곳은 서울의 어디가 아니라 대구였다. 생각해 보니 같은 미술 일을 하기에 그럴 법했다. 해외 미술 행사를 다니다 보면 한국 관람객을 종종 마주친다. 그리고 대구 사람들은 그중 꽤 높은 비율을 차지한다. 이야기를 잠시만 나누어도 미술에 대한 깊은 지식과 진지한 태도가 느껴진다. 한국 근대미술의 발상지로 여기는 도시이기에 관심이 높은 것으로 생각한다. 지인에게 대구는 꽤 궁금한 곳이었을 것이다. 대구는 일찍부터 ‘화단의 천재’라고 불리는 인물들의 출생지였다. 근대에는 그 시기를 대표하는 이인성, 이쾌대가 등장했다. 1950년대에는 정점식을 중심으로 자생적으로 모더니즘 운동을 일으켰다. 1970년대에는 박현기, 이강소 등이 행위미술을 알리는 데 앞장섰다. 결국 대구는 세대를 거쳐 한국 미술에 영향을 미친 특별한 도시다. 이 도시 출신의 훌륭한 작가 중 빼놓을 수 없는 것이 곽인식(1919~1988)이다. 한강 소설집 ‘노랑무늬 영원’의 표지작품으로 대중에게 알려지기도 했다. 그는 1960~70년대 한국과 일본의 현대미술 운동에 커다란 자극을 준 인물로 일컫는다. 그런데도 그의 작품 성과는 최근까지 저평가받아 왔다고 여긴다. 아마 재일 한국인이라는 특수성이 한몫했을 것이다. #대구 출신의 현대미술 선구자 곽인식 곽인식은 1919년 경북 달성군, 현 대구광역시에서 태어났다. 곽씨가 집성촌을 이루는 한 마을에서 만석꾼의 아들로 유년기를 보냈다. 교육사업에 힘쓰던 친가와 문인화가 정안복이 있는 외가와 가까이하며 자랐다. 그림에 소질을 보인 곽인식이 미술공부를 하는 데에 큰 어려움은 없었던 듯하다. 이후 서울로 유학을 떠났다가 일본으로 거취를 옮겨 그곳에서 미술학교를 졸업했다. 1942년에 귀국하여 대구의 한 갤러리에서 첫 개인전을 열었다. 이 시기의 작품은 회화였으며 ‘인물(남)’(1937~38), ‘모던걸’(1939) 등을 대표작으로 꼽는다. 여기서 보이는 화풍은 일본에서 미술학교를 같이 다닌 임규삼, 임직순 등 동창생의 작품에서도 드러난다. 하지만 음영의 대조가 유달리 도드라져 자신이 받은 인상을 강조한 것은 주목할 만하다. 1949년 밀항선을 타고 일본으로 돌아가게 되었다. 집에서 시대상황상 좌우익 갈등이 벌어진 것으로 알려졌다. 그렇게 돌아간 일본은 패전의 결과로 불안하고 혼란스러운 사회 분위기가 팽배했다. 이를 반영하여 신체를 왜곡하여 손발 같은 특정부위를 과장한 그림들을 그렸다. 초현실주의적 모습을 가졌다고 흔히 설명하는 작품들이다. 세계대전 이후 프랑스를 중심으로 한 앵포르멜 미술과도 통하는 바가 있어 보인다. 1960년대 들어 작품은 회화라는 틀을 깨기 시작한다. 전쟁의 후유증에서 벗어나며 모두 변화를 원하던 시기였다. 전통을 거부하는 새로운 개념에 대한 열망이 서구 미술계에서도 일었다. 작가는 누구보다 빠르게 그리고 민감하게 이 움직임에 반응했다. 물질이나 상황을 캔버스 위에 묘사하기보다 그 자체로 제시하는 작업을 했다. 개인적으로 그의 작품세계 중 가장 감탄을 터트리는 시기다. ‘작품 63’(1963)은 일명 ‘유리 깨기’라고 불리는 작업방식을 통해 완성한 것이다. 작가는 유리판 크기의 땅을 파고 그 안에 유리판을 맞추어 넣었다. 쇠구슬을 떨어트려 조각을 내고 천으로 들어내 다시 하나로 합쳤다. 이러한 아방가르드적 작업을 하는 이는 한국, 일본을 통틀어 곽인식밖에 없었다. 단색으로 캔버스를 두껍게 칠하고 거기에 바둑알, 철사, 전구 등을 부착하는 작업도 했다. #동글동글한 타원형이 만들어내는 우주 1980년대에 이르러 그는 작업 재료로 자연물을 사용하기 시작했다. 자연물과 행위를 합치하는 과정에서 자기 근원을 찾으려 했다. 강에서 가져온 돌을 쪼개어 다시 자연석과 붙이거나 나무를 태워 만든 먹을 다시 그 표면에 칠했다. 그리고 이러한 표면 위의 시도는 낱장의 종이로 자연스럽게 자리를 옮겼다. 그 위에 오랜 시간의 실험적 도전 끝에 얻은 깨달음을 담았다. “묵과 붓, 그리고 종이는 나에게 동양이 갖는 표현력과 신체의 리듬을 재발견하게끔 만들었습니다. 나의 ‘표기’라는 행위와 글자를 쓰는 것은 겉으로는 전혀 다른 것처럼 보이지만 제 자신의 신체, 정신의 리듬, 호흡이 일치하는 것이 결정되고 있다는 것에는 하나도 바뀐 점이 없습니다. 이로부터 나 자신이 ‘자연’인 것을 자각할 수 있게 된 점은 무엇보다도 큰 희열입니다.” ‘작품 80-M’은 이렇게 시작한 연작 중 하나다. 앞서 언급한 한강 소설의 표지 이미지로 널리 알려지기도 했다. 가로 3M가 훌쩍 넘는 화면에는 많은 색 점이 존재한다. 동글동글한 타원형을 보고 있으면 사람의 엄지손가락 지문을 곱게 찍는다면 이런 모습일 것 같다. 노란색, 파란색, 검은색 그리고 보랏빛을 띠는 회색의 점이 무수히 서로를 오가며 그 만남의 흔적을 남긴다. 어느 한 가지 색이 자기 존재를 강하게 드러내는 부분이 있지만 다시 조화롭게 어우러지는 것이 인상적이다. 실제로 마주하면 얇은 전통 화지 위에 겹쳐진 곳마다 공간감이 느껴진다. 캔버스 천 위에 유화 물감을 겹쳐 칠하면 기존 붓질이 아래에 감춰지는 경우가 많다. 하지만 여기서는 처음 화면에 닿은 붓의 흔적부터 마무리까지 모든 과정이 확연하게 드러난다. 그렇기에 더욱 세심하게 작업했을 그 정성을 마주하고 있노라면 하나의 정신세계가 담긴 것 같다. 그래서 넓은 화면은 어느 순간부터 우주처럼 보는 이에게 다가온다. 누군가는 화면 안에서 부유하는 점이 빛과 같아 우주처럼 느껴진다고 말했다. #곽인식을 다시 보는 시간 곽인식의 실험적인 작품세계는 이우환을 중심으로 등장한 모노하에 영향을 주었다고 읽힌다. 그가 재료 자체에 주목했듯 물체에 손을 거의 대지 않고 그 존재성을 보여주는 미술이다. 그리고 단색 화면에 물체를 붙였던 작품은 단색화에 밑거름이 된 것으로 보기도 한다. 그를 재조명하는 움직임이 단색화가 주목받으며 다시 한 번 일어난 이유다. 작고한 작가는 지난해 탄생 100주년을 맞았다. 마침 그해에 ‘2019년 문화예술 발전 유공자’ 수훈을 받았다. 그의 작품세계를 기념하는 전시가 국립현대미술관을 시작으로 고향 대구미술관을 순회해서 열렸다. 국내 및 일본에서 소장하고 있는 작품과 자료를 한데 모아 마련한 전시는 호평을 받았다. 그리고 작가 사후에 방치된 작품을 50여점 복원했다는 점에서도 의미가 컸다. 지인이 대구에 가지 못한다면 국립현대미술관 과천관에 데려가고 싶다. 곽인식의 작품이 야외 조각장에 자리 잡고 있기 때문이다. ‘끝없이’라는 제목을 가진 이 작품은 높이 15m에 이르는 거대한 돌탑이다. 돌의 물성을 드러내기 위해 바닥부터 하나씩 쌓아 올려 만든 것임을 알지만 그것이 새로운 작업을 위해 끝없이 고민한 작가의 삶같이 느껴진다. 이 앞에서 그의 작품세계를 되새기고 그것이 갖는 의미를 함께 생각해보고 싶다. 김한들 큐레이터 겸 국민대학교 미술관, 박물관학 겸임교수

서울 종로구 삼청로 학고재에서 전시 중인 ‘느린 풍경 - 덕도길’이다. 지난달 22일 개막한 작가의 개인전 ‘김선두’에는 이 작품을 비롯해 느림의 미학을 느낄 만한 작품 19점도 함께 걸렸다. 그는 “젊은 시절 유명 화가가 되겠다고 바쁘게 속도를 내며 살다 보니 나도 주위 사람들도 피폐해졌다”며 “내 삶의 속도도 줄이면 더 인간적이고 여유 있는 삶이 되겠다고 생각했다”고 말했다. 김선두는 자신의 색을 한국의 묵은지와 고추장에 비유한다. 맵지만 겉절이처럼 화끈거리지 않는 빛이라는 것이다. 이 작품도 두껍게 중첩한 배경의 붉은빛과 달리 매우 옅은 농담으로 그렸다. 수채화처럼 가볍게 표현해 배경과의 대비를 극대화했다. 그는 “동양화와 서양화의 조화도 함께 이루고자 했다”며 “서양의 원근법을 담은 반사경 안 풍경, 자연에 순응하며 살고자 하는 동양철학이 나타난 이동시점의 빨갛고 따뜻한 배경을 그렸다”고 덧붙였다. 김선두는 다양한 실험적 시도로 한국화의 새로운 가능성을 모색해온 대표적인 동시대 한국화가다. 작가의 작업방식에서도 느림의 미학을 엿볼 수 있다. 김선두는 바탕 작업 없이 수십 번의 붓질로 색을 쌓아 완성하는 ‘장지화’로 일본, 중국의 채색화와 구별되는 독자적 화풍을 발전시켰다. 장지 위에 분채를 수십 차례 반복해 쌓으며 깊은 색을 이끌어 낸다. 촘촘하고 튼튼한 장지가 물감을 깊이 머금어 발색이 곱고 그윽하다. 작가는 “이번 전시로 현대회화로서 한국화가 가능한지 보고자 했다”며 “묵유오채(墨有五彩: 먹에 다섯 가지 색이 있다)라는 말이 있다. 먹에 담긴 색을 잘 드러내야 한다는 뜻이다. 젊을 때는 빨리 그리는 것이 필력이라고 생각했지만, 작품에 맞는 붓질이 중요하다”고 말했다. 이번 전시에서는 장지에 먹, 분채로 그린 ‘포구는 반달’ ‘마른 도미’ ‘철조망 블루스’ ‘행 - 아름다운 시절’과 같은 신작을 볼 수 있다. 능란한 붓질로 먹의 농담을 조절해 표현한 선들이 돋보인다. 그러나 전시에서 주목할 것은 이 같은 장르적 기법보다 그림에 담고자 한 김선두의 철학이다. “삶에도 이러한 순간이 필요하겠죠. 가끔 속도를 줄이거나 멈춰 서야 지나칠 뻔한 풍경을 발견할 수 있어요. 직진을 방해하는 신호를 만나야 쉬어갈 수 있고, 원래의 자신으로 돌아갈 수 있겠죠.” 빨간불이 들어온 신호등과 유턴 표지판을 그린 ‘나에게로 U턴하다’도 직진만 하던 삶을 돌아보고 잃어버린 나에게로 돌아간다는 메시지를 담고 있다. 작가의 또 다른 작품 ‘별을 만들어드립니다 - 호박’ 역시 비슷한 맥락이다. 이 작품은 도로 주변 시든 옥수수밭에서 영감을 얻었다. 시든 호박 줄기와 버려진 쓰레기와 화면 위 촘촘히 빛나는 별의 대비가 두드러져 생명과 죽음의 이미지를 한 화면에 포용하는 듯하다. 별은 언제나 하늘에 떠 있지만, 환경에 따라 시야에 나타났다 사라지기를 반복한다. 욕망과 잡념을 버린 풍경 위 하늘 위에 비로소 삶의 본질인 별이 가득하다. “불교에서는 깨달음을 얻기 위해 탐진치(貪瞋癡)를 버려야 한다고 말합니다. 탐욕과 노여움과 어리석음이라는 세 가지 번뇌를 떨쳐야 한다고요. 별은 언제나 하늘에 있는데 그게 보이기도 하고 안 보이기도 해요. 보이지 않는다고 없는 게 아니잖아요. 삶의 중요한 것들이 그런 것 같아요. 탐욕과 집착을 좀 내려놓았을 때 비로소 가장 아름답고 중요한 게 보이죠. 제가 별을 그리면서 하는 생각입니다.” 중앙대 미술학부 교수인 작가는 김훈 ‘남한산성’ 표지와 임권택 감독 영화 ‘취화선’에서 최민식이 연기한 장승업 그림 대역을 맡았다. 지난해에는 서울특별시 문화상을 받았다. 학고재에서는 네 번째 개인전이다. 전시는 다음달 1일까지. 권이선 기자 2sun@segye.com

2020년 미국 아카데미 시상식에 후보로 올라간 한국 영화는 봉준호의 ‘기생충’만이 아니다. 세월호 침몰사고를 다룬 이승준 감독의 단편 다큐멘터리 ‘부재의 기억’도 후보에 올랐다. 이제 세월호 참사는 6년이 다 되어가도 여전히 우리의 가슴을 아프게 하는 사건이고 사고 당시에는 외신을 많이 탔지만, 많은 외국인들에게는 여전히 낯선 사건이다. 대형 선박의 침몰은 전 세계적으로 종종 일어나는 사고이지만, 세월호의 사고가 특별한 것은 그것이 한국사회의 단면, 특히 당시 정권의 문제점을 낱낱이 드러낸 사건이기 때문이다. 세월호 사고를 알고 있는 외국인들도 그 어처구니없는 내막과 그 사고가 내포한 한국 정치와의 연관성은 자세히 알지 못한다. 그런 점에서 ‘부재의 기억’은 영화예술이 사회문제를 다시 한 번 지적하고 알리는 역할을 해주었다. 그런데 비슷한 일이 약 200년 전 프랑스에서도 일어났다. 그 사건의 내용을 들여다보면 소름이 끼칠 정도로 세월호를 닮아 있다. 다른 용도로 사용하던 선박을 승객용으로 무리하게 개조한 선박에 400명이 넘는 승객들이 타고 있었다는 것도 그렇고, 무능하고 무책임한 선장 때문에 배가 사고를 당했는데, 정작 선장은 많은 승객들을 내버려두고 안전하게 도망했다는 사실, 그리고 그 사고가 당시 보수정권에 큰 타격을 주었고, 당시 갈라져 있던 국론은 그 사고에 대한 해석을 완전히 다르게 했다는 것까지 놀랍도록 비슷하다. 하지만 당시 한 젊은 무명 화가가 무서운 집념으로 그 사건을 거대한 화폭에 담아 남기지 않았으면 우리에게는 잊혀졌을지 모른다. 그 화가는 훗날 프랑스 낭만주의의 거장으로 불리게 된 테오도르 제리코였고, 그가 그린 작품은 ‘메두사호의 뗏목’이다. 사건의 전말은 이렇다. 나폴레옹의 혁명이 휩쓸고 간 1814년, 프랑스에 부르봉 왕조의 왕정이 복귀했다. 동서고금을 막론하고 정권이 그렇듯, 왕좌에 앉은 루이 18세는 혁명파 사람들을 공직에서 밀어내고 왕정을 지지했던 사람들을 앉히는 작업을 했다. 그 과정에서 자신에게 충성했던 유 듀로와 드 쇼마레이를 메두사라는 배의 선장으로 임명했는데, 그 배는 1816년 프랑스가 영국으로부터 아프리카 세네갈의 식민지를 인계받는 과정에서 프랑스 식민지 총독을 포함한 400여명의 승객을 실어나르는 데 동원된다. 문제는 당시만 해도 프랑스에는 아프리카로 가는 항해지도가 지나치게 오래된 버전밖에 없었고, 쇼마레이 선장은 배에 타본 지 20년이 넘는 데다가 한 번도 배의 선장을 해본 적이 없는 사람이었다는 사실이다. 메두사호에 탄 승객들은 몰랐지만 프랑스에서 아프리카 서북부에 있는 세네갈까지 가는 길은 사실상 모험이나 다름없었다. 특히 아프리카의 서부 해안선을 따라 내려가는 항로는 긴 모래톱 때문에 아주 조심하지 않으면 배가 좌초될 위험이 컸는데, 경험이 전무한 선장은 자신의 일을 (역시 경험이 부족한) 부하에게 몰래 떠넘기고 손을 떼고 있었다. 그러다가 결국 배가 좌초하게 되었다. 선장과 선원들은 배를 바로 잡아보려고 시도했지만, 목선인 메두사호의 바닥에는 구멍이 났고 배는 서서히 가라앉기 시작했다. 무선통신도 없던 시절이었기 때문에 구조요청도 할 수 없고, 이대로는 죽을 것임이 분명하다는 판단하에 배에 있던 작은 구명보트 몇 대에 나눠 타고 탈출하기로 했다. 물론 구명보트의 숫자는 턱없이 부족했지만, 배가 빠르게 가라앉지는 않았기 때문에 50km 떨어져 있는 해안까지 구명보트로 두 세번에 나눠서 승객을 실어나를 수 있었다. 하지만 선장은 그렇게 하는 대신 폭 7m, 길이 20m의 거대한 뗏목을 만들어서 나머지 승객 150명을 모두 옮겨싣고 구명보트가 그 뗏목을 끌고 해안으로 가겠다는 어처구니없는 계획을 세운다. 뗏목은 완성되자마자 표면이 물에 잠겼을 만큼 문제가 있었지만 선장은 강행했고 결국 150명을 태웠지만, 이 과정에서 실수로 태우지 못한 승객 10여명이 좌초된 배에 남겨졌다. 그 뗏목을 끌고 몇 km를 채 가지 못해 더 이상 끌고 가는 게 불가능하다고 판단한 선장과 선원들은 뗏목을 끌던 밧줄을 잘라버리고 자기들끼리만 해안으로 가기로 했다. 남겨진 사람들은 죽겠지만 자신들은 살아야겠다는 어처구니없는 결정이었다. 그들은 무사히 해안에 도착했지만 뗏목에 남은 사람들을 구조하러 가는 대신 육로를 통해 목적지로 떠났다. 뗏목은 완전히 가라앉지 않았다. 뜨거운 바다 한가운데 남겨진 150명은 이동할 방법도 없이 차례차례 죽어가기 시작했다. 뗏목 위에 조금 있던 물과 비스킷은 금방 바닥이 났고, 탈진한 사람들은 뗏목 위에서 숨을 거두기도 했고, 고통스러워 물에 뛰어들어 죽기도 했다. 그렇게 뗏목에 탔던 150명은 4일 만에 67명으로 줄어들었고, 그다음부터 배 위에서 죽은 사람들의 시신을 먹기 시작했다. 그리고 그것도 모자라게 되자 부상당한 사람이나 죽어가는 사람들을 뗏목 밖으로 밀어내버리는 일까지 일어났다. 제리코의 ‘메두사호의 뗏목’은 그렇게 15일이 지난 후 뗏목에 탔던 150명이 15명으로 줄어든 시점을 묘사하고 있다. 화면에는 보이지 않지만 메두사호와 함께 프랑스에서 출발한 영국선박 아르고가 지나는 것을 보고 도와 달라고 외치는 장면이다. 아르고는 그들을 보지 못하고 지나쳤지만, 극적으로 뗏목을 다시 발견하고 그들을 구조했다. 아르고 선원들은 뗏목 위에 있던 사람들이 죽은 사람들의 시신을 잘라서 널어놓고 말리는 장면과 그들에게 일어난 일에 충격을 받았고, 그 소식은 프랑스로 전해졌지만, 부르봉 왕실은 그 이 야기가 나라에 퍼지지 않도록 막았다. 하지만 생존자의 증언은 책으로 출간되었고, 그 이야기를 듣고 분노한 20대의 화가 제리코는 이를 가로 7m, 세로 4.9m의 거대한 화폭에 옮기기로 했다. 당시의 상황을 최대한 생생하게 기록하기 위해 생존자들과 만나서 이야기를 들었고, 바다에 나가서 파도가 부서질 때 어떤 빛을 띠는지 연구했을 뿐만 아니라, 부랑자의 시신을 가져다가 지붕 위에 올려놓고 햇볕 아래에서 사람의 시신이 어떻게 부패하는지를 기록에 남겨서 뗏목에서 죽어간 사람들의 모습을 생생하게 살려냈다. ‘메두사호의 뗏목’은 1819년 파리 살로에 출품되어 엄청난 논란을 불러일으켰다. 뗏목에서 가장 높은 위치를 차지하고 (보이지 않는) 배를 향해 손을 흔드는 인물을 흑인으로 그려넣은 것이나, 돌조각처럼 차가운 그림을 그리던 당시 신고전주의를 버리고 감정이 휘몰아치는 격정적인 묘사는 사람들에게 큰 충격을 주었고 당시 주류 화가들은 제리코가 이 그림으로 선보인 낭만주의를 “시체더미 그림”이라고 크게 비난했다. 하지만 그가 보여준 사실성과 날것의 감성은 당시 젊은 화가들에게 깊은 인상을 남겼고, 특히 같은 세대의 화가 외젠 들라크루아는 제리코의 화풍을 이어받아 프랑스에 낭만주의를 꽃피우게 된다. 28세에 이런 대작을 남긴 제리코는 아쉽게도 32세의 나이에 요절하지만 그의 죽음 직후 루브르미술관은 ‘메두사호의 뗏목’을 구입했고, 아직도 루브르미술관에 자랑스럽게 전시되어 있다. 박상현

#호주 산불이 우리에게 보여준 것 ‘불이 이렇게 크게 날 것이라고 상상이라도 해봤을까.’ 최근 호주 산불 관련 뉴스를 볼 때마다 들었던 생각이다. 지난해 9월6일 호주 뉴사우스웨일스주에서 시작한 산불이 5개월째 이어지고 있다. 산발적으로 일어난 것으로 알려진 불은 이제 거대한 덩어리가 되어 호주 전역의 3분의 1에 가까운 지역을 태웠다. 우리나라 서울보다 100배 넓은 면적의 땅이라고 설명하면 그 피해 규모가 가늠된다. 야생동물 5억마리가 사라졌으며 특히 움직임이 느린 코알라는 멸종의 위기를 맞았다. 현재까지 불을 피해 10만여명이 피난길에 올랐고 30여명이 사망한 것으로 알려졌다. 이 잔인한 산불은 호주만의 문제가 아닌 것이 됐다. 외부에서도 진화에 도움의 손길을 앞장서 내미는 이유다. 주변에서도 SNS 계정을 통해 자발적으로 기부 행사를 마련하는 모습이 보인다. 유명인 중에서는 영화배우 리어나도 디캐프리오의 행보가 눈에 띈다. 본인 소유의 환경 재단을 통해 화재와 싸우는 전 세계적 조직망을 만들겠다는 계획이다. 호주 국적의 여배우 니콜 키드먼과 스타 크리스 헴스워스도 기부에 동참했다. 이번 사태를 두고 다시 심각하게 인지하게 된 것은 지구 온난화 현상이다. 호주 내 보수 정치권과 언론은 온난화와의 인과관계를 부정한다. 하지만 다수의 전문가가 인도양 쌍극화로 인한 기온 상승이 영향을 주었을 것으로 추측한다. 1910년 이후 평균 기온이 섭씨 1도씩 오른 호주는 1월 중 낮 최고기온 48.9도를 경험했다. 이번 화재 피해자들이 ‘기후 난민’이라고 불리기도 하는 이유다. 하나의 원인만이 이렇게 대형 산불을 만들지는 못했을 것이기에 온난화 현상만이 문제였다고 할 수는 없다. 그런데도 그것이 산불이 번지는 데 영향을 주었음은 부정할 수 없는 사실이다. 그리고 이것은 동시에 또 다른 화재를 일으킬 가능성을 품은 채 우리와 함께 머물고 있다. #‘해와 바다(마리나)’가 베니스에서 보여준 것 지난여름, 베니스에서는 제58회 베니스비엔날레 국제미술전이 열렸다. 런던 헤이워드 갤러리(Hayward Gallery) 관장인 랠프 루고프(Ralph Rugoff)가 총감독을 맡았다. 총감독이 내세운 전시 주제는 ‘흥미로운 시대를 살아가기를(May You Live in Interesting Times)’. ‘난세에 사람으로 살기보다 태평기에 개로 사는 게 낫다(寧太平犬, 不做亂世人)’는 ‘가짜 중국 속담’에서 차용했다. 인터넷으로 시공간의 경계가 사라지고 가짜뉴스마저 등장한 이상한 우리의 시대를 다뤘다. 비엔날레에 참여한 90개 국가들은 우리 시대의 다양한 모습을 표현했다. 이 가운데는 지구 온난화 문제를 경고한 작품이 있었다. 바로 리투아니아 국가관에서 선보인 ‘해와 바다(마리나)(Sun&Sea(Marina)·2019)’다. 런던의 서펜타인 갤러리(Serpentine Gallery) 큐레이터인 루시아 피트로이스티(Lucia Pietroiusti)가 감독한 작품이다. 루자일 바치우케이트(Rugil? Barzd?iukait?), 바이바 그레이니트(Vaiva Grainyt?), 리나 라플리테(Lina Lapelyt?) 세 작가가 참여했다. 리투아니아는 이 작품으로 89개국을 제치고 황금사자상 수상의 영예를 안았다. 직접 방문하여 보고 경험한 작품은 과연 그럴 만했다. 전시장에 들어서면 관람객은 난간에 서서 아래층을 바라보게 된다. 어디선가 본 듯한 이 구조와 장면은 16세기 영국의 극장 모습과 닮아 있다. 실제로 이 작품은 오페라 형식을 차용했다. 그렇게 아래층을 바라보면 그곳에서는 무대와 배우가 있다. 그림이나 설치가 아닌 사람들의 퍼포먼스만으로 공간을 채웠다. 이런 일이 처음은 아니지만, 여전히 과감한 선택이다. 고운 모래를 뿌려 인공 해변을 만들어 냈다. 해변 위에 펼쳐진 연한 색상의 수건들이 눈에 들어온다. 산뜻한 느낌이 전반적으로 전해지는 것은 이 덕이다. 그 위에 배우들은 수영복을 입고 누워서 각자의 여유를 즐긴다. 누군가는 책을 읽기도 하고 누군가는 스마트폰을 만지작거린다. 어린아이들은 모래 놀이에 흠뻑 빠져 있다. 한쪽에서는 반려견과 함께 산책하는 사람도 보인다. 여느 휴양지에서나 볼 수 있는 익숙한 장면이다. 그리고 그 장면 속에서 노래가 울려 퍼진다. 각자의 방식으로 휴식을 즐기는 배우들이 하나의 소리를 낸다. 가만히 들어보면 가사는 ‘피부가 너무 타버리면 어쩌지’라는 작은 걱정부터 시작한다. 이후 지나치게 더웠던 지난 크리스마스에 관해 이야기한다. 이어진 가사는 지구 기후 변화에 관한 심각성과 두려움에 다다른다. 예쁜 장면이라고 생각했던 모습. 하지만 그 모습이 내포한 의미는 정반대다. 상충하는 구성으로 전한 메시지는 아이러니하게도 더욱 인상적으로 남는다. 이 작품은 기후 변화로 이 평범한 휴가가 사라질 수 있다고 말한다. 인간의 환경 파괴와 지속 가능한 공존에 관해 고민하게끔 만든다. 가사를 다 듣고 나서야 해변 위에 버려진 쓰레기가 눈에 들어온다. 이 작품을 보며 지구 온난화로 사막화된 바다의 모습을 떠올렸다. 작품의 제목은 ‘해와 바다(마리나)’인데 해 설치물이 있는 것에 반해 물은 전혀 보이지 않는다. 바다는 본래 사막이었던 땅에 물이 들어서며 생겨났다. 그리고 그 바다는 다시 사막의 형태를 보이기 위한 순서를 밟는 것 같다. 우리는 스스로 시간을 역행하는 행동을 하고 있는 것일지도 모른다. #물이 있는 바다를 지켜내는 방법 국립현대미술관은 얼마 전 2020년 전시 계획을 발표했다. 그리고 오는 7월 이 작품을 서울관 서울박스에서 5일여간 선보일 예정이라고 밝혔다. 한여름 더위 속에 줄 서서 봤던 전시를 한국에서 만날 수 있는 것은 기쁜 일이다. 하지만 이 기쁜 소식을 들으며 환경에 관한 나의 막연한 걱정이 그간 같은 자리에 머물러 있는 것은 아쉬운 점이다. 최근 스페인 마드리드에서 열린 유엔 기후변화협약 당사국 총회 역시 마찬가지였다. 이번 위기는 기후 위기를 체감하기 시작한 절박함 속에 열렸다. 하지만 주원인인 탄소 배출 문제와 관련해서는 어떠한 결정도 내리지 못했다. 이러한 모습을 두고 영국의 어느 학자는 ‘지구온난화’라는 온화한 표현이 심각성을 제대로 반영하지 못한다고 지적했다. 그의 말대로 이제 이 상황을 ‘지구가열’로 불러야 할 때가 온 것 같다. 미술은 과거에는 현실의 재현에 그쳤다. 하지만 시간이 흐르며 몇몇 작품은 현실 속으로 들어왔다. 그리고 그 안에서 우리를 가끔 찌른다. 놀라서 쳐다보면 무심해진 일에 경각심을 가지라고 말한다. 이 작품을 떠올리며 환경을 위한 작은 실천부터 습관에 익히기 위한 구체적인 계획을 세워본다. 텀블러를 항상 가방 속에 챙기고 가까운 거리는 걸어 다녀야겠다. 미래라고 생각했던 2020년이 와버렸다. 물이 없는 바다만은 현재에 오지 않았으면 좋겠다. 김한들 큐레이터·국민대학교 미술관, 박물관학 겸임교수

방탄소년단이 협업한 현대미술 전시 프로젝트 ‘CONNECT, BTS’가 28일 서울 중구에 위치한 동대문디자인플라자(DDP) 배움터에서 막을 올렸다. ‘CONNECT, BTS’는 지난 14일(이하 현지시간) 런던 개막을 시작으로 베를린, 부에노스아이레스, 서울, 뉴욕까지 이어지는 3개월여에 걸쳐 펼쳐지는 글로벌 프로젝트다. 전 세계 5개국 22여 명의 현대미술 작가들이 ‘다양성에 대한 긍정’, ‘연결’, ‘소통’ 등 방탄소년단이 강조해온 메시지를 현대미술 언어로 확장한 작품들을 동시다발적으로 선보인다. 서울 전시는 앤 베로니카 얀센스(Ann Veronica Janssens)의 대규모 공간 설치 작품과 한국 작가 강이연을 중심으로 한 아카이브 전시 섹션으로 구성됐다. 영국 포크스톤 출신으로 현재 벨기에 브뤼셀을 중심으로 활동하는 작가 얀센스는 서울 전시에서 ‘그린, 옐로, 핑크(Green, Yellow and Pink)’와 ‘로즈 (Rose)’의 두 작품을 선보인다. 안개가 낀 공간에서 빛과 색채가 어우러진 비정형의 조각과 질감을 극대화한 작품이다. 영국 런던에서 활동하는 강이연 작가의 ‘비욘드 더 씬 (Beyond the Scene)’은 7명의 퍼포머가 방탄소년단의 안무를 재해석한 움직임을 보여주는 프로젝션 매핑 작업이다. ‘CONNECT, BTS’ 프로젝트는 베니스 비엔날레 한국관 예술 감독 출신의 이대형 아트 디렉터가 총괄 기획을 맡았으며, 한국 전시는 직접 큐레이터로 참여했다. 또 런던의 벤 비커스(Ben Vickers)와 케이 왓슨(Kay Watson), 베를린의 스테파니 로젠탈(Stephanie Rosenthal)과 노에미 솔로몬(Noemie Solomon), 뉴욕의 토마스 아놀드(Thomas Arnold) 큐레이터가 각국의 전시 프로젝트 기획자로 참여했다. 이대형 아트 디렉터는 “음악과 미술의 조합이 성공할 수 있을까 생각했다. 미술이 배라면 음악은 물이다. 미술과 음악 각각의 방향과 형식은 그대로 둔 채 이 배가 앞으로 항해할 수 있는지 알고 싶었다. 각 영역의 정체성을 존중하고 지켜내면서 가능하다는 걸 보여주고 싶었다”고 기획 취지를 설명했다. 강이연 작가는 “한국의 K팝 그룹이 글로벌적인 인기를 얻는 현상에 대해 알고 싶었다. 런던에 거주하면서 런던 아미들을 직접 만나 이야기도 들어보며 방탄소년단을 구체적으로 알게 됐다”며 “이 프로젝트로 인해 다른 문화의 형태가 하나로 뭉쳐 긍정적인 스토리를 만들어낼 수 있는 기회가 된 것 같아 만족한다”고 전했다. ‘CONNECT, BTS’ 서울 전시는 3월 20일까지 진행된다. 최승우 온라인 뉴스 기자 loonytuna@segye.com 사진=‘CONNECT, BTS’ 공식 홈페이지 캡처

사진작가 이정진(59)은 미국 서부지역을 여행하며 대자연의 묵시적 순간들을 렌즈로 포착해왔다. 그는 자연에서 발견되는 특징과 현상들을 극적으로 확대하거나 제거하면서 자신의 주관적 인상을 표현한다. 이정진의 작품들은 회화적이고, 시적이며, 명상적이다. 전공은 도자였지만, 이정진은 미대에 입학하자마자 카메라를 들었다. 1988년 미국 뉴욕으로 건너간 그는 수제 한지에 붓으로 직접 감광 유제를 바르고 그 위에 인화하는 ‘아날로그 프린트’ 수작업 기법을 통해 독특한 사진 작업을 하며 30여년간 자신만의 길을 걸어왔다. 깔끔하게 마감된 매끈한 여느 사진과는 달리, 그의 작품에는 한지의 미세한 결뿐 아니라 티와 흠이 그대로 남아 있다. 덕분에 관객들은 찍힌 대상을 읽는 대신 이미지와 프린트 질감의 조화를 느끼며 온몸으로 작품을 체험하게 된다. 한국 현대사진의 예술적 가능성을 넓히는데 중요한 역할을 해온 이정진의 작품세계를 보여주는 전시가 2년 만에 서울에서 열린다. 삼청로 PKM갤러리는 새해 첫 전시로 이정진의 ‘보이스’(VOICE)전을 15일 개막한다. 내면의 숨을 대자연 풍경을 통해 사진에 담아낸 ‘오프닝’(Opening 2015∼2016) 연작과 국내외에서 최초 공개되는 최근작 ‘보이스’(2018∼2019) 연작까지 25점을 PKM갤러리 전관에 선보인다. 이번 전시 작업은 기존의 한지 아날로그 수제 프린트와 디지털 방식을 결합한 작가만의 독특한 표현 기법을 보여준다. 갤러리 본관에 전시한 ‘보이스’는 작가가 처음 선보이는 대형 사진 연작이다. 주된 촬영 대상은 미국과 캐나다의 광활한 대자연인데, 작가는 이를 있는 그대로 찍기보다 자신의 마음을 응시하는 시간을 가지며 내면에 일어나는 감정들이 반영된 풍경을 담아내는 작업을 해왔다. 자연에 투영된 작가 내면의 목소리이자 자연이 작가에게 던져주는 메아리이기도 하다. 별관에 전시한 ‘오프닝’ 연작은 인적 드문 자연 속에서 마주한 풍광을 세로형 화면에 담은 작품이다. 일반적인 파노라마 풍경 사진과 달리, 위아래로 긴 이 한지 작업은 우리나라 족자와 닮았다. 광활한 사막의 파노라마 뷰를 상상할 때 이정진의 세로 사진은 시각적으로 갇혀 있지 않으며, 자연의 일부분을 통하여 전체를 통찰하게 하는 열림이 있다. 작가는 “이 연작을 통해 인간의 제한된 인식의 테두리를 넘어 무념으로 자연을 바라볼 때의 느낌을 표현하고자 ‘오프닝’이란 제목과 함께 좁은 세로 프레임을 선택했다”고 설명했다. PKM갤러리는 이번 개인전 기간인 다음달 1일 ‘작가와의 대화’ 시간을 마련한다. 전시는 3월5일까지. 권이선 기자 2sun@segye.com

티켓 예매 사이트 인터파크는 지난해 자사에서 입장권을 판매한 250여 전시회 중 가장 많이 팔린 건 ‘디즈니 애니메이션 특별전’이라고 9일 밝혔다. 지난해 4∼8월 동대문디자인플라자(DDP) 디자인전시관에서 열린 이 전시회는 인터파크 전시부문 판매점유율을 10.8% 차지했다. 2위는 지난해 문 연 ‘마이아트뮤지엄’ 개관 특별전인 ‘알폰스 무하’. 지난해 10월 24일부터 시작한 전시가 아직 진행 중인데, 연말까지 집계한 판매량만으로도 연간 2위를 차지했다. 3위는 지난해 10월 22일부터 오는 3월 15일까지 서울 인사센트럴뮤지엄에서 전시되는 ‘미니언즈 특별전’. 미니언 애니메이션 제작과정을 보여주는 작품과 실물 크기의 입체 캐릭터 모형, 다양한 인터랙티브 체험물이 인기다. 이어 국내 인기 전시 4위는 ‘내 이름은 빨강머리 앤’, 5위는 ‘에릭 요한슨 사진전’, 6위는 ‘베르나르 뷔페’, 7위는 ‘내셔널지오그래픽 사진전-네이쳐스 오디세이’였다. 박성준 기자 alex@segye.com

박물관의 예상은 빗나가지 않았다. 지난 5일, 세계문화관, 특히 이집트실은 관람객으로 북적였다. 이날이 일요일이고, 문을 연 지 얼마 안 돼 ‘개관빨’도 없지 않겠으나 고대 이집트 전시회의 인기는 이미 증명된 바다. 2005년 이후 박물관이 큰 공을 들여 개최한 40번가량의 기획전·특별전 중 두 번(2009년, 2016년)의 이집트 전시는 각각 44만여명, 34만여명이 다녀가 2006년 열린 루브르박물관전(52만여명)에 이어 관람객 수로는 두 번째, 세 번째를 기록했다. 고대 이집트는 한국인뿐만 아니라 세계인이 좋아하고, 궁금해하는 주제다. 대부분의 인류가 잘해야 촌락 생활을 할 때인 서기전 3000∼2000년에 중앙정부를 만들고, 지금 봐도 경이롭기만 한 피라미드를 만든 최초의 문명이었기 때문이다. 무엇보다 이런 까마득한 과거의 역사가 31개의 왕조로 구분이 가능하고, 어떤 신들을 숭배했으며, 무덤에는 누가 묻혀 있는지를 알 수 있을 정도로 구체적으로 알려져 있다는 게 놀랍다. 고대 이집트인들이 신전, 무덤 등에 새겨둔 ‘성각문자’(聖刻文字·‘신성하게 새겨진 문자’)가 19세기에 해독되면서 가능해진 일이다. 잘 알려져 있듯 성각문자 해독의 결정적 계기는 ‘로제타석’ 발견이었다. 1799년 6월 프랑스의 이집트 원정군이 나일강 삼각주 로제타 인근에서 방어진지를 세우다 발견한 이 비석에는 서기전 196년 파라오 프톨레마이오스 5세가 내린 명령이 성각문자, ‘민용문자’(民用文字·성각문자의 흘림체), 그리스문자의 세 가지 버전으로 새겨져 있었다. 당시 그리스문자의 독해가 가능해 성각문자의 일부를 읽는 것도 가능해졌다. 그러나 성각문자의 체계를 완벽하게 이해하는 데는 장 프랑수아 샹폴리옹이라는 프랑스의 젊은 언어 천재가 등장하기까지 20여년의 시간이 더 필요했다. 당시 학자들은 성각문자가 묘사한 물건이 가지는 상징적인 의미를 담은 상형문자라고 생각하는 경향이 강했다. 그러나 사람의 말을 글로 옮긴 표음문자일 수 있다는 가능성이 제기됐다. 이런 가설을 본격적으로 살펴본 샹폴리옹은 성각문자가 표음문자와 표의문자(글자가 음과 상관없이 일정한 뜻을 나타내는 문자)로 사용된다는 결론을 내렸다. 가령 ‘생명’을 의미하는 성각문자가 같은 발음의 샌들 끈 모양으로 표시되는 건 표음문자로서의, ‘◎’이 태양을 의미하는 건 표의문자로서의 성격이다. 그는 또 자신이 배웠던 콥트어(고대 이집트어에서 파생한 언어로 기독교 교회에서 16세기 무렵까지 사용)와 동일한 언어라고 판단했다. 1822년 9월 29일 샹폴리옹은 성각문자가 완전히 해독되었음을 대중강연을 통해 공식적으로 선언했다. “과학적인 연구방법에 기반한 현대 이집트학이 탄생하는 순간”이었고, 이제 고대 이집트인들은 자신들의 이름과 역사를 수천 년 후대인들에게 알릴 수 있게 됐다. 성각문자의 해독 덕분에 관람객들은 박물관 이집트실에서 다양한 이름과 사실을 만날 수 있다. 서기전 1539∼1075년의 것으로 추정되는 ‘민호테프의 석비’에는 민호테프의 장례공물을 요청하는 글이, ‘파미다헤스’의 석상에는 “고대 도시 타레모우의 신들에게 공물을 바치고 싶다”는 내용의 기도문이 새겨져 있다. 고대 이집트의 문자 관련 유산 중에 가장 잘 알려져 있는 것은 역시 ‘사자(死者)의 서(書)’다. “죽은 자가 오시리스의 심판을 통과해 저승으로 무사히 들어가 영원한 삶을 얻는 여정에서 반드시 알아야 하는 주문”을 적은 문서다. 사자의 서에는 심장을 다루는 주문이 특히 많다. 심장이 사람의 모든 생각과 행동을 다 알고 있다고 믿었기 때문이다. 그래서 저승에서 심판을 받을 때 심장이 생전의 나쁜 짓까지도 발설할까 걱정했다. 죽은 자의 심장에 올리는 장수풍뎅이 모양의 부적인 ‘심장 스카라브’에는 사자의 서 30장 내용을 새겨 이런 두려움을 표시했다. “내 어머니의 심장이여!…나에 반하는 증인이 되지 말아다오. 법정에서 나에게 반대하지 말 것이며, 저울 관리자 앞에서 나를 적대하지 말아다오.…인간을 창조하신 아홉 주신 앞에 내 이름에서 악취가 나게 하지 말아다오. 신 앞에서 나에 대한 거짓을 말하지 말아다오. 진실로, 내 말을 들어다오.” 강구열 기자 river910@segye.com

국내 미술계는 올해도 침체 흐름이 이어졌다. 김환기(1913~1974)의 작품이 한국 미술품 최초로 낙찰가 100억원을 넘기며 새 역사를 썼지만 경기 악화 등으로 한랭전선이 짙은 미술계에 활력을 불어넣기에는 역부족이었다. 국내 시장 부진이 장기화하자 미술계는 해외 진출에 적극적으로 나섰다. 화랑과 경매사들은 나라 밖으로 눈을 돌렸고, 국내 주요 작가 전시가 외국에서 열렸다. # 미술 시장 찬바람… 총 경매가 30% 줄어 국내 경기가 장기간 늪에 빠지면서 미술품 경매사는 낙찰가 저하로 고전했다. 국내 양대 경매회사인 서울옥션(823억원)과 케이옥션(571억원)의 올해 미술경매 낙찰 총액은 1394억원에 그쳤다. 지난해 2003억원을 기록하며 처음으로 2000억원의 벽을 넘었던 미술품 경매시장 규모가 불과 1년 만에 30%(609억원)나 줄어든 것이다. 화랑 역시 매출 감소로 미술시장의 고사를 예고할 만큼 심각한 국면을 맞이했다. 화랑가가 어려워지자 표구사들도 문을 닫는 등 도미노 현상이 일어나고 있다. 정부의 미술품 과세 강화 움직임 등도 미술시장 부진에 기름을 부었다. 정부가 추진하는 미술품 현금영수증 의무 발행제, 작품 거래 이력신고제 또한 진흥법보다는 규제법에 치중하여 미술시장의 위축을 유발한다는 지적이 나왔다. # 한국 작가·작품 위상 세계서 인정 받아 이러한 가운데 김환기의 ‘우주’(Universe 5-IV-71 #200) 낙찰 소식은 국내 미술계에 모처럼 날아든 낭보였으며, 올해 최고의 뉴스로 꼽힌다. 1971년작 푸른색 전면점화 ‘우주’는 지난달 23일 홍콩컨벤션전시센터(HKCEC)에서 열린 크리스티 홍콩 경매에서 약 131억8750만원(8800만 홍콩달러)에 낙찰됐다. 구매 수수료까지 합치면 약 153억5000만원이다. 낙찰가 기준으로 한국 미술품이 경매에서 100억원 넘는 가격에 팔리기는 처음이다. ‘항아리와 날으는 새’(11억원), ‘야상곡(9억원), ‘정Ⅱ원-65’(7억원) 등 반추상화 작품들도 줄줄이 고가에 팔렸다. 이 같은 경매 결과는 한국 미술 위상을 높이고 한국 작가 작품이 세계무대에서 재평가되는 계기가 될 것이라는 기대를 낳았다. 하지만 김환기 외에는 주력할 대표급 작가가 부재하다는 방증이라며 신진작가 발굴 등 미술시장의 활성화가 필요하다는 지적도 나왔다. 현재 국내 미술품 최고가 10점 중 9점이 김환기의 그림이다. # 해외 작가 강세… 국내 화단 점령 우려 해외 미술이 국내 화단을 점령했다는 우려도 나왔다. 올해도 주요 미술관과 갤러리들이 유명 작가 전시를 앞다퉈 열었다. 많은 전시공간이 해외 작가 작품들로 채워지면서 가뜩이나 어려운 국내 작가들의 설 자리가 좁아졌다는 지적도 나온다. 세계에서 가장 비싼 작품가격이 매겨지는 작가 중 한 명인 영국 화가 데이비드 호크니 개인전 흥행 성적이 돋보였다. 3~8월 서울시립미술관 서소문 본관에 37만5000여명을 불러모으며 ‘줄 서는 미술 전시’로 화제를 모았다. 남성용 소변기를 뒤집은 ‘샘’으로 유명한 마르셀 뒤샹 회고전도 좋은 반응을 얻었다. 지난해 12월 말부터 올해 4월 초까지 국립현대미술관에서 열린 전시에 23만5000여명이 다녀갔다. 이 밖에 제니 홀저, 프레드 샌드백, 토마스 사라세노, 자비에 베이앙, 우고 론디노네, 베르나르 포콩 등 굵직한 외국 작가들이 소개됐다. 화랑들도 투자 리스크가 작고 환금성이 높은 해외 작가 작품 판촉전에 뛰어들었다. 2015년 이후 큰 인기를 누렸던 단색화 이후 새로운 블루칩이 없는 상황에서 대체재로 해외 작가를 찾는 분위기가 우세하다는 판단에서다. # 윤형근·백남준·이우환 등 해외 전시 활발 국내 시장 부진의 돌파구를 찾고자 미술계는 해외 전시와 판매에 공을 들여 성과를 거두기도 했다. 김환기 사위인 한국 추상화 거목 윤형근(1928~2007)은 지난 5월 열린 제58회 베네치아비엔날레에서 열린 대규모 회고전으로 언론과 평단의 호평을 받았다. 미디어아트 거장 백남준(1932~2006)은 10월 개막한 영국 런던 테이트모던 대규모 회고전으로 선구자적인 작업을 다시 보여줬다. 이우환의 대규모 회고전도 프랑스 퐁피두 메츠센터에서 열렸다. 그러나 한·일 갈등 속에서 위안부 피해자를 표현한 ‘평화의 소녀상’이 지난 8월 일본의 최대 국제예술제인 ‘아이치 트리엔날레 2019’에서 출품 사흘 만에 전시가 중단되는 사태도 벌어졌다. 일본의 일부 극우 세력이 전화와 직접 방문 등을 통해 주최 측에 강력 항의했기 때문이다. 소녀상 전시 중단 후 일본 내에서 비판이 쏟아졌고, 예술적 표현의 자유에 대한 논란에 불을 댕기는 계기가 됐다. 전시회는 중단 65일 만인 지난 10월8일 일주일간 제한적으로 재개한 뒤 폐막했다. # 주요 미술관장·올해의 작가상 ‘우먼 파워’ 이처럼 미술계에 불어닥친 찬바람 속에도 ‘여풍’은 거셌다. 우선 남성들의 독무대였던 전국 주요 미술관장직을 여성들이 차지했다. 백지숙 서울시립미술관장, 기혜경 부산시립미술관장, 최은주 대구미술관장, 선승혜 대전시립미술관장, 김성은 백남준아트센터관장, 안미희 경기도미술관장이 그 주인공. 김달진미술연구소는 “미술관장직의 여성 대거 임명은 유리천장이 깨진 듯한 양상을 보였다”고 평가했다. 전시와 수상에서도 여성미술인들이 약진을 보였다. 지난 베네치아비엔날레 한국관 예술감독으로 김현진, 참여작가로 남화연, 정은영, 제인 진 카이젠, 심사위원에 김선정 광주비엔날레 재단 대표이사가 선정됐다. 이외에도 2020금강자연미술비엔날레 감독에 임수미, 2020제주국제비엔날레 감독에 김인선이 선정됐다. 국립현대미술관 올해의 작가상 후보 4인도 모두 여성이었다. 이밖에도 이불 작가가 29회 호암상 예술상을 받았고, 22회 자랑스런박물관인상 원로부문은 박강자 금호미술관장이 꼽혔다. 5회 전혁림미술상은 김진 작가가, 4회 박수근미술상은 박미화 작가가 받았다. 권이선 기자 2sun@segye.com

국립중앙박물관이 핀란드의 물질문화와 디자인의 가치를 탐구하는 특별전 ‘인간, 물질 그리고 변형-핀란드 디자인 10 000년’을 내년 4월까지 개최한다. 핀란드국립박물관과 협업한 이번 전시는 국립중앙박물관에서 개최하는 최초의 북유럽 역사 문화 전시다. 전시품은 고고학 유물에서부터 민속품, 현대 산업디자인 제품, 사진과 영상 등을 망라한다. 핀란드 자료는 140여 건이고, 여기에 한국 유물 20여 건을 더해 유라시아 대륙 서쪽과 동쪽 나라 문화를 비교하도록 했다. 전시실에는 길쭉한 돌도끼와 노키아 휴대전화뿐 아니라 나뭇가지 형태를 살린 의자, 핀란드 출신 세계적 건축가 알바 알토 작품, 썰매, 스키, 장화, 설피 등 핀란드 디자인 정수라고 할 만한 자료들이 출품됐다. 전시회 1부의 주제는 ‘인간은 사물을 만들고, 사물은 인간을 만들다’다. 인간은 물질을 탐구하면서 다양한 지식을 얻었고, 물질은 인간에 의해 새로운 의미를 갖게 되었음을 보여준다. ‘물질은 살아 움직인다’를 주제로 한 2부에서는 물질의 다양한 가치에 관해 다룬다. 물질의 가치는 시간과 문화에 따라 계속 진화해왔으나 어떤 물질은 시간적 거리에도 변하지 않는 가치를 지니기도 한다. 인간과 자연의 공생 과정을 살펴본 3부 ‘사물의 생태학’, 시대가 지나도 변하지 않은 원형과 다양한 형태로 진화를 거듭하는 유형의 속성을 제시한 4부 ‘원형에서 유형까지’, 인간의 환경에 대한 이해를 신앙체계라는 관점에서 살펴본 5부 ‘초자연에서 탈자연으로’, 사물의 관계성에 주목한 6부 ‘사물들의 네트워크’가 이어진다. 강구열 기자 river910@segye.com