서울시는 27일부터 7월 10일까지 시청 8층 하늘광장갤러리에서 재활용을 소재로 한 전시회 ‘자연으로 나간 두 번째 생명’을 개최한다고 24일 밝혔다. 2019년 전시작가 공모에서 당선된 유도영 작가가 폐기물을 재활용해 만든 ‘업사이클링 아트’ 작품을 선보인다. 유도영 작가는 20년 넘게 동화책 일러스트레이터로 활동하며 재활용 소재를 사용하여 회화, 조각, 설치, 교육 작업 등을 해왔다. 하늘광장갤러리는 220㎡ 규모의 전시공간으로 서울광장을 조망할 수 있는 본관 8층에 있다. 전시 기간 시민 대상의 예술교육 프로그램도 3차례 진행된다. 초등학생 가족을 대상으로 6월 3일 오전 10시부터 공공서비스 예약사이트를 통해 총 60명을 모집한다. 프로그램에 참여한 시민의 작품은 갤러리에 함께 전시된다. 송은아 기자 sea@segye.com

스위스 취리히 SON’S GALLERY에서 조각가 김선영의 스무 번째 개인전 ‘VISIBLE INVISIBLE’展을 연다. 이번 전시는 지나간 일간지 신문지를 재료로 한 작품과 Digital Print위에 버려진 성경책을 이용한 부조작품, 청자가방 작품, Resin을 재료로 한 가방 작품 등 총 17점의 작품이 전시된다. 보임과 보이지 않음의 경계, 보이지 않는 것과 보이는 것, 보이지 않지만 느낄 수 있는 존재에 대한 메시지 이다. 이번에 시도한 청자 작품은 민감한 흙의 특성으로 제작이 까다롭지만 한국적인 아름다움이 작가에게 큰 매력으로 다가왔다. 어머니의 고향이기도 한 전라남도 강진은 고려청자의 도요지로서 고려청자 재현을 연구하는 도강요의 후원은 작가가 청자 작품을 창작하는데 큰 도움이 되었다. 이번에 보여주는 청자 가방 작품은 초벌, 재벌을 거쳐 세 번째 1300도에서 소성하여 환원 유약 속의 철분이 부드러운 청록색을 띠고 있다. 현대적인 여성의 크러치 형태를 전통적인 재료로 제작 함으로써 시대를 초월한 인간의 근원에 대해 이야기 한다. 신문지를 수십 번 붙이고 깎아 귀의 형상을 부조로 표현한 작품은 지나간 일간지를 이용하여 현재를 살아가고 있는 우리가 듣고 보고 안다는 것에 대해 묻고 있다 붙이고 깎는 작업은 작가의 여러 작품에서 공통적으로 발견되는데 가방이나 반지 형태의 작품들에서 어김없이 등장하는 tag가 그것이다. 태그의 재료는 Resin과 Stainless steel과 그 위에 붙여진 성경책이다. 강의실 구석에 버려진 학생들에게 무료로 배포된 성경이 작품의 재료가 된다. 작가는 붙인 성경과 신문지에 있는 활자들을 지우고 남김을 반복함으로 전달하는 메시지를 확장시킨다. 또한 Digital Print 위에 붙여진 태그는 음각, 흔적으로 표현 함으로써 visible invisible의 주제를 명확하게 하고 있다 김선영 작가의 작업은 형태나 재료의 다름을 떠나 30여 년간 일관 된 주제를 다루고 있는데 궁극적인 근원에 대한 물음이다. 그리고 그것은 상징적인 형태로, 때로는 사실적인 형상으로 정신과 마음을 담아내는 몸을 표현하고 있는 점이다. 황현도 기자

우성(又誠) 김종영(1915∼1982) 선생은 한국 현대 추상조각의 선구자로 꼽힌다. 그는 “나는 사실적인 것을 못하네”란 유명한 말을 남겼다. 이는 그가 만든 공공 조형물이 단 2점인 사실과 무관하지 않다. 포항 북구의 ‘포항전몰학도충혼탑’과 서울 서대문구의 ‘3·1독립선언기념탑’이 바로 그것이다. 이 중 3·1독립선언기념탑은 무단 철거됐다가 복원되는 수난을 겪었다. 서울 종로구에 자리한 김종영미술관이 다음 달 23일까지 여는 특별전 ‘김종영의 공공기념조형물, 그리고 지천명’에서 자세한 사연을 만날 수 있다. ◆“민족 위해”…‘국민 성금’ 공공 조형물만 제작 3·1독립선언기념탑은 1963년 8월15일 종로구의 탑골공원에 처음 건립됐다. 제막식에는 3·1운동 민족대표 33인 중 유일한 생존자였던 이갑성(1886∼1981) 선생과 3·1운동 당시 일제의 만행을 세계에 알린 프랭크 윌리엄 스코필드(1889∼1970·한국명 석호필) 박사 등이 참석했다. 김 선생은 기념탑 제작에 심혈을 기울였다. 재건국민운동본부가 주관해 모금한 국민 성금으로 만들었기 때문. 그는 “조각가로서 민족을 위해 해야 하는 일”이라고 생각했다. 기념탑 뒤에 독립선언문과 민족대표 33인의 이름을 새겼다. 그는 시대를 앞서갔다. 이 기념탑은 만세를 외치는 다섯 사람의 모습을 형상화했는데 이 중 2명이 여성이다. 여성 독립운동가들은 3·1운동 100주년을 맞은 올해 들어서야 재조명됐다. 또 다른 2명은 남성이고, 나머지 한 명은 외관상으로는 성별이 불분명하다. 16년 뒤인 1979년 예기치 못한 사건이 일어났다. 서울시가 기념탑을 무단 철거해 삼청공원에 방치한 것. 이 사실이 뒤늦게 알려져 논란이 되자 서울시는 ‘공원 정비 사업’이란 석연치 않은 이유를 댔다. 김 선생은 “내 몸뚱이를 쓰러뜨린 것보다 더 한 처사”라며 “다시 세울 형편이 안 되면 그것을 녹여 토큰을 만들어 800만 서울 시민에게 한 개씩 나눠 주라”라고 일침을 가했다. 그는 이 사건으로 지병이 악화해 1982년 세상을 떠났다. 기념탑은 1991년이 돼서야 서대문독립공원에 복원됐다. 포항의 전몰학도 충혼탑도 1957년 국민 성금으로 제작됐다. 전국학도호국단이 학생들에게서 모금한 성금이 재원이었다. 이 기념탑 부조에는 영혼을 이승에서 저승으로 안내하는 상상 속 동물인 기린이 새겨져 있다. 김 선생은 지천명, 나이 오십에 접어들어 온전한 추상의 길로 들어섰다. 이번 특별전에는 두 기념탑과 관련된 그림과 사진 등 자료는 물론 그의 다양한 작품이 전시된다. ◆32년간 후학 양성… 노준 등 활약 중 그는 조각가이기 앞서 교육자였다. 1948년부터 1980년까지 서울대 미술대학 조소과 교수를 지냈다. 32년간 수많은 후학을 양성했다. 이들은 또 다른 후학을 길렀다. 조각가 노준(50)이 대표적이다. 서울대 조소과를 나온 그는 아기자기한 캐릭터 조각으로 유명하다. 가수 겸 작가인 나얼과 국내외에서 수차례 2인전을 열었다. 노준 작가의 작품 ‘사랑과 행복의 빛’은 지난 3월 ‘2019 아부다비 스페셜올림픽 세계하계대회’를 기념해 아랍에미리트(UAE) 아부다비의 스페셜올림픽 공원에 설치됐다. 노 작가는 올림픽 성화를 봉송하는 남자아이와 여자아이, 축구 등 올림픽 종목을 7가지 캐릭터로 표현했다. 이 캐릭터들은 UAE를 구성하는 7개의 토후국을 상징한다. 노 작가를 후원한 이화익갤러리 측은 “아부다비의 공공미술 프로젝트에 각국의 작가 6명이 참여했다”며 “그중 노 작가의 작품이 이번 스페셜올림픽을 상징하는 중요한 조형물로 자리매김했다”고 설명했다. 박진영 기자 jyp@segye.com

“보다 저렴한 금리로 개인 신용도에 영향을 주지 않는 미술품 담보 대출을 제공합니다.” 지난 6일 국내 한 경매사의 미술품 담보 대출 홈페이지 첫 화면에는 ‘대부업 등록’이란 다섯 글자와 함께 이런 광고 문구가 눈에 띄었다. 스크롤을 내리니 “신용등급에 영향을 미치지 않습니다”란 문구가 또 나왔다. 미술품 담보 대출은 일반적인 대부업 대출과 달리 신용등급이 내려갈 가능성이 없는 걸까. 법조계 등에 따르면 연체가 발생하면 금융회사의 종류에 관계없이 연체 금액이나 기간에 따라 신용 평가에서 불이익을 받게 된다. 신용조회회사와 채권추심회사들로 구성된 신용정보협회는 홈페이지의 ‘신용등급에 대한 오해와 진실’이란 코너에서 이 같은 점을 알리고 있다. 이 때문에 대부업자는 과도한 채무의 위험성과 대부계약 관련 신용등급의 하락 가능성을 알리는 경고 문구를 광고 등에 하나씩 넣어야 한다. 대부업법 시행령상 전자는 “과도한 빚, 고통의 시작입니다”, “과도한 빚은 당신에게 큰 불행을 안겨 줄 수 있습니다”, “과도한 빚, 파산으로 가는 지름길입니다”이다. 후자는 “대출 시 귀하의 신용등급이 하락할 수 있습니다”, “대출 시 신용등급 하락으로 다른 금융거래가 제약받을 수 있습니다”이다. 세계일보가 취재에 들어간 이날 오후 이 회사는 곧바로 홈페이지 재정비 작업에 들어갔다. 회사 관계자는 “홈페이지 관리에 미비한 점이 있었다”고 해명했다. 다른 경매사의 미술품 담보 대출 홈페이지도 상황은 비슷했다. 이 회사 역시 신용등급의 하락 가능성을 알리는 경고문구를 홈페이지에 표기하지 않았다. 7일에야 “대출 시 귀하의 신용등급이 하락할 수 있습니다”란 문구를 홈페이지 하단에 추가했다. 다만 법률적 미비점도 없지 않다. 대부업법 시행령상 “경고문구는 지면 및 방송 광고의 경우에 표기한다”고 돼 있다. 홈페이지 등 인터넷이나 모바일 광고는 빠져 있다. 이에 대해 국회 문화체육관광위원회 소속 더불어민주당 김영주 의원은 “최근 미술시장에서 담보 대출 같은 전통적인 금융 상품이 등장하고 있는데, 미술시장 특성을 반영한 법과 제도가 갖춰져 있지 않다 보니 사업자가 대부업에 등록해 운용하고 있다”며 “사업자들은 신용등급의 하락 가능성을 충분히 알려야 한다”고 지적했다. 이어 “대부업법과 법 시행령상 ‘경고문구 표기 기준’을 인터넷 광고에 적용해야 할지는 모호한 부분이 있어 개선이 시급히 필요하다”고 덧붙였다. 한 법조계 관계자도 “인터넷 광고의 경고문구 표기 기준을 법적으로 명확히 할 필요가 있다”고 입을 모았다. 박진영 기자 jyp@segye.com

강원도 영월 창령사터에서 나온 석조 나한상 88점이 국립중앙박물관 상설 전시관 특별전시실에서 일반에 선을 보인다. 국립중앙박물관은 지난해 강원 소재 국립 춘천 박물관에서 특별전을 통해 선보인 창령사터 나한상 88점으로 꾸민 전시 ‘영월 창령사터 오백나한–당신의 마음을 닮은 얼굴’을 29일 개막식과 함께 공개했다. 아라한(阿羅漢)의 준말인 나한(羅漢)은 석가모니의 제자이자 깨달음을 얻은 불교 성자다. 신통력을 지닌 나한은 불법을 수호해 중생이 복을 누리도록 돕는 존재여서 한반도에서는 나한 신앙이 널리 유행했다. 신앙 대상은 부처 10대 제자를 비롯한 십육나한과 십팔나한, 오백나한으로 다양하다. 강원도 영월군 남면 창원리 창령사터에서 나온 오백나한은 2001년 주민이 신고하면서 그 존재가 알려졌고, 강원문화재연구소가 이듬해까지 발굴 조사를 진행해 형태가 완전한 상 64점을 포함해 나한상과 보살상 317점을 찾았다. 아울러 ‘창령사’(蒼嶺寺)라는 글자를 새긴 기와가 발견하면서 사찰 이름을 확인했고, 함께 발견된 송나라 동전 숭녕중보(崇寧重寶)와 고려청자를 통해 창건 시기가 고려 시대임이 드러났다. 창령사는 조선 중기까지는 명맥을 잇다가 이후 사라진 것으로 추정된다. 학계는 여말선초(麗末鮮初)에 제작한 나한상도 이 무렵 인위적으로 훼손됐다고 보고 있다. 조선 왕조는 고려를 부정하기 위해 고려의 국교였던 불교를 탄압하고 그에 대한 대안으로 유교를 내세웠다. 글·사진=김경호 기자 stillcut@segye.com

#‘러빙 빈센트’, 움직이는 그림으로 담아낸 고흐의 삶 “‘러빙 빈센트’(Loving Vincent)란 영화를 보면 어때?” 집에서 볼 영화를 고민하던 지난 휴일, 지인이 추천한 영화는 빈센트 반 고흐(1853∼1890)의 삶을 담은 것이었다. 제작에 총 10년이 걸린 이 영화는 세계 최초의 유화 애니메이션이다. 107명의 작가가 고흐의 화풍으로 그림 6만2450점을 그렸고 그것을 엮어서 만들었다. 미술에 조예가 깊지 않더라도 흥미롭게 보고 감동할 수 있다. 2017년 국내 개봉한 이 영화의 누적 관객 수는 41만여명에 달한다. 영화는 고흐가 죽은 지 1년 뒤의 시간을 배경으로 시작한다. 고흐의 친구였던 집배원 조셉 룰랭이 아들 아르망에게 고흐의 흔적을 찾는 심부름을 보내면서부터다. 아르망은 고흐가 죽은 프랑스의 도시 오베르로 향한다. 그가 머물렀던 장소를 찾고, 그가 만났던 사람들과 대화를 나눈다. 그 과정에서 자연스럽게 고흐의 죽음에 대한 미스터리를 추적하게 된다. 고흐의 삶에 큰 영향을 끼친 일련의 사건을 알게 되고 그의 삶을 이해하게 된다. #평범한 가정의 청년이 화가가 되기까지 고흐는 27세에 화가가 되기로 마음먹은 늦깎이 예술가였다. 그는 1853년 네덜란드 브라반트주의 준데르트에서 태어났다. 개신교 목사인 테오도루스 반 고흐와 안나 코르벤투스의 2남3녀 중 둘째였다. 가족은 화목했고 산책을 자주 함께했다. 이때의 경험이 고흐에게 자연을 사랑하는 눈을 갖게 했다고들 이야기한다. 16세가 되던 해에 그는 숙부가 운영하는 헤이그의 한 갤러리에서 일을 시작했다. 판화를 복제해 판매하는 업무를 맡았다. 이 무렵 가족들에게 첫 편지를 보낸 것으로 전해진다. 가족과 주고받은 편지는 고흐의 삶을 보여주는 것으로 널리 알려져 있다. 그는 편지에 종종 작은 스케치를 그려 넣곤 했다. 편지를 받았던 동생 테오는 그에게 그림 그리는 일을 추천했다. 고흐는 드로잉 기법을 익히고 다른 예술가들을 만나면서 작품 세계를 펼쳐 나갔다. 고흐는 처음에는 고국의 작은 마을인 뉘넨에서 주로 자연이나 농민을 그렸다. ‘이삭 줍는 여인들’(1857)과 ‘만종’(1857∼1859)으로 잘 알려진 프랑스 화가 장 프랑수아 밀레(1814∼1875)를 존경했던 그는 농민의 삶을 어두운 톤으로 화폭에 담아냈다. 야외에서 그린 밝은 색채의 풍경화가 유행하던 시기라 작품을 인정받거나 팔기는 어려웠다. 고흐는 자신이 시대에 뒤떨어진다고 느꼈다. 벨기에 안트베르펜으로 이주해 색채론을 연구하기 시작한 이유다. 그 뒤에는 프랑스 파리로 이주해 당시 유럽 미술계의 주류 흐름 속에 머물며 회화법을 습득했다. 파리 생활에 염증을 느낀 뒤로는 프랑스 남부의 아를로 옮긴다. 이곳에서 아름답기로 알려진 밤의 풍경을 많이 그렸다. 아를에서 고흐는 폴 고갱(1848∼1903)과 함께 지냈다. 성격 차이로 두 사람의 우정은 결국 파국을 맞는다. 고갱이 떠난 뒤 좌절한 고흐는 면도칼로 자신의 귀를 자른다. 이 일을 계기로 아를의 병원에 입원했던 그는 그곳을 떠나 생레미의 요양원에 자진해 입원했다. 그곳을 나와서는 파리 근교의 오베르에 머문다. 이곳에서 7개월을 보낸 뒤 권총으로 자살을 시도하고, 총탄에 감염돼 약 30시간 뒤 숨을 거둔다. #평화롭기에 더 슬퍼 보이는 밀밭 풍경 고흐의 그림 중 가장 슬픈 것으로 알려진 그림은 ‘까마귀가 나는 밀밭’(1890)이다. 그가 스스로 목숨을 끊기 직전에 그린 마지막 그림으로 추정되기 때문이다. 어둡게 그려진 낮은 하늘 아래 요동치듯이 밀밭이 움직인다. 밀밭으로 몰려드는 까마귀 떼는 불길함이 엄습하는 듯한 느낌을 준다. 길은 세 갈래로 갈라져 있는데 어디로 가야 할지 모르는 막막함이 드러난다. 고흐에게 밀밭은 그림의 중요한 소재였다. 밀밭의 색만큼이나 내용에도 매료됐기 때문이다. 그는 언젠가 “나는 사람들의 이야기가 밀의 이야기와 같다고 느껴”라고 말한 바 있다. 자연 순환의 맥락과 의미 있는 것으로의 탄생에 대한 희망이 느껴진다. 실제로 고흐의 작품 중에는 밀밭을 그린 작업이 많다. ‘자고새가 있는 밀밭’(1887), ‘밀밭’(1888), ‘밀밭의 농가’(1888), ‘수확’(1888), ‘수확하는 사람과 밀밭’(1889), ‘뇌운 아래의 밀밭’(1890) 등을 예로 들 수 있다. 이 중 ‘뇌운 아래의 밀밭’이 ‘까마귀가 나는 밀밭’보다 슬픈 느낌이 든다. 부드러운 초록이 밀밭을 가득 채워 초여름쯤 그린 것이 아닐까 추측된다. 흰색을 혼합한 색을 대부분 사용해 차분하고 안정적인 느낌을 주는 것이 인상적이다. 그러면서도 중간에 붉게 남긴 몇 개의 점은 그림에 생기를 불어넣는다. 분명 제목에는 뇌운이라고 돼 있는데도 어쩐지 하늘은 맑고 구름도 밝은 느낌을 풍긴다. “이 작품이 네게 내가 말로 표현할 수 없는 것을 얘기할 거라고 믿어. 나는 전원의 건강함과 기운 북돋움을 생각하며 그렸어.” 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 ‘뇌운 아래의 밀밭’에 대해 이같이 설명했다. 그림의 분위기처럼 설명에서도 긍정적인 느낌이 풍긴다. 믿기 어렵지만 ‘까마귀가 나는 밀밭’과 ‘뇌운 아래의 밀밭’은 1890년 7월, 같은 달에 그린 그림들이다. ‘뇌운 아래의 밀밭’을 보면 한 달이 채 되지 않은 사이에 희망이 사그라지는 것을 넘어 절망의 구덩이에 빠져버린 것이 안타깝고 슬프다. 짧은 시간 안에 변해가는 상황과 감정에 고흐가 좌절했을 모습이 눈에 선하게 그려져 왠지 괴로워진다. #37세에 떠난 고흐, 그가 남긴 끝나지 않을 이야기 앞서 언급했듯이 영화 ‘러빙 빈센트’는 고흐의 죽음에 대한 미스터리를 쫓으며 전개된다. 영화는 고흐가 자살이 아니라 타살로 생을 마감했을 수도 있다고 가정한다. 이러한 가정은 미국 퓰리처상 수상 작가인 스티븐 나이프와 그레고리 화이트 스미스의 주장에 근거한 듯 보인다. 정신병을 앓았던 고흐가 어떻게 총기를 샀는지에 대한 의문이 풀리지 않았기 때문이다. 미국의 영화감독 줄리안 슈나벨도 유사한 내용의 ‘앳 이터너티스 게이트’(At Eternity’s Gate)를 지난해 제75회 베니스 국제영화제에서 상영한 바 있다. 학계에서는 대부분 고흐가 스스로 목숨을 끊은 것으로 보고 있다. 최근 유럽의 옥션 레미 르 퓨(Remy le fur)에는 고흐가 자살을 시도할 때 사용한 것으로 알려진 권총이 나왔다. 2016년 네덜란드의 반 고흐 미술관의 전시에서도 다룬 바 있는 물건이다. 100% 확신할 수는 없지만 목격과 증언에 기반하면 그가 사용한 총이 맞다. 그 총을 묻은 사람이 말한 위치에서 발견됐기 때문이다. 총은 땅속에 50여년간 묻혀 있었기에 부식이 심한 상태다. 방아쇠는 잠겨 있지 않아 묻기 직전에 사용했음을 알 수 있다. 미술 공부와 일을 하면서 한때 고흐를 멀리한 적이 있다. 사람들이 잘 모르는 작품을 좋아한다고 해야 ‘있어 보인다’는 어린 마음에서다. 해외 유수 박물관을 방문할 때마다 고흐의 그림은 발목을 잡았다. 감정을 온전히 담은 채 휘몰아치는 붓의 흔적은 보는 이를 흡입하는 능력이 있다. 고흐는 귀를 자르는 등 비극적 삶을 살며 예술혼을 불태운 화가로 알려졌다. 조금 더 깊이 보면 그는 미술사에서 전환점이 되는 작업을 펼친 천재 작가이기도 하다. 당시 주류 미술이었던 인상주의에서 중요한 재현을 거부하고 감정이나 관념을 표현하고자 했다. 유독 짧고 굵게 남은 붓질에서 강하게 드러나는 이 표현은 훗날 독일 표현주의의 출범에 결정적 영향을 끼쳤다. 37세란 젊은 나이에 세상을 떠났지만 끝나지 않을 이야기를 남긴 사람. 이제는 모두가 그 이야기를 듣기 위해 귀를 기울이고 또 그를 사랑한다. 그러니 그가 더 이상 인간관계에서 외로움을 느끼거나 작업 방향에 불안해하지 않았으면 좋겠다. 그가 ‘별이 빛나는 밤’(1889)에서의 노란 별빛에 따듯하게 머물고 있기를 소망해 본다. 가시덤불을 걷는 고통의 삶이었으나 그대들은 내가 그린 어두운 하늘 반짝이는 별을 보라고, 그러니 힘을 내라고 나직이 말하는 그의 목소리가 들리는 봄밤이다. 김한들 큐레이터, 국민대 미술관·박물관학 겸임교수

아스게르 요른과 빈센트 반 고흐, 변월룡, 빛과 소쇄원…. 봄을 맞아 다채로운 전시가 진행 중이다. 국립현대미술관 서울관에서는 ‘대안적 언어 - 아스거 욘, 사회운동가로서의 예술가’전이 오는 9월8일까지 열린다. 1950∼1970년대 코브라(CoBrA), 상황주의 인터내셔널 등 아방가르드 단체를 이끌며 사회참여 예술 활동을 벌인 덴마크 대표 작가 아스게르 요른(1914∼1973)의 아시아 첫 개인전이다. 요른의 회화와 조각, 드로잉 등 작품 90여점이 전시된다. 빈센트 반 고흐(1853~1890)와 고려인 화가 변월룡(1916~1990)의 삶과 작품 세계도 만날 수 있다. 서울의 우정아트센터와 학고재는 각각 ‘빈센트 반 고흐를 만나다’전과 ‘우리가 되찾은 천재 화가, 변월룡’전을 열고 있다. ‘빈센트 반 고흐를 만나다’는 네덜란드 반 고흐 미술관의 공식 체험 전시다. 고흐가 쓴 수백통의 편지 내용을 성우의 목소리로 들을 수 있고, 3D 프린터로 구현된 그의 작품을 손으로 만져볼 수도 있다. 러시아와 북한을 오가며 활발하게 활동한 변월룡은 귀화를 거부해 북한에서 배척된 비운의 화가다. 국내에는 2016년 탄생 100주년을 맞아 대규모 회고전이 열리면서 처음 소개됐다. 전시는 각각 8월25일, 다음 달 19일까지다. 인천 영종도 파라다이스시티의 파라다이스 아트 스페이스는 ‘프리즘 판타지: 빛을 읽는 새로운 방법’전을 오는 8월18일까지 선보인다. 반사와 무한, 스펙트럼, 환상이란 빛의 속성을 구현한 국내외 작가 11명의 작품 25점을 감상할 수 있다. 이 중에서도 멕시코 작가인 가브리엘 다우가 전시장 공간에 맞춰 제작한 플렉서스 40(Plexus No. 40)이 눈길을 사로잡는다. 무지갯빛 실을 천장과 바닥에 엑스(X)자로 촘촘히 연결해 그러데이션 효과로 환상적인 분위기를 연출한다. 왼쪽 벽면에 걸린 덴마크 작가 올라푸르 엘리아손의 시각적 조정(Visual mediation)의 유리구슬들은 빛에 반응해 플렉서스를 비춘다. 예술의전당 한가람디자인미술관에서는 ‘한국의 정원전 - 소쇄원, 낯설게 산책하기’전이 진행 중이다. 전남 담양군에 있는 조선 시대의 대표적인 정원 소쇄원을 비디오 아트 등을 통해 체험해 볼 수 있다. 전시는 다음 달 19일까지. 혜화아트센터는 다음 달 1일까지 중견 서양화가 성연웅의 8번째 개인전을 연다. 박진영 기자 jyp@segye.com

국립현대미술관 미술은행은 소장품 기획전 ‘색다른 풍경’과 ‘보이는 감각’을 전국의 미술관과 문화예술회관 8곳에서 연말까지 차례로 개최한다. ‘색다른 풍경’전에서는 풍경을 소재로 한 한국화와 서양화, 사진, 판화 등 작품 37점을 선보인다. 일상 속 풍경과 낯선 도시, 자연풍경이란 세 주제로 구성돼 풍경의 다양한 의미를 살펴볼 수 있다. 이 전시는 전남 남원시립김병종미술관(4월17일~5월26일)을 시작으로 충북 단양문화마루(7월1~31일), 경남 김해서부문화센터(9월5일~10월15일), 거창문화재단(11월4일~12월15일)에서 열린다. ‘보이는 감각’전에서는 시간을 주제로 추상적이고 비가시적인 시간의 흐름과 찰나의 순간을 포착한 사진 등 29점이 전시된다. 이 전시는 인천 학생교육문화회관(5월1일~6월2일), 부산 학생예술문화회관(6월12일~7월10일), 강원 홍천문화재단(8월1일~9월1일), 울산 울주문화예술회관(10월10일~11월10일)에서 진행된다. 회화, 조각 등 작품 3500여점을 소장하고 있는 국립현대미술관 미술은행은 지역·계층 간 문화격차 완화와 지역 문화예술 활성화의 일환으로 매년 소장품 기획전을 열고 있다. 박진영 기자 jyp@segye.com

세월호 참사 5주기를 맞아 다양한 추모 행사가 잇따르는 가운데, 경기 안산시 단원고의 기억교실을 서울에서 사진으로 만날 수 있는 자리가 마련됐다. 서울 영등포구의 아트필드갤러리는 ‘한현주의 기억교실’ 사진전을 열고 있다고 16일 밝혔다. 한현주 작가가 2016년 1∼8월 단원고 기억교실을 앵글에 담은 사진들이 전시된다. 4·16 민주시민교육원으로 이전하기 전의 모습이다. 한 작가는 “2016년 1월 단원고에 방문해 기억교실을 보고 놀랐다”며 “꽃다발과 종이학, 사탕, 케이크와 쪽지로 장식돼 겨울인데도 봄 같았다”고 회상한다. 이어 “비극의 장소에서 느끼는 아름다움에 죄책감이 들었고 사진을 정리하며 그 아름다움의 원인을 알았다”면서 “타인의 슬픔에 공감하는 공동체의 이타주의가 숭고하게 피어났기 때문”이라고 말한다. 그는 “기억교실은 이기주의가 아닌 이타주의가 세상을 견인하고 있다는 희망을 전해 준다”고 강조한다. 전시는 다음 달 5일까지. 박진영 기자 jyp@segye.com

#‘고향의 봄’ 꽃 대궐, 그 안에 살았던 김종영 “나의 살던 고향은 꽃피는 산골, 복숭아꽃 살구꽃 아기 진달래, 울긋불긋 꽃 대궐 차린 동네, 그 속에서 놀던 때가 그립습니다.” 어느새 계절은 봄의 한가운데 와 있다. 유독 꽃샘추위가 심했던 해이지만 봄꽃들은 때에 맞춰 꽃망울을 터뜨렸다. 그 모습을 보고 있으면 기특하다는 생각이 들며 동요 ‘고향의 봄’이 입에서 자연스럽게 흘러나온다. 그 가사를 흥얼거리다 보면 조각가 우성(又誠) 김종영(1915~1982)이 떠오른다. 가사 속에서 “꽃 대궐”로 묘사한 곳이 김종영의 고향 집으로 알려졌기 때문이다. 김종영의 고향 집은 경남 창원시 의창구 소답동에 있다. 등록문화재 제200호다. 구조와 각부 장식에서 근대 한옥의 특징을 잘 나타내고 있다는 평가를 받는다. 또 서원에서 적극적으로 사용한 솟을대문이 있어 근대기 상류층의 건축 경향을 보여준다. ‘고향의 봄’ 가사를 쓴 이원수는 어린 시절 근처에 살며 이 집을 자주 지나쳤다고 한다. #조각적 소묘 그리던 청년이 만든 조각세계 김종영은 한국 현대 추상 조각의 선구자로 일컬어지는 조각가다. 그는 1915년 영남 사대부 가문의 김기호와 이정실의 5남매 중 장남으로 태어났다. 벼슬에 올랐던 선대와 달리 선비의 삶을 살았던 아버지와 가까운 관계를 유지했다. 어린 시절부터 아버지에게 서예를 배웠고 이는 자연스럽게 미술에 대한 관심으로 이어진 것으로 보인다. 김종영은 향리에서 보통학교를 졸업하고 서울의 휘문고등보통학교에 입학했다. 여기서 당대 몇 안 되는 서양화가이자 미술교육자였던 우석(雨石) 장발(1901∼2001)을 은사로 만난다. ‘제3회 전조선남녀학생작품전람회’에서 일등상을 받는 등 남다른 예술적 소질을 보인 김종영을 작가의 길로 인도해 주는 사람이 나타난 것이다. 장발은 김종영의 소묘를 보며 조각적이란 말을 하곤 했다. 검은 선으로만 그리는데도 대상의 입체감을 포착하고 표현하는 능력이 뛰어났기 때문이다. 장발은 그가 학교를 졸업할 즈음에는 일본 도쿄미술학교 조각부 입학을 권유했다. 김종영은 조각이 동양미술과 서양미술의 선입견 없이 받아들일 수 있는 장르라 생각해 1936년 도쿄미술학교 조각부에 입학했다. 학교로 떠나는 청년의 마음에는 설렘이 가득했을 것이다. 서양미술 중에서도 특히 추상 조각이 미술 전반의 흐름에서 획기적인 이정표가 되는 시기였다. 수업 내용은 그의 기대에 미치지 못했던 것 같다. 인체 조각이 수업의 주를 이뤘고 표현 방법에서도 일본 조각의 기술적 감화를 벗어나지 못한 상황이었다. 일본 전통 목조 기법인 나타보리 기법 등은 당시 한국 학생들의 작품에서 쉬이 볼 수 있다. 김종영은 교실 밖으로 나갔다. 수업이 끝나면 서점에 가서 화집을 통해 에밀 앙투안 부르델과 아리스티드 마이욜, 콘스탄틴 브랑쿠시 같은 서구 현대 조각가들의 작품을 만났다. 단순화한 형태 속에 사물의 본질, 운동성을 담아내는 그들의 작품에서 깊은 감명을 받았다. 그는 학교 실기실이나 집에서 곧잘 그 작품들을 따라 해보고는 했다. 수업에서 가르쳐 주지 않는 단순성을 살리는 작품을 홀로 깨닫고 익힌 것이다. 이때의 배움은 그가 자신만의 작업세계를 만들고 자리 잡는 데 큰 밑바탕이 됐다. 해방 이후 왜색을 벗어나지 못해 고생한 몇몇 유학생 출신 조각가들이 있었으나 그는 자유로웠다. 1941년 귀국한 그는 7년 뒤 서울대 조소과 교수로 부임했다. 그 뒤 정년까지 32년의 세월을 학교에서 보내며 조각가를 키워냈다. 광화문 이순신 동상을 제작한 것으로 유명한 김세중을 비롯해 최종태, 윤명로, 심문섭 등이 그의 제자다. 우리 현대 조각의 역사에서 그의 중요성을 강조하지 않을 수 없는 이유다. 또한 그는 1953년 영국 런던 테이트갤러리에서 주최한 ‘무명정치수를 위한 국제공모전’에 작품을 출품해 입선했다. 영국의 미술사가이자 비평가인 허버트 리드가 주관하고 조각가 헨리 무어가 심사위원장을 맡은 행사였다. 이는 국내 작가 중 최초로 해외 공모전에서 수상한 쾌거로 기록되고 있다. #단순화한 형태 속에 담아낸 자연을 향한 향수 교육자로서, 작가로서 김종영은 1950년대 한국 조각계에서 가장 중요한 인물 중 한 명으로 자리 잡았다. 하지만 1959년이 되어서야 서울 중앙공보관 전시실에서 동양화가 월전 장우성과 함께 2인전으로 작품을 선보인다. 작가가 자신을 드러내기보다 작품활동에만 전념해 왔기 때문이다. 사진을 통해 당시 전시 모습을 보면 장우성의 작품이 벽에 걸려 있고 김종영의 작품은 전시장 중앙에 늘어놓은 좌대 위에 올려진 흔한 모습이다. 그 흔함 때문이었을까. 한 미술비평가는 이 전시를 보고 김종영의 조각이 ‘백화점 나열식’ 작품이라고 혹평했다. 외국에서 상을 받았다는 작가의 작품에 기대했을 남다름이 없자 실망한 것임이 분명했다. 하지만 그가 김종영의 작품세계를 이루는 배경을 알 기회가 있었다면 이런 일은 없었을 것이다. 김종영은 지천명, 50세에 접어든 해에 놀라운 발언을 한다. 지난 30여년간 제작한 작품들이 실험과정에 있었다고 한 것이다. 그는 어린 시절 임서(臨書)를 하며 서예를 배웠듯 작품도 익혔다. 학창 시절 화집 속 서구 조각가의 작품을 흉내내 만들어 봤다는 일화도 일맥상통한다. 2인전에서의 작품은 여전히 조각의 형태를 충실히 익히며 그것의 정취를 터득하는 중이었다. 그는 이 발언 이후 본격적으로 자기 작품세계를 펼치기 시작했다. 그동안의 서양미술에 대한 체득과 이해를 바탕으로 한국적 정서와 감성을 담은 조각을 만들었다. 여기서 말하는 한국적 정서와 감성은 자연의 순리에 따라 알맞은 행위를 해야 한다는 지재불후(志在不朽)에 있다. 김종영은 ‘불각도인’(不刻道人)이란 말을 작품 한쪽에 새기곤 했다. 조각가임에도 자신을 깎지 않는 사람이라고 부른 것이 인상 깊다. 자연과 사물의 본성을 최대한 살리는 조형 방법을 탐구하는 데 가치를 뒀던 것을 알 수 있다. 작가로서의 원숙기에 도달한 시기로 일컬어지는 1979년 ‘작품 79-12’와 1981년 ‘작품 81-4’를 보면 이러한 시도가 오롯이 드러난다. 두 작품은 분명 서구의 미니멀 조각의 형태와 닮아 있다. 하지만 완벽한 직선과 구조를 추구했던 그것과는 어쩐지 느낌이 다르다. 전체적인 균형이 흠잡을 데가 없는데도 선은 마음대로 굽이지고 완벽한 대칭을 이루는 장면도 없기 때문이다. 작품들은 이렇게 유연한 흐름으로 엮여 있기에 나무나 돌이란 재료로 멈춰 있지 않다. 자신의 존재를 있는 그대로 드러내고 숨을 쉬며 우리 앞에 실재한다. 그래서 그 앞에 서면 눈을 떼지 못하고 그것이 전하는 이야기에 귀 기울이게 되는 것이다. 김종영은 1974년 국민훈장 동백장을 받았다. 한국 현대미술의 발전과 후학 양성에 기여한 공로를 인정받은 결과였다. 1980년에는 국립현대미술관에서 회고전을 열었다. 예술 생애를 총괄하는 대규모 전시였다. 이 전시를 기념하며 문예원에서는 그간의 대표작을 모은 최초의 작품집을 발간하기도 했다. 그러나 그는 얼마 지나지 않아 1982년 암 투병 중 67세의 일기로 생을 마감했다. 일상을 바쁘게 보내다 보면 김종영의 작품은 문득문득 생각난다. 정확하게는 그것의 숨소리와 전하던 이야기가 들려온다. 자연을 향한 깊이 있는 향수를 마음에 품고 사는 동양인이기 때문일 수도 있지만, 문명에 찌든 현대인으로서 그것이 더 절실하기 때문일 것이다. 김종영의 작품을 생각하면 꼭 그의 고향 집 때문이 아니더라도 마음의 여유가 생겨 ‘고향의 봄’이 입에서 흘러나온다. 김종영에 대한 연구는 서울 종로구 평창동에 위치한 김종영미술관에서 꾸준히 이뤄지고 있다. 본관 불각재에서는 김종영 상설 특별전이 있고 신관 사미루에서는 기획전이 열리곤 한다. 평창동으로 향하는 봄날은 언제나 아름다웠다. 이 봄, 김종영의 작품들을 마음에 담은 채 그곳에 가보는 것은 어떨까. 그 길을 걸으며 꽃과 나무, 산과 호흡하며 나의 본질을 되돌아보자. 자연과 사물의 본성에 대한 고찰, 그가 세상을 표현하려 했던 방식을 빌려서 말이다. 김한들 큐레이터, 국민대 미술관·박물관학 겸임교수