옛 우체국을 리모델링해 만든 개충남 당진 ‘면천읍성안 그 미술관’(관장 김회영)이 개관기념전으로 내년 2월28일까지 박방영작가 초대전을 갖는다. 글씨의 필획으로 나름의 조형적 형식을 만들어가는 작가의 역량을 높게 평가한 것이다.◆동양화의 기본 필획박방영은 대학에서는 구상과 추상의 유채화를 그렸고 대학원에서는 ‘난지도’라고 하는 현대미술 그룹을 결성하여 설치 작품도 했었다. 그러나 박방영예술의 원점은 그가 어릴때부터 천재성을 발휘 했던 글씨였다. 중국, 한국 그리고 일본으로 이어지는 수묵화 전통은 선(line)의 예술로 일컬어지고 있다. 부드러운 모필과 묵을 사용하여 종이 위에 선을 그려왔다. 모필에서 그려진 선은 그것을 조절하는 작가의 기술이나 정신성을 여실히 반영한다. 수묵화에 매료된 피카소는 동양의 모필을 이용하여 그림을 그리기도 했었다. 이런 모필의 운필법의 기본은 글씨였고, 그것은 모든 동양 전통 그림의 기본이기도 하다. 그 선은 그냥 평면적인 띠(줄)가 아니고 구체(원형체)로부터 원통으로 이어지는 입체적인 요소를 가진다. 따라서 동양화의 선묘(디자인)에는 부드러우면서도 힘이 있는 존재감이 있고 기운생동하다. 박방영은 그러한 글씨의 운필법을 완벽하게 마스터하여 숙련한데다가 그 기법에 잡히지 않고 자유자재하다. 그가 그림을 그릴 때는 대담한 선으로부터 섬세한 선까지 자유롭게 컨트롤하여 그릴 수 있지만 미로(에스파냐의 화가) 등의 쉬르레알리즘에서도 나타난다. 오토마티즘(자동기술)적인 선묘는 치졸(조잡)한 기술로 그려진 민화에서도 보였으나 민화의 대극(서로 다른끝)에 있는 전통의 수묵화나 문인화가 요구한 높은 정신성과 무위의 경지로 부터도 생겨난다. 순진함과 숭고함과는 통하는데가 있다.◆ 기운생동을 창출하는 선(line)기운생동은 5세기 중국의 謝嚇(사혁)이 설명한 ‘그림의 육법’에도 나온다. 극단적으로 기운생동이 없는 수묵화나 글씨는 그냥 아름다운 그림이나 기호에 불과하다. 기운생동의 의미는 작품 속에 천지 즉 자연 · 만물 · 우주의 에너지가 약동하는 모양이다. 작가의 정신성과 고도의 기술이 요구 되어진다.조선시대 추사 김정희는 예서에 가까운 추사체라고하는 독특한 서체를 완성시켜 후세에 영향을 끼쳤다. 추사의 글씨는 모필을 마치 조각도로 바꿔서 쓰고 있는 것 처럼 선묘(디자인)의 힘의 강함과 예리함이 있어 보는 사람에게 강한 임팩트를 부여 한다. 그것은 확실히 기운생동하는 글씨다. 박방영의 글씨도 힘이 강하자만 예리한 추사의 글씨에 비교하면 선도 서체도 부드럽다. 그러나 부드러움 속에 한정되지 않는 포용력이 있다. 기운생동의 원천인 천지(우주)의 에너지를 끌어내어 자신의 내면에 울리게 하여 작품 속에 풀어 버린다. 마치 무속적 에너지 같다. 보는 이로 하여금 혼에 끓어 오르는 듯한 울림을 주는 이유다. 편완식 기자

“‘산’은 누구나 한번쯤 다뤄보는 대상이면서 가장 한국적인 이미지와 조형성을 강조할 수 있는 주제다. 작가 김가범의 화사에서도 ‘산’은 매우 중요한 위치를 차지한다. 다만 그의 ‘산’은 구상적 경향의 설명중심에서 군더더기를 덜어내는 방향으로 전개되어 왔는데, 소박하지만 남다른 의지와 열정, 세월을 무색하게 하는 집요한 성취심이 하나의 배경이었음을 외면하기 어렵다.그가 그려내는 작품들은 궁극적으로 선적(禪的)인 무아의 경지를 추구한다. 점점이 놓인 화려한 색감, 자연의 경이로움으로부터 단적 개념을 찾아 나선다. 그것은 곧 ‘젠(Zen)’이라는 동양철학이 근본이며 이는 그의 감각에 의해 김가범 식 경향을 보여준다.(여기서 말하는 경향이란 가시적(可視的) 세계의 모사적(模寫的) 기능을 점차 상실시키고 순(純) 조형적 요소에 의존하는 상태를 가리킨다.)“ (홍경한 미술평론가)7할이 산지인 한반도에서 태어난 작가의 경향성은 어쩌면 당연한 것일지 모른다. 27일까지 코엑스에서 열리는 서울아트쇼에 그의 작품이 출품됐다. 뉴뮤지엄 단독부스로 초대됐다. 수많은 색들이 중첩돼 자연의 함성을 쏟아내는 듯하다. 두터운 색의 마티에르가 펼치는 색의 향연이라 할 수 있다.그의 작품은 내년 1월 25일~28일 싱가폴아트페어에도 출품된다. 축적과 함축, 그리고 그 속에서 발효되듯 우러난 자연스러움은 깊이감을 더해준다. 정제된 듯 하면서도 풀어진 느낌은 한국 춤사위의 맛이다. 정중동이라 할 수 있다. 편완식 기자

미국서 돌아온 강노의 초상김홍도와 신위의 스승이자 시·서·화에 능해 삼절(三絶)로 일컬어진 표암(豹菴) 강세황(姜世晃·1713∼1791)의 증손자인 강노(姜㳣·1809∼1886)를 그린 초상화가 미국에서 돌아왔다. 강노 초상화가 국립중앙박물관으로 오면서 강세황의 부친인 강현(姜鋧·1650∼1733)을 시작으로 강세황, 강인(姜? ·1729∼1791), 강이오(姜彛五·1788∼?), 강노까지 진주 강씨 5대의 초상화가 한데 모이게 됐다.문화재청은 국외소재문화재재단이 지난 10월 미국 조지아주 동남부 서배너에 있는 에버러드 경매·감정소에 강노 초상이 출품된 사실을 파악하고 진품임을 확인한 뒤 낙찰받아 지난 8일 국내로 들여왔다고 19일 밝혔다. 강노 초상의 소장자는 서배너에 사는 미국인으로, 그는 가톨릭 교회에서 자산을 처분할 때 내놓은 그림을 구매했다고 말했다. 교회는 강노 초상을 기증받은 것으로 알려졌는데, 그림이 국내에서 빠져나간 정확한 경위는 규명되지 않았다.강노 초상의 오른쪽에는 그림에 대한 정보를 적은 화기(畵記)가 남아 있다. 이에 따르면 강노가 70세 생일을 맞은 기묘년(己卯年, 1879) 9월에 그려졌다. 작품 속에서 강노는 동물 가죽을 두른 의자에 앉아 있는데, 이 같은 도상은 19세기 초상화 중에서는 드문 편이다. 묘사가 매우 사실적이고 인물의 기품과 고매한 정신이 잘 표현돼 있다는 평가를 받는다.강노 초상화가 국립중앙박물관으로 오면서 진주 강씨 5대의 초상화가 한데 모이게 됐다. 왼쪽 위부터 시계 방향으로 강현, 강세황, 강이오, 강인 초상. 문화재청 제공강노는 1837년 진사시에 합격했고, 1848년 병과에 급제했다. 1883년 탄핵을 당해 경남 함양으로 유배를 떠났다가 4년 뒤 사면됐다. 강노보다 선대인 강이오는 강노의 당숙이다. 강이오의 아버지인 강신(姜信)은 강세황의 다섯째 아들이고, 강노의 할아버지인 강빈(姜儐)은 강세황의 넷째 아들이다. 강인은 강세황의 첫째 아들이다. 진주 강씨 5대를 그린 초상화 가운데 강현 초상과 강세황 초상, 강이오 초상은 보물로 지정됐다. 국립중앙박물관은 진주 강씨 5대의 초상화를 함께 선보이는 기획전을 내년 8월에 개최할 예정이다.권구성 기자 ks@segye.com

1970년대 말 인생의 막장이라 일컫는 태백 탄광촌에 한 젊은이가 찾아든다. 어디를 가나 산업화와 경제건설이란 구호 아래 사랑노래조차 금지곡이 되는 세상에 숨이 막히던 시절이었다. 인간의 진실된 모습을 어디서도 마주할 수 없었다. 진실된 인간이 보고 싶어, 스스로 광부가 됐다. ‘탄광화가’ 황재형(65)의 이야기다. 대학에서 미술을 전공한 그는 틈틈이 주변의 백토, 적토, 흑토(석탄)를 개서 나이프로 발라 탄광촌 사람들과 풍경을 그렸다. 고단한 광부들이 가족들과 등을 뉘었던 탄광촌 사택 풍경 .일명 하모니카 나고야로 불렸다.“어느날 밤 일을 마치고 갱도에서 나와 걷고 있는데 여인네들의 웃음소리가 들려왔어요. 갱도에 들어갈 때 여인과 마주치면 불길하게 생각하던 시절이라 의아하게 생각했지요. 동료선배에게 물으니 돌과 석탄을 가려내는 선탄부 여인들이라 했지요.” 여인들은 일을 마치고 나무판자로 얼기설기 만든 함바 샤워실에서 목욕하고 있었던 것이다. 모두가 탄광사고로 죽은 광부들의 아내들이었다. 그도 모르게 발걸음이 그리로 향했다. 판자 사이로 여체가 얼핏 보였다. 비누 칠한 몸매로 탄가루가 흘러내렸다. 인간 피부가 물비늘처럼 싱싱하게 다가왔다. 죽은 남편을 대신해 건강한 노동으로 가족의 미래를 다져가는 그 현장, 그 현실을 증거하고 싶어졌다. “나도 모르게 샤워실 문고리에 손이 가 있었어요. 바르르 손이 떨리고 열 것인가, 말 것인가 그렇게 내면의 실랑이를 30여분간 벌였지요. 끝내 열지 못하고 그만 울어버렸습니다.” 그는 이런 현장을 팔지 않아도 될 만큼의 직관력이 있다면 화가로 살아갈 것이요, 여인의 음모를 드려내면서까지 해야 겨우 인간 진실을 그린다면 화가로서 재질이 없다고 판단했다. “이 순간까지 그 부끄러운 순간은 삭혀지지 않았어요. 타인의 불행으로 나의 행복을 구축하는 것은 아닌지 늘 되돌아보게 됩니다.” 유화물감 작업보다 머리카락 작업이 3배나 힘들었다는 황재형 작가. 그는 “제 그림은 제가 아니라 우리가 익명의 개인에게 보내는 뜨거운 연서”라고 말했다.그는 1998년 경북 안동에서 묘 이장 중에 발견된 미라에 주목하게 된다. 무덤의 주인공은 16세기에 살았던 이응태였다. 시신의 머리맡에 부인의 머리카락으로 만든 미투리와 함께 애절한 편지도 놓여 있었다. 사랑의 징표였던 것이다. 시간을 뛰어넘어 사람들의 가슴을 흔든 사랑이야기였다. 원이 아버지에게로 시작되는 편지에는 먼저 간 이에 대한 절절한 그리움이 담겼다. 남겨진 아이와 배 속의 아이에게 ‘누굴 아비라 하지요’라는 절규는 선탄부 여인들과 다르지 않았다. 꿈에서라도 남편을 보고잡고자 했다. “모든 것이 목적화된 세상에서 이런 건강한 사랑이 존재한다는 것은 한편으론 위안이었습니다. 모진 현실에도 굴하지 않는 한국여인의 건강한 삶의 메시지죠.”그가 탄광촌 미장원에서 머리카락을 모아 화폭에 붙여가는 계기가 됐다. 원이 엄마의 편지글 위에 머리카락과 짚신을 붙여 만든 작품.“머리카락 작품은 익명의 탄광촌 사람을 비롯해 삶을 진실되게 마주하는 모든 이들에게 보내는 저의 연서라 할 수 있습니다.” 불평등이 체화돼 타인의 고통이나 아픔에 무감각해진 우리 사회에 대한 강한 환기이기도 하다. “우리 모두는 속옷 바람으로 도망치듯 탈출한 세월호 선장입니다. 우리 모두가 만든 또 다른 ‘나’였지요.” 그가 익숙한 붓과 물감 대신에 머리카락을 사용하는 것은 습관화된 주관에 빠지지 않으려는 의지의 표현이기도 하다. “제 개성마저 눌러버려 우리 삶과 하나가 되고 싶은 심정이지요. 고된 삶마저도 적이 아닌 친구로 만들어 버리는 경지를 표현하기 위해선 그럴 수밖에 없었습니다.” 그의 바람은 하나다. 이 땅에서 자신을 실현시키고자 현실을 버텨가는 모습들에 모두가 찬가가 됐으면 하는 것이다. 그것이 조화로운 생명의 진리이기 때문이다. 그의 전시는 14일부터 내년 1월 28일 가나아트센터에서 열린다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

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지난 2015년 별세 소식이 알려진 여류 화가 천경자가 그린 수채화 6점이 경매에 나온다.서울옥션은 13일 서울 강남구 호림아트센터 서울옥션블루에서 여는 올해 마지막 경매에 천경자가 1987년 제작한 '태국의 무희들'을 비롯해 '여인', '무제', '꽃', '기타 연주자', '기자의 피라미드'가 출품됐다고 5일 밝혔다. 천경자의 `태국의 무희들`. 서울옥션 제공=연합뉴스'태국의 무희들'은 천경자가 1986년 태국에 열흘가량 머물면서 봤던 무용수를 묘사한 것으로 추정되는 작품이다. 추정가는 6억∼9억원으로 책정됐다.나머지 그림들은 전반적으로 푸른색이 감돌지만, 다양한 색상을 써서 알록달록한 느낌을 준다.서울옥션은 천경자의 작품을 대거 선보이는 것을 기념해 9일 호림아트센터에서 이태호 명지대 초빙교수를 초청해 그의 작품 세계를 조명하는 특별 강연을 연다.이번 경매에는 천경자 작품 외에도 권진규가 1971년 만든 불상이 추정가 2억∼3억원으로 정해졌고, 이우환의 작품 6점도 새로운 주인을 찾기 위해 나왔다.마르크 샤갈, 구사마 야요이, 앤디 워홀, 리처드 세라, 프랭크 스텔라 등 외국 작가의 작품도 출품됐다.경매에 등장한 문화재 중에는 1876년 조선과 일본이 체결한 '조일수호조규', 이른바 강화도 조약 문서와 보물로 지정된 '대불정여래밀인수증요의제보살만행수능엄경 권3'이 눈길을 끈다.서울옥션 관계자는 "일본의 재일교포가 30여 년간 보관해온 조일수호조규 일문본과 한문 번역본 원본을 들여와 국내에 처음 공개한다"며 "서울대 규장각한국학연구원에 있는 문서는 원본이 아닌 것으로 안다"고 말했다.경매에 출품된 작품 166점은 7일부터 호림아트센터에서 누구나 무료로 볼 수 있다.

어느 시인이 ‘꿈은 대출받는 것’이라고 했던가. 10년 전 한국미술의 ‘수출’ 꿈을 꾸기 시작하는 순간부터 대출을 갚아 가는 심정으로 ‘코리아투모로우’전을 9년째 이끌어 오고 있는 코리아투모로우 김금희 대표가 눈시울을 붉혔다. 주변에선 모두가 그를 보고 ‘바보’라고 말했다. 승산이 없는 게임이라며 만류도 했다. 하지만 그는 괘념치 않고 꿈을 꿨다. 결과조차도 굳이 성공에 매달지 않았다. 과정에서 의미와 행복을 마주했다. 이제야 우여곡절의 사연들을 벅찬 심정으로 바라보게 된다. 무엇보다도 같이 해준 이들이 고맙다. 그중에서도 400여명의 작가를 만날 수 있었던 것은 가장 큰 소득이었다. 작가들을 통해 또 다른 삶의 프레임을 얻게 됐다. 삶이 풍요로워졌고 진정한 행복이 뭔지 이젠 알 것만 같다.한국미술 ‘수출’ 기반을 마련하기 위한 전시를 9년째 열고 있는 코리아투모오루 김금희 대표. 그는 “미술산업으로서의 경쟁력 확보를 위해 한국미술을 구입하는 개인이나 기업에 파격적인 세제혜택 등 인센티브 부여가 절실하다”고 강조했다.“좋은 작가를 발굴해야 한다는 심정에서 나이도 20대부터 80대까지 제한을 두지 않았어요. 나이, 경력 등 계급장을 떼고 작가 자체를 바라봤지요.”다소 파격적이었지만 미술계에 신선한 충격을 안겨줬다. 최근엔 장학사업을 하는 한 독지가가 그의 ‘미술사업’을 높게 평가해 선뜻 거금을 쾌척했다.“이름도 밝히기를 거부하셔서 그저 저는 ‘키다리 아저씨’로 부르고 있어요. 주신 돈은 국내외 미술기관에 배포하는 도록 제작에 보탰습니다. 무엇보다도 저의 꿈에 동참해주시는 분들이 생긴다는 점이 기쁘지요.”코리아투모로우전은 서서히 결실을 가져오고 있다. 하나의 예로 그가 지난여름 베니스비엔날레에서 만난 스위스 제네바 갤러리스트는 한국작가들의 초대전을 요청해왔다. 코리아투모로우전의 경험을 그대로 쏟아부어 성공리에 전시를 마쳤다. 깔끔한 일처리에 흠뻑 반했고 한국미술의 에너지에 두 번 놀랐다는 호평을 들었다.“예술도 소통을 통해 소비에 이르게 됩니다. 코리아투모로우전이 지향하는 목표지요.”17일까지 성곡미술관에서 열리는 코리아투모로우전의 도록도 전 세계 300개 미술관과 도서관에 배포된다. 이번 전시는 9번째 코리아투모로우전으로 윤범모 동국대학교 미술사학과 석좌교수가 기획자로 참여했다. 전시에는 강요배, 금민정, 김성룡, 김정헌, 김준권, 김지원, 박불똥, 박생광, 손상기, 손장섭, 송창, 신학철, 안성석, 안창홍, 오원배, 유근택, 이명복, 이세현, 이제훈, 이종구, 임옥상, 임흥순, 장종완, 조혜진, 홍선웅, 황용엽, 황재형 등 27명 작가가 참여했다. 미술계에서 내로라하는 활동을 펼치고 있는 작가들이다.“한 후배 컬렉터는 한국작가 100명 컬렉션을 시작했어요. 제겐 가장 큰 보람된 일이지요.”그는 한국미술시장의 왜곡된 구조 등은 이 같은 선도적인 ‘행동‘만이 해결책이란 믿음을 가지고 있다.“미술정책도 리딩그룹에 초점을 맞춰야 합니다. 코리아투모로우전 지방순회를 추진했으나 무산됐습니다. 개인이 하는 일이라 정책지원이 불가능하다고 합니다. 개인이냐 공공기관이냐를 따질 것이 아니라 공유적 가치인지를 고려해야 하는 시대입니다.”그는 정책당국자들에게 특혜 시비의 두려움에서 벗어나 당당한 소신을 펼쳐주기를 기대한다.“이왕 돈을 들여 마련한 전시를 지방순회한다면 작품운반비 등의 적은 추가부담으로 더 많은 이들에게 문화 향유가 가능해집니다. 문화자원의 효율성 확대라고 할 수 있지요.”그는 매년 3억원 정도를 들여 전시를 마련하고 있다. 그러기에 한국미술의 가치소통을 위해 더 많은 이들에게 전시를 보여주고 싶은 것이다.“머리를 내밀고 이끄는 그룹을 두더지잡기 놀이게임처럼 망치로 내리치는 우를 범해서는 안 됩니다.”그는 한국미술이 호흡 짧은 시장 위주로 흘러가고 있음을 우려하고 있다. “가치가 뒷받침되는 긴 호흡으로 가야 합니다. 근래 현대자동차의 후원을 받아 10명의 평론가가 10명의 작가를 논한 비평집을 세계에 배포한 이유죠. 비평은 작가 매니지먼트의 시작이자 끝입니다.”그는 이제 미술은 싫든 좋든 미술산업으로 인식되고 있는 것이 엄연한 현실임을 강조했다.“글로벌 화랑과 경매사들의 서울 진출은 이를 말해주고 있습니다. 과거보다 주머니가 두둑해진 한국인 큰손들은 구미가 당기기에 충분하지요. 한국미술이 이들의 수요를 감당해 내지 못한다면 결과는 뻔해집니다.”실제로 그는 주변에서 가치가 이미 검증돼 약속어음 같은 고가의 외국작가 작품에 눈길을 돌리는 이들을 많이 봤다. 실제로 1조원이 넘는 돈들이 이미 흘러들어갔다는 얘기들도 나돌고 있다.“사실상 자금 유출이지요. 한국미술의 가치를 가꿔가야 하는 필연성이 여기에 있습니다. 자동차 수만대를 팔아도 작품 몇 개를 구매하는 것으로 상쇄될 수도 있습니다.”그는 미술은 부가가치가 가장 높은 산업이라는 점을 정책당국자들이 인식했으면 하는 바람이다.“저는 외국에서 경영학을 전공한 아들에게도 ‘아트경영’에 눈을 돌릴 것을 권하고 있습니다. 경영지식은 클릭으로 가능한 세상에서 시대가 요구하는 감성경영은 미술을 통해서만 습득이 가능하기 때문이지요. 요즘 들어 경영수업을 위해 많은 이들이 아트스쿨에 가는 이유입니다.”그는 아시아가 부상하는 요즘이 한국미술에는 호기라고 강조했다. 메시지만 보내면 세계가 주목하기 쉬운 환경이라는 것이다.“역동적 한국사회의 다양한 변수의 조합은 한국미술의 강점이 될 수밖에 없는 요인이 되고 있습니다. 세상흐름에 그대로 맞서고 있는 한국작가들은 이미 충분히 우수합니다. 다만 제대로 가치 평가를 해줄 기회가 적었을 뿐입니다. 한국경제 규모로 봤을 때 한국작가들의 작품값은 저평가 상태입니다. 조만간 10배 이상의 가격상승이 기대됩니다.” 그는 서구인들도 그들의 좌표가 아닌 한국인의 좌표에서 한국작가들의 메시지 발신을 기대한다는 점을 환기시켰다.사실 김금희 대표는 미술계와는 거리가 먼 인물이다. 국내 여성 1호 트레이더로 20년간 석유 석탄 등 원자재 수출입 업무를 해온 베테랑이었다. 이화여대 영어영문학과를 졸업하고 외국계 은행에서 일을 하기도 한 그는 1986년 세계적인 원자재 회사인 스위스 글렌코어에 입사해 외국회사 지사장 격인 오피스 매니저 자리까지 올랐다. 승승장구하던 그가 어느날 트레이딩 업계를 떠나겠다고 하자 업계에서 “대통령도 이민 가냐”는 말을 했을 정도다. 하지만 그는 미련없이 떠났다.“당시 우연히 읽은 스페서 존슨의 ‘누가 내 치즈를 옮겼을까’의 책이 나를 움직였습니다. 제가 성공에 취해 새로운 치즈를 찾아나서지 않는 모습이 아닐까 스스로를 돌아보게 됐지요. 트레이딩 분야에서 제가 더할 게 없다는 결론을 내렸지요.” 유대인인 글렌코어 사주의 당당한 자세도 일조했다. 미술품으로 둘러싸인 사무실과 자택의 분위기는 문화 그 자체였다. 당당함의 뿌리였던 것이다.그는 늘 미국 록펠러가의 공유적 가치에도 주목한다.“몇해 전에 록펠러 5세를 만난 적이 있습니다. 목수인 그는 부가 아닌 록펠러가의 공적 가치를 향유하며 살고 있었습니다.” 그도 공유적 가치로 세상을 살고 싶다. 미술일도 그런 맥락에 놓여 있다. 그는 언제나 비전과 가치라는 ‘말농사’를 짓는다. 그렇게 하면 결국은 결실로 돌아온다는 것을 알고 있기 때문이다. 한국미술의 ‘수출’ 말농사도 서서히 가시화하고 있다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

사진가 최수정 (Choi Soo Joung)의 초대전 'The Blossom-Alternative Photography' 이 오는 12월 6일부터 11일까지 인사동길 갤러리 인덱스에서 열린다. 작가는 <The Blossom-Alternative Photography>전시에서 그동안 발표되었던 작품들과 미 발표작들을 얼터네티브(Alternative) 프로세스라 불리는 비은염 기법으로 표현한 아카이브 형식의 작업을 선보인다. 이것은 꽃을 오브제로 하여 인간의 다양한 모습들과 감정들을 꽃의 독특한 조형적 형상을 통해 나타내고자 했다. 작품은 세심한 붓질과 오랜 시간의 수세 과정을 거치면서 예술가의 감성과 정성이 고스란히 작품에 묻어난다. 예술이라는 단어의 어원이 숙련된 솜씨나 기술을 뜻하는 테크네(techne)에서 비롯되었듯이 예술가가 모든 작업과정에 개입해서 만들어 낸 유일무이한 작품이라는 것에 큰 매력을 느꼈다.속도와 기술이 지배하는 디지털 테크놀로지의 범람 속에서 비은염 프린트와 같은 아날로그적 기법은 인간의 감성을 자연스럽게 표현할 수 있는 매체적인 특성이 있다. 비록 느리고 고된 작업이지만, 사진을 촬영하는 것으로 끝나지 않고 최종 결과물을 만들어 가는 과정까지도 예술 행위라 생각하기 때문에 이러한 고전 인화 기법은 사진에 있어 떼놓을 수 없는 고유한 형식이며 창작 과정에서 경험하는 즐거움의 도구이다.전시에 소개된 기법은 사진예술의 역사적 과정 중 1890년대와 1910년대 사이에 당시 픽토리얼리스트들(Pictorialist)이 주로 사용했던 중크롬산 검 프린트(Gum Bichromate Process), 카제인 프린트(Casein Process), 솔트 프린트(Salted Paper Process), 백금 &팔라듐 프린트(Platinum & Palladium Process)와 반다익 브라운(Vandyke Brown Process), 시아노 타입(Cyanotype Process), 칼리 타입(Kallitype Process) 외에 변용된 기법(Variation) 등으로 구성된다.이제원 기자

전주=김동욱 기자 kdw7636@segye.com 앞으로 무형문화재 이수자들도 전수교육비와 수당 등 경제적 지원을 받을 수 있게 됐다. 24일 국회 이용호 의원(국민의당·남원임실순창)에 따르면 최근 자신이 발의한 무형문화재 보전 및 진흥에 관한 법률 일부개정법률안이 이날 국회 본회의를 통과했다. 이번 개정안은 국가무형문화재 이수자 중 국가무형문화재 보유자, 보유단체 또는 전수교육학교의 추천을 받아 우수 이수자를 선정하고, 이들에게 필요한 경제적 지원을 할 수 있는 내용을 담고 있다. 현행 무형문화재법은 무형문화재 전승자로 보유자와 보유단체, 전수교육조교, 이수자로 규정하고 있다. 이 중 이수자를 제외한 보유자·단체, 전수교육조교는 전수교육에 필요한 경비와 수당 등을 지원하고, 전승교육을 받는 전수장학생에게도 장학금 등을 지급하고 있다. 하지만, 무형문화재 전승에 앞장서고 있는 이수자에게는 경제적 지원 없이 전승활동에 필요한 재료비 정도만 지원하고 있다. 그나마 예산 부족 등 이유로 전체 이수자 6090명 중 490명(8%)에게만 혜택을 부여하고 있다. 이로 인해 상당수 이수자는 경제적인 이유로 겸직하거나 전승활동을 포기하는 실정이다. 이용호 의원은 “무형문화재 보존·발전과 계승을 위해서는 국가무형문화재 전승자들이 생계걱정 없이 활동에 매진할 수 있는 환경을 조성하는 게 급선무”라며 “이번 법안 통과로 이수자들이 생계문제로 전승을 포기하는 일이 없어지길 기대한다”고 말했다.

삶을 누리기 보다는 대개 일상에 짓눌린채 살아가는 세상에서, 예술가가 해낼 수 있는 역할은 무엇일까. 예술가라는 이름을 당당히 내걸고 ‘그저 체제에 기생하라’는 명령을 단호히 거부하면서 내면의 상상력을 발휘해, 새로운 세계의 형상을 그려내야 하지 않을까. 이에 응답하려고 분투하는 작가들 중심에, 레아 인(인은주)이 있다. 그에게 ‘몽환’은 항상 영감을 주는 요소이자 에너지를 건네는 힘의 원천이다. 작가는 꿈 속 같은 분위기를 긍정적인 고독감과 연결시켜 아름다움과의 상관관계를 시각적으로 표출해낸다.질서와 맥락에 갇히지 않은, 표현의 열린 의식은 마침내 캔버스를 벗어나 스스로 자유의 경지를 획득해간다. 한 걸음 더 성큼 몽환의 세계로 걸어 들어간다. 사실 ‘몽환’은 우울과 외로움을 나타내기도 하지만 희망을 상징하기도 하고, 바라보고 있으면 심신이 편안해지는 따뜻함을 지녔다. 상실감을 느낄 때 더욱 힘을 발휘하는데, 정작 마주하면 마음 한 켠에서부터 무언가 채워지는 치유의 기능도 한다.15살때 캐나다 토론토로 건너 간 레아 인은, 그곳에서 다른 모습의 인류를 경험하고 규제없이 너그러운 다양한 문화를 습득했다. 미국 시카고로 옮긴 이후로도 가족을 떠나 홀로 견디며 추운 겨울을 살아가는 독립심을 배웠고, 여전히 이방인이자 외국인으로 존재하며 새로운 문화 가치를 흡수해 나갔다. 이런 몸부림은 창조적인 사고관을 형성하는데 기여한 바 크다. 시카고의 도시건축과 풍경에 대한 기억들, 특히 North Well에 있는 레스토랑 ‘수시삼바’에서 보낸 저녁과 호수를 따라 걷던 길들은 그가 꿈같은 세계를 묘사하는데 이바지한 요소들이다.과거에 내가 존재했던 공간이지만 지금은 다시 돌아갈 수 없는 공간들에 대한 그리움이 보인다. 기억은 있는데 더 이상 그 곳에 없는 나에 대한 이미지들을 찬찬히 들려준다. ‘몽환’은 레아 인의 주제를 더욱 명징하게 표현해주는 적절한 장치다.종종 그는 회전목마를 모티브로 삼아 그림을 그리곤 하는데, 회전목마가 동물원이 되고 유니콘의 몸통이 날아다니는 산으로 변형되기도 한다. 그가 흠미하는 존 미첼의 뒤 엉킨 추상선들이 그의 작업에서 드러나는가 하면, 그의 터치는 관객들이 좀 더 동심의 세계에 빠져들게끔 인도하는 구실을 한다.레아 인은 자신의 그림과 대화하면서 꾸준히 ‘내가 고독할 수 있는 방법’을 찾고 있다. 영감을 떠올리면서부터 이미지를 완성시키기기까지 완전한 고독 속에서 오늘도 작가는, 자신을 위로한다. 흐드러진 색과 선들은 거침이 없고, 일상의 소소함까지 화면에 옮겨놓은 분방한 조형은 기성의 가치로 규정되기 어렵다. 작가는 스스로 틀을 깨고 고정된 의식을 타파함으로써 마침내 비상할 수 있는 시공을 열었다.그는 자신의 노트에 이렇게 적었다.“20세기 Blue Rider, 라파엘 루빈스틴의 프로비져널 페인팅 논리는 나의 작업을 미술의 역사와 잇는 가교 역할을 한다. 작품을 하기에 앞서, 어린 아이와 같은 태도가 나의 작업을 좀 더 즉흥적으로 만들고, 계산적이거나 규칙적인 것들을 사라지게 한다고 믿는다. 나의 작업에는 꿈같은 느낌이 있는데, 이는 내가 밖에 있는 세계를 관찰하기 때문이다. 나는 특정 아카데미컬한 스텐다드 페인팅을 거부하기에 나의 페인팅에는 어린 아이의 그림같은 느낌이 깃든다. 코브라 아트 처럼, 나의 2012∼2014년 작업은 뉴욕 브루클린에서의 불안하게 살아가던 경험들을 바탕에 깔고 있다. 작가로서 나는 일상의 활동과 변하는 감성을 깊은 형태로 기록하는데 책임감을 느낀다.”뉴욕 브루클린에서 활동중인 레아 인의 작품들을 21일 어반플루토 갤러리에서 만날 수 있다.김신성 기자 sskim65@segye.com