젊은 작가 130여명 참여 스푼아트쇼 개막젊은 작가들의 작품을 집중적으로 선보이는 아트페어(미술품 장터)인 스푼아트쇼가 22일 경기 고양시 킨텍스에서 개막한다. 26일까지 닷새간 9917㎡(3000평) 규모 전시장에서 열리는 스푼아트쇼에는 작가 130여명이 참여한다. 행사를 주관하는 금산 갤러리 외에 표 갤러리, 동산방 화랑, 윤 갤러리, 갤러리 아트사이드, 박영덕 화랑, 본 화랑, 아트웍스 파리 서울 등이 함께한다.‘강만수의 달항아리전’ 30일까지 열려달항아리는 조선시대 용기로 정확한 용도가 여전히 밝혀지고 있지 않다. 하지만 용기란 쓰는 이에 따라 용도가 달라진다는 점에서 곡물이나 간장, 식용유 등을 담았을 것이다. 때론 귀중한 씨앗도 달항아리에 담겼다. 강민수 작가는 오로지 달항아리만을 만든다. 조선시대 곡물 등을 저장하는 그릇으로서 항아리가 아니다. 우리 시대에 요구되는 풍만한 정서를 상징하는 기물로서의 달항아리다. 그러기에 하나의 도자기가 아니라 누군가의 ‘반려작품’이 되고 있다. 30일까지 노화랑에서 열리는 ‘강민수의 달항아리’전에는 강원도 양구에서 구한 백토로 만든 달항아리들이 출품된다.편완식 미술전문기자

우리가 어떤 대상을 본다는 것은 어느 정도의 깊이와 밀도가 있을까? 유럽 성당과 앙코르와트 등 신전을 사진에 담아내고 있는 이중근(45) 작가의 작품은 그런 점을 환기시켜주고 있다. 우리는 빛의 음영과 시점이라는 한계 속에서 대상을 파악하게 된다. 어쩌면 실체의 본질보다 허상을 보고 있는 것이다.다양한 시점과 시간을 두고 찍은 사진 이미지를 조합해 실체에 다가서는 사진작업을 하고 있는 작가의 작업은 일상에서 보는 대상이란 관점에서 보면 허구일 수 있다. 본질(실체)과 허상의 경계가 모호해지고 있는 것이다. 그 지점에서 우리는 해탈(자유)과 힐링이 된다. 예술은 사기라 했던 백남준 작가의 말을 되씹게 만든다.웅장한 생트샤펠 스테인드글라스를 담은 작품파리 생트샤펠(Sainte Chapelle Paris)의 스테인드글라스로 둘러싸인 예배당 내부 사진은 압권이다.“빛이 스테인드글라스 사방을 전체적으로 비추는 경우는 없습니다. 사계절 다른 시간대에 가서 찍은 이미지를 조합해 360도 방향으로 빛이 들어오는 장면을 만들어 냈습니다. 현실에서는 없는 풍경이라 할 수 있지요.”그는 파리와 런던에서의 장기간 레지던시 프로그램에 참가하면서 유럽 여러 곳을 여행할 기회가 있었다. 파리 시절 매일 산책하며 들르던 노트르담(Notre Dame de Paris)의 정문 파사드에 새겨져 있는 수많은 조각상들은 그의 말동무가 되어주었다. 런던에서는 사람들과의 약속 장소로 자주 찾았던 생폴(St.Paul)이 있었다. 그에게 밀라노의 두오모(Duomo Milano)는 세상을 관망하는 전망대가 됐다. 로마의 트레비(Trevi)는 지친 영혼을 씻어주는 성수(聖水)와도 같았다.“베를린 돔(Berliner dom)에서는 삶을 관조(觀照)하게 되었고, 파리 생트샤펠 스테인드글라스에선 삶의 희망을 발견할 수 있었어요.”호수에 비친 앙코르와트를 연출한 작품그는 특정 종교의 신자는 아니다. 다신론자 입장에서 다양한 종교적 장소와 건물이 표상하는 시각적 이미지와 공간의 에너지에 관심이 많다.“작업은 얼핏 보면 마치 한 컷으로 촬영한 건축물 사진처럼 보일 수 있습니다. 하지만 수많은 디지털 조각들을 장기간의 컴퓨터 작업에서 세밀하게 건축적으로 조합한 노동 집약적인 과정의 결과물입니다. 사진 이미지를 재료 삼아 하는 즐거운 놀이와도 같이 디지털상에서 오리고·붙이고·합성하고 그리는 방식으로 작업을 합니다.”파편화된 디지털 조각들은 전체로의 구현을 위해 대상의 피부가 된다. 이미지 패치워크 작업이다.“다양한 위치와 시간차를 두고 촬영한 사진들을 하나의 매끄럽고 부드러운 이미지로 만들어 내는 것입니다. 실재와 가상이 중첩된 느낌이지요. 실존하는 대상이지만 육안으로 그렇게 보이지 않을 뿐만 아니라, 전체를 담은 카메라의 눈으로도 그렇게 보일 수 없는, 그러한 대상을 가시화시키는 ‘가상의 실재’라고 표현할 수 있는 신전 이미지들입니다.” 그는 사진 속에 안견의 몽유도원도나 크리스토퍼 놀런 감독의 영화 메멘토의 주인공처럼 기억의 퍼즐 조각들을 삽입시키고 있다. 앙코르와트 신전에서 지내는 원숭이, 눈 내리는 러시아 바실리 성당 앞에 누군가가 만들었던 눈사람, 아름답고 웅장한 스테인드글라스로 둘러싸인 생트샤펠 예배당 제단 속 천사, 하늘 높이 솟아있는 쾰른 대성당의 첨탑 속 천국으로 향하는 계단을 거니는 사람, 기나긴 순례길의 종착지인 산티아고 데 콤포스텔라(Santiago de Compostela) 앞의 순례자 등이다. 두오모 사진엔 영화 ‘열정과 냉정 사이’ 주인공의 모습이 숨겨져 있다.“제 작업은 실제 촬영한 사진들과 함께 내가 느낀 기억들을 더듬어가며 인터넷을 통해 얻은 사진들을 뒤섞어 재구성한 상상의 이미지들입니다. 사진이라기보다는 그림과도 같은 작업이지요. 그림 같으나 사진스러운 작업으로 보여지길 원합니다. 사진으로서의 사실적인 느낌에 회화적인 요소와 그래픽적인 구성이 혼합되고, 낮과 밤·여름과 겨울이 한 화면에 뒤섞여 시간과 공간이 모호한 초현실적인 이미지를 의도하고 있습니다.”베를린돔 앞에 선 이중근 작가. 그는 “여행이나 인터넷 검색을 통해 우연히 조우하게 되는 사람·장소·일·사물 등을 통해 새로운 영감을 얻게 된다”고 말했다.그의 개별 작품 곳곳에는 작가의 인물 이미지도 있다. 숨은 그림 찾기를 하듯이 화면 공간 속을 부유한다. 어떤 장소나 대상과의 우연한 조우가 새로운 영감의 원천이자 성찰(사색)을 유도한다는 점에서 의도된 것이다.“앞으로 새롭게 계획 중인 작업은 한국을 비롯한 동양의 역사적인 종교 건축물을 소재로 한 신전 시리즈의 진행과 함께 우주와 별자리에 대한 시리즈를 구상 중입니다. 그는 뉴질랜드 여행 중에 우연히 마주한 수없이 많은 별들이 보이는 밤하늘의 모습에 생애 최고의 감동을 받았다. 요즘 그는 경기도 광주 산속 작업실에서 밤하늘 별들을 자주 바라보고 있다.“제가 살고 있는 우주에서 우연히 접하게 될지 모르는 새로운 만남을 시각화하기 위해서입니다.”그의 개인전이 30일까지 아트파크에서 열린다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

웅크리고 앉은 아이가 보고 있는 세계는 아이를 유혹함으로써 현실화되기를 바라는 가상이다. 현실의 가시 세계가 충실히 반영되는 창의 역할을 했던, 전통적 의미의 캔버스는 작가에겐 가상을 들여다보는 창, 가상을 현실로 옮겨오는 창인 셈이다. 마치 가상과 현실을 오가는 차원의 문 같은 것이다. 전통 회화 캔버스에 렌티큘러 기법을 결합한 방식은 그 자체로 캔버스의 옛 미학적 의미를 대체해 버린다. 작가 배준성의 작품 ‘The Costume of Painter – doodling, window1, 2’에 대한 얘기다.루이비통 아르노 회장, 케어링그룹 피노 회장, 그리고 할리우드 톱스타 브래드 피트 등 전세계 슈퍼컬렉터들에게 각광받는 작가 배준성의 국내 개인전이 ‘화가의 옷 - 화이트 캔버스’란 제목을 달고 더 트리니티 갤러리(THE TRINITY GALLERY)에서 11월 30일까지 열리고 있다.전통적 방식의 그리기부터 출발해 렌티큘러 회화기법과 자신만의 총체적 스타일을 구축해 온 배 화백의 ‘화가의 옷’ 연작은 시대와 국경을 초월한, 누구나 알만한 거장들의 ‘명화’ 이미지를 정물처럼 재배치하는 작업이다. 고전 명화 속 일부 모델이나 옷, 배경을 현재로 끄집어내 공간에 배치하면서 사건이 발생하고, 의미가 바뀌어 재명명 되는데, 이는 정물성에 대한 흥미로운 관점에서 깊이 있게 탐구하는 작가의 시각에서 비롯된다.정물화가 주를 이루는 이번 개인전에서는 국내 미발표 신작 10여점을 포함한 13점이 관람객을 맞는다.더 트리니티 갤러리의 박소정 디렉터는 “작가가 개별적 레이어를 덧대는 방식을 통해 새롭게 발생된 장면들이, 작품을 보는 각도와 시선에 따라 각자 다른 이야기의 환영을 경험하게 되는 주도적 감상의 묘미를 선사 할 것”이라고 귀띔한다. 배 화백의 작품에 달린 제목은 ‘the Costume of Painter’로 시작한다. 이는 화가가 그리는 옷이란 뜻이자, 화가의 눈에 의해 파생된 특정 레이어라는 의미다. 화가가 모델을 눈으로 더듬거리며 그릴 때, 화가의 눈에 의해 그려진 그림이 또다른 모델을 탄생시키지만 화가의 자의성 언저리에서 그려진 모델은 화가에게 역으로 다시금 새로운 그림그리기를 요구한다. 이는 화가가 그리는 그림의 물리적, 심리적 시간에 의해 발생한다. 결국 배준성의 ‘화가의 옷’은 화가가 그리는 옷이 아니라 옷을 그리다가 발생하게 되는 화가의 별안간 사건을 뜻하는 것이다. ‘렌티큘러’에 대한 배 화백의 추억은 어떤 것이었을까. 그의 작업노트를 펼쳐 보았다.“어릴 적 책받침은 나에게 매우 소중한 것이었다. 초등학교 6년을 거의 서기부장으로 지낸 나로서는, 글쓰기를 주무기로 삼았던 나로서는, 당시 내게 책받침이란 것은 다른 친구들이 상상할 수 없을 정도의 존재감을 주는 그 무엇이었던 것이다. 그러하기에 나는 적어도 3, 4가지 정도의 책받침을 항시 보유하고 있었다. 승부에 예민했던 내가 당시 그렇게도 유행했던 책받침 깨기를 단 한번도 해본적이 없을 정도로 책받침은 나의 보물이었으며, 나의 자존심이었다. 이렇게 내가 소중히 여기는 책받침들 중 최고가 있었으니 그것이 바로 스마일마크가 정 가운데 보란 듯이 노란빛깔을 띄며 웃고, 또 우는 이른바 ‘변신 책받침’이었다. 이것이 어릴 적 렌티큘러(lenticular)와의 첫 만남이었다.”김신성 기자 sskim65@segye.com

이지숙.인공지능과 로봇으로 대표되는 4차 산업혁명을 앞두고 현대미술의 방향을 모색하는 전시가 열린다. 경북 롯데백화점 8층 롯데갤러리 대구점은 10∼28일 ‘MOTOR-현대미술을 묻다’ 전을 연다. 김명곤, 김선영, 이상민, 이지숙, 윤주철, 송지혜 6명의 작가가 참여한다. 갤러리 측은 “로봇이 점점 인간이 하던 일을 차지하기 시작했고 현대인을 설 자리를 잃어가고 있다”며 “변화의 흐름을 예술도 빗겨가지 못할 것이다. 이번 전시는 현대미술의 방향에 대해 끊임없이 탐구하며 물음에 접근하고 있는 작가들을 선보이는 자리”라고 소개했다. 꿈을 싣고 가는 자동차. 김명곤서양화가 김명곤은 무생물인 요트, 자동차, 오토바이 등을 꽃이나 식물 등과 함께 공존케 함으로써 생명을 부여하는 작업을 하고 있다. 조각가 김선영은 인간의 형상과 정신은 무엇을 담고 있는가에 따라 다르게 보임을 작품을 통해 표현하고 있다. 이지숙은 어린 시절 일상에서 보았던 어머니의 삼장노리개, 모란, 나전칠기장식장, 책 등에서 착안한 테라코타 작품을 선보인다. 송지혜는 섬유예술을 통해 섬세하고 세련된 극사실적 이미지를 담는다. 도예가 윤주철은 우리의 전통 도자기에 주관적 해석을 더한 첨장기법을 선보이며 자신만의 도자세계를 펼치고 있다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com 김선영. 송지혜. 이상민. 윤주철.

‘사진 그림을 그리는’ 이인영 작가 개인전사진과 그림을 융합하는 통섭의 작품세계로 주목받고 있는 이인영 작가의 ‘사진 그림을 그리다’전이 서울 중구 충무로 ‘반도갤러리’에서 11월2일부터 15일까지 열린다.전시에서는 그림과 그림의 모태가 된 사진을 함께 감상할 수 있다. 이 작가는 “작품 소재를 구하기 위해 바이칼 호수부터 쿠바의 아바나까지 직접 찾아가 가슴·캔버스·화선지·인화지에 현지 풍광을 담았다”며 “그림의 경우 한지에 전통 채색물감인 분채와 봉채를 썼다”고 말했다.국어국문과 전공으로 현대중공업에서 일하다 퇴사한 뒤 1996년부터 5년 동안 윤형재 화백에게 서양화를 배웠다. 2013년부터 곽영택 작가에게 사진을 사사하고, 현재는 엄재권 작가에게 전통민화를 배우며 자신만의 독창적인 작품세계를 구축하고 있다.신현덕 국민대 교수는 “그림이라기보다는 사진이고, 사진이라기보다는 한 줄 글로 나타낸 산문처럼 보인다. 그는 장르를 넘나들며 작품을 낳았다”고 평가했다.시리아 출신 작가 5인전 18일까지 열려내전 중인 시리아 출신 작가 5인전이 서울 서초구 ab갤러리에서 11월18일까지 열린다. 전쟁의 현실을 그대로 옮긴 듯한 작품에서부터 너무나 천진난만해서 행복해 보이기까지 하는 작품들을 볼 수 있다. 작품에 쓰인 재료 또한 자연에서 스스로 얻어낸 소박한 것들이다. 가난한 이들의 살림살이처럼 정겹다. 전쟁은 언제나 그렇게 인류 역사의 중심에서 역사를 변화시켜 왔다. 출품작가는 칼리드 탁레티, 누르 바흐자트 알 마스리, 타니아 알 카이얄리, 라쉬완 압델바키, 니자르 알리 바드로 등이다. 현재는 고국을 떠나 유럽과 중동 두바이에서 주로 활동하고 있는 작가들이다. 특히 칼리드 탁레티는 중동지역 현대미술의 선구자적인 인물로 평가받고 있는 작가다. 아트 홍콩과 알렉산드리아 비엔날레 등 수많은 개인전에 초대된 바 있다.편완식 미술전문기자

인간에 대한 예술적 통찰은 늘 당대를 반영하게 마련이다. 최근 들어 작가들이 인공지능(AI) 등 새로운 테크놀로지를 소재나 도구로 삼아 작업을 하는 경우가 늘어나고 있다. 오원배와 김두진 작가의 근래 작업이 대표적인 사례다.인간 소외와 실존의 문제를 다루어 온 오원배(64·동국대 교수) 작가는 신작에서 인공지능로봇이 일하는 공장을 그렸다. 지난해 알파고가 이세돌 기사를 이긴 데 충격을 받은 것이 계기가 됐다. 규칙이 정해진 게임에선 기계가 사람을 이길 수도 있다고 애써 위로를 해봤지만 이후 상황은 그것이 아니었다.일본에선 인공지능이 쓴 소설이 문학상 예심을 통과하고, 구글이 만든 인공지능 ‘딥 드림’이 복제한 렘브란트와 고흐 작품이 옥션에서 팔려나갔다.오원배 작가“인공지능이 인간의 감성영역까지 대신하는 시대가 도래하고 있는 것이지요. SF영화에서나 볼 수 있는 것이 현실화되고 있는 겁니다.”그의 또 다른 그림에서 인간이 인공지능로봇의 동작을 열심히 익히는 모습을 보여줬다. 기계를 상대로 살아남기 위해 안간힘을 쓰는 모양새다. 노동현장에서 밀려난 인간들의 처절한 소외라 할 수 있다. 깊이 있는 색감이 삭막함을 더해주고 있다.32m 길이의 대작에 그려진 군상들은 흡사 전체주의 병영이나 산업현장에 유폐된 모습이다. 기계보다 더 기계적인 몸짓으로 획일화되어 있다. 오히려 인공지능로봇들이 기세가 활기차다. 진정한 휴머니티란 무엇인가 질문을 던지게 한다. 12월 23일까지 OCI미술관에서 이 같은 작품들이 전시된다.김두진 작가김두진(44) 작가는 서양 고전명작들에 등장하는 인물들의 외피를 벗겨낸 해골 이미지작업으로 이름을 알렸다. 3D 모델링 프로그램 ‘라이트웨이브’를 통해 이룬 디지털 회화다. 할리우드 영화 CG작업에도 참여하고 있는 이들과 공동작업을 하고 있다. 미켈란젤로의 다비드, 모세, 피에타 같은 작품들이 소재로 쓰인다작가는 해골이라는 죽음을 통해 우리 사회의 다층적인 이분법적 인식구조의 타파를 꿈꾼다. 뼈 상태에서는 구별도 구분도 사라졌다. 이 같은 작업은 커밍아웃한 성적 소수자로서 느끼는 심리적 위축이 큰 몫을 했다.“죽음을 통해 문명과 야만, 기독교와 이교도, 신성과 세속, 예술작품과 동물뼈, 미와 추, 남과 여, 이성애와 동성애, 죽음과 삶이 와해되는 지점을 말해주고 싶었어요. 구별이 무의미한 것이지요.”어쩌면 성적 소수자로서 혼란스럽고 모순된 감성이 죽음을 통해 중화되고 정화되는 것처럼 보인다.작가는 더 나아가 십장생 중에 영생을 상징하는 사슴뼈로 모델링한 인물 이미지작업을 보여준다. 니트같이 촘촘히 짜여진 모습이다. 주로 남성적 이미지로 견고한 남성 위주의 사회를 은유하고 있다.공장에서 일하는 인공지능로봇을 형상화한 오원배 작가의 작품 ‘무제’.미켈란젤로의 모세를 패러디한 김두진 작가의 작품‘모세’.“실상은 근방이라도 바스러질 것 같은 사슴뼈 이미지들의 집합체입니다. 삶의 모든 욕망의 근원인 신체가 산화되고 남은 유골이지요.”굳이 사슴뼈로 한 이유는 다시 땅으로 돌아가 재탄생되는 삶과 죽음이 순환되는 영생의 모습을 보여주기 위해서다.“이분법적이 경계로 표상할 수 없는 것이 세상이라고 생각합니다. 삶과 죽음이 순환되는 대지가 존속하는 한 욕망은 사라지지 않을 것입니다. 규정할 수 없기에 한켠 두렵지만 처연한 아름다움이 느껴지는 ‘숭고한 욕망’이지요.”칸트가 대자연에서 숭고미를 발견했던 점을 떠올리게 해준다. 표상 불가의 광활하고 장엄한 대자연에서 느껴지는 두려움과 압도적인 미가 바로 숭고미다. 작품들은 디지털프리팅으로 출력된 것들이다. 11월2일부터 12월16일까지 리안갤러리 서울.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

빵, 과자, 계란, 과일, 수저, 손톱깎이 등 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 음식이나 사물이 작품의 주인공이다. 철사를 이용해 음식과 사물에 팔다리를 붙여 인격화된 캐릭터를 만들어 사진촬영을 하는 미국 작가 테리 보더(52)는 평범한 사물에서 삶의 성찰을 보여준다. 마치 연극무대의 연출자 같다. 인생이란 곧 사물들과 함께하는 여정이다. 테리 보더의 작품 ‘백 마디 말보다 한 번의 포옹’은 샌드위치 쿠키가 포옹하는 순간을 연출한 것이다.“저는 온갖 종류의 음식으로 캐릭터를 만들어요. 두 개의 과자가 포옹하는 순간을 담은 이 작품은 고대 그리스의 철학자 플라톤의 저서 ‘향연’에 나오는 구절을 떠올리게 해요. ‘사랑이란 인간과 인간을 결합하여 본래의 모습으로 돌아가게 하는 것, 두 사람을 한 몸으로 만들어 최초의 몸을 되찾으려는 갈망입니다.”미국 작가 테리 보더가 작품 ‘미술관에 간 파프리카’ 앞에서 포즈를 취하고 있다. 그는 “비범한 대상을 찾아다니지 않고 평범한 것을 비범하게 만든다는 에드워드 웨스턴의 사진집에서 파프리카를 끌어안고 있는 장면을 펼쳐 배경으로 연출했다”고 말했다.그는 늘 주변의 사물을 관찰하고 철사로 엮어내 연극무대를 꾸민다. 그것이 자신의 이야기이자 인간의 모습이란 생각에서다.“제가 일상의 사물들을 주의 깊게 여러 각도에서 관찰하고 사물에 의미를 부여하는 작업에 몰두하는 이유가 있습니다. 사물은 우리가 누구인지, 무엇을 원하는지를 이해하는 데 도움을 줍니다. 삶의 지혜와 통찰력, 인생의 교훈을 얻게 됩니다.”그는 디지털미디어시대에 시각적 이미지를 사용해 메시지를 전달하는 커뮤니케이션 방법인 ‘비주얼 스토리텔링’을 능숙하게 구사하는 작가다. 자신의 경험담, 사물과 관련된 다양한 이야기를 한 편의 상황극처럼 연출해 삶의 부조리를 고발하거나 인간 존재에 관한 근본적인 질문을 던지는 효과적인 장치로 활용한다. 블랙유머로 감상자의 의표를 찌른다.마릴린 컵 케익.대표적인 사례로 꼬마 흰 계란이 ‘Colored Only’라고 적힌 부활절 계란 바구니 앞에서 슬퍼하는 장면을 담은 작품 ‘왕따 계란’은 인종차별의 부당함을 풍자한다. 부활절에 교회 신도들이 여러 색의 계란으로 장식된 바구니를 선물하는 풍습에서 아이디어를 얻어 인종차별의 어두운 역사를 고발한다.땅콩 한 개가 스스로 껍질을 반으로 갈라 다른 땅콩에게 알맹이를 보여주는 작품 ‘까발리기’는 자신의 결백함을 증명하지 못해 억울해하는, 또는 ‘배째라’식의 인간세태를 절묘하게 비꼬는 블랙유머의 정수를 보여준다. 미국 소설가 커트 보니것이 남긴 ‘블랙유머는 울 수 없으니까 웃기는 것”이란 말을 떠올리게 해준다.“제 작품은 우리가 잘 아는 일상 속 사물들의 숨겨진 이야기들을 담고 있습니다. 우리는 사물을 볼 때 그 사물이 우리에게 주는 의미를 생각하죠. 저는 제 작업을 즐깁니다. 사람들에게 웃음을 줄 수 있도록 노력하죠. 그리고 제 작업의 가장 큰 장점은 사진을 찍고 난 후에 그것들을 맛있게 먹을 수 있다는 거죠.”너무 늦은 만남.그의 작품 ‘꽃을 건네는 마음’은 땅콩버터가 발라진 식빵이 붉은 잼이 발라진 식빵에게 꽃을 선물하는 모습이다. 사랑고백의 선물을 받고 불그레해진 연인의 모습이다.“처음 철사를 이용한 작품들을 시작했을 때는 물체들에 눈, 코, 입 등을 표현했어요. 작품을 계속하면서 얼굴을 자세히 표현하지 않을수록 캐릭터의 감정을 더 감동적으로 전달할 수 있다는 것을 깨달았습니다. 이제는 캐릭터가 느끼는 감정을 캐릭터의 포즈와 주변 배경을 통해서 표현하려고 합니다. 너무 설명적이고 구체적이면 상상력이 발휘되지 않거든요. 그래서 미래학자인 스탠 데이비스도 ‘상상력의 힘이야말로 예술세계에서 가장 강력한 힘’이라고 말한 것이겠죠.”토스트기에 꽂혀 있는 식빵 두 개로 건배를 하는 모습을 연출한 작품 ‘사랑의 건배’도 재미있다.“영어 단어 토스트는 ‘구운 빵’과 ‘건배하다’라는 두 가지 뜻이 있어요. 같은 단어이면서 다른 의미로 사용되는 사례이지요. 토스트기 안에서 구워지고 있는 빵들이 와인잔을 들고 건배를 외치고 있어요. 토스트가 스스로 ‘토스트’라고 외치는 모습이 너무 재미있지 않나요?”꽃을 건네는 마음.그의 작품 ‘너무 늦은 만남’은 부모는 기다려주지 않는다는 말을 던져주는 듯하다.“아이 계란이 엄마에게 드릴 감사의 카드를 들고 엄마 계란을 찾아갔어요. 그렇지만 그는 너무 늦게 도착했어요. 배경에 보이듯 그의 엄마는 이미 구운 통닭이 되었거든요. 사람들은 아이 계란이 넋을 잃고 서 있는 이 작품을 정말 좋아했어요. 사람들은 대개 ‘이거 정말 웃겨요’ 하거나 ‘오! 이거 슬픈데 진짜 웃겨요!’라고 말하지요.”그의 유머러스한 작품들은 블로그와 SNS를 통해 알려지면서 대중적인 인기를 끌고 있다. 대학에서 사진을 전공한 후 광고사진가로 활동했지만 그만뒀다. 자신의 생각을 펼치기 위해 제빵사로 일하며 작업의 끈을 이어갔다. 제빵사는 음식소재 작업은 하게 된 계기가 됐다.그는 동료작가들에게 한마디 하고 싶다고 했다.“즐겁게 재밌게 작업하세요. 당신이 머릿속으로 상상하는 이미지들은 당신이 작업을 하며 자연스럽게 그 테크닉과 방법을 모색하게 될 것입니다. 당신을 즐겁게 하는 어떤 것을 만들고 나면 어떤 것이든 당신이 느끼는 감정이 당신의 것임을 알 수 있을 겁니다.”사비나미술관에서 12월30일까지 그의 전시가 열린다. 우리의 삶의 이야기를 사물에 빗대어 보면서 먹고, 즐기고, 사랑하는 우리의 일상을 돌아보는 계기가 될 것이다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

전세계 40여개국 사진작가들이 독도의 신비로움을 앵글에 담아 전시하는 ‘2017 아름다운 우리섬 독도 국제초대전’이 20일 오후 서울 예술의 전당에서 개막됐다. 이 전시회는 다음달 5일까지 열린다.  한국정보문화디자인포럼 주관으로 개최된 이 사진전에는 해외작가 154명과 국내작가 236명 등 총 390명의 사진작가가 참여했으며 현직 국회의원 작품 8점과 전직 장관 9작품도 전시됐다.섬절벽의 비경과  맑고 깨끗한 바닷물로 출렁이는 청정해역의 자태를 그대로 앵글에 옮겨담은 작품들은 독도를 바라보는 이들의 이 눈을 시원하게 해주며 탄성을 절로 나오게 한다.  독일의 러시 우에베와 미국의 위 시모어, 러시아의 유리토프 유리 등을 비롯해 국내 사진작가 양재명, 옷칠작가 나성숙, 아톰 컴 대표 황만석, 디자이너 신현용 등이 대거 참여했다.양재명(사진) 작가는 “사진은 마음의 창을 통해 사물을 보고 표현 할 수 있는 표현기법의 하나로 생각한다. 단순히 눈에 보이는 피사체를 기록하는 것에서 벗어나 사진가가 피사체를 어떻게 보는가에 따라 다르게 표현 될 수 있다”며 독특한 예술세계임을 강조한다. 양 작가는 사진을 찍을 대상의 피사체에 30cm 지점까지 가까이 근접해서 피사체의 눈을 보고 사진을 찍는다. 사실 촬영할 대상에게 다가가는 것은 쉬운 일이 아니다.그는 “사진을 찍을 대상을 카메라 뷰 파인더를 통해 소통하며 사진을 찍을 대상의 영혼이 시야에 들어오지 않으면 실패한 사진”이라고 말한다.양 작가는 20대 중반 일본 도쿄 비주얼아츠와 하와이대학에서 사진촬영을 전공했다. APEC 정상회담 등을 비롯해 호텔신라, 임페리얼 팰리스 호텔, 에버랜드 등의 기업 광고사진을 촬영했으며 현재 외신기자로 활동 중이다.추영준 선임기자 yjchoo@segye.com

소치 허련이 초의에게 보낸 편지.부산문화회관 ‘초의선사에게 차를 묻다’전한국 차문화를 되돌아볼 수 있는 ‘초의선사에게 차를 묻다’전이 11월 3일부터 3일간 부산문화회관 대전시실에서 열린다. ‘부산국제茶어울림문화제’의 특별전으로 마련되는 행사로 초의와 교유했던 사대부들이 보낸 편지와 차와 관련된 문헌 자료 등 40여점이 출품된다.조선 후기 초의가 직접 사용한 흑색 다관, 초의 친필저술 ‘초의선과’, 조희룡의 ‘일정화영첩’, 홍현주의 ‘청량산방시축’, ‘수경추일시축’, 운암 김각의 ‘운관시축’, 연천 홍석주의 편지, 기산 김명희의 편지, 신위의 ‘남다시병서’, 박영보의 ‘남다병서’ 등을 볼 수 있다.이 밖에도 응송 스님의 다구와 이명균 도공의 고려청자 재현 다구 15점도 함께 선보일 예정이다.11월 4일에는 이번 전시를 주관한 동아시아차문화연구소 박동춘 소장의 특강 ‘초의선사는 어떻게 초의차를 완성했을까’도 마련된다. 박 소장은 초의-범해-원응-응송으로 이어지는 한국 전통 제다법을 잇고 있다. (02)504-6162정지필의 ‘Give & take’.판화·사진작가 50명 참여 미술장터 열려판화·사진 미술장터(Print & Photo Art Market)가 18일부터 22일까지 한남동 블루스퀘어 복합문화공간 ‘네모’에서 열린다. 강정헌, 문정희, 안혜자 등 28명의 판화작품과 김용훈, 민택기, 이건영, 정지필 등 22명의 사진작품을 구입할 수 있다. 작가들이 본인 소유의 미술 소품과 기념품들을 직접 판매하는 아트플리마켓도 함께 마련된다. 저렴하게 작품과 아트상품을 살 수 있는 기회다. (02)521-9613편완식 미술전문기자

근현대 한국미술을 특징짓는 가장 중요한 키워드는 서구미술과의 ‘문화혼성’(cultural hybrid)일 것이다. 일반적으로 문화혼성은 분쟁이나 교류 같은 정치사회적 변동 속에서 이뤄진다. 충격과 혼돈, 갈등을 거쳐 서서히 고유문화로 자리를 잡아간다. 마치 몽고의 침략이 남겼던 댕기머리와 색동저고리처럼. 서울현대미술연구소 오상길 소장은 ‘혼성’을 키워드로 한국미술의 자화상을 드러내려 한다. 그 속에 한국미술의 글로벌 경쟁력과 우월한 유전자가 있기 때문이다. “문화, 미술의 경쟁력은 스토리라인의 소통에 있습니다. 혼성이야말로 소통의 매개체입니다.” 그는 한류를 이끌고 있는 K팝이 대표적 사례라고 했다. 서구음악을 나름의 방식으로 혼성, 소화해 냄으로써 서구인들 물론, 우리와 같은 처지에 있는 비서구권에서도 열광하게 되는 이치다. “문화는 흘러오고 흘러가는 것입니다. 우열이 있을 수 없습니다. 오히려 교류와 혼성을 통해 풍성해지는 것이지요.” 전시장에서 이종우 작가의 1978년도 작품 ‘설경’ 옆에 선 오상길 소장. 그는 “서양물감인 유화로 그렸지만 먹의 번짐 효과와 여백 처리, 구도 등이 한국전통회화의 미감을 그대로 보여주고 있다”며 “이 같은 이 화백의 혼성적 요소가 한국미술의 우월한 유전자가 될 수 있다”고 말했다.그는 한국사회에 만연해 있는 문화콤플렉스는 극복의 대상이라 했다.“일제강점기로 인한 문화단절이 가장 큰 요인이지요. 주체성이 사라지면서 짝퉁트라우마에 시달리게 됐지요. 허상과 같은 문화순혈주의로 도피를 하면서 스스로를 가두는 일이 벌어졌습니다.” 그는 한국문화는 유사 이래 대륙과 해양문화의 혼성을 통해 만들어졌음을 강조한다. 겸재 정선의 진경산수도 중국대륙문화를 흡수 소화해 낸 혼성문화의 위대함이라 했다. 어쩌면 대륙문화를 완결시킨 꼴이다. 그가 1949~81년 정부가 주최한 국내 최고 권위의 미술 공모전인 국전을 혼성의 관점에서 되돌아보는 전시 ‘국전을 통해 본 한국의 현대미술’(18일~11월2일 금보성아트센터)을 마련하는 이유는 뭘까. “시대적으로 국전에 참여했던 작가들만큼 단기간에 집중적으로 문화혼성기에 내몰렸던 적은 없을 것입니다. 시대적 고민을 안고 대안을 모색했던 작가들의 성취를 구체적으로 밝혀가기 위해 기획된 전시라고 할 수 있습니다. 한국미술의 좌표설정, 다시말해서 한국미술의 글로벌 경쟁력과 유전자를 그 속에서 발견해 내려는 작업이라 할 수 있지요. 이는 작가는 물론 기획자, 미술사가들에게도 필요한 일입니다. 더 나아가 미술시장의 신뢰를 만들어 내는 일이기도 합니다.” 그는 그간 한국미술계의 민낯도 냉정히 되돌아봐야 한다고 강조했다. “한국미술을 문화혼성의 관점에서 다시 보는 일은 진정한 미술역사를 바라보는 작업이기도 합니다. 역사 속의 개별 예술가들의 성취는 바로 한국미술의 가치이기도 하지요.” 그는 20세기 한국미술을 서구미술의 역사개념에 기대어 모더니즘과 포스트모더니즘 같은 서구의 틀에 끼워 맞춰온 국내 주류 미술관들과 미술평론가, 미술사 전공자들의 시각에 ‘코페르니쿠스적 변화’가 요구된다고 했다. 한국미술의 역사를 서구미술의 틀을 빌려 진술하는 것은 어떻게 보아도 부자연스러운 일이다. “서구미술의 영향을 역사라는 거시적 관점에서 바라보는 동시에, 이 변화의 과정에 수반된 혼성성의 문화적 실체를 구체적으로 규명해 가야 할 필요가 있습니다. 이런 접근은 제도와 미술운동 같은 사건과 집단적 현상에 집착해 ‘역사’와 ‘예술’의 가치를 논해야 할 미술의 역사를 사건사 또는 미술운동사로 전도시켜 왔던 입장들과 거리를 유지할 수 있게 해 줄 것입니다.” 그는 겸재와 단원의 회화적 진경산수를 거쳐 청전 이상범, 소정 변관식, 옥산 김옥진에 이르기까지의 궤적을 살펴보고 있다. “이 같은 흐름은 우리 전통회화의 높은 품격과 회화적 완성도가 동시대 서구미술에 대응할 만한 경쟁력 있는 한국미술로 평가할 만하다는 것을 보여주고 있습니다. 한국미술의 방향성내지 나아갈 방향을 유추해 볼 수 있지요.” 오상길 소장은 10여년 전부터 ‘한국현대미술 다시 읽기’ 를 꾸준히 펴내고 있다. 현재까지 총 8권이 출간됐다. 서울현대미술연구소는 다음 달 24일 서울 종로구 동숭동 ‘예술가의집’에서 ‘국전으로 읽는 한국 현대미술’을 주제로 학술행사도 열 예정이다. (02)547-6049편완식 미술전문기자 wansik@segye.com