현직 사진기자인 이충우 사진展 "제행무상(諸行無常)" - 존재하고 사라지고 다시 존재하는.. 이 1월 10일부터 서울 충무로 반도카메라 갤러리에서 열린다. 취재현장에서 입은 몸과 마음의 상처를 사진으로 치유했고, 그 결과물을 모아 내보였다. 사진기자로서 부딪혔던 현장의 거친 사진이 아닌 마음 수양의 정신세계가 엿보이는 흑백사진들을 선보인다. 김진석 사진작가는 전시서문을 통해 작가의 사진은 치유의 수단이었다. 일년 전 취재 현장에서 큰 사고를 당했다. 몸과 마음에 큰 상처와 멍울이 생겼다. 본인만이 아닌 가족 그리고 주변 동료들에게도 그 상처와 멍울은 큰 고통이었다. 작가는 스스로의 치유와 노력을 시작한다. 바로 평생 자신과 함께한 사진으로 다소 어둡고 짙은 질감의 흑백사진은 과거를 의미한다. 반복 패턴과 결국 사라지는 형태들은 현재의 시간을 이야기한다. 자기만의 의미를 화선지 속에 스며들게 만든 사진을 통해 스스로의 집착을 버리고 안정되게 만들고 안정을 찾게 만들었다라고 평했다. 이충우 기자는 "제행무상은 끊임없이 변화하며 영원하지 않는 것을 말한다. 즉, 이 현실세계의 모든 것은 존재하고 사라지고 있으며, 거기에는 항상 불변한 것은 단 하나도 없다는 것이 현실의 실상이라는 것"이라며 "목적의 대상이 아닌 피사체에서 나오는 심리적인 표현의 이미지를 보여줌으로써 그것을 바라보고 받아들이는 것에 대한 화두를 던지고 싶었다"고 말했다. 또한 그는 작업노트를 통해 "많은 걸 잃고 많은 것을 얻었다"며 "그날의 그 짐을 떨치고 싶었다. 그래서 하루도 거르지 않고 존재하고 사라지는 것에 대한 사진을 담았다"고 말했다. 대학과 대학원에서 사진영상과 신문방송을 전공하고 매일경제신문사 사진기자로 재직중인 이충우 기자는 다큐멘터리 사진과 순수 사진을 작업하고 있다. 전시는 오는 22일까지 열린다. 이제원 기자

‘꿈꾸는 화가’ 윤상은의 네 번째 개인전(사진)이 인사동 아리수 갤러리에서 18일 개막했다. 독특한 사고와 상상을 표현한 작가의 작업은 보통의 조형적 질서에서 벗어난다. 마치 원색 색면의 공간 위를 유영하는 기이한 생명체들의 파티장과 같다. 갤러리 측은 “윤 작가는 남과 다른 시각으로 타인의 아픔을 잘 이해하는 화가”라며 “이번 전시는 그의 새로운 친구들을 소개하는 새로운 기회가 될 것”이라고 설명했다. 전시는 24일까지다. 이번 전시 판매수익은 전세계 구순구개열 어린이 수술 재건 지원단체인 ‘오퍼레이션스마일코리아’에 전액 기부된다.

‘생명의 근원을 우주의 에너지로 표현한 작가.’한국 기하 추상의 선구자 한묵(1914∼2016)에 대한 설명이다. 그의 회화의 특징은 화려한 원색과 절제된 기하학적 구성의 절묘한 융합이다. 작가는 이를 통해 무한히 순환하는 우주의 에너지를 담고, 이 에너지는 화폭 밖으로 무한대로 퍼지며 울림을 만들어낸다. 이는 색, 선, 형태라는 순수 조형요소를 통해 보이지 않는 세상의 질서와 생명력의 실체를 탐구하고자 했던 작가의 예술관 발현이다.서울시립미술관 서소문 본관에서 지난 11일 ‘한묵 : 또 하나의 시(詩) 질서를 위하여’가 개막했다. 한묵의 첫 유고전이다. 전시는 그가 이룩한 화업(畵業)을 전반적으로 조명해, 작가가 추구했던 작업세계의 본질에 한 걸음 더 다가가려 한다. 1950년대부터 1990년대까지 전 시기, 전 장르의 작품 중 엄선한 130여점을 소개한다. 특히 국내에 처음 소개되는 60여점의 작품도 포함돼 있다.서울에서 태어난 한묵은 어릴적 아버지로부터 동양화를 배웠으나 10대 후반부터 서양화에 관심을 갖기 시작했다. 만주와 일본에서 서양화를 배운 그는 한국에서 홍익대 미술대 교수로 재직했다.교수직을 그만두고 1961년 파리로 건너간 그는 투철한 실험정신으로 독자적 작업 활동에 매진했다. 1969년까지는 순수추상으로 화풍을 바꿔 평면 구성에 주력했다. 대상이 완전히 사라지고 색, 선, 형태로만 느낌과 생각을 자유롭게 구성한 것이다.1961년부터 프랑스 파리에서 작업해온 한묵은 현실의 삶을 우주의 에너지로 표현하려 했다. 위 그림은 상봉(1991)이어 한묵의 예술세계를 변화시킨 결정적 사건이 일어난다. 1969년 아폴로 11호의 달착륙이었다. 작가는 달까지 도달한 인간의 힘을 미지 세계를 정복하고자 하는 용기와 치밀한 과학으로 규정하고 인류에게 새로운 질서가 더해졌다고 여겼다.이후 1970년대, 작가는 시간과 공간을 결합한 4차원 공간을 실험하며 공간에 속도를 담아내는 새로운 공간 개념을 모색했다. 동판화 작업을 시작한 것도 평면에 움직이는 공간을 만들기 위해서다. 화면에 구심과 원심력을 도입하기 위해 컴퍼스와 자를 사용했고, 동심원과 나선, 방사선을 결합하고 교차하며 실험했다.판화 작업으로 독창적인 방식을 체득한 작가는 이를 캔버스에 도입하면서, 강렬한 색채와 기하학 선들이 이루어내는 또 다른 회화세계를 개척했다. 이어 원심과 구심을 자유자재로 구사하며 역동적인 화면을 구현하기에 이르렀고, 1980년대 후반에 작가의 예술세계를 대표하는 기하 추상의 대작들을 완성했다.태양을 잉태한 새(1996).한묵은 현실의 삶을 우주의 열려있는 유기적 공간개념으로 확장하고, 이를 ‘미래적 공간’이라 명명했다. ‘미래적 공간’에 대한 탐구는 1980년대부터 1990년대까지 계속됐다.이번 전시는 한묵의 50여년 작업을 통해 그가 도달하고자 했던 정신세계와 예술세계에 대한 이해의 폭을 넓힌다. 전시는 내년 3월 24일까지 이어지며 3월 9일에는 작가의 작품세계를 규명하는 학술심포지엄이 열린다.김희원 기자 azahoit@segye.com

 서울 용산구 이태원 경리단길에 새로운 문화복합공간이 생긴다. 오는 2019년 3월 31일까지 인터아트채널(용산구 회나무로 66, 1층)에서 주최하는 'ART MUST GO ON - ‘예술이여 영원하라' 전시회가 개최된다. 'ART MUST GO ON'은 '예술은 계속되어야 한다'를 모티브로 모든 장르와 시간과 공간의 낡은 경계를 허물고 예술, 디자인, 고미술, 일상 오브제, 가구, 소품의 가치를 새롭게 되새겨 볼 수 있는 전시다. 또 'ART MUST GO ON'은 예술품을 구입할 수 있는 갤러리와 미술관의 공공성을 모두 갖춘 대안적 공간을 갖추고 있다.  과거와 현재, 미래로 연결되는 시간의 단선적 관념을 벗어나 원환적 흐름 속에서 예술은 계속되어 왔다는 것을 다양하고 광범위한 현대미술작품, 고미술, 아트 오브제, 가구를 통해 보여준다. 현대 작가로 잘 알려진 이우환, 로버트 라우센버그, 심문섭, 프랭크 스텔라, 이수경, 리처드 세라, 이희용 등의 작품들과 한국의 고미술, 고가구에 이어 간다라 석상이 어우러진 모습은 예술이 나아가야 할 새로운 방향성을 제시한다.  특히 'ART MUST GO ON'은 오픈을 앞두고 전시 전경을 비롯한 다섯 가지 작품을 공개해 눈길을 모은다. 백남준의 1991년도 작품이 함께 공개돼 이목을 집중시키고 있다.  한편 다양한 현대미술작품, 고미술, 아트 오브제, 가구가 전시되는 'ART MUST GO ON - 예술이여 영원하라'는 6일 오픈했다.추영준 기자 yjchoo@segye.com

구상과 추상, 실재와 부재, 기억과 상상 등 혼합된 경계의 모호함에서 오는 혼란을, 관람자가 자신의 경험에 비추어 스스로 의미를 찾고 해석하는 전시회가 열리고 있다.서울 서촌 더 트리니티 갤러리(대표 박소정)에서 29일까지 선을 보이는 전현선·하지훈의 2인전 ‘Blended Landscape 혼합풍경’ 전이다. 두 작가는 구상과 추상의 경계에서 전통적인 ‘그리기’ 방식을 통해 혼합된 기억의 풍경들을 표현했다. 작가가 가진 기억의 조각을 캔버스 위로 꺼내어 나열하고 기록하며 해소해나가는 과정을 겹겹이 쌓인 레이어(Layer)를 통해 보여준다. 전현선의 ‘나란히 걷는 낮과 밤 18’전현선의 풍경은 사건에 대한 다양한 시각을 부분적으로 수집해서 한 화면 안에 배치·구성하는 형식이다. 화면 속 무심하게 놓인 도형들과 사물들은 기억을 빗대어 표현된 요소들이다. 안과 밖이 서로 교차되어 튕겨 나오고 시공간이 뒤섞인 듯한 혼란스러운 사건의 인과관계가 나열되기도 한다.작가는 작업일지에 이렇게 적었다. “현재의 판단들과 잠정적인 결론들은 순간적이고 번쩍여서, 쉽게 잊혀진다. 흐르는 물 위에 지은 집처럼 불안해서 금방 떠내려가 버리고 만다. 그림 속에서는 그 모든 것이 잠시라도 정착할 수 있다. 이해된 것보다는 이해되지 않은 것들이 받아들여진다. 보류된 확신 또한 그림 속에 자리 잡을 수 있다.”그리기라는 행위는 작가에게 일종의 메모였던 셈이다.전현선은 수채화물감과 아크릴미디엄을 혼합하여 캔버스 위에 페인팅한 후 바니시로 마무리하는데, 캔버스에 수채화 물감을 메인으로 사용해 만들어낸 작가만의 고유 터치감은 젊은 나이에도 자신의 총체적 스타일을 형성하는 데 가장 큰 역할을 했다. 최근 작가는 인물과 풍경 요소를 생략한 채 기본적인 도형의 형태로만 담아내는 새로운 변주를 보여주기도 한다. 대부분의 서사적 요소가 생략된 채, 이미 그가 즐겨 쓰던 화면 속에서 회자된 도형들이 중심이 되는 연작이다.   하지훈의 ‘gemstone isle 32’자연을 모티브로 삼은 하지훈의 풍경은 형상에 대한 구체적인 묘사가 아니라 화려한 색감의 붓터치와 덩어리로 이뤄진 풍경이다. 선과 면의 중첩이 만들어낸 하나의 ‘보석’ 또는 ‘빙하의 조각’, ‘섬’과 같이 느껴지는 풍경은 과거에 그가 경험했던 기억의 흔적들을 더듬어가는 행위이다. 배경과 이미지를 구분 짓는 아웃라인을 제외한 덩어리의 표현은 우연한 요소들에 따라 변화한다. 화려한 색채만큼이나 강렬함이 느껴지는 굵직한 선, 기억의 조각들을 퍼내어 올린 듯 나이프로 처리해낸 면, 손으로 화면을 비벼내 뭉개진 또 다른 면들은 각각 속도감과 에너지를 발하며 살아 움직이는 듯하다.작가는 말한다. “과거 사건들의 무대이자 배경이었던 풍경은 시간이 흐르면서 다른 감정과 뒤섞여 의식 속에 모호하게 남는데, 나는 이러한 이질적 잔영과 낯섦을 발견하고 이것을 구체화시키려 한다. 자연이라는 모티브를 통해 대상의 단편적인 사실이 아닌, 대상의 이면이나 기억과의 연관성에 대해 말하고 싶다. 그림 속 풍경은 개개인의 경험만큼 보일 것이며, 낯섦의 경험과 감정이 가시화된 이미지를 통해 공유되길 바란다.” 전시회를 기획한 최신영 큐레이터는 “두 작가의 2018년 신작 25점과 맞닥뜨리다 보면 관람객들은 저마다의 기호와 인생관, 삶을 관통해오며 체험한 기억들과 미래에 대한 신념에 의해 다양한 울림을 전달받게 될 것”이라고 귀띔한다.일, 월요일은 휴관하고 관람료는 무료다.김신성 기자 sskim65@segye.com

개. 키스 해링 그림의 대표 아이콘 중 하나인 개. 해링의 그림에서 개는 권력을 상징한다.미술에 관심이 없는 사람이라도 ‘키스 해링’(1958∼1990)의 이름을 한번쯤은 들어봤을 것이다. 아니 이름도 들어본 적 없더라도 그의 그림을 어디서든 접해봤을 것이다.해링의 그림은 매우 간결한 선으로 이뤄졌다. 그러면서도 난해하지 않다. 누구나 척 보면 척, 무엇을 표현한 것인지 알 수 있다. 귀엽고 통통 튄다. 보편적이면서 특이하다. 거의 낙서에 가까워 미술전시장보다는 지하철 벽이나 디자인 소품에 더욱 잘 어울린다. ‘소수가 아닌 모두를 위한 예술’, 그것이 해링의 철학이었다.서울 동대문구 DDP(동대문디자인플라자) 지하 2층 배움터에서 24일 그의 철학과 작품세계를 아우르는 전시 ‘키스 해링, 모두를 위한 예술을 꿈꾸다’가 개막했다.해링의 탄생 60주년을 기념해 열리는 이번 전시에서는 키스 해링 미술관이 소장하고 있는 주요 작품 175점을 선보인다. 키스 해링 단독전시는 2010년에 이어 두 번째다.빛나는 아기. 아기의 순수함과 에너지를 좋아하고 닮고 싶어했던 키스 해링은 세상을 떠나기 직전까지 아기 그림을 그렸다.◆예술이 된 낙서, 아이콘의 시초미국 중산층 가정에서 자란 해링은 항상 예술의 폐쇄성에 의문을 가졌다. 그러던 어느 날 뉴욕 지하철에서 그래피티를 접한 뒤 많은 사람과 소통하고자 하는 자신의 욕구를 깨달았다.해링은 그때부터 검은색 종이로 덮인 지하철역 광고판에 분필로 아기, 동물, 텔레비전, 사람 등 그림을 그려갔다. 경찰과 역무원의 눈을 피해야 했기에 작업은 늘 순식간에 이뤄졌다.‘지하철 드로잉’은 예술가와 소수 상위층만을 위한 기존 예술 질서를 거부하는 움직임의 시작이었다. 그래피티 미술계에 혜성처럼 등장한 해링은 예술계의 ‘악동’으로 명성을 얻기 시작했으며 비틀스만큼 많은 인기를 누렸다.유명해지면서 해링은 자신의 예술적 이상을 더욱 밀어붙였다. 포스터, 음악 앨범 커버 디자인 등을 통해 대중이 자신의 예술을 더욱 쉽게 접하도록 만들었다.해링은 많은 뮤지션들과 협업했는데, 몇몇 작업은 아예 그들의 음악과 떨어질 수 없는 상징적인 이미지를 만들어냈다. 대표적인 작품 중 하나는 데이비드 보위의 1983년 앨범 ‘위드아웃 유’다. 포옹하고 있는 두 사람이 밝게 빛나는 형태로 그려진 이 간결한 그림은 노래가 전하고자 하는 사랑과 연결에 대한 메시지를 담고 있다.해링은 예술을 통해 소리와 메시지를 시각화한 몇 안 되는 예술가였다. 그는 특히 힙합 음악을 즐겼는데, 그림에서 사람의 몸을 둘러싼 직선과 곡선을 통해 힙합의 에너지와 비트를 표현했다. 그는 클럽에서 많은 예술가들과 교류했다. 동갑내기 마돈나와 절친하게 지냈고, 자신보다 서른 살 많은 앤디 워홀을 만나며 작품에 영향을 주고받았다.키스 해링의 작품은 대부분 상징적인 몇 개의 아이콘으로 채워진다. 특히 그가 사랑한 것은 ‘아기’였다. 그는 사망하기 이틀 전까지도 ‘빛나는 아기’를 그렸다. 아기는 몸에서 빛줄기를 뿜어내며 에너지를 갖고 쉼 없이 기어 다닌다. 해링은 순수하고 에너지 가득한 아기를 닮고 싶어했고 실제 그렇게 살았다. 그가 그린 빛나는 아기는 해링 자신이었다.아기뿐 아니라 웃는 얼굴, 하트, 천사, 짖는 개, 돌고래 등 해링은 여러 가지 상징을 만들어냈다. 이는 오늘날 사용되는 이모티콘의 시초였다. 국내 최초로 공개되는 초대형 작품 ‘피플’. 키스 해링의 뜻에 따라 원래 그린 방향에서 거꾸로 뒤집어 건다.서울디자인재단 제공◆팝숍과 공익 포스터… 모두를 위한 예술“한 명의 부자가 100달러짜리 그림 한 점을 사는 것보다, 100명의 사람이 내 그림이 그려진 1달러짜리 티셔츠를 입는 것이 더 좋다”고 말했던 해링은 모든 사람들이 자신의 작품을 접하고 소장하고 구입할 수 있기를 바랐다. 그래서 문을 연 것이 뉴욕과 도쿄의 팝숍이었다. 그 시기 ‘지하철 드로잉’의 가치가 높아져 도난당하는 일이 많아졌던 것도 팝숍을 만든 계기 중 하나다. 팝숍은 해링의 작품으로 채워졌으며 직접 디자인한 핀 버튼, 티셔츠, 잡화 등을 판매했다. 해링은 “나는 내 작품을 통해 사람들과 지속적으로 소통하길 바랐고, 다양한 사람들, 심지어 어린이들도 즐길 수 있는 공간이기 되기를 바랐다”며 “이런 노력의 결과로 언젠가 거리의 아이들이 예술에 익숙해져 이들이 미술관에 갔을 때도 어색하지 않게 친숙한 느낌을 가졌으면 하는 것”이라고 말했다.일각에서는 팝숍을 “너무 상업적이다”고 비판했지만 해링은 실제 팝숍으로 벌어들인 수익을 어린이와 에이즈 환자를 위해 기부했다. 해링이 세상을 떠난 지 30년 가까이 되었지만 여전히 그의 그림은 많은 기업의 제품에 사용되며 수익의 일부는 기부되고 있다. 키스 해링을 모르더라도 그의 그림이 친숙한 이유이자, 그의 그림이 ‘모든 이를 위한 예술’인 이유다.해링은 작품을 통해 단순히 많은 사람에게 자신을 알리려는 목적을 벗어나, 많은 사람들에게 이로운 메시지를 전하고자 했다. 그는 전쟁 반대, 인종·동성애자 차별 반대, 마약 퇴치 등 메시지를 담은 포스터를 그렸고 사재를 털어 이를 복사해 길거리에서 나눠주기도 했다. 동성애자였던 그는 많은 지인들이 에이즈로 고통받는 것을 보면서 건강한 성생활을 강조하는 포스터를 제작하기도 했다.그러던 1988년, 해링 자신이 에이즈 진단을 받았다. 나이 서른이 채 되지 않은 때였다. 그는 고통 속에서도 최대한 자신의 그림을 많은 사람과 나누고자 좀더 확장된 예술관을 펼치기 시작했다.언제 세상을 떠날지 모른다는 두려움은 새로운 예술, 세상을 향한 보편적 예술을 위한 열정으로 변모했다. 탄생, 인생, 죽음 등 우리의 삶에 대한 깊은 성찰이 작품에 담겼다. 어린이를 위한 ‘파랑과 빨강의 이야기’, 비트 세대의 거장 윌리엄 버로스와 함께 작업한 ‘종말’ 시리즈 등은 삶과 사랑에 대한 해링의 열정이다.해링은 31년의 인생과 10년의 짧은 예술 인생을 뒤로하고 1990년 세상을 떠났다. 떠나기 한 달 전, 해링은 자신의 작업 초기에 제작한 가장 순수한 시각적 형태들을 복제해 17개의 실크스크린 포트폴리오의 최종판을 제작했다. 이번 전시에서는 이 최종판인 ‘플루프린팅’과 많이 알려지지 않은 ‘피라미드’, 초대형 작품인 ‘피플’ 등이 국내 최초로 공개되며, ‘빛나는 아기’, ‘짖는 개’ 등 대중에게 친숙한 작품도 만날 수 있다. 또 해링의 생전 작업 영상과 인터뷰를 통해 그의 확고한 철학과 열정을 고스란히 느낄 수 있다.전시는 내년 3월17일까지 휴무일 없이 계속된다.김희원 기자 azahoit@segye.com

온라인 플랫폼 ‘아트앤가이드’가 지난달 처음 공동구매한 김환기 화백의 작품 ‘산월’이 22%의 수익률을 달성하고 매각된다.29일 열매컴퍼니에 따르면 ‘산월’은 지난달 30일 4500만원에 공동구매했으며, 다음달 내 5500만원에 매각이 확정됐다.‘산월’은 공동구매 당시 7분 만에 구매자 모집이 마감되며 화제를 모았다. 총 23명이 100만원에서 500만원까지 투자해 소유권을 나눠 가졌다. 공동구매자들은 보유기간 2년 내 목표수익률 20%를 달성할 경우 매각을 진행할 수 있는 권리를 회사에 위임했다.열매컴퍼니 측은 “공동구매가 종료되기도 전부터 여러곳에서 작품 배각에 대한 제의를 받았고, 결국 유럽에서 활동하는 한국인 사업가에게 5500만원에 매각하기로 결정했다”며 “해당 사업가는 직접 작품을 보기 위해 출장 일정까지 조정하는 등 구매에 대한 열의를 보였다”고 밝혔다.판매대금은 12월 내 분배한다. 블록체인에 기록된 공동구매자는 작품확인서를 회사에 반납하고 매각대금을 수령할 수 있다. 작품이 6000만원 미만으로 매각되어 양도차익 관련 세금은 발생하지 않는다.열매컴퍼니는 “작품 매각이 빠르게 이뤄지면서 공동구매자의 원작 감상이 어려웠던 점을 고려해 작품 구매자의 양해를 얻어 12월 말까지 서울 서초구 방배동에 위치한 프라이빗 라운지에서 전시할 계획”이라고 밝혔다.다음 공동구매 작품은 이중섭 화백의 양면화 ‘무제’다. 이중섭이 가장 사랑했던 소와 아이를 각각 한 면씩 표현한 작품으로 11.5×15.1㎝ 종이에 연필과 채색으로 작업했다.앞면의 소는 작가 특유의 거칠고 역동적인 모습이 아닌 간결한 선으로 정적이면서도 해학적으로 표현했다.뒷면은 한 아이가 양손을 펼쳐 보이는 모습으로 다수의 아이들이 등장하는 보통의 이중섭 작품과는 다른 특별함을 찾을 수 있다.공동구매 금액은 5200만원이다. 11월30일 오전 10시 아트앤가이드 홈페이지에서 진행한다.김희원 기자 azahoit@segye.com사진=열매컴퍼니 제공

 오는 20일까지 명동성당 지하1층 갤러리 1898에서 공미숙 작가의 13번째 개인전 ‘REJOICE’가 개최된다.이번 작업은 그 동안 바다 수평선을 테마로 작업해 온 작업세계의 확장된 미학적 표현방식의 연장선으로 보다 철학적이고 심미적 관점에서 삶의 내면의 방향을 함축했다. 공미숙 작가는 “성경 ‘데살로니가전서’에 항상 기뻐하라, 쉬지말고 기도하라, 범사에 감사하라는 구절이 있다.  그 중 항상 기뻐하라는 나의 작업 모토다. 인생을 살면서 수많은 시간 속에 우리는 희로애락을 경험하며 하루하루를 보낸다. 그 시간들이 쌓여 내가 완성되고 주변이 형성된다. 다양한 경험을 하고 순간순간을 소중히 여기며 그것이 하나의 완성체를 이루어 삶의 축복이 되어지는 과정을 작업에 담았다”고 전한다.삶의 소중함과 감사를 화면의 반복적인 면과 선의 교차로 표현하고 색으로 담아낸 절제되고 정화된 작가의 작품을 통해 우리 삶을 한번 되돌아보며  삶을 소중하게 생각하는 시간을 가져 보는 것도 좋을 듯싶다.추영준 기자 yjchoo@segye.com

피터 부겐후트(Peter Buggenhout)와 마리 클로케(Marie Cloquet) 2인전 ‘시간성 : Temporalizing Temporality’이 서울 성북구 갤러리 ‘제이슨함’에서 8일 시작했다.벨기에 출신 설치미술 작가 피터 부겐후트는 해진 직물부터 버려진 산업 자재까지 온갖 물건을 ‘재료’로 사용해 불연속적인 사물의 거대한 집합체를 쌓아 올려 작품을 만든다.재료는 일상의 평범한 사물이지만 작가의 손을 거쳐 조각의 일부로, 예술 언어의 세계로 편입된다. 회화에서 조각으로 전향한 작가는 회화에 내재된 상징적 재현들을 조각으로 표현하는 데 재능을 보여왔다. 피터 부겐후트의 작품은 파리, 뉴욕, 베를린을 비롯해 런던, 모나코 등 여러 나라에서 전시 및 소장되고 있다.마리 클로케는 캔버스 위의 포토그래퍼, 사진을 그리는 화가라 불린다. 사진이 지닐 수 있는 가능성을 발견하고 장르의 경계를 허무는 독특한 작품을 선보인다.일차적으로 공간을 담은 사진을 왜곡된 인쇄와 찍기, 파편화 등 해체과정을 지나 콜라주로 재배열해 새로운 시공간을 만들어낸다. 재구축된 이미지는 새로운 시간성의 공간에 위치하게 되며 자연스러운 풍경처럼 보이지만 왜곡되고 조작된 작품은 세상의 명암에 대한 염려를 담아내고 있다.이번 전시를 소개하는 ‘제이슨함’의 함윤철 대표는 “우리에게 익숙한 선형적 연속으로서의 시간 개념이 아닌 구축, 해체 그리고 재구축 과정을 통해 새로운 시간성, 새로이 창출된 시공간으로 표현될 수 있다”며 “이번 전시는 기존의 시간과 공간에 대한 관념을 자유롭게 모색하며 그 안에 우리 존재의 본질에 대한 질문을 던지는 흥미로운 경험이 될 것”이라고 설명했다.‘시간성 : Temporalizing Temporality’ 전시는 2019년 1월 14일까지 계속된다.김희원 기자 azahoit@segye.com사진=제이슨함 제공

인천 지역의 역사와 삶의 흔적을 사진에 오롯이 담아온 서은미 작가가 오는 9∼16일 인천 중구 선광미술관에서 ‘강화 소창이야기 - 무녕’ 개인전을 갖는다.소창은 면 방적사가 평직으로 성글게 짜여 있는 면직물로, 보통 표백해 흰색으로 사용한다. 열전도율이 매우 크면서 피복률이 매우 낮아 일반 의복용보다는 기저귓감이나 행주 등 위생적인 용도로 많이 사용한다.중장년층이라면 아이를 키우는 집마다 빨랫줄에 힘차게 나부끼던 소창을 떠올릴 수 있을 것이다. 약동하는 생명력의 표상이자 새 세대에 대한 기대, 자부를 담은 펄럭임이었다. 이웃의 눈물을 닦아주기도 했고, 마을을 떠나는 친지들에게 만남을 기약하며 흔들기도 했던 시대의 표상이었다. 관곽(棺槨)의 둘레에 칭칭 동여매여져 누군가의 영별을 지켜보기도 했다. 우리가 태어나서 흙으로 돌아가기까지 평생을 함께 한 친근한 피륙이었던 셈이다.강화의 소창은 양과 질 모두 타 도시의 추정을 불허할만큼 유명했다. 수직기 앞에서 손금이 지워지도록 북을 놀려온 소창 장인들이 이제는 노부부가 돼 살아가고 있다. 서 작가는 그들의 일생과 그들이 여전히 포기하지 못하는 평생의 흔적, 결과를 우리에게 보여준다. 어느덧 우리 곁에서 스러져가는 소창의 흰 빛을 담기 위해 ‘빛의 예술가’가 카메라를 잡은 것이다.문계봉 시인은 “사라져 가는 과거의 빛을 되살려 추억하고 역사적 사실로 기억하게 하는 것, 또 기억을 이어받아 화양연화 시절의 꿈을 복원하는 것, 그것이 아마도 서은미 작가 궁극의 바람이자 이 지난한 작업에 뛰어들게 한 이유였을 것”이라고 전했다.김준영 기자 papenique@segye.com