독특한 도예기법을 회화에 적용한 이미애 작가의 3번째 작품전이 서울 문래동 상상채굴단에서 열린다. 13일부터 18일까지 열리는 이번 개인전에는 도예기법의 하나인 박지기법을 통해 얻은 작품들이 전시된다. 박지기법은 화장토를 바른 다음 불필요한 부분을 제거해 원하는 형상을 얻는 도예기법의 하나다. 작가는 캔버스에 붓이 아니라 조각칼을 들이댔다. 캔버스에 덧대진 겹겹의 두께를 한 겹 한 겹 도려내 만든 인고의 작품들이다. 홍익대 회화과를 졸업하고 홍익 루트회원으로 활동 중인 작가는 “꿈꾸는 겁쟁이란 주제를 가진 이번 전시는 삶 언저리에서 느껴지는 묵은 감성의 색감을 덧칠하고 걷어내기를 반복해 자유로움과 솔직함을 보여주고자 했다”고 말한다.허정호 기자 hoya@segye.com

16세 때부터 근대 한국화단의 거목인 청전 이상범 문하에서 그림을 배웠다. 사물의 겉모습이 아니라 본질을 꿰뚫고, 삼라만상을 눈이 아니라 마음으로 보며, 필요하지 않은 것은 넣지 않는다는 한국화의 정신을 익힌 것이다. 정규 미술대학에 진학한 건 20대 후반. 비교적 늦은 나이였다. 동서양 재료와 기법을 두루 섭렵하는 데 누구보다도 열정적이었다. 화단에 발을 디딘 후 재료의 특성을 파악하기 위해 수많은 실험을 마다하지 않았다. 먹과 종이, 아크릴과 캔버스 작업을 넘나들며 자신만의 작품세계를 구축하며 끊임없이 진화하는 작가로 정평이 나 있다. 동양적 산수의 세계를 서양화기법으로 구현하고 있는 석철주(67) 작가의 이야기다.“재료와 기법은 달라도 수묵화의 정신세계는 그대로 가져왔다고 생각합니다. 정신이 다른 것이 아니고, 같은 정신을 표현하는 방법이 다를 뿐이죠.”전통적인 도제식 교육을 받은 동양화단의 마지막 세대라 할 수 있는 그는 10년째 연작 ‘신몽유도원도’를 그려오고 있다. 조선의 화가 안견의 ‘몽유도원도’를 현대적으로 해석한 작품으로 겹겹이 여러 산봉우리들이 안개와 구름에 휩싸여 몽롱하고 환상적인 화면을 보여준다. 초록 물결이 산과 강을 휘감은 여름 산수, 눈이 내리는 겨울 산수도 있다.현실과 꿈이 어우러진 산수풍경을 그리고 있는 석철주 작가. 그는 “현실은 꿈을 먹고 자란다는 점에서 꿈은 어머니 같은 존재”라고 말한다.일반적으로 서양화기법은 캔버스 위에 여러 물감을 차례로 올려 쌓는다. 하지만 석 작가는 바탕색에 다른 색의 물감을 올린 뒤 마르기 전에 지워내는 방식을 취한다. 물을 쏘는 에어건, 마른 붓을 차례로 쓰며 지워내는 과정에서 형상이 드러난다. 억지로 쌓아 만드는 형상이 아니라 저절로 우러나오는 풍광이다. 최근 들어선 캔버스 위에 젤을 이용해 망 처리까지 한다.“아날로그에서 디지털로 넘어왔으니 표현기법도 변해야죠. 누구나 스마트폰을 사용하는 시대에 옛날과 똑같은 방법을 고수할 수는 없죠. 디지털의 픽셀, 즉 망과 그 사이 구멍을 통해 본 풍경을 그리려고 했습니다.”사실 그의 몽환적 기법은 여행 중에 착상된 것이다.“강원도 정선에 갔을 때였어요. 여름철 민박에서 잠을 자다가 아침에 방문 앞에 쳐놓은 모기장으로 바깥의 풍경을 봤어요. 진짜 아름답고 몽환적이었죠. 저의 신몽유도원도 제작 기법이 그 당시 본 모기장과 그 바깥 풍경에서 영향을 받은 것 같기도 해요.”신몽유도원도안평대군의 꿈 이야기를 바탕으로 안견이 그린 ‘몽유도원도’에서 제목을 따온 그의 대표작 ‘신몽유도원도’ 연작은 심산유곡의 산수풍경을 꿈속처럼 아련하게 표현해 낸다. 한국화 정신의 근간인 기(氣)와 물아일체 사상의 맥은 이어가면서 지필묵으로 대표되는 동양화의 틀을 과감히 벗어나 서양화의 대표적인 재료인 아크릴 물감을 사용해 그림을 그렸다. 현대 디지털 문화의 픽셀 구조에서 영감을 얻은 중첩된 두 개의 막이 더욱더 꿈같은 상태, 몽중몽으로 빠져들게 한다. 현실과 환상을 매개하는 꿈과 안개라는 두 개의 장치를 현대적 어법으로 발전시켜 환상적인 한국화를 탄생시켰다는 평가다.11일부터 내달 4일까지 한남동 갤러리조은에서 열리는 전시에서는 신몽유도원도와 수석이 어우러진 신작을 선보인다. 현실을 상징하는 선명한 형태의 수석이 꿈같은 분위기를 역설적으로 부추기고 있다.“현실이 꿈이 되고 꿈이 현실이 되는 세계지요. 인간은 시계추처럼 현실과 꿈을 오가면서 삶을 그려가는 존재라고 생각합니다.”지난 50여 년간 하루도 붓을 놓지 않았다는 석철주 작가의 손끝에선 오늘도 꿈꾸는 풍경이 꿈틀거리고 있다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

“사람들이 걸을 때가 가장 자연스럽고 일반적인 상태가 아닌가 싶어요. 사람들이 걷는 모습을 가장 흔하게 볼 수 있는 것 같습니다. 그림으로 표현하기에도 흥미로운 오브제이고요.”앤디 워홀 이후 가장 대중적인 팝아트 작가로 평가받는 영국 출신의 작가 줄리안 오피(59·사진)가 대규모 개인전 ‘줄리안 오피’ 개막을 하루 앞둔 27일 경기 수원시립아이파크미술관에서 기자간담회를 열었다.작가는 이목구비 없는 동그란 얼굴과 굵은 윤곽선, 걸어가는 사람들의 옆모습을 그리는 작업으로 유명하다. 한국에서도 서울역 앞 옛 대우빌딩 외벽에 휘적휘적 걸어가는 사람들의 모습을 투사한 그의 작품을 기억하는 이들이 적지 않다.그는 “얼굴을 그리지 않고 측면만 담아내는 이유는 그 사람이 입은 옷이나 걷는 태도 같은 것들이 훨씬 더 중요한 이미지를 담고 있기 때문”이라며 “걷는 사람들은 작가나 그림을 보는 이들과도 시선이 마주치는 일이 없고, 고대 이집트 회화 등을 봐도 옆으로 걷는 사람들의 모습을 많이 담고 있는데, 굉장히 파워풀한 이미지라고 생각한다”고 말했다.이번 전시에서도 미술관 2전시실에서 서울뿐 아니라 영국 런던, 호주 멜버른의 거리를 뛰고 걷는 사람들의 이미지를 만날 수 있다. 서울 동작구 사당동을 바삐 오가는 사람들의 모습도 눈길을 잡아끈다. 미술관 유리 외벽에 설치된 24m 길이의 LED 파사드 또한 화성행궁 앞을 오가는 사람들의 유리에 반사된 모습이 그림자처럼 보이게 한 흥미로운 작품이다.작가는 “국가와 도시별로 걷는 모습을 보면 풍부한 색이 담긴 팔레트 같다는 생각이 들 때가 있다”면서 “색상뿐 아니라 온도도 표현하려고 한다”고 설명했다. 서울에서는 어떠한 느낌을 받느냐는 물음에 “딱히 국가별로 구분 지으려 하지는 않지만, 작업을 위해 촬영된 사진들 속 사람들의 모습을 보면 90%가 스타일리시하더라”고 말했다.70여 점을 선보이는 이번 전시는 작가 본인도 “제 작품을 이렇게 한곳에 놓고 보는 일은 흔치 않은 일”이라고 할 정도로 다양한 작품을 망라했다. 전시는 내년 1월 21일까지 열린다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

통상적으로 컬렉터라면 돈이 많은 부자여야 한다고 생각한다. 그렇다고 돈이 있다고 모두가 그림을 사는 것은 아니다. 컬렉션은 좋은 ‘습관’이 있어야 가능한 일이다. 예술작품을 향유하고 가치에 눈을 뜨는 ‘행운’도 따라야 한다. 그래서 무엇과도 바꿀 수 없는 복이라고 말하기도 한다. 명품 가방 대신 미술품을 선택하는 것은 삶의 색깔을 바꾸는 ‘용기’이기도 하다. 물론 취향과 자신만의 컬렉션 원칙이 있어야 하는 것은 기본이다.일본의 월급쟁이 컬렉터로 유명한 다이스케 미야쓰(54)는 예술이 있어 삶이 특별해졌다고 말하는 사람이다. 그가 문화체육관광부가 주최하고 예술경영지원센터가 주관하는 ‘코리아 갤러리 위켄드’에 초대돼 방한했다. 국내 최대 규모 아트페어인 ‘한국국제아트페어’(KIAF·키아프) 기간에 맞춰 해외 미술인들에게 한국 작가와 한국 갤러리를 소개하는 행사다. 일본 나리타공항 인근 지바에 있는 독특한 외양의 다이스케 미야쓰 자택. 프랑스 작가 도미니크 곤살레스 포에스터가 디자인했다.그를 지난 주말 코엑스 키아프 전시장에서 만났다. 무엇보다 특별할 것 없는 스타일의 옷차림은 평범 그 자체였다.“어려서부터 그림 그리기를 좋아해 화가가 되고 싶었다. 할머니로부터 아트에 대한 이야기를 들으면서 영감을 키웠던 것 같다. 고등학교 시절 엔디 워홀의 작품을 접하면서 현대미술의 강렬함에 빠져들었다. 직장생활에서 모아진 돈으로 1990년대에 구사마 야요이의 도트 드로잉을 구입하면서 컬렉션은 시작됐다.”그의 컬렉션 목록엔 한국작가 정연두, 최정화, 김정욱을 비롯해 올라퍼 엘리아슨, 샤론 록하르트, 폴 매카시, 차이궈창, 양푸둥, 칸딘스 브라이츠 등도 올라 있다. 프랑스 작가 도미니크 곤살레스 포에스터의 사진, 설치, 영상작품도 특별히 아낀다. 그의 집(일본 지바) 디자인도 맡겼을 정도다.“내가 사는 집의 실내 벽을 정연두 작가의 작품으로 도배를 했다. 작가가 직접 방문해 세팅해 주었다.”지난 20여년간 그가 수집한 미술품은 400여점에 이른다. 한국작가 작품도 10여점이 된다. 사람들은 여전히 그에게 그래도 경제적 여유가 있어서 미술품을 사는 것이 아니냐고 늘 묻는다.화랑협회가 주관하는 한국국제아트페어 전시장을 찾은 다이스케 미야쓰. 경영학을 전공한 그는 “돈이 없어 주로 합리적 가격에 살 수 있는 비디오나 뉴미디어작품에 집중하게 됐다”며 “내게 미술품 수집은 아름다운 삶으로 가는 여정”이라고 말했다.“나는 금수저가 아니다. 광고회사와 핸드폰 회사에서 사무직으로 일하기도 했던 평범한 직장인이었다. 비싼 기성작가의 작품은 살 수 없었다. 주로 싼 젊은 작가의 작품을 구입했다. 그 작가들이 얼마의 시간이 지나서 고가의 기성작가가 됐다.”하지만 그도 미술품을 사기 위해선 ‘대가’를 지불해야 했다.“미술품을 손에 넣기 위해 좋은 음식과 옷, 비싼 차를 포기해야 했다. 물론 아름다운 여자도 매한가지다.”그는 지난 4월부터는 20여년의 컬렉션 경험을 살려 대학(요코하마 컬리지 오브 아트&디자인)에서 아트마켓 강의를 하고 있다. 그에게 가장 중요한 컬렉션 팁을 물었다.“누구나 무엇을 사야 할지 고민하게 된다. 초보자는 가장 좋아하는 것이 가장 좋은 것이란 생각으로 시작하라고 권하고 싶다. 물론 갤러리스트 등과 상의하는 것도 좋지만 스스로 결정해 보는 것이 바람직하다. 일생을 살면서 결혼도 부모의 의사를 존중해야 하고, 회사에서도 상사나 팀원과 의논을 해야 하는 상황이다. 오로지 나 혼자 결정할 수 있는 유일한 일이 컬렉션이다. 삶의 좋은 경험이 아닌가. 가장 좋아하는 것을 사라.”그에게 세계미술시장 전반의 상황 분석을 부탁해 봤다. 4개의 포인트로 그는 설명을 했다.“2045년쯤 되면 인공지능이 사람을 능가하게 된다는 설이 있다. 인공지능이 비약적으로 발전해 인간의 지능을 뛰어넘는 기점(특이점)에 도래하는 것이다. 다시 말해 인공지능이 만들어낸 연구결과를 인간이 이해하지 못하게 되며, 인간이 인공지능을 통제할 수 없는 지점이 올 수도 있다. 따라서 예술에서 하이테크의 상황을 점점 주목하게 될 것이다. 예술시장도 예외가 될 수 없다. 이것이 첫 번째 포인트다, 두 번째론 유대인 유랑 같은 디아스포라 현상이다. 다른 문화와 믹스되는 하이브리드 현상이라 할 수 있다. 유학생의 증가도 문화융합현상을 촉진하고 있다. 미술도 같은 맥락에 놓여 있다. 세 번째론 성소수자 이슈, 그리고 마지막으로 아트마켓의 규모가 날로 커지고 있는 것이다.”그는 아시아의 큰손인 중국 컬렉터와 카타르 왕족의 컬렉션이 글로벌하게 섬세해지고 있는 점을 주목하고 있다. 자국주의에서 벗어나 전 세계 작가들을 대상으로 눈을 넓히고 있는 것이 최근의 경향이다. 젊은 컬렉터들의 부상도 ‘세계의 눈’을 가속화하고 있다.“한국의 장점은 일본과 중국보다 국제화 동기가 강한 것이다. 구정아, 양혜규, 이원우, 정연두 등 젊은 유학파의 글로벌성에 흥미를 갖고 있다. 이제 한국 작가들은 하고 싶은 것을 해도 되는 시대가 됐다.”그는 작가들과의 대화를 즐긴다. 아이디어와 콘셉트를 더 깊게 이해하기 위해서다.“아무리 아이디어가 좋아도 적절한 형태(Form)를 찾지 못하면 좋은 작가라고 할 수 없다. 자신이 갖고 있는 아이디어나 콘셉트를 1%도 표현하지 못하는 작품들도 많기 때문이다. 언어가 표현하지 못하는 걸 자신만의 미술언어로 표현할 수 있어야 한다. 시각예술은 말보다 훨씬 많은 걸 표현할 수 있다. 텍스트로 표현하는 게 낫지 않겠나 생각하게 만드는 작품은 사지 말라.”그는 컬렉션은 단순한 수집이 아니라고 강조했다. 취향에 따라 이것저것 모으는 것은 하수라고 했다. 작품들을 보자마자 별다른 어려움 없이 바로 이해하고 공감했다고 해서 그것을 취향이라고 착각하지 말라는 것이다. 시대 상황을 공감하도록 나름의 방식으로 잘 풀어냈느냐가 관건이라 했다.“하나의 포커스에 따라 나름의 스토리라인이 있어야 훌륭한 컬렉션이 된다.”한국의 주요작가 이력을 꿰고 있는 그의 모습에서 진정한 프로의 모습이 느껴졌다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

20일 오후 6시 부산 해운대구 ‘갤러리 조이’에서 오픈한 박용우 개인전에서 관람객이 회화를 감상하고 있다.부산의 중견작가 박용우 개인전(주제 프러포즈)이 20일 오후 6시 해운대 ‘갤러리 조이’에서 개막했다.오는 29일까지 계속되는 이번 제4회 개인전시회에는 싱그러운 꽃과 두껍게 쌓인 낙엽으로 생성과 소멸을 반복하며 끊임없이 순환하는 자연의 섭리를 작가 특유의 조형언어로 풀어낸 회화를 선보인다. 박용우 개인전 오픈식 때 박 작가 부인 주경미씨가 깜짝 출연, 섹소폰을 불며 일상에 지친 참석자들에게 감동을 선사했다.동료 작가와 시민 등 수십명이 참석한 오픈식에는 박용우 작가의 부인이 출연해 섹소폰을 연주, 참석자들의 심금을 울렸다.부산=전상후 기자 sanghu60@segye.com

경주 남산 등 ‘오래된 풍경’ 작업으로 유명한 강운구(75) 작가가 폰카(휴대폰 카메라)에 빠졌다. 이제는 그의 사진 60~70%가 스마트폰으로 찍을 정도다.“이젠 나와 대상 사이에는 기계도 기술도, 아무것도 없는 듯하다. 주워 담아야만 할 어떤 이삭과 조우했을 때, 그냥 그것에 맡기면 된다. 이젠 조리개나 셔터를 조절하는 것조차 조작이라는 느낌이 든다. 예전에는 사람들이 경배할 때 맨손을 모았다. 그러나 지금은 그러는 두 손 사이에 디지털이 있다. 이제야 깨달았다. 모든 사진은 오마주이며 경배이다.”긴 호흡으로 깊이에 치중하는 강운구 작가. 그는 “대상에 개입하지 않고 장면(Scene)이 자동으로 무르익도록 기다리다가 때가 왔을 때 셔터를 누른다”고 말했다.그의 새로운 기기에 대한 도전은 연령을 감안한다면 신선하게 다가온다. 창작에 대한 호기심은 영원한 청춘이란 말을 떠올리게 만든다.“사실 세상은 바뀌었는데, 내 마음 바꾸기가 쉽지 않았다. 내가 좋아했던 대상은 거의 다 사라졌거나 많이 변했다. 나는 그저, 힘이 들거나 말거나, 한계가 있거나 말거나 하던 대로 막장 같은 암실작업을 했다. 디지털 기술을 넘보기보다는 내게 익숙한 방법대로 일을 했다. 후배들이나 동료들은 내가 아날로그 사진술의 순교자가 되기를 은근히 바라는 듯했다. 그러나 폰카로 기념사진을 몇 번 찍으면서, 문득 심상치 않다는 생각이 들었다. 폰카는 단점보다는 장점이 더 많았다.”그는 폰카의 한계를 잘 알고, 그 범위에서 작업을 하면 결과는 나쁘지 않다고 했다.“디지털 사진이 경박해 보이는 것은 사람들이(작가들이) 그렇게 느끼는 것이다. ‘막장’에서 몇 십 년 동안 단련된 눈으로 디지털 기술을 통제하고 조절해서 마침내 내 눈에 맞는 톤의 사진이 나올 수 있게 할 수 있었다.”그는 아직 디지털 테크놀로지를 조작할 손은 없다. 그래서 ‘빌린 손’ 곁에 앉아서 색의 톤을 주문한다. 폰카와 더불어 요즘엔 그림자에 집중하고 있다.“빛이 그린 그림이 그림자다. 그것을 거둬 담는 것이 사진이다. 덧없이 사라지는 그림자를 네모난 틀(프레임)에 담으려고 나는 내 그림자를 끌며 틀(기계)을 들거나 메고 여기저기를 기웃거린다. 어떤 그림자가 느낌을 주거나 말을 할 때 그것을 알아채고 주저없이 틀에 가두는 게 사진가가 하는 일이다.”르네 마그리트의 그림 속 중절모 쓴 남자 형태의 거울에 비춘 자신의 모습을 찍는 작품.그는 일상의 풍경 속 네모난 프레임을 찾아 그 안에 작가 자신의 그림자가 비추는 화면들을 포착한다. 그가 폰카로 사진을 찍는 모습이 그림자로 아른거리며 등장하기도 하고, 폰카를 들고 위에서 바닥을 내려찍은 이른바 ‘셀피’ 스타일 사진에는 그의 신발이 빼꼼 보이기도 한다. 해가 저물어갈 무렵 순광(純光)의 풍경 사진을 찍다 보면 사진가의 그림자가 땅바닥에 길게 깔리게 마련이다. 대부분의 작가는 프레임 안에 자신의 그림자를 담지 않으려 뒤로 물러선다. 그러나 강 작가는 그림자를 작품에 적극 활용하고 있다. 이제야 무엇에도 걸릴 것이 없는 모습이다.“지금껏 나는 나에게 엄격했다. 이윽고 저녁때가 다 되어서야 마침내 나는 나를 믿기 시작했다. 그리하여 조금은 나에게 너그러워졌다. 그러자 장대하게 펼쳐진 지평선이 문득문득 어른거리기도 했다. 그러나 이내 그것은 어슴푸레한 푸른빛에 사위어갔다. 올라온 것도 없는데 내려간다. 바위 같던 나의 확신은 설핏한 햇살이 비춘 그림자처럼 아련해진다. ‘이런들 어떠리오. 저런들 어떠리오’로 되는 것이 잘 늙는 걸까? 누구나 다 그래야만 될까? 그 ‘이런들…저런들’에는 허무의 냄새가 자욱하다. 나는 그런 늪을 멀리 돌아서, 정신 가다듬고 다시 신발 끈 조여 매고 싶다. 내려가면 올라가는 길도 있을 터이다.”그는 내려가면서도 여전히 주워 담겠다고 했다. 그게 ‘노년의 과오’가 될지라도. 몇 해 전부터는 이 땅의 사진가로서 의무 복무가 끝났다며 해외를 유랑하기도 했다. 그러고 나니 사진이 더 재미있어졌다고 한다.외국 사진 이론 잣대를 걷어내고 우리의 시각언어로 포토저널리즘과 작가주의적 사진을 개척한 사진가로 평가받고 있는 강운구는 스스로를 ‘내수(內需) 전용 사진가’라고 말한다. 그가 천착하는 내용도 그렇지만, 여기에는 ‘국제적’, ‘세계적’이란 명분으로 정체성 없는 사진들이 범람하는 현상에 대한 저항의 의미도 담겨 있을 터이다. 그는 11월25일까지 한미사진미술관에서 초대전를 연다. 전시에 맞춰 사진 146점이 수록된 사진집도 발간됐다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

화랑협, 국내 최대 규모 미술장터 열어한국화랑협회(회장 이화익)가 주최하는 국내 최대 규모 미술장터 키아프가 21일부터 24일까지 서울 삼성동 코엑스홀에서 열린다. 이번 키아프에는 13개국 167개 갤러리가 참여한다. 한국에 지점을 둔 갤러리페로탱과, 보드앙르봉, 알엑스갤러리 등 프랑스 쪽 갤러리를 비롯해 홍콩의 10챈서리래인, 일본 요시아키이노우에갤러리, 영국 플라워스갤러리, 싱가포르 에스티피아이(STPI)갤러리 등이 나온다.동양화가 윤영경 금호미술관서 개인전동양화가 윤영경 개인전 ‘와유진경’이 서울 종로구 사간동 금호미술관에서 26일까지 열린다. 9번째 개인전인 이번 전시에서는 대작 ‘강산무진 2017’을 선보인다. 세로 210cm, 가로 150cm 되는 종이 30장을 이은 45m 길이의 장대한 수묵 진경산수다. 전시에서는 5~6장씩 끊어 총 23장을 선보인다. 드론의 시점을 그림 전체에 적용해 하늘에서 날며 산과 물을 굽어보는 장쾌한 경험을 맛보게 해 준다. 진경 수묵산수의 진면목을 엿볼 수 있다. 간송미술관 탁현규 연구원은 “작품을 따라가다 보면 고성 동해 바다에서 시작한 여정이 통영 남해 바다를 거쳐 경기 과천 관악산 자락까지 이어진다. 이것이야말로 방 안에 있으면서 참경치를 유람한다는 와유진경(臥遊眞景)이 아닌가”라고 평했다.국립현대미술관 ‘올해의 작가상 2017’전국립현대미술관은 ‘올해의 작가상 2017’전을 내년 2월 18일까지 서울관에서 연다. 전시에서는 지난 2월 후원 작가로 선정된 써니킴, 박경근, 백현진, 송상희 작가의 신작이 출품된다. 내재된 기억과 잃어버린 것들에 대한 심리적 영역을 실제 공간으로 불러내는 써니킴의 회화 작품들은 오브제, 영상, 소리와 어우러져 ‘완벽한 이미지’를 위한 하나의 무대가 된다. 가수, 작곡가, 화가, 퍼포먼스 아티스트, 시인, 배우, 감독으로 활동하는 ‘전방위 예술가’ 백현진은 명상공간 ‘실직폐업이혼부채자살 휴게실’을 꾸몄다. 박경근은 로봇 군상의 일률적인 제식 동작을 연출해, 시스템 안에서 집단화되고 소외되는 인간들에 대한 질문을 던진다. 송상희는 종말과 생성의 관계들을 영상과 사진, 드로잉을 통해 엮어냈다. 오는 12월 5일에는 전시작품에 대한 마지막 심사를 거쳐 ‘올해의 작가상 2017’ 최종 수상자가 발표될 예정이다.편완식 미술전문기자

퍼포먼스,회화,오브제가 뒤섞인 사진작업으로 주목을 받고 있는 고상우 작가의 중국 전시가 베이징 798예술특구 ‘아시안아트웩스 베이징’ (AAW Beijing)에서 지난 15일 개막해 11월12일까지 두달간 열린다.사드문제로 2년동안 여러번 연기됐다가 이뤄지는 전시다. 작품성을 높이 평가한 중국미술계인사들이 적극 나서 성사됐다. 최근 한국작가들의 중국전시들이 잇따라 취소되는 상황에서 성사됐다는 점에서 향후 중국당국의 입장변화도 읽혀지는 대목이다.고 작가는 마리아,이브 등 동양남성으로 서양여성을 연기한 자화상으로 이름을 알렸다. 뒤바뀐 색과 빛을 이용해 암실에서 필름을 반전시켜 이미지 전도를 시켰다. 사진의 네거티브한 속서을 이용해 피부를 푸른색으로 전도시키는 컨셉트다. 여성의 욕망,남녀간의 사랑,인종과 사회문제를 주제로 작업하고 있다. 이번 전시에서는 영상작품도 선보이고 있다.고 작가는 미국 시카고 아트인스티튜에서 퍼포먼스와 사진을 전공했다. 대학시절엔 퍼포먼스 소사이어티라는 퍼포먼스 그룹을 이끌기도 했다. 편완식 기자

“나의 그림은 모든 자연과 그 속에 살고 있는 생명체와 인간이 서로 어울리는 공간이다. 그들 모두가 서로의 존재 가치를 인정하고 존중하며 소통하고 사랑하며 살아가는 이상세계다. 그것이 곧 참된 우주질서인 것이다.”제주에서 작업하고 있는 김품창 작가의 ‘어울림의 공간-제주환상’전이 20일부터 내달 29일까지 예술의전당 한가람미술관에서 열린다. 전시에는 제주 사계절의 풍광을 화폭가득 담아낸 작품들이 출품된다.“나는 보고, 또 보고 그 풍경이 비로소 가슴에 녹아내려 몸 구석구석으로 파고들어서 화면에 옮겨 놓고 싶어 못 견뎌질 때 비로소 그 풍경을 나만의 화폭에 초대한다.”그는 2001년 여름 제주로 내려 왔다. 답답한 서울에서의 탈출이었다.“제주라는 새로운 환경은 무척이나 이질적이었고, 생소한 낯설음으로 나에게 다가왔다. 오로지 나의 가족만이 유일한 벗이었다..그러나 시간이 흐르고 계절이 바뀜에 따라 변하는 경이로운 자연현상과 그 속에서 서서히 발견되어 드러나는 작은 생명체들은 신비로움으로 나를 사로잡기 시작했다. 어느시점부터 그들은 나에게 친구로 다가와 말을 건네는 듯 했다.”그는 몇 년의 시간이 흘러 제주는 인간과 자연이 공존 하는 어울림의 공간이란 것을 깨닫게 되었다. 모두가 서로의 존재 가치를 인정하고 존중하며 서로 소통하고 사랑하며 살아가는 이상세계라는 것을 깨달았다.그의 17년의 제주생활은 동화적 판타지가 됐다.“나의 그림에서는 하늘, 땅, 바다의 구별을 두는 것을 중요시 하지 않다. 표현되어 지는 모든 생명체들과 대상 모두가 둘이 아닌 하나로 귀결된다. 인간을 비롯한 모든 생명체들은 서로의 독립된 존재 가치를 가지고 있지만, 나의 그림에서는 서로의 존재 가치를 인정하고 평화와 공존, 사랑과 소통을 이야기한다. 인간 중심적인 사고는 인간의 우월적인 사고에서 나온 것이며, 이는 곧 대 자연의 질서와 순리를 거스르는 잘못된 발상인 것을 깨달았다.”그는 최근 원시 숲 곶자왈에 관심을 가지기 시작했다.“숲속을 찾아가면 끝없는 자유를 느낀다. 서로가 서로를 해하지 않고 자라면 자라는 데로,꺾이면 꺾이는 데로,쓰러지면 쓰러지는 데로 자연의 순리에 순응하며 살아간다.”그는 나무에 눈을 그려 넣기 시작 했다. 그리고 돌에도 숲속에도 눈을 그려 넣는다.“세상에 존재하는 모든 것은 그 나름대로의 가치와 의미가 있다. 그리고 그 가치와 의미를 존중 해 줄 수 있을 때 비로써 모두가 공존하는 것이다.”그는 몇 년전 집근처의 가로수들이 개발이란 명분으로 마구 잘려나간 모습을 보고 충격을 받았다. 말 못하고 움직이지 못 하는 나무, 아무런 저항의 몸짓이 없는 나무라는 이유로 하루아침에 전기톱에 잘려 쓰러져야 한다는 사실에 잔인함을 느꼈다. 그후 나무 등 모든 대상에 절로 눈이 그려졌다. 윈시 애니미즘의 회복이다. 이번 전시에서는 제주의 허파라 불리는 숨골, 곶자왈과 오름 등 바다와 숲, 제주의 사계를 전시장 가득 펼쳐 놓는다. 제주의 가을 바람을 전시장에서 맛보는 기회가 될 것이다. 편완식 기자

다음달 15일까지 서울 성북구 성북동 일대에서는 다양한 전시가 열린다. 성너머집과 성북1가압장 등 무허가이거나 용도 폐기로 방치된 건물들을 개축해 전시공간으로 사용하고 있다. ‘성북건축가그룹’이 나서 전시공간을 꾸몄다. 작가 연대로 새로운 미술 비전을 제시하고 지역 커뮤니티와 새로운 공공미술의 가치들을 만들어내고 있는 협동조합 ‘아트플러그’ 김웅기(53) 이사장도 이 같은 ‘성북예술동’ 프로젝트의 한 축을 담당하고 있다. 지난주 전시 개막으로 분주한 그를 만났다.“제가 여기까지 올 줄은 몰랐습니다.” 그가 던진 첫마디였다. 40대 중반까지 뉴욕에서 정치학도로서 꿈을 키우던 그였기 때문이다.작가들 사이에서 독설가로 유명한 김웅기 이사장. 그는 “작가들에게 최선을 다하는 일이 바로 작품의 좋고 나쁨에 대한 디테일한 입장을 표명해 주는 것”이라며 “면전에서 ‘아름다운 모독’을 하고 뒷전에서는 덕담을 하는 풍토가 절실하다”고 강조했다.“1993년 뉴욕에 유학을 갔는데, 하필이면 학교 가는 길에 소호가 있었고, 매일 오고 가면서 자연스럽게 수많은 갤러리를 들르게 되었습니다. 맨해튼에 거주하는 대부분 지인들이 인문사회과학이나 예술 관련 공부를 하는 학생이거나 예술가여서 미술을 접하는 시간도 늘고 빈도도 늘어난 거죠. 그러다가 미술에 대한 지식이나 경험이 더 쌓이면서 부전공으로 예술사회학을 선택하게 됐습니다.”그는 당시 소호 화랑가나 미술계에 뭔가 비서구 출신인에게 보이지 않는 진입장벽이 있다는 가설을 세우고 조사를 했다. 그 과정에서 미술에 대한 이해가 깊어졌다. 한국 출신 작가들이 왜 뉴욕 주류 미술계에 진입이 안 되는지에 대해서 한국 작가들에게 컨설팅도 하고 답을 내려고 시도도 했다. 아예 2008년쯤엔 대학 교수 자리로의 길을 포기하고 미술에 뛰어들기로 결심하면서 옵시스 인터내셔널이란 미술 컨설팅 회사를 미국에 설립했다. 2011년엔 한국에 들어와 갤러리 ‘옵시스 아트’를 시작했다.“작가를 가장 잘 돕는 길이 그 작가의 작품을 좋아하는 사람에게 좋은 가격으로 팔아서 그 수익으로 작가가 계속 생활하며 작업할 수 있게 하는 것이라고 생각했습니다. 그리고 아무런 실용적 가치가 없는 비싼 작품을 그 가격으로 팔기 위해서는 그 작품의 미학적 가치에 대해서 확신을 가져야 된다고 여겼습니다. 그래서 갤러리는 철저하게 제가 확신할 수 있는 작가들만으로 전시를 운영하는 전속제로 해야 한다고 마음먹었습니다. 공급을 조절하기 위해서는 새로 시작하는 젊은 작가들 중심으로 해야 한다고 결론을 내렸지요. 그리고 그 작가들이 전시 후 새로운 작품을 구상하고 일정 정도 계통을 세워 작업한 결과물을 전시하는 첫 번째 갤러리가 되어야 하니까, 누가 보더라도 저희 갤러리에서 작가의 전시 기록을 챙기면 그 작업 진행 과정과 발전 과정을 확인하게 되는 것입니다. 당연히 작가의 미학적 성취와 정보가 체크 되는 거죠.”결과적으로는 그의 이런 운영방식은 획기적이었지만 국내 미술계 현실에서 보면 너무 이상적인 것이였다.“작가와 작품에 대한 컨센서스가 매우 빈약하고, 미학적 가치와 시장적 가치의 간극이 극단적으로 벌어져 있어서 새로운 시장을 만들지 않으면 갤러리 생존의 길이 보이지 않는 듯했습니다. 국내에 아무런 미술적 연고가 없었고, 작가들도 대부분 뉴욕에서 공부하고 돌아온 젊은 작가라 별다른 기반이 국내에 없어서 수요가 생겨날 수가 없었던 구조였죠. 게다가 자기들 작품에만 관심이 있는 전속작가들이 대부분이라 국가지원사업이나 이런 데도 관심이 없었고, 무지해서 오로지 판매에만 서로 목을 걸고 있었는데 뭐 망하지 않을 수가 없었죠.(웃음)”김 이사장이 주관하고 있는 ‘성너머집’터 주변에 조성된 전시공간 ‘도원’. 예전에 복숭아밭이 많아 이름을 도원으로 붙였다고 한다.   건축사사무소 도시건축집단 성북동하지만 그는 비전이나 방향은 지금도 옳다고 여긴다. 그렇다면 그는 왜 예술협동조합 일에 뛰어들었을까.“갤러리 적자가 누적되어 출구를 찾던 중 지인이 건물을 하나 매입해서 다시 시작하는 게 어떻겠냐는 제안을 해와 옳다구나 하고 갤러리를 접었습니다. 그러던 차에 성북동에 성북문화재단이 예술창작터를 통해 이 지역 미술에 적극 지원하고 있는 환경에 주목하게 됐습니다. 더불어 오뉴월이나 갤러리 버튼 같은 작지만 매우 정열적으로 활동하는 갤러리들이 있어서, 이들과 협력하여 지역 아트신을 창출하면서 갤러리를 운영하면 되겠다 싶어서 성북동에 정착하게 됐습니다. 그러던 차에 성북문화재단 김종휘 대표가 북악산 기슭에 무허가 건물과 유휴 공간이 있는데, 이 시설을 이용하여 새로운 성북동 미술생태계를 조성해보지 않겠냐는 제안을 해왔습니다. 그리고 공공시설을 사용하기 위해서 공적 법인을 설립해야 한다고 해서 협동조합 아트플러그를 지난 2월에 설립하게 되었습니다.”협동조합 아트플러그는 성북 지역을 기반으로 하고 있지만, 미술을 사랑하는 사람들 누구에게나 열려있는 조합이다. 처음에 35명의 조합원으로 총회를 했는데 그중 절반이 시각예술 종사자다. 국악, 작곡, 영화, 무대디자인, 문화예술기관 종사자 등도 대거 참여하고 있다. 성북문화재단 협치 파트너로 성북예술창작터와 더불어 성북예술동 행사를 공동으로 진행하고 있다. 성북문화재단과 공동으로 제1회 제주비엔날레와 제1회 서울도시건축비엔날레에 참여 중이다. “한국에 들어와서 미술계에서 일하면서 가장 놀란 일은 미술 전문가와 미술 애호가 사이의 골이 엄청나게 깊다는 것이었습니다. 비엔날레나 미술관에 전시되는 작품들과 아트페어나 일반 화랑에 전시되는 작품이 너무 다른 종류라 깜짝 놀랐습니다. 담론의 레벨에서는 뉴욕이나 베를린과 별 차이는 없는데, 실제 마켓이나 미술관객이나 컬렉터의 작품에 대한 이해나 선호도가 너무 달랐습니다. 매우 장식적이고 시대착오적인 작품들이 대부분 거래되고 있었고, 서구의 블루칩 작가들에 대한 쏠림이 지나쳤습니다. 서구 미술 시장이나 동향에 대한 정보가 피상적이고 한국 중심적이어서 실제 뉴욕이나 런던, 베를린 같은 미술 헤게모니를 쥐고 있는 도시의 현장에 대해서는 가공할 만한 지적 빈곤과 무지 속에 있는 것처럼 보였습니다. 평론가들이나 아트 딜러들도 매우 제한적이고 편향된 정보와 믿음을 공유하고 있음을 알게 됐습니다.”그는 아트와 협동조합의 좋은 궁합을 모색하고 있다.“아티스트들은 조직이나 단체에 대해서 본능적인 혐오가 있습니다. 조합도 단체니까 좋은 궁합이라고 하기는 어렵습니다. 다만 한국 미술 자체가 공공 기금이나 지원을 통해 연명되고 있는 실정이라 어떻게든 단체나 조합의 그늘 아래서 기금이나 지원을 공동으로 신청하고 기회를 만들어 가는 것이 조금 더 용이하다고 생각합니다. 지난 400여년의 서양 미술의 역사를 통틀어 고립된 미술가가 떠오른 경우는 없습니다. 뛰어난 미술가는 집단 속에서의 은근한 경쟁과 교류 속에서 생겨났습니다.” 그의 뚝심 있는 도전에서 한국 미술의 새로운 미래가 기대된다.편완식 미술전문기자