건축가로 출발한 노일훈(39) 작가는 집을 설계하지 않는다. 대신 자신이 상상하는 구조물들을 실험한다. 그것이 디자인이 되고 작품이 되고 있다.영국의 세계적인 건축학교 AA스쿨을 졸업한 노일훈 작가. 그는 유기적인 실험적 구조체로 차세대 혁신 디자이너로 주목을 받고 있다.“안토니 가우디나 프라이 오토 같은 유기적(자연주의적) 건축가들과 맥을 같이하고 있다. 다만 당시에는 컴퓨팅 설계와 시뮬레이션 환경이 갖춰지지 않아 공학적으로 한계가 있었다. 자하 하디드나 헤어조그 앤 드뫼몽 같은 건축가들에 이르러서야 유기적 운동감을 구현할 수 있게 됐다.”그는 나름의 실험적 디자인 프로세스로 여기서 한걸음 나아가려 한다. 생명체뿐 아니라 번개, 파도, 해안침식, 지구 자기장 등과 같은 자연현상에서 발견되는 패턴들을 첨단소재를 통해 구조화하려고 한다.“탄소섬유와 광섬유 등의 신소재와 중력의 원리를 접목한 작품이 하나의 예라 할 수 있다.”중력에 순응해 늘어진 곡선과 중력을 거스르는 아치가 조화를 이루는 조명설치 작품 ‘파라볼라 파라디소’(Parabola Paradiso 포물선 천국).전시장에 탄소섬유와 광섬유를 꼬아 만든 줄에 비즈가 끼워져 있고 LED빛이 그 속을 관통하고 있다. 중력에 의해 자연스레 늘어진 모습은 고급 샹들리에를 연상시킨다. 중력을 거스르는 아치형 형태로 함께 어우러져 있다. 매듭이라는 뜻을 가진 작품 ‘노두스’는 낯에는 차양과 스크린으로 쓸 수 있고, 저녁에는 조명 스크린으로 활용할 수 있다.“나는 다양한 분야에 관심이 많다. 공예기법, 첨단소재와 제조공법, 자연에 대한 연구가 주된 관심사다. 19세기 산업혁명과 더불어 기계 대량생산 방식에 저항했던 공예운동정신을 계승하기 위해서다. 기술의 한 수단에 불과한 기계가 자연으로부터 탈취한 유기적 형태를 회복하기 위해서다. 미래지향적 건축과 디자인을 위해 기계문명이 자연으로 탈취한 자연의 고유한 생명력을 되찾아야 한다.”그가 첨단과 병행해 전통적 수공방식을 붙잡고 있는 이유다.하나의 면을 잡아당겨 제작한 테이블과 스탠드도 눈길을 끌고 있다. 극소곡면체를 디자인에 응용한 작품이다.“해양생물 방산충이 구멍을 통해 매우 효율적인 구조를 만든다는 것에서 착안을 했다. 이런 구멍을 통해서 구조체를 만드는 것을 천으로 재현하면서 완성에 이르게 됐다.”거미줄이 엉겨 있는 것처럼 탄소섬유로 만들어진 선들이 서로 엉겨 있는 모습의 벤치도 이채롭다.“사실 이런 구조물들은 컴퓨터로 계산해내거나 생성하기가 거의 불가능하다. 게다가 탄소섬유를 사용해 현존하는 3D프린터로도 제작이 안 된다. 이 프로젝트의 목적 중 하나는 컴퓨터기술을 사용하지 못해 꼭 수공으로 만들어야만 하는 디자인을 하려는 나의 의도도 있다.”세계 미술계나 디자인계가 그를 주목하는 이유다.중학교 1학년 때 가족과 함께 건너간 영국에서 성장한 그는 2011년 디자이너 명장들의 작품을 소개하는 런던 아람갤러리 초대를 받으면서 세계에 이름을 알렸다. 프랑스 파리의 세계적인 현대미술관인 퐁피두센터는 그의 작품 활동을 2년간 지켜본 끝에 지난달 초기작 ‘라미 벤치’(Rami Bench·2013)를 소장했다. 퐁피두센터에 작품이 소장된 한국 작가는 백남준과 이우환(81) 정도다. 오는 9월17일까지 서울 강남구 논현동 플랫폼엘 컨템포러리아트센터에서 그의 개인전이 열린다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

담벼락에 마이크를 든 쥐를 그렸다. 프랑크 시나트라의 명곡 ‘마이 웨이’를 열창하고 있는 듯한 모습이다. 그림이 그려진 담벼락은 잘려 나가, 런던의 그 유명한 사치 갤러리에서 경매에 부쳐져 팔려나갔다. ‘거리의 피카소’라 불리는 뱅크시(Banksy·43)의 작품이다. 뱅크시는 작품을 벽에서 떼어내는 데 협조하며 마지막 수정까지 가한 것으로 알려졌다. 그러면서도 그는 “미술시장의 시스템이 마음에 들지 않는다”며 “오늘날 예술작품의 가치는 백만장자가 그것을 좋아하느냐 아니냐에 달려 있다”고 꼬집었다.뱅크시의 작품 중 가장 인기가 많은 ‘풍선을 든 소녀’.어찌됐건 그의 그림이 그려진 일부 건물은 가격이 폭등했다. 심지어 아트투어 대상이기도 하다. 뱅크시는 판화를 찍어 상업성을 추구하기도 한다. 하지만 상업성과 예술의 관계를 명확히 했다. 그는 “살기 위해 음식을 섭취하는데 음식을 먹기 위해서는 반드시 두 손이 필요하다. 그렇다고 두 손까지 먹지는 말자”며 최소한의 작가정신 견지를 보루로 지키고 있다.브래드 피트와 앤젤리나 졸리, 크리스티나 아길레라 등의 열혈 팬이 있는 뱅크시의 작품세계를 엿볼 수 있는 전시가 국내에서 열린다. 오는 9월10일까지 서울 인사동 아라아트센터에서 열리는 전시에는 뱅크시의 담벼락 그림 캔버스판화 100여점과 그의 작품을 사진으로 담아 온 마틴 불의 사진작품 50여점이 출품됐다.영국 남서부 브리스틀 출신인 뱅크시는 늘 가면을 쓰고 나타난다. 이름도 실명이 아니다. 지난 25년간 경찰의 눈을 피해 런던이나 브라이턴, 브리스틀 등 건물 담벼락이나 도시 건물벽, 지하도에 순식간에 그림을 그리고는 도망치곤 했다. 건물에 낙서를 하거나 그림을 그리는 것은 엄연히 불법이기 때문이다. 법망을 피하기 위해 ‘얼굴 없는 화가’를 자처하고 있는 것이다. 그의 담벼락 그림이 억대를 호가하면서 ‘낙서 화가’인 장 미셸 바스키아와 종종 비교되기도 한다.가장 사랑받는 뱅크시의 작품은 ‘풍선을 든 소녀’다. 소녀가 빨간색 하트 모양의 풍선을 잡으려 하는 것인지, 아니면 놓으려 하는 것인지 해석이 분분하다. 작가는 책에서 “떠나야 할 때는 호들갑을 떨지 말고 그저 조용히 떠나라”는 메시지가 있다고 밝히기도 했다. 뱅크시가 외동아들이었지만 한 번도 어머니의 사랑을 독차지한 적이 없는 어린 시절의 정서를 반영한 것이란 얘기도 있다.런던 경찰들이 서로 키스하는 그림, 저개발국가의 저임금 노동 착취 상품 소비를 고발하려는 듯 영국 국기를 재봉질하는 어린 소년의 모습, 두 남녀가 포옹하면서도 서로 자신의 스마트폰을 들여다보고 있는 그림 등은 공권력과 사회풍자가 근저에 깔려 있다. 몰래 작업하는 것이 섹스나 마약보다 훨씬 더 흥분된다는 그는 영국을 넘어 호주와 미국, 이스라엘 팔레스타인 분쟁지역까지 파고들어 작업을 하고 있다.편완식 미술전문기자

옹기장 김일만의 작품. 한국문화재재단 제공우리 민족이 음식을 저장할 때 사용한 ‘옹기’를 조명하는 전시가 열린다. 한국문화재재단은 ‘오늘의 옹기’전을 오는 21일부터 8월22일까지 서울 강남구 국가무형문화재전수회관에서 개최한다고 18일 밝혔다. 이번 전시에는 국가무형문화재 제96호 옹기장 보유자인 김일만, 정윤석을 비롯해 시도무형문화재 보유자, 도예가가 만든 작품 60여 점이 나온다. 전통적인 형식을 따른 옹기부터 현대적으로 재해석한 옹기까지 다양한 작품을 감상할 수 있다.전시가 개막하는 21일에는 ‘작가와의 대화’ 프로그램이 진행되고, 27∼29일에는어린이를 위한 체험 행사가 운영된다.정연택 명지전문대 명예교수는 “옹기는 청자나 백자와 달리 누구나 쓰는 그릇이었다”면서 “이번 전시를 통해 옹기가 전통의 영역에서 벗어나 현대적 예술품으로 인정받길 기대한다”고 말했다.권구성 기자 ks@segye.com

자신이 주인공처럼 즐기고 셀프카메라를 찍을 수 있는 전시에 관람객이 몰려들고 있다. 수다를 떨어도 주최 측은 뭐라 하지 않는다. 자신만의 자유로운 감성을 나름대로 풀어놓을 수 있는 해방구로 삼기에 제격이다. 친구들과 소셜네트워크서비스(SNS)를 통한 소통의 소재로 삼으면서 또래의 문화코드로 자리하고 있다. 특히 전시회 주 고객인 10대 후반에서 20대 초반 여성들이 줄을 서고 있다.최요한(46) 전시감독이 이런 바람을 선도하고 있다. 2013년 누구도 반기지 않았던 ‘마이클라우 아트토이 전’을 성공시키면서 미술계에 그의 이름을 각인시켰다. 전시장에선 힙합노래가 흘러나왔고 관객은 몸을 흔들며 흥에 취했다. 게다가 당시 국내에서 오타쿠 정도로 치부되던 아트토이에 대한 인식을 ‘예술’로 격상시켰다는 평가를 받았다. 이에 앞서 2011~2012년에는 패션사진 작가로만 알려져 있던 데이비드 라샤펠 작품을 예술의전당에 걸어 그의 존재를 새롭게 알렸다. 주목을 받았던 2014~2015년 ‘오드리 헵번 전’과 2016년 거리예술가 ‘미스터 브레인워시전’도 그가 기획했다.미술관과 갤러리는 배움의 공간이 아니라 상상의 공간이라는 최요한 감독. 그는 “예술은 아는 만큼 보이는 것이 아니고 상상하는 만큼 보인다”고 말한다. 남정탁 기자요즘 그는 또 다른 일을 벌이고 있다. 그는 누적관객 48만명에 고정 팬만도 10만명을 몰고다닌다. 이처럼 스타 아트디렉터로 알려지면서 벌써부터 주위의 관심을 불러일으키고 있다. 오는 9월 부산 웹툰글로벌센터에서 열리는 허영만-윤태호 만화전은 ‘만화일기와 미생의 이야기’를 그만의 방식으로 풀어내고자 한다. 비슷한 시기에 아프리카동물그림으로 유명한 팅가팅가 작품을 소재로 사파리 콘셉트의 전시를 갤러리 포레에서 펼칠 계획이다.“해외 유명 큐레이터와 작가들을 만나면서 배운 것이 있다. 예술 전시를 너무 교육적으로 바라보지 말라는 것이다. 무언가를 가르쳐야 한다는 강박관념에 사로잡히지 말라는 얘기다. 작품이 전시장에 내걸리는 순간 모든 것은 관람객의 몫이기 때문이다. 그래야 작품을 바라보는 시각이 자유로워지고 넓어진다. 뉴욕현대미술관과 일부 국내 미술관 전시에서 DJ를 불러 관객과 춤추고 노는 것도 같은 맥락이라 할 수 있다.”그는 관람객의 시각에서 자신의 콘셉트를 구성해 간다. 오드리 헵번 전시가 대표적 사례다. “그동안 오드리 헵번 전시는 누가 사진을 찍었느냐에 초점을 맞춘 사진작가가 부각되는 전시였다. 나는 전시를 통해 오드리 헵번의 삶을 보여주고 싶었다. 패셔너블하지만 너무 한국 엄마 같은 모습에 관람객은 가슴을 열었다.”그는 영화나 무용처럼 감독과 안무가의 이름을 보고 선택하는 스타 전시감독을 꿈꾸고 있다. 이미 그는 팬을 몰고다니는 전시감독이다. 철저히 타깃에 맞춘 준비가 밑바탕이 되고 있다.“아프리카 전시는 어린이와 학부모들의 설문조사를 통해 방향을 정했다. 초원의 무대에 아이들은 상상력을 풀어놓고 어른들은 상상력을 도발해 보는 데 주안점을 둘 것이다.”그는 아이들을 위해 제대로 전시를 마련하면 저절로 성인들에게도 ‘어른 동화’가 된다는 확신을 가지고 있다.“하나의 관점만 제대로 파면 모든 연령층에서 공감을 받게 된다. 파급효과가 전시성공으로 이어지는 지름길이다.”사실 그는 미술 쪽과는 거리가 먼 사람이었다. 대학에서 사회체육을 전공한 그는 군제대 후 공연장 알바를 한 것이 계기가 됐다. 문화마인드가 생기면서 기업 문화프로모션 중심의 광고대행사까지 차렸다. 한국관광공사와 함께 아시아매체를 대상으로 한류문화프로젝트를 진행하기도 했다. 비보이 공연과 넌버벌 축제를 열고 홍보영상을 만들었다. 스타마케팅에 눈을 뜨는 계기가 됐다. 그 즈음 가나아트 이정용 대표로부터 데이비드 라샤펠을 소개받고 미술기획을 권유받았다. 아르바이트생에서 대형 전시를 잇달아 성공시키는 미술계 마이다스의 손으로 변모했다.“가장 어려운 시기에 미술전시가 숙명처럼 다가왔다. 공연제작사에 투자한 것이 물거품이 되면서 실의에 빠져있던 시기에 전시얘기가 오갔던 데이비드 라샤펠로부터 연락이 왔다. 회사는 파산하고 모든 것이 절망적인 상황이었다.”그는 회사가 파산해 안타깝지만 전시를 할 수 없다는 말을 라샤펠에게 전했다. 뜻밖의 답이 돌아왔다.“라샤펠이 ‘너는 망하지 않았다. 회사가 망했을 뿐이지 너는 살아 있는 게 아니냐’며 격려하고 기회를 줬다. 전시는 성공으로 이어져 재기의 발판이 됐다.”결국 라샤펠이 그를 믿고 전시계약을 해 준 것이다. 늘 그는 ‘세상에 이런 전시가 있나’ 할 정도의 색다르고 충격적인 기획을 추구하고 있다.“전시는 다름에 대해 느껴보고 의식 확장의 공간으로 역할을 해야 한다. 그냥 보고 느끼라는 식은 곤란하다. 관객에게 서비스를 한다는 정신으로 기획을 끌고가야 한다.”그는 국내의 열악한 기획여건을 더 이상 방치하면 안 된다고 강조했다. 양질의 문화콘텐츠 현장이 고사되기 때문이다.“국내 미술관들은 쥐꼬리 예산으로 볼 만한 기획전을 마련하기 어려운 실정이다. 게다가 기획사들의 대형 전시마저도 돈벌이로만 취급돼 기업 등이 후원을 잘 안 하고 있다. 문화산업이 발전하기 위해선 기업 등의 기부문화가 활성화되도록 조세정책을 펴야 한다. 전시 기획을 단순히 흥행사업으로 보는 것은 문제다. 전시를 통해 다양한 문화를 향유할 수 있고, 질 높은 문화콘텐츠 생산이 가능해진다.”그는 그동안 거친 공연계와 광고업계 일을 통해서 많은 이들을 알게 됐다. 외국에서 열린 파티에서 만난 작가들도 많다. 국내 웬만한 연예인은 그의 친구다.“전시 때 연예인 친구들의 입소문이 큰 도움이 되고 있다. 요즘 연예인은 현대판 사대부라 할 수 있다. 점차 가치 소통의 중심부 역할을 해 가는 것 같다.”그는 대형전시 아트 디렉터로 활동하며 가장 아쉬웠던 점을 거듭 강조했다. 다름 아닌 국내의 기부문화 부재다. 뉴욕현대미술관의 경우 연간 수천억원의 후원이 이뤄져 작품구입이나 기획이 자유로운 점을 눈여겨봐야 한다는 것이다.“전시 진행에는 많은 제작비가 소요된다. 우리나라 정부나 기업은 ‘지원은 하되 간섭하지 않는다’는 ‘팔 길이 원칙’을 무시하고 적게 지원하면서 많은 간섭을 하려고 한다. 좋은 기획전시가 나올 수 없는 분위기다.”그는 기획자가 수익에만 매달리다 보면 부실한 콘텐츠를 뻥튀기하는 데 몰두하는 모순에 빠지게 된다고 지적했다.“나 같은 전시에 미친 놈들이 나가 떨어지기 전에 문화풍토가 개선됐으면 한다. 온 국민에게 찌릿한 감동을 주는 전시를 만드는 것이 마지막 꿈이다.”그의 눈빛이 빛났다. 색소폰연주자인 아버지와 대중가요 가수인 어머니 사이에서 태어난 DNA의 색다른 변주가 기대된다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

"반려동물과 함께 한다는 것은 닫혀진 인간의 반쪽 영혼을 온전히 열리게 해준다는 말이 있다. 그 만큼 모든 생명에 대한 경외와 소중함을 알게 해주기 때문이다. "반려동물 1000만 가구시대에 우리는 살고 있다. 반려견의 예절교육을 위해 유치원에 보내고,오래 살라고 철학관에서 이름까지 지어준다고 한다. 수의까지 입혀 장례를 치러주고 조문까지 하는 일은 이제 새로울것이 없다. 박형진 작가는 반려견과 함께하는 소소한 일상을 달콤한 꿈처럼 천진난만한 상상력으로 그려낸다. 상큼하고 앙징맞아 삶에 위로와 웃음을 선사한다. 피로감 높은 무한경쟁 사회에서 계산된 인간관계에 피폐해진 이들을 위로해주기에 충분하다. 반려동물은 굴곡심한 감정교류와 왜곡되고 피곤한 소통으로부터 자유롭다. 언어적 문자적 소통으로부터 벗어나 있기 때문이다. 오히려 생명의 언어로 영혼을 교류케 해준다.박 작가는 한때 과수원에서 온 식구들과 함께 살면서 작업을 했다. 과수원에서 자라는 나무의 어린 싹과 풀잎들, 함께 사는 개와 고양이, 그리고 어린이를 소재로 그림을 그렸다. 지금은 과수원은 아니지만 서울근교 양평에서 자연과 사람과 반려동물의 어우러짐을 그리고 있다.그림속 중간톤의 윤곽선은 만화나 삽화이미지를 연상시키면서 단순하고 감각적인 화면이 팬시적 느낌을 준다. 이야기를 보다 담백하게 전달하기 위해서다. 반려동물과 주변의 식물들을 사랑스럽게 보살피고 친밀한 관계를 도모하고 있는 삶을 형상화 하고 있는 것이다. 모상애적 모습이다. 생명의 진정한 면모는 모성이란 사실도 일깨워 주고 있는 모습이다.“현대사회가 복잡할수록 단순함이 요구되고 있다. 사실 현대미술은 사회적 메시지나 혹은 거대담론을 제시하고 그것을 이해시키려는 경향이 많다. 그러다보니 거대담론 제시는 예술가의 사회적 책무처럼 여겨지고 있다. 당연히 예술가도 사회의 구성원인 이상 사회에 적극 참여할 의무와 책무가 있는 것은 분명하다. 그러나 현대사회가 개인의 자유를 보장하는 것처럼 모든 예술가가 거대담론을 제시해야 하는 것은 분명 아니다.”박 작가는 자신의 개인적이면서도 주변에서 펼쳐진 혹은 경험했던 소소한 일상을 깔끔하게 감상자들에게 제시하고 있다. 7월 5일까지 노화랑. 편완식 기자

“달아나는 호감의 대상을 기꺼이 쫓아가듯이, 우리는 청색을 그렇게 바라본다. 그것은 청색이 우리 쪽으로 밀려오는 것이 아니라 우리를 자기 쪽으로 끌어당기기 때문이다.”괴테는 파란색에 대해 “눈에 무어라 말하기 어려운 특별한 영향을 미치는데, 그것은 하나의 에너지”라고 정의했다.전위예술가 이브 클랭 또한 본인의 이름을 붙여 인터내셔널클랭블루(IKB)라는 색을 만들었다. 그도 청색을 범우주적인 에너지를 지닌 색이라 믿었기 때문이다.작가 김유림에게 블루는 항상 영감을 주는 색이자 에너지를 건네는 힘의 원천이다. 파란색을 긍정적인 고독감과 연결시켜 아름다움과의 상관관계를 시각적으로 표현하는 그의 세 번째 개인전이 ‘블루와 고독, 고독과 미(美)의 상관관계’라는 주제를 내걸고, 서울 종로구 인사동 가나아트스페이스에서 10일까지 열린다.김유림은 첫 번째 개인전에서 고향 제주의 푸른 바다빛깔에 자신이 경험한 외로움을 승화시켜 푸른 숲 속 환상을 보여준 바 있고, 두 번째 개인전에서는 그녀만의 특별한 블루를 통해, 관람객들을 2013년의 유럽 풍경 속으로 데려간 적이 있다.파란색은 아이러니한 색이다. 우울과 외로움을 나타내기도 하지만 희망을 상징하기도 하고, 차가운 느낌을 안기지만, 바라보고 있으면 심신이 편안해지는 따뜻함을 지녔다. 상실감을 느낄 때 찾게 되는데, 정작 마주하면 마음 한 켠에서부터 무언가 채워지는 치유의 기능도 한다.작가는 항상 파란색이 주는 에너지에 관해서, 자연 혹은 여행지의 공간을 빌어 이야기한다. 파란색을 긍정적인 고독감과 연결시켜, 그것과 아름다움의 상관관계에 대해 고찰한다. 혼자 떠난 여행에서 긍정적 고독감을 포집하곤 하지만 여의치 않을 땐 영화 속 아이슬란드의 풍경에서 이미지를 가져오기도 한다. 그의 작품 속 곧게 뻗은 ‘도로’와 ‘오로라’가 그들이다.김유림은 그림을 통해 꾸준히 ‘내가 고독할 수 있는 방법’을 찾고 있다.블루와 고독은 닮은 점이 있다. 파란색에는 우울과 희망의 양면성이 있고, 고독은 외로움 뒤로, 진지하게를 나를 돌아보며 그 내면에서 끌어 올릴 수 있는 에너지를 품고 있다. x축이 증가하면 y축도 증가하는 비례함수처럼 블루가 커지면 고독감도 커지고, 그 증폭된 에너지가 마침내 아름다운 작품을 빚어내고야마는 그런 상관관계다. 영감을 떠올리면서부터 이미지를 완성시키기기까지 완전한 고독 속에서 오늘도 작가는, 자신을 위로한다.해질녘 낮과 밤의 경계가 모호해지는 시간을 프랑스에선 ‘개와 늑대의 시간’이라 한다. 영어의 ‘매직 아우어’다. 작가는 그 시간에 파랗게 변하는 하늘을 하나의 거대한 파란 구멍이라 생각했다. 한 없이 빨려 들어갈 듯 시선을 빼앗기고 마는, 마치 블랙홀 같은 그 색채에 매료되었던 순간들을 작품 ‘블루 홀’ 시리즈로 재현시켰다. 김유림은 이 연작들을 통해 청춘의 한 때를 머물던 유럽으로 함께 추억여행을 떠나자고 제안한다.‘Nowhere Blue’ 시리즈와 ‘거리의 고독’ 등의 작품에는 과거에 내가 존재했던 공간이지만 지금은 없어졌다거나 내가 다시 돌아갈 수 없는 공간들에 대한 그리움을 듬뿍 담았다. 기억은 있는데 더 이상 그 곳에 없는 나에 대한 이미지들을 찬찬히 들려준다.파란색은 김유림의 주제를 명징하게 표현해주는 적절한 색이다. 그 중에서도 코발트블루가 으뜸이다. 코발트블루가 건네는 느낌은 텁텁하고 따뜻하며 진중하다. 울트라마린블루의 차가움과 투명감으로는 부족하다. 외로움의 감정은 감각적으로는 차갑다고 할 수 있지만 투명한 느낌과는 어울리지 않는다.전시장 한 쪽 수줍게 놓여 있는 작가의 작업노트를 열어봤다.“내가 느끼는 외로움과 불안함의 감정이 파란색을 통해 표현되고 ··· 어떤 낯 선 느낌을 받는다. 인상파의 그늘에는 파란색이 들어가서 무언가 신비로운 느낌을 건넨다. 하지만 나는 단순히 눈으로 지각할 수 있는 세계의 변하는 외현을 그리려는 게 아니다. 내 그림 ‘숲’은 그 이미지 재현도 아니고 자연 그대로 보이는 색의 재현도 아니다. 아주 꽉 들어찬 에너지가 느껴지는 수풀의 무성한 이미지는 내 안에 있는 감정들의 힘으로 다시 생겨나고 비로소 코발트블루를 통해 완성된다.”김신성 기자 sskim65@segye.com

2017 서울도시건축비엔날레 주제강연의 강사진. 왼쪽부터 <신제조업 워크숍의 실험과 시도>의 황지은 교수와 <극영화를 통해 읽는 도시들의 공유문화>의 최원준 교수 도시건축 주제로 한 국내 첫 비엔날레, ‘서울비엔날레’ 9월 개막시민과 함께 ‘공유도시’에 대해 고민하는 담론의 장이 펼쳐진다.서울도시건축비엔날레사무국은 오는 9월 개막하는 ‘2017 서울도시건축비엔날레(이하 서울비엔날레)’의 사전행사로 시민 참여형 무료강좌를 진행한다.서울비엔날레 무료강좌는 행사 개막 전 이번 행사의 주요 키워드인 ‘공유도시’에 대한 관심과 이해도를 높여 많은 이들이 서울비엔날레를 제대로 즐기도록 마련된 사전행사이다. 서울도시건축비엔날레사무국은 지난 4월부터 동대문디자인플라자(DDP)에서 시민 대상 무료강좌를 진행 중이다.강좌는 일반 시민에게 생소하게 느껴질 수 있는 도시·건축에 대한 기초 교양을 쌓는‘교양강좌’와 서울비엔날레에서 다뤄질 주제들을 미리 만나보는 ‘주제강연’으로 진행된다.교양강좌는 ▲놀이터 디자인 사례를 통해 아이와 어른의 공동체를 살펴보는 <놀이터로 행복한 마을(7월 6일)-이영범 교수> ▲사회적 자본을 통해 도시의 공공성을 만든 사례를 살펴보고 더 나은 도시의 모습을 상상해보는 <도시의 사회적 자본에 관해(8월17일)-박은선 디렉터> 등 ‘사회 자본’, ‘공동의 부’, ‘지역공동체’라는 세 가지 주제를 바탕으로 시민들과 함께 이야기를 나누는 자리가 마련된다.주제강연은 ▲서울비엔날레의 현장프로젝트인 식량도시의 기획 배경을 소개하는 <식량도시 기획에 관하여(7월 19일)-이혜원 교수> ▲생산도시 현장에서의 새로운 기술 수요에 주목해보는 <신제조업 워크숍의 실험과 시도(8월 2일)-황지은 교수> ▲영화를 통해 뉴욕, 파리 등 세계 도시의 독특한 역사와 공유문화를 알아보는 <극영화를 통해 읽는 도시들의 공유문화(8월 16일)-최원준 교수> 등 서울비엔날레의 세부 프로그램을 간접적으로 체험할 수 있는 시간이다.시민대상 무료강좌는 DDP 디자인나눔관(살림터 3층)에서 진행되며, 사전예약은 네이버 예약에서 할 수 있다. 현장 신청도 가능하다. 지차수 선임기자 chasoo@segye.com

전병현(61·사진) 작가는 흰색을 그린다. 더 정확히 말하면 흰색을 이용해 음영을 만들어 간다. 한지에 흡수된 색들의 순수가 그대로 얼굴을 내밀게 해주는 것이 흰색이다.“흰색에 대한 관심은 유학자 집안이라는 점이 크게 작용했다. 조선의 마지막 유학자라 일컬어지는 간재 전우 선생의 후손으로서 어쩌면 자연스러운 현상일지도 모른다. 흰색은 조선 선비들이 심상의 세계로 들어가는 색으로 숭상했다. 성리학자 중에는 글자를 새기지 않은 하얀 비석을 묘비로 쓸 만큼 흰색을 중히 여겼다.”사실 간재는 조선 성리학을 순수철학의 경지로 끌어올려, 지금도 성균관 등에서 그의 연구가 진행될 만큼 학문이 깊은 인물이다.“지난 20여년을 ‘오로지 색으로 남고 싶다’는 말로 스스로를 채찍질해 왔다. 간재 선생이 성리학으로 그것을 추구했다면 나는 그림으로 그것을 추구하고 있는 셈이다.”오로지 색으로 남고 싶다는 전병현 작가는 오방색으로 불교의 정신세계를, 흰색으로 유교의 심상세계를 형상화하고 있다. 맑고 담백한 모습에서는 그리스도의 순결정신도 어른거린다. 왼쪽은 전병현 작가의 신작 ‘Appear-Blossom’.조선말 간재는 일본인이 이 땅에 있는 한 육지를 밟지 않겠다며 지금의 부안 계화도로 제자를 이끌고 들어가 평생 후학 양성과 항일운동을 이끌었다. 간재가 작고하자 부안 일대의 일인접대상이 모자랄 만큼 많은 학자들이 모여들었을 정도다. 당시 장례 때는 일인 일상을 받는 예법이 있었다. 조선말 초상화가의 거장 석지 채용신은 자주 계화도에 들어가 간재 전우의 초상을 여러 장 남겼다. 후손인 전 작가가 소장하고 있는 간재 초상화도 채용신이 그린 것이다. 국립중앙박물관, 리움 소장품과 더불어 걸작으로 꼽히고 있다.“내가 요즘도 계속해서 인물화에 대한 연구를 하는 이유다. 한국초상화의 맥을 잇고 싶어서다.”근래 그는 지인들의 눈감은 표정을 그린 전시로 화제를 모았다. 전시제목처럼 ‘눈감으면 보이는 것들’, 다시 말해 형상 이면의 정신세계를 터치하고자 했다. 대중에게 많이 알려진 그의 그림은 흰 달항아리에 꽂힌 매화그림이다. 한지 죽을 이용해 입체감 있는 부조처럼 만들고 그 위에 색을 칠했다. 물론 흰색이 화면 전체를 조율하고 있다.“한때는 흰색의 아우라를 위해 석회석 하얀 가루를 가지고 벽화기법으로 그림을 그리기도 했다. 나중엔 순백의 아름다운 유백색을 얻기 위해 하얀 대리석 가루도 이용했다.”그가 오는 7월16일까지 서울 종로구 평창동 가나아트센터에서 열리는 개인전에서는 또 다른 작품을 선보이고 있다. 한지에 그림을 그리고, 다시 그 위에 한지를 붙여 그림을 그리는 방식의 작품이다. 보통 여섯번을 반복한다. 여섯겹의 그림은 마지막으로 찢어발겨진다. 스며든 속살들이 드러나게 하는 것이다. 찢긴 한지는 나풀거리며 입체감을 만들며 꽃과 사람이 되고 풍경이 되고 추상이 된다.“물론 흰색이 전체 화면을 아우르고 있다. 흰색의 순결성은 그렇게 해서 드러나는 것이다.”여전히 그는 흰색을 그리고 있는 것이다. 아마도 그리스도를 상징하는 하얀 세마포의 순결, 고귀함 같은 영혼의 색이다.그는 프랑스 유학 중에 만난 이응로 화백에게서 많은 영향을 받았다. 한지 위에 수묵으로 그린 군상시리즈를 보고 한지작업을 시작했다. 그때 서예도 익혔다.“세계적인 작가 슐라주와 트웜블리와도 친분이 있었던 이응로 선생은 그들이 동양의 서예나 도자기 등의 이미지와 철학적 사고를 차용하는 것을 보고 처음에는 적잖이 놀라셨다고 했다. 문자추상도는 당시 선생의 치열한 고민의 흔적을 가늠해 볼 수 있는 작품이다. 당시 나도 슐라주가 동양의 서예를 보고 선을 추상화시켰고 또 다른 추상 작가 중 한 사람인 켈리가 한국문화를 차용한 것을 접하곤 여간 놀란 게 아니었다.”그는 그제야 한지작업이 자신에게 맞는 옷이란 것을 알게 됐다. ‘흰옷’ 여정이 그렇게 탄생됐다. 스며든 색들이 흰색을 길라잡이 삼아 배어나오고 있다. 영혼의 추출물이 그림으로 변하는 풍경이다.편완식 미술전문기자

조각·유리·설치·미디어아트·회화가 어우러진 ‘조형 아트서울 2017’이 28일부터 7월2일까지 서울 코엑스에서 열린다. 지난해 처음 문을 연 국내 첫 조형 미술품 중심 전문 아트페어다. 대형 조각품들이 곳곳에 들어서 웅장하고 입체적인 볼거리도 손색이 없다.김성복의 ‘바람이 불어도 가야 한다’.지난해 특화된 아트페어로 주목을 받으면서 올해는 참여화랑이 늘었다. 국내외 50여개 화랑과 작가들이 참여해 2000여점의 작품을 선보인다. 작품 가격은 점당 10만원에서 수천만원까지 다양하다. 실내 인테리어용 조형물을 보고 고르는 좋은 기회이기도 하다.올해는 대형 조각 특별전도 마련했다. 야외에서만 볼 수 있었던 대형 조형물을 전시장 안에 전시해 웅장함을 선사하게 된다. 김근배, 김병규, 김성복, 김원근, 노준진, 오동훈, 이성옥, 이학주, 전용환, 정유진, 정의지 작가의 거대한 작품을 만나볼 수 있다.성동훈의 ‘소리나무’.‘돈키호테 작가’로 불리는 성동훈은 단독 특별전으로 참여한다. ‘진정성을 위하여’를 주제로 그동안 미술관에서 선보였던 돈키호테 시리즈와 ‘소리나무’ 등 20여점을 선보인다. 문명사회와 인간상에 대한 풍자와 해학의 언어를 형상화한 작품으로 예술과 예술가의 가치에 대한 진지한 성찰을 살펴볼 수 있다.주제별로 구성된 10여개의 특별전이 마련된다. 서울과 도쿄를 격년제로 오가며 전시하는 순수 국제 조각그룹과 잠실 창작 스튜디오 입주예술가(8명)의 작품전, 미디어 아트작가 5인(노동식·위재환·배기열·정선휘·홍성대)의 전시를 동시에 펼친다.도자회화로 인기를 끌고 있는 오만철 작가와 부조회화를 선보이고 있는 김연식 작가, 한지부조 함섭 작가, 두터운 마티에르로 기운생동하는 형상을 선보이고 있는 김가범 작가, 유리조형의 고성희 작가 등의 작품도 눈길을 끈다. 이색적인 외국유리조각특별전도 마련된다.편완식 미술전문기자

눈물은 우리에게 어떤 색깔로 자리해야 할까. 최근 갤러리 도스에서 ‘삶,그 흔적’을 주제로 전시를 연 김화언 작가의 작품은 눈물의 의미를 형상화 해 주목을 받았다. 불치병으로 25살의 짧은 생을 마감한 키토아야의 투병일기 ‘1리터의 눈물’을 떠올리게 해주는 전시였다.15살 소녀 아야는 등굣길에 무릎에 힘이 풀려 그대로 엎어져 버린다. 병원에서 불치병 진단을 받고 소녀는 이렇게 일기에 썼다. “이 병은 왜 나를 택했을까? 운명이라는 한마디 말로는 받아들일 수 없다.”흔적 1707흔적 1701거부하고 싶은 현실에 소녀는 눈물 속에 시간을 보낸다. 하지만 다른 장애인 친구들을 만나고 자신을 위해 헌신하는 가족과 친구를 보면서 소중한 이들에게 약한 모습을 보일 수 없다며 하루하루 최선을 다해 살기로 마음먹는다. 이제 아야는 현실을 받아들이고 병에 걸린 운명을 탓하면서 시간을 보내기보다는 ‘불편한 몸이지만 무엇을 할 수 있을까?’, ‘어떻게 하면 좀 더 행복해질까?’를 끊임없이 질문하며 답을 찾기 시작한다. 그리고 일기장을 희망과 행복으로 채워 나간다.“넘어지면 어때 / 다시 일어나면 되잖아 / 넘어진 김에 누워서 하늘을 바라보렴 /푸른하늘이 오늘도 저 위에 끝없이 펼쳐져 / 미소 짓고 있는 게 보이지 않니 / 너는 살아 있단다.”김화언 작가에게도 눈물은 삶의 소중한 결정체다. 잔잔한 일상의 반복과 치열한 허우적거림. 그 속에서의 작은 떨림과 소중한 순간들의 기억들.그리고 그 흔적들을 눈물로 표출됐다. 자신도 모르게 왈칵 쏟아지는 눈물이다.흔적 1702흔적 1702_detail“발바닥부터 물이 차오르는 꿈을 꾸다가 일어나는 악몽을 꾸던 때가 있었다. 이제 더는 악몽을 꾸지는 않지만 두려움과 안타까움, 슬픔과 탄식이 우리를 지배했던 시간은 잊을 수가 없다. 그즈음에 사랑하고 존경하는 분을 떠나보내고 나서는 그저 슬픔과 우울함이라는 감정이 나를 지배하도록 내버려 두었던 것 같다. 햇빛이 너무 좋아도, 라디오에서 흘러나오는 노래가 너무 좋아도 눈물이 났다. 마음에 떠오르는 기억 하나하나가 눈물이 되었고, 기억할 수 없는 것들은 후회가 되어 눈물이 났다. 이제는 모두 기억 저편으로 사라져가지만, 그때 그 감정들은 가슴 속에 맺혀 흔적을 남긴다. ”그래서 누군가는 눈물은 삶의 보석이라 하지 않았던가. “작업하는 시간은 일상을 되새김질하는 시간이다. 작은 기억들을 하나하나 되짚어가면서 삶의 궤적을 쫓는다. 그것들은 잡다한 사물들의 모습으로, 혹은 누군가의 얼굴로 그려졌다가 무수히 반복되는 흔적들로 자리 잡았다. 나도 모르게 눈가에 이슬이 맺혔다.”blue waterdrop 1602흔적 1708_detail선화 예중고 출신인 김화언 작가는 성신여대 서양화과와 서강대 철학과를 졸업했다. 현재 건국대 텍스타일디자인과 박사과정에 재학중에 있다. 유화와 섬유,인문학을 버무린 작업으로 눈길을 끌고 있다.“나의 물방울작품은 보석같은 삶의 눈물방울이라 할 수 있다.” 그가 긍극적으로 말하고자 하는 것은 희망이다. 편완식 기자