소더비와 크리스티가 주목하는 한국의 인기작가 김덕용과 전병현의 2인전이 15일~2월6일 갤러리조은에서 열린다. 갤러리 개관 기념전으로 마련한 전시다. 두 작가는 각각 동양화와 서양화 전공으로 출발점은 다르나 추상과 구상, 동양과 서양, 전통과 현대를 아우르는 독창적 작업 세계를 보여주고 있는 점에서 공통점을 가지고 있다.김덕용은 나무, 옷칠, 자개, 단청 등이 어우러지는 깊이 있는 색채로 어머니, 누이 같은 아련하고 따스한 추억풍경을 만들어 낸다. 전병현은 주장이 난무하는 시대에 휴식 같은 작품을 추구하고 있다. 한지 죽으로 만들어진 바탕은 푸근한 여백의 공간이다. 매화와 백자의 어우러짐은 이 시대의 문인화를 보는 듯하다. 갤러리 조은은 한남동에 위치하고 있다. (02)790-5889편완식 미술전문기자

한국과 일본에서 반평생을 보내다 미국으로 건너가 반평생을 살았다. 한국에 다시 돌아와 작업의 둥지를 트니 이제 상수(上壽·100세)가 됐다. 봄 전시를 앞두고 붓 놀림이 초조해졌다. 전시 날짜를 잡아 놓으면 왠지 그림이 잘 안 되는 시달림은 예나 지금이나 변함이 없다. 한국 최고령 현역작가 김병기 화백의 얘기다. 요즘도 서울 평창동 언덕배기에 자리 잡은 작업실을 거뜬히 오르내리고 사다리에 올라 붓질을 하는 모습은 놀라울 정도다. 사실 그를 지난 연말 만나려고 했으나 한 해의 끝자락을 홀로 보내고 싶다는 말에 4일 신년 인터뷰를 하게 됐다. 여전히 자신만의 시간을 갖고 싶어 하는 낭만적 젊음을 잃지 않고 있었다.작업실에 들어서니 캔버스에선 선들이 춤을 추고 있다. 작업실 주변을 에워싸고 있는 북한산 봉우리들의 형상이 언뜻언뜻 드러나기도 한다. 추상과 구상의 경계 지점에서의 긴장감 같은 것이 캔버스에 생명력을 부여하고 있다. 경계는 예술적 경지를 가리키는 의경(意境)이기도 하다. “내가 한국에 있을 땐 미국의 추상표현주의와 프랑스의 앵포르멜에 관심을 가지면서 형상이 없어지는 단계까지 갔었지. 그런데 미국에 가서는 그것을 계속할 수가 없었어. 왜냐하면 칸딘스키 같기도 하고 몬드리안 작품처럼 보이기도 하는 거야.”추상과 구상의 경계에서 모든 인간사를 풀어내고 있는 김병기 화백. 그는 요즘 2014년 국립현대미술관 회고전 이후 최대 전시인 가나아트 전시(4월)를 앞두고 신작 작업에 몰두하고 있다. 화폭에 그어진 선들에서 북한산 풍경이 어른거린다.그는 고심 끝에 자연에서 재료를 얻어야 한다는 통찰에 이르게 된다. 과학이나 학술은 어떤 사람이 해놓은 토대에 새것을 첨가하는 방식이라면 미술은 자연 자체에서 얻어진다는 확신을 하게 된다. “과학은 방법적인 것을 밟아서 다음 단계가 되는데 미술은 항상 자연에서 얻어야 하는 것 같아. 미술을 마치 과학의 진화처럼 생각하면 안 돼. 미술은 학문도 과학도 아니지. 미술은 진화하는 게 아니라 변화하는 거야.”미술은 어떤 사람의 학설을 뒤집어엎는 방식으론 안 된다는 얘기다. 그가 미국생활에서 큰 맘 먹고 자연을 다시 바라보기 시작한 이유다. 지금까지 그 기조는 변함이 없다. “지금도 한국의 많은 사람들이 과학처럼 진화를 생각해. 서양에서도 그렇게 하는 사람이 많지. 그런데 미술은 학문도 과학도 아니고, 변하는 거야.”자신도 모르게 모든 선이 사람으로 귀결되고 있음을 보여주고 있는 작품 ‘모델’. 작가에게 세상에서 가장 아름다운 형상은 한국 여인네다.그는 선들을 그어 놓고 가만히 들여다본다. 그러면 자연스럽게 프로세스가 생각이 난다. 자연에서 추상과 구상의 의경을 거닐며 나름의 그림 이야기를 풀어간다. “로스앤젤레스(LA) 할리우드마운틴 밑에 베벌리힐스가 있지. 그곳에서 동쪽으로 가면 천문대가 있어. 그 천문대 입구에 내가 살고 있었지. 건물 8층에서 풍경을 바라보고 그림을 많이 그렸어.”그는 뉴욕에서 LA로 이주하면서 동양으로 가는 길의 절반은 온 것 같은 기분이 들었다. 거리상. 그리고 느낌상 동양에 많이 가까워진 것 같았다. “한국에 있을 땐 서양 생각을 많이 했다면 서양에서는 오히려 동양 생각(내 자신)을 많이 했어. 그중에서도 선(線)이 중심 화두였지.”김 화백에게 형태를 진전시키는 요소 중에 가장 중요한 것은 선이다. “동양 사람이 선을 그리는 사람이라면 서양 사람은 면을 그리는 사람들이지. 대표적인 예가 4군자인 매란국죽 그림이야. 난초를 하나의 선으로 해석하고 있지. 이에 비해 서양인은 난초 면의 경계를 선이라고 하지. 사실 선은 추상이야. 동양 사람은 그 추상적인 선을 아무 의심 없이 그냥 선으로 해석해. 그런데 중국 사람, 한국 사람, 일본 사람도 선을 긋지만 한국 사람이 선을 제일 잘 그려. 왜냐하면 지형이 그래. 중국은 평야지대고, 일본은 인위적인 정원 같은 산지야. 이에 비해 한국의 지형은 늙은 바위 노암지대지. 오랜 비바람에 리듬이 강한 땅이 됐어. 한국은 그래서 리듬이 있는 나라야. 다른 나라에는 그런 리듬이 없어. 그래서 우리가 춤도 잘 추고 노래도 잘 부르는 민족이야. 그 리듬이 기가 막힌 선이 되면서 겸재가 나오고 추사가 나온 거야.”그래서 그는 겸재와 추사의 선을 계승하고자 한다. 피카소도 울창한 숲을 산보한 자에겐 그 녹음(綠陰)이 그림에 어떤 식으로든 관계를 한다고 말했다. 한국의 환경도 그림에 작용한다는 얘기다. 김 화백에겐 특별한 건강비결이 없다. 일어나고 싶을 때 일어나고 자고 싶을 때 잔다. 운동도 규칙적으로 하지 않는다. 식사도 특별할 게 없다. 아침 식사는 수년째 토스트와 커피가 전부다. “생명은 하나님께 속해. 거기에 감사하고 보답하는 마음으로 살지. 보답이란 미지근한 삶이 아닌 적극적인 삶이지.”그에게 적극적인 삶의 궁극적 종착역은 사랑이다. 죽음에 대한 두려움도 없다. 하나님 앞으로 나아가는 과정일 뿐이다. “그저 주사 맞는 것처럼 따끔한 것도 있겠지만 대단히 자연스러운 거야.”김 화백은 낭만주의자이지만 미술작업 방식에선 아주 현실의식주의자다. 예를 들어 사회비판적 요소부터 고층 빌딩 사이의 풍경을 선으로 표현한 작품까지 스펙트럼이 넓다. 낭만과 현실의 경계마저도 의경의 경지로 끌어 올리고 있는 것이다. 낙관적 시각은 그 기저에 깔려 있다. “내가 북한산을 그리는 것은 북한산을 그리는 것이 아니야. 의경을 그리고 있는 거지.”평양이 고향인 김 화백은 이중섭 화백과는 소학교 동창생이다. “중섭이하고는 소학교 6년 동안 같은 반이었어. 동경서 문화학원이라는 미술학교를 다녔는데 나보다 2년 밑으로 중섭이가 들어왔지. 김환기 화백은 일본 ‘아방가르드미술’에서 처음 만났지. 거기서 물밀듯이 들어오는 초현실주의 등 서구사조에 함께 푹 젖기도 했어.”요즘 세계미술계가 동양을 주목하기 시작한 것에 그는 격세지감을 느낀다. “중국이 오리지널한 요소의 발신지였다면 한국은 그 동양성을 가장 순결하게 유지한 나라야. 일본은 너무 양식화돼 버렸고. 한국 미술이 세계 미술의 핵이 될 수밖에 없지. 그러기 위해선 새로운 미학적 조명작업이 절실해.”그가 한·중·일 국제전시를 적극 주창하는 이유다. 100세야말로 이제 작업을 제대로 할 나이라고 말하는 김 화백의 표정에서 소년의 얼굴이 어른거렸다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

조선은 중앙정부에서 전국 330여개 고을에 지방관을 파견해 다스린 중앙집권국가였다. 우리에게는 익숙한 정치형태지만 세계의 다른 전근대 국가에서는 사례를 찾기가 쉽지 않다. 이런 정치체제는 국토 전체를 동일한 항목으로 나누고, 같은 서술방식을 적용해 지리지를 출간할 수 있는 바탕이 됐다. 국립중앙도서관이 2016년 첫 고문헌 전시로 지리지를 선택했다. 1일부터 4월 30일까지 도서관 6층 고전운영실에서 ‘지리지의 나라, 조선’ 전시회를 연다. 전시에는 신증동국여지승람(사진)의 금속활자본, 목판본, 필사본 등 30종 250권의 조선시대 지리지가 출품됐다. 신증동국여지승람은 1481년 50권의 분량으로 편찬된 뒤 증보와 교정을 거쳐 1530년 25권으로 완성된 우리나라 최고의 지리지다. 1611년에는 글자와 지도 모두 목판으로 간행돼 배포되기도 했다. 우리나라 최고의 지도 제작자였던 김정호가 편찬하다 미완성으로 남기고 세상을 떠난 ‘대동지지’ 15권도 만날 수 있다. 김정호는 ‘동여편고’, ‘동여도지’, ‘여도비지’를 남겼다. 도서관 관계자는 “일본은 전근대에 중앙집권국가를 이룬 적이 한번도 없어 우리와 같은 지리지가 없다”며 “조상들이 편찬한 다양한 지리지를 쉽게 이해할 수 있도록 시대와 종류별로 구분해 보여주려 한다”고 밝혔다.강구열 기자 river910@segye.com

2014년 국내 미술시장의 규모는 작품 거래가격 기준으로 3천496억원, 작품 거래수는 2만6천912점이라는 조사 결과가 나왔다. 이는 2013년 대비 각각 7.6%, 0.2% 증가한 수치다.예술경영지원센터는 미술시장의 주요 유통영역인 화랑 433곳, 경매회사 10개, 아트페어 35개와 공공영역인 건축물 미술작품, 미술은행(정부미술은행 포함), 미술관 203개의 지난해 운영 현황, 작품 판매와 구입 현황 등을 분석한 결과를 29일 발표했다.거래가격 기준으로 국내 미술시장은 2007년 6천44억원을 기록한 뒤 4천억원대로 떨어졌으며, 작년은 2013년의 3천249억원보다 소폭 상승한 것으로 나타났다.화랑, 경매회사, 아트페어 등 주요 유통영역의 거래가격은 2013년보다 7.9% 증가한 3천451억원(이하 중복분 포함)으로 조사됐다. 주요 유통영역 규모가 전년보다 늘어난 것은 2007년 이후 처음이다. 특히 경매시장 규모는 2013년보다 31.5% 늘어난 778억원으로 조사돼 주요 유통영역 가운데 증가폭이 가장 컸다.그중에서도 1천만원 이상∼6천만원 미만의 작품 거래량이 2013년 13.4%에서 지난해 19.8%로 증가해 중저가 시장이 확대되고 있는 것으로 드러났다고 예술경영지원센터는 설명했다.시장 규모가 가장 큰 화랑은 2013년 대비 5.3% 증가한 2천48억원이 거래됐으며, 아트페어에서의 거래액은 5.6% 감소한 624억원으로 집계됐다.반면 공공영역의 규모는 2013년보다 10.0% 줄어든 652억원이었다.이번 조사에서 화랑, 경매사, 아트페어 종사자는 1천574명, 화랑과 아트페어 관람객 수는 195만명으로 파악됐다.미술관에서는 2천230회의 전시가 열렸으며, 관람객은 1천642만명으로 조사됐다. 예술경영지원센터는 이런 내용을 담은 보고서를 내년 1월중에 화랑과 경매회사, 미술관 등에 배포하고, 누리집(www.gokams.or.kr)에도 올릴 예정이다.

영국 출신 조각가이자 설치미술가로 활동 중인 제인 매캐덤 프로이트(57)는 정신분석학의 선구자인 지그문트 프로이트의 증손녀다. 2011년 타계한 영국 현대미술의 거장 루시안 프로이트의 딸이기도 한 그는 그의 증조부인 지그문트 프로이트의 영향을 받아 정신분석학적 이론을 시각화하는 작업을 해 오고 있다. 내년 5월 8일까지 경주 우양미술관에서 열리는 초대전을 위해 방한한 그를 전시장에서 만났다.“내 작품은 ‘인간이란 무엇인가’와 관련이 있다. 우리가 만들어온 가족과 사회라는 시스템 안에서 21세기를 살아가는 인간의 모습, 이러한 시스템 안에서 진정한 자아를 어떻게 이해하고 있는지에 대해 다루고 있다.” 정신분석의 선구자 프로이트의 증손녀인 영국 조각가 제인. 그는 증조부가 탐구했던 무의식의 세계를 작품으로 풀어 내고 있다. 영국 구상회화의 거장인 아버지 루시안 프로이트의 작품세계와도 교감을 한다.그는 우리 자신의 모습, 자아를 찾아가는 여정에서 증조부의 이론에서 많은 도움을 받고 있다고 했다.“우리는 우리가 조직한 구조나 시스템, 우리가 믿는 의식(意識), 그리고 우리가 따르는 규칙으로 가득 찬 세계에 살고 있지만 우리의 진정한 모습은 무엇인가. 안전하고 보호받고 있다는 느낌을 갖기 위해 이런 것들에 매달리지만, 이것들에서 모두 벗어난 우리는 진정 누구일까. 나는 기본적으로 타인의 눈을 통해 바라본 ‘사회적 자아’가 아닌 내면 가장 깊숙한 곳에 숨어 있는 ‘내면의 자아’에 관심이 많다. 버지니아 울프는 ‘타인의 시선은 우리의 감옥이고 그들의 생각은 우리의 새장’이라고 말했다.”이런 이유로 그는 우리 스스로를 끊임없이 바꾸고 고쳐야 한다고 했다. 100여년 전에 지그문트 프로이트는 정신분석을 통해 인간의 이성이 신뢰할 수 있는 것이 아니라는 점을 역설하였다. 인간의 이성을 맹신했던 모더니즘의 와해에 의미 있는 역할을 했다. 다시 말해 본능과 감각의 포스트모더니즘 시대를 앞당긴 인물이다.무의식 세계를 형상화한 전시장 풍경. 작가에게 예술은 ‘심리현실’의 무게를 덜어주는 것이다.“가족들로부터 증조부는 재미있고 환상적이며 낙천적인 인물이었다는 얘기를 들었다. 또한 모든 사람을 그 자체로 인정하고 받아들였다. 한때는 그리스 신화를 소재로 소설을 쓰고 싶어 하기도 했다.”그는 전시장에 런던 프로이트뮤지엄에 있는 프로이트집무실을 꾸몄다. 환자가 편안히 앉거나 누울 수 있는 소파와 집무 책상이 비치된 모습이다. 조각상도 보인다. 사실 그가 만든 조각품들과 그의 작업실 집기들이다. 모델을 바라보고 조형작업을 하는 모습이나 환자를 문진하는 증조부의 모습이 별반 다를 게 없다는 생각에서다.“증조부는 그리스 조각을 1000점 가까이 수집을 했다. 환자들이 선물한 것도 있다. 그리스 신화에서 영감을 받아 오이디푸스 콤플렉스 등 이론 정립을 한 것과 관련이 있을 것이다.”프로이트가 인간정신의 근원을 탐구하는 데 신화를 나침판으로 삼았다는 얘기다. 작가에게 지대한 영향을 미친 것은 증조부의 무의식 이론이다. 프로이트는 우리가 무의식을 알아차리지 못하는 것은 방어기제(defense)를 작동해 본래 형태를 위장시켰기 때문이라고 설파했다. 위장되어 변형된 형태를 수면 위 의식세계로 대신 보내게 되고, 우리는 그것을 자신의 생각이라 믿고 행동한다는 것이다. “이것이 사람마다 다르게 인식하는 주관적인 세상, 즉 ‘심리 현실(Psychic Reality)’이다. 심리학자 수잔 본도 개인의 개별적 경험을 토대로 무의식이 형성되어 버리는 정신결정론에 대해 언급한 바 있다. 정신분석에서 말하는 대상은 개인의 내면에 건축된 하나의 구조물 같은 것으로, 한번 만들어지면 한 인간이 외부 세상을 읽는 마음의 틀이 된다.”그에게 예술가란 이처럼 사람마다 고유한 마음의 생김새를 인식하고, 언어로 소통되지 못하는 개인의 ‘심리현실’의 무게에 대해 함께 고민하고 나누는 것이다. 전시장엔 일상에서 흔히 만날 수 있는 오브제들이 철망 속에 갇혀 공중에 새처럼 매달려 있다. 전통 조각들에서 내부 구조들이 가려지는 것과 대비가 된다. 거푸집 같은 무의식 세계를 드러내고 있는 것이다. 그는 길을 가다가도 우연히 마주친 대상들을 오브제로 삼고 있다. 예를 들어 인형이나 물컵 등이 그에겐 무의식을 환기시켜주는 대상들이다. 이런 작업들은 8살 때 헤어져 23년 만에 재회한 아버지 루시안 프로이트의 영향도 컸다. 제인에겐 배다른 형제가 13명이 있다. 제인 아버지는 첫 번째 부인에게 10명의 자녀를, 결혼하지 않은 두 번째 부인에게서 4명의 자녀를 뒀다. 제인 어머니는 패션디자이너로 자기 세계가 강한 독립적인 인물이었다. “아버지가 세상을 떠나기 전 6개월간을 나와 함께했다. 병상에 누워 있는 아버지를 모델로 드로잉하며 아버지와 소통의 시간을 가졌다. 그때부터 작품들이 땅바닥을 향했던 것에서 하늘을 향하게 됐다. 어린 시절 아버지의 부재에 대한 심리적 치유가 됐음을 보여주는 것 같다.”비로소 그는 프로이트라는 성(姓)도 다시 쓰기 시작했다. 연필 모양의 철망 조각도 보인다. 건축가였던 할아버지, 화가였던 아버지가 쓰던 스케치용 연필 형상이다. 비로소 ‘심리적 가족’을 다시 찾은 것이다.“가끔은 할아버지와 할머니가 저를 돌봐 주셨던 것처럼 우리 아버지를 돌보셨겠구나 하는 생각을 해보게 된다. 그리고 부모로서 당연히 아버지 인생에서 가장 큰 영향을 미쳤을 것이다.”그는 아버지의 작품에서 깊은 밀도와 집중력에 주목한다. 그의 작업에도 자연스레 스며들고 있다.“아버지가 미친 영향은 작업 과정에서 찾아볼 수 있다. 내가 작업한 아버지의 초상화는 아버지 작품의 전형적인 화풍을 연상시킨다. 점토처럼 진하고 무거운 질량감과 굵은 붓질이 그렇다. 테라코타를 사용하여 아버지를 조각한 초상조각 작품 또한 이 같은 질감이 살아 있고 거친 점토를 사용했다.”그의 작품 근저엔 증조부 프로이트가 이지적인 방식으로 숨어 있다. 리비도(Libido)의 방에 놓인 실물 크기의 남성 누드 조각상 ‘1+1’은 대표적인 예다. 내면에 갇혀 있는 모든 것을 내려 놓는 치료 과정에 대한 메타포로서의 작업이다. 이 작품은 프로이트 집무실(치료실)의 소파 앞에 전시된 적이 있다. 예술의 진정한 지향점을 생각게 해주는 작가다. 글·사진=편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

서울과 충남을 무대로 활동해온 중견 화가 윤선희씨(서양화 전공.46)가 지난 15일부터 29일까지 2주 연속 천안(쌍용갤러리)과 서울(코엑스 A홀)에서 릴레이 개인전을 연다.전시회 주제는 ‘겨울·볕·꽃’. 작가는 작품을 통해 스스로 ‘힐링’의 표식으로 인식하고 있는 동그라미(圓)를 소재로 추운 겨울을 꽃과 볕이 피고 드는 따스한 계절로 묘사하고 있다. 이번에 선보이는 작품은 볕꽃놀이(162*90), 볕꽃기다림(73*53),볕꽃닮다(91*73) 등 비구상 작품 15점이다.단국대학원 회화과(서양화 전공)를 졸업하고 천안현대여성작가회, 아산미협 회원으로 활동중이다. 2015년 국전 비구상부분 입선. 현재 아산에서 미술학원을 운영하고 있다. 천안=김정모 기자 race1212@segye.com

전남 보성에 위치한 우종미술관이 해마다 국내외 역량있는 작가를 초청하여 현대미술의 현주소를 조명해보고자 마련한 연례 기획전 ‘모래 가람’전이 내년 1월29일까지 열린다. 올해는 한국화의 새지평을 열어가고 있는 정종미와 김선두가 전시작가로 뽑혔다. 한국 색채의 특징은 맑고 투명함 속에 공간을 담아내는 것에 있다. 우리의 전통 색채가 지닌 아름다움을 현대의 미술재료로서는 표현하기 어려운 이유다.두 작가는 전통기법인 장지에 채색화를 그려 수묵의 정신을 구현해냄으로써 한국인의 미감을 되살리고 있는 공통분모를 가지고 있다. 특히 고려불화에서 볼 수 있는 배채법 등 색채에 깊이감을 부여하는 기법을 사용한다. 이번 전시는 한국의 전통색채가 지닌 현대적이고 독자적인 미학을 작품세계로 펼쳐나가고 있는 두 작가의 진면목을 살펴 볼 수 있는 기회다. 편완식 기자

갤러리 서림이 매년 열어온 ‘시가 있는 그림’전이 이번에는 28일부터 새해 1월12일까지 열린다. 서림갤러리는 1987년부터 매년 시를 그림으로 표현한 작품을 선보여 왔는데 올해에는 탄생 100주년을 맞은 미당 서정주(1915~2000), 박목월(1915~1978) 시인의 작품을 소재로 했다. 참여 화가 10명은 박목월의 ’눈이 온 아침’, ’사월의 노래’, 서정주의 ’편지’, ’연꽃 만나고 가는 바람같이’ 등의 시를 그림으로 형상화했다. 화가 금동원, 노태웅, 윤시영, 윤장열, 이명숙, 이중희, 전준엽, 정일, 황은화,황주리가 좋아하는 시의 이미지 등을 재구성했다. 갤러리 서림 김성옥 대표는 “예전에는 문인, 화가, 연극인, 음악인 등 많은 예술가가 다른 문화 분야와 교류하고 작품에 발전을 도모하며 서로 영향을 주고받았다”면서 “그동안 29회 전시를 통해 502편의 시를 112명의 화가가 회화, 판화, 조각, 설치 작품으로 만들었다”고 말했다. 편완식 기자

  ‘아라리로 갤러리 상하이’가 세계적인 도시 문화 생활 콘텐츠 전문 플랫폼 Time Out이 발표한 ‘2015 상하이 최고의 갤러리’에 선정됐다. 18일 아라리오갤러리에 따르면 Time Out은 최근 아라리오갤러리를 올해의 상하이 최고 갤러리로 소개했다.  Time Out은 온라인과 모바일 앱, 매거진, 단행본을 아우르는 세계 최고 수준의 디지털 플랫폼을 통해 세계 39개국 각 도시의 예술, 엔터테인먼트, 음식 등 즐길 거리와 최신 문화생활 정보를 전달하는 글로벌 출판 그룹이다. 아라리오 갤러리 상하이는 최근 전시 프로그램, 전시 운영 수준, 작가의 퀄리티, 스탭의 운영능력 등을 고려한 Time Out의 평가에서 가장 높은 점수를 획득했다. 2005년부터 2012년까지 베이징에서의 갤러리 운영경험을 바탕으로 신중하게 중국 미술시장 가능성을 타진해 왔다. 아라리오 갤러리는 2014년 8월 상하이에 첫 진출한 이후 100여개 이상의 자국 갤러리를 제치고 1년만에 이와 같은 성과를 이루어내며 현지뿐만 아니라 전 세계 미술인의 큰 주목을 받고 있다. 특히 지난 11월 오픈한 코헤이 나와의 개인전 <Movement>는 주말 관람객만 500명이 넘을 정도로 큰 인기를 끌어 중국 미술계에서 대중적 호응을 겸비한 갤러리로서의 경쟁력을 입증하고 있다. 아라리오갤러리 상하이는 최근 강형구 작가의 상하이 현대 미술관(MoCA- Museum of Contemporary Art Shanghai)과 베이징 파크뷰 그린 전시관(Parkview Green, Beijing)에서의 개인전을 성공적으로 이끌어냈다. 자체 프로그램 이외에도 적극적인 소속 작가들의 외부 프로모션을 통해 한국미술의 가능성을 확장하고 해외미술시장을 선도하고 있다. 아라리오갤러리 주연화 디렉터는 “앞으로도 아시아 동시대 미술의 역사를 써나갈 수 있는 다양한 프로젝트를 통해 세계 미술시장으로 도약하는 전략적 기지와 플랫폼 역할을 지속적으로 수행해나가는 아시아 NO.1 갤러리가 될 것”이라고 말했다. 아라리오갤러리는 2002년 천안 갤러리 재 개관을 시작으로 현재 천안과 서울, 중국 상하이에 갤러리를 운영하고 있다. 아라리오갤러리는 그 동안 다른 갤러리가 시도하지 않았던 해외미술과의 적극적인 연계로 한국 미술계에 혼성성과 다양성을 이끌어냈을 뿐 아니라, 지속적이고 체계적인 전속작가 시스템을 도입해 한국의 동시대 미술을 해외에 소개하는데 앞장서왔다. 지속적인 프로모션을 통해 국내에 소개된 바 없는 인도 및 동남아시아 작가들의 다양한 작품세계를 한국 미술계에 소개 및 후원하고 있다. 아라리오갤러리는 우수한 전속작가 시스템과 다양한 국, 내외 미술관과의 콜라보레이션, 다양한 해외지역 미술의 소개 등을 토대로 한국 미술의 가능성을 확장하고 마켓을 선도하는 아시아 대표 갤러리를 향해 나아가고 있다.김정모 기자 race1212@segye.com

1640년 세상을 떠날 당시 피터르 파울 루벤스의 재산은 28만길더로 알려져 있다. 우리 돈으로 196억원 정도 된다. 막대한 재산은 루벤스가 생전에 누렸던 인기를 보여준다. 특히 당대 유럽의 권력자인 스페인의 펠리페 4세, 영국의 찰스 1세, 프랑스의 루이 13세 등이 그의 후원자였다. 독일과 오스트리아 사이에 있는 작은 나라인 리히텐슈타인의 카를 에우제비우스 1세 역시 루벤스에게 매료됐다.국립중앙박물관이 리히텐슈타인박물관의 명품들을 빌려와 내년 4월 10일까지 기획전 ‘루벤스와 세기의 거장들’을 개최한다. 루벤스의 작품뿐 아니라 유럽 전역에서 밀려드는 주문을 처리하기 위해 제자 혹은 조수로서 루벤스와 함께 작업했던 안토니 반다이크, 야코프 요르단스 등의 작품도 감상할 수 있다. 상류층의 강력한 후원 아래 꽃피웠던 유럽 예술계의 면모를 유추해 볼 전시회이기도 하다. 리히텐슈타인 컬렉션에서 루벤스의 작품은 중요한 위치를 차지한다. “가장 감동적인 어린이 초상화 중 하나”로 꼽히는 ‘클라라 세레나 루벤스의 초상’은 루벤스가 딸 클라라의 5살 때 모습을 그린 것으로 컬렉션에 속한 작품 중 하나다. 국립중앙박물관 제공◆예술계의 든든한 후원자, 리히텐슈타인 왕실부리부리한 눈과 긴 코, 굳게 다문 입이 강한 인상을 만드는 카를 1세의 초상화는 1625년쯤 제작된 것으로 추정된다. 검은색 상의를 화려하게 장식한 것은 1622년 가문 최초로 받은 황금양모 기사단의 훈장이다. 카를 에우제비우스 1세는 아버지 카를 1세와 비슷한 외모이나 20대 때의 모습이라 훨씬 부드러운 인상을 풍긴다. 카를 1세는 리히텐슈타인 컬렉션의 초석을 마련해 후대의 왕들에게 예술적으로 꾸준한 영향을 주었다. 그는 황실 예술가들과 가깝게 교류했다. 특히 장식 미술품에 흥미가 있어 금세공인, 보석상과 보석 세공사들에게 작품 제작을 위탁했다. 카를 에우제비우스 1세는 가문이 재정적으로 안정적이지 못할 때도 아버지가 그랬듯 계속 미술품을 수집해 컬렉션에 뚜렷한 족적을 남겼다. 루벤스의 걸작 ‘성모승천’을 구입한 것도 그였다. 1640년쯤 제작된 ‘수집가의 갤러리’란 작품은 예술품은 물론 달팽이 진주 등 자연에서 얻을 수 있는 진귀한 것들을 수집한 뒤 집안에 마련한 ‘쿤스트캄머’에 두고 감상한 당대 유럽 상류층의 모습을 전한다. ◆루벤스와 반다이크, 유럽 예술계의 대형사건리히텐슈타인 가문에서 루벤스의 작품을 소장하기 시작한 것은 17세기 전반부였다. 요한 아담 안드레아스 1세의 섭정기간에는 14점을 구매했다. 이번 전시회에 출품된 작품 중 ‘클라라 세레나 루벤스의 초상’은 “유럽 미술사에서 가장 감동적인 어린이 초상화 중 하나”로 꼽힌다. 작품은 첫딸인 클라라 세레나 루벤스의 5살 때 모습을 담고 있다. 경계심 없이 감상자를 바라보는 모습은 당시 초상화에서 쉽게 볼 수 없는 것이다. 딸과 그림을 그린 아버지 사이의 친밀감을 표현한다. 아들 알버르트와 니콜라스를 그린 그림을 바탕으로 제작된 동판화도 전시되고 있다. 리히텐슈타인 컬렉션에는 반다이크의 작품이 17점이 있다. 이번 전시에 나온 것 중에는 ‘안토니오 드타시스의 초상’이 주목할 만하다. ‘앵무새에게 체리를 먹이고 있는 여자와 수염 난 남자’는 요르단스의 작품이다. 이 그림은 “어울리지 않는 남녀를 다양한 방식으로 조롱하는 서구의 문화적 전통에 기반하고” 있다. 박물관은 “루벤스와 반다이크가 50년간 작품 활동을 한 것은 플랑드르 회화를 최단 기간에 유럽 무대의 최전선으로 진출할 수 있게 한 일종의 대형 사건이었다”고 소개했다.강구열 기자 river910@segye.com