윤동주(1917~1945)의 ‘서시’를 색면추상작가 이명숙은 기도하는 애절함으로 조국의 광복을 기다린 시인의 마음을 희망의 푸른 색상으로 표현했다. 1917년 윤동주 시인의 탄생 100주년을 맞아 제31회 ‘시가 있는 그림전’에 출품되었던 작품으로, 최근 모기업에서 기내용 캐리어에 그림을 입혀 제작·시판하여 인기를 얻고 있다. 국내 내로라하는 화가들이 자신이 좋아하는 시의 이미지를 그림으로 재구성한 이색적인 전시가 눈길을 끈다. 지난해 광복 80주년을 기념해 기획한 ‘詩가 있는 그림展’으로, 서울 강남구 청담동 갤러리 서림에서 열리고 있다. 민족시인 한용운 이상화 이육사 박용철 윤동주 심연수 함형수의 시를 10인 화가들의 그림으로 재탄생시킨 작품을 선보인다. 고(故) 박돈 화백이 특별 출품하고, 김재성 노태웅 안윤모 이명숙 이원희 임상진 정일 하석홍 황주리 작가가 참여했다. 평소 ‘이육사의 광야’ 를 즐겨 그린 고(故) 박돈 화백은 ‘백마타고 오는 초인을 기다리는 심정’을 달리는 천마로 표현했다. 이 작품은 박 화백이 갤러리 서림의 33회 시가 있는 그림전에 출품하셨던 작품으로, 박 화백의 고향 황해도 장연을 그리워한 마음도 함께 느낄 수 있다. 광주와 담양 지역에서 활발한 활동을 하는 김재성은 이상화 시인의 ‘빼앗긴 들에도 봄은 오는가’를 멀리서 봄이 오는 작은 희망의 소리를, 절망의 구렁텅이에서도 결코 그 끈을 놓지 않는 의지를 표현하고 있다, 그는 철핀, 진주핀 등 옷핀으로 작업하는 작가다. 황주리는 ‘아름다운 이별은 없다’ 등의 저서를 출간한 문학 작가로도 유명하다. 그는 박용철 시인의 ‘연애’를 통하여 일본 강점기의 암울한 분위기를 오히려 역으로 행복과 즐거움, 희망으로 표현하고 있다. 함형수의 ‘해바라기의 비명’을 평소 즐겨 그리는데 ‘나의 무덤에는 빗돌을 세우지 말고 해바라기를 심어달라’는 시인의 애절함을 희망의 해바라기로 표현하고 있다. 생텍쥐페리의 어린 왕자에 심취하여 동화적인 분위기의 작품을 제작해온 정일은 김영랑 시인의 ‘모란이 피기까지는’을 봄 향기 가득한 꽃들을 통하여 광복을 기다리는 아름다운 마음을 화폭에 담았다. 자폐아와 함께하는 전시회, 유니세프 등 많은 자선활동을 하는 안윤모는 작품 속에 동물을 의인화하여 동화적이면서도 환상적인 세계를 연출하고 있다. 그는 이육사의 ‘청포도’를 싱그럽고 아름다운 초록의 세계를 통해 희망적인 메시지를 전하고 있다. 대구에서 활동는 노태웅은 박용철 시인의 ‘떠나가는 배’를 통하여, 떠나가지만 못 잊는 마음이라 표현한 시인의 가슴 아픈 그러나 한편의 버리지 않는 희망을 그렸다. 하석홍은 심연수 시인의 ‘대지의 모색’ 을 작품으로 냈다. 시인의 심오하고 강렬한 시 세계를 추상과 극사실을 넘나드는 하석홍의 특유의 그림으로 재탄생했다. 이원희는 ‘님은 갔지만은 나는 님을 보내지 않았다’ 작품을 통해 만해 한용운의 깊은 철학을 느낄 수 있게 한다. 불상과 도자기 등의 그림을 따뜻하고 중후한 세계로 표현하는 임상진은 ‘한용운의 알 수 없어요’를 통해 우리 인생의 심오한 깊은 뜻과 깨달음을 노래한 만해 선생님의 시 세계를 보여주고 있다. 이번 전시는 갤러리 서림이 1987년부터 해마다 여는 전시로 서른 아홉 번째다. 그간 전시회를 통하여 593편의 시를 124명의 화가가 작품으로 제작해 선보였다. 시가 있는 그림전을 기획한 김성옥 대표(시인)는 “선조들이 즐겨 그리던 전통시화는 시서화(詩書畵) 삼절(三絶)이라 하여 글(문장), 그림, 글씨(서예)가 하나로 잘 조화된 형태였지만, 유화를 많이 사용하는 현대작품으로는 글자가 오히려 회화성을 방해하는 경우가 많아 글자가 들어가지 않고 시의 이미지를 그림으로 형상화하여 두 작품 세계가 함께 잘 수용되고 있어 반응이 좋다”며 “이 전시회의 작품들은 매년 ‘시가 있는 그림달력’으로 만들어져 그림과 시를 동시에 감상할 수 있도록 기획하고 있다”고 밝혔다. 전시는 1월 14일까지.

서울 강남구 가로수 갤러리아트강에서 중견 작가 연말연시 소품전이 열리고 있다. 이번 전시회는 장기화한 경기 침체로 미술 시장이 위축되면서 작품 판매가 둔화하고, 그 여파로 작가들의 창작 의욕 또한 저하되는 상황에서 기획됐다. 대형 작품 중심의 전시에서 관람 문턱을 낮추고, 비교적 가까운 거리에서 작품을 만날 수 있는 ‘소품전’ 형식이다. 대중의 접근성을 높이는 동시에, 작가와 관람객의 직접적인 교류를 통해 미술에 대한 이해를 넓히고 미술 시장의 저변을 확장하겠다는 취지로 마련됐다. 이번 전시는 1, 2차로 나뉘어 열린다. 1차는 지난달 23일부터 이달 5일까지, 2차는 이달 14일부터 29일까지 열린다. 1차 전시에는 강순덕, 곽일, 강현, 김성은, 김동수, 김은실, 김화수, 김창희, 노은경, 박인호, 박종석, 이강화,이서희, 정덕원, 정태영, 송태관, 조연주, 최경희, 황순규, 황제성 작가가, 2차 전에는 강길원, 고재군, 곽경화, 김나야, 김유성, 김은숙, 김형식, 도문희, 민선홍, 서양순, 서영옥, 성예주, 송승은, 신정옥, 우혜원, 유진희, 유혜리, 이규홍, 이재호, 이춘지, 이희경, 정병길, 조경자, 최유진 작가가 참여해, 각자의 개성과 색채가 담긴 작품을 선보인다. 서양화가 황제성은 ‘순환의 바람으로부터’를 통해 상징적 오브제와 다층적 공간감을 결합한 독자적 화면을 제시한다. 황 화백은 동화적 상징을 빌려 ‘어른이’의 꿈과 잃어버린 동심을 몽환적이면서도 몰입도 높은 장면으로 풀어내는 것으로 평가받는다. 황 화백은 한국미술협회 부이사장, 경기도지부장을 역임한 바 있다. 현재 한국미술비전25를 이끌고 있다. 서양화가 송태관은 ‘초가을’에서 한국의 산천과 계절의 정서를 담아낸 풍경 감각을 드러낸다. 송 화백은 ‘고향’의 감정을 화폭에 옮기는 작업으로 관람객의 공감을 이끌어 왔으며, 대중이 기억하는 풍경을 함께 완성하는 참여형 작업을 통해 “작가와 대중이 소통하는 전시”의 의미를 확장해 왔다. 서양화가 정태영은 ‘삶 여정’을 통해 여행지에서 마주한 풍경과 삶의 시간을 따뜻한 시선으로 포착한다. 정 화백의 작업은 일상과 기억, 여정의 정서를 서정적으로 끌어올리며, 관람객에게 누구나 마음속에 품은 ‘고향 같은 풍경’을 떠올리게 하는 힘이 있다는 평가를 받는다. 갤러리 아트강은 고(故) 강길원 화백의 유지를 받들어 가로수길 골목 자택 일부를 개조해 마련한 전시공간이다. 강 화백의 부인이자 서양화가 서양순 화백이 관장으로 갤러리를 운영하고 있다. 서양순 관장은 “거창하고 형식적인 전시가 아닌, 미술이 주는 아름다움을 편안하게 즐길 수 있는 자리를 마련하기 위해 주변 작가와 지인을 모아 이번 전시를 기획하게 됐다”고 밝혔다.

아이를 낳는다는 것은 개인의 몸과 삶을 뒤흔드는 파열의 경험이다. 이은실은 아라리오갤러리 서울에서 열리는 개인전 ‘파고’에서 생명의 탄생이라는 축복의 이미지 이면에 찢기고 파편화하며 생사의 경계를 홀로 통과하는 여성의 내면을 응시한다. 10점의 신작을 통해 담긴 출산의 기억은 여성의 서사를 넘어 모든 생명이 통과해야 하는 ‘파고’이자 인간의 고통과 회복 가능성을 함께 묻는 질문으로 확장된다. 이은실은 오래도록 서랍 속에 넣어 두었던 출산의 기억을 이번 전시에서 처음 전면에 꺼내들었다. 작가는 출산을 ‘축복’과 ‘기쁨’이라는 말로 봉인해 온 사회적 규범의 껍질을 벗기고 파도와 용암, 소용돌이와 안개로 가득한 풍경을 불러왔다. 삶의 큰 변곡점을 파도의 높이에 비유한 전시 제목처럼 화면마다 서로 다른 높이와 속도의 파고가 몸을 스쳐 지나간다. 1층 전시장의 대작 ‘에피듀럴 모먼트’는 폭 7.2m 화면 위에 안개 낀 산맥과 그 위를 휘감는 용의 몸을 얹어 놓는다. 금빛 비늘 사이사이로 드러난 해체된 뼈와 구름처럼 피어오르는 기운은 통증과 환각이 엉겨붙은 산통의 시간을 되살린다. 출산을 둘러싼 수많은 신화와 규범 역시 산모를 덧칠하는 또 하나의 사회적 마취가 읽힌다. ‘멈추지 않는 협곡’과 ‘생사의 기로’에서 피는 거대한 협곡을 가로지르는 붉은 용암이 된다. 깊은 곳에서 치밀어오르는 압력과 출혈은 대지를 가르는 균열과 끓어오르는 용암의 흐름으로 번역된다. 새로운 생명을 위해 필연적으로 요구되는 모체의 투쟁이 자연의 비경으로 치환되는 순간이다. 푸른 안료를 여러 겹 쌓아 올린 ‘전운’은 수면 위에 맺힌 소용돌이로 폭풍 전야의 긴장을 드러낸다. 아직 닥치지 않은 통증의 그림자, 멀리서부터 몰려오는 파도 소리가 화면 가장자리에서 서서히 번진다. 출산이 곳곳에 남긴 상흔들도 화면 한가운데로 불려 나온다. 절개 자국과 터져 버린 실핏줄, 시간이 지나 옅어졌지만 사라지지 않는 선들이 수묵의 농담 속에서 또렷이 부상한다. 이은실은 출산 이후 작업실로 “겨우 기어 나왔다”고 말한다. 이번 전시는 출산을 둘러싼 미화된 언어를 걷어내고, 인간 존재가 겪는 고통과 회복의 가능성을 담담히 응시하도록 이끈다. 시간이 흐른 뒤에야 비로소 마주할 수 있었던 기억은 영웅적 증언도, 비극의 고백도 아닌 다른 이들의 상처에 공명하는 매개가 된다. 전시는 내년 1월31일까지.

1974년 에티오피아에서 발굴된 ‘루시(Lucy)’는 한때 ‘최초의 인류’로 추정되며, 인류사 출발선으로 여겨졌다. 그러나 최재은은 인류 기원을 중심 서사로 끌어올리는 대신 , 루시를 자연의 긴 시간 속에 놓인 하나의 존재로 다시 불러낸다. 작가는 화석의 골반에서 드러나는 여성성과 생성 구조에 주목해 히말라야산 한백옥돌을 잘게 절단해 육각형 단위로 재구성한다. 세포를 닮은 육각형 조각은 네 갈래 뼈대를 이루는 역삼각형 골격으로 솟아올라, 층층이 쌓인 지층처럼 축적된 생명의 시간을 시각화한다. 조각을 감싸 안은 자작나무 구조물은 긴 시간을 함께 견뎌온 존재가 인간만이 아니었음을 말없이 증언한다. 조각·영상·설치·건축을 넘나들며 생명과 자연의 관계를 탐구해 온 최재은 개인전 ‘약속’은 인간이 만든 규칙이 아닌 문명 이전부터 존재해 온 생명 간의 상호 연대성에 대한 화두를 던지고 있다. 서울시립미술관 서소문 본관 전시장 입구에 놓인 ‘루시’ 조각을 지나 안으로 들어서면 바다 이미지를 배경으로 10초마다 전송되는 전 세계 해수면 온도 실시간 데이터가 화면을 가로지른다. 영상 연작 ‘대답 없는 지평’에서 숫자들은 과장된 설명 없이 조용히 갱신될 뿐이지만 인류의 기원과 오늘의 생태 위기가 하나의 시간축 위에서 맞닿아 있음을 직감하게 한다. ‘소우주’ 섹션은 시간 감각을 미시의 차원에서 보여준다. 땅속에 묻혔다 다시 꺼낸 종이 표면, 현미경으로 확대한 미세한 결, 돌 위에 축적된 이끼는 자연의 시간이 품어 온 층위를 보여준다. ‘월드 언더그라운드 프로젝트’에서 종이는 토양이 그린 그림이 되고, ‘숨을 배우는 돌’은 생명이 돌의 표면을 천천히 바꾸어 온 시간을 가시화한다. 자연은 완성이라기보다 축적으로 존재한다. ‘미명’은 이름 없는 존재들을 호명하는 자리다. 최재은은 일상에서 만난 들꽃과 들풀 560점을 수집해 그 이름과 이야기를 찾아 기록해 왔다. 주변부로 밀려 있던 존재들이 제 이름을 찾게 되며 고유한 생명으로 전면에 선다. 22일 전시장에서 만난 최재은은 ‘우리가 처음 만났을 때’ 프로젝트는 식물의 주권을 찾아주는 작업이었다고 설명했다. 그는 “90%의 식물은 인간에게 혜택을 주고 있는데, 우리는 이름조차 알 수가 없었다”며 “이들이 하나둘씩 사라져 가고 있는 걸 보면서 ‘우리에게 그들이 없으면 과연 생존할 수 있을까’ 생각이 들었고, 그 질문이 작업의 바탕이 됐다”고 말했다. 천재 뮤지션인 장영규 음악감독과 협업한 음향 설치 ‘이름 부르기’ 역시 산업혁명 이후 멸종된 종들을 호명한다. 숨결이 실린 목소리는 차가운 표본을 살아 있는 존재로 되돌려 놓으며 사라져 가는 세계의 규모와 속도를 체감하게 한다. 최재은은 마지막 섹션 ‘자연국가’에서 공생의 가능성을 구체적인 상상으로 확장한다. 2014년 시작된 ‘대지의 꿈’과 그 연장선의 ‘자연국가’ 프로젝트는 비무장지대(DMZ)를 군사적 경계가 아니라 자연이 주권을 가진 공간으로 상정한다. 작가는 국내외 건축가·생태학자와 협업해 생태 현황을 분석하고, 파편화된 나지에 상응하는 식재 계획을 세우며 ‘생태 현황 분석도’를 구축했다. 이번 전시에는 종자 볼(Seed Bomb)에 사용되는 40여종의 씨앗과 매뉴얼이 공개되고, 관람객은 웹사이트를 통해 원하는 구역에 종자 볼 기부를 약정할 수 있다. 관객들은 또 DMZ 철조망을 녹여 만든 징검다리 ‘증오는 눈처럼 녹는다’라는 작품을 통해 분단의 표상을 두 발로 건넌다. 경계를 상징하던 재료가 발판으로 바뀌는 순간, 인간이 만든 경계와 자연의 무경계가 겹쳐 보인다. 전쟁의 기억이 남아 있는 땅에서 수많은 생명이 역설적으로 번성하고 있다는 사실은, 자연의 주권에 대한 강력한 은유가 된다. 전시는 내년 4월5일까지.

발달장애인 작가 80여명이 모여 다음 달 새해맞이 특별전을 연다. 한젬마 예술감독의 네이버 커뮤니티 ‘그림 엄마’는 “내년 1월1일부터 2월20일까지 2026년 병오년 붉은 말의 해를 맞아 말(馬)을 주제로 한 ‘2026년 새해맞이 붉은 말 특별전’을 개최한다”고 26일 밝혔다. 전시는 온라인 영상 전시와 오프라인에서 모두 열린다. ‘그림 엄마’는 2022년부터 매해 그해 띠 동물로 전국의 발달장애 작가들과 전시를 개최해 왔다. 올해 발달장애 작가들의 독창적인 말 영상 작품 전시회를 개최하겠다고 함께 참여한 기업∙기관은 러쉬코리아. 국립국어원, 한국한의약진흥원, 서울시 여성가족 재단. 고려대병원 (구로,안암,안산). 부산해양자연사박물관 등 총 26곳이다. 특히 올해는 온라인뿐만 아니라 오프라인에서 128점을 선보이며 실제 작품들을 만나는 기회도 마련했다. 러쉬아트페어로 발달장애인들과 뜻을 같이해온 러쉬가 ‘두물머리의 러쉬빌리지’에 본 전시장을 마련했다. 2026년은 불꽃 같은 생명력과 질주하는 에너지 변화의 상징인 말의 해이다. 발달장애 작가들은 동물을 사랑하는 마음을 바탕으로 창의적인 색감과 표현력을 한껏 자랑했다고 한다. 이번 전시에서는 작가들과 동행하는 한젬마 감독의 작품을 비롯해 국내뿐만 아니라 미국과 중국의 작가들도 함께 참여해 국제전시로서의 면모를 보인다. 한 감독은 “이번 전시의 의미는 작가들의 재능을 뽐내는 것을 넘어서 장애가 있지만, 자신이 가진 타고난 탁월한 재능으로 세상에 기여하고 나눔에 앞장서는 일면을 세상에 드러냄에 의미를 두고 싶다”며 “늘 장애인들이라면 도움을 줘야 하는 존재라고만 생각하는 세상을 향해 앞장서는 행보라 믿는다. 예술에 장애란 없으며, 발달장애인과 동행해야 하는 이유다”고 밝혔다.

회화 작가 이만나가 개인전 ‘세계의 모퉁이’를 연다고 24일 밝혔다. 전시는 오는 31일까지 서울 인사동 선화랑 제2전시실에서 열리며, 회화와 드로잉을 포함한 18여 점의 작품이 소개된다. 이번 전시는 2022년 개인전 ‘더 이상 거기에 없는 풍경’ 이후 3년 만에 선보이는 개인전이다. 작가의 대표 연작인 ‘깊이 없는 풍경’을 비롯해 신작 ‘벽 앞의 풍경’, ‘모퉁이’, ‘길가’ 등이 포함된다. 이만나는 일상에서 포착한 장면을 출발점으로 삼아, 현실과 닮아 있으면서도 어딘가 낯설고 비현실적인 공간을 구축해온 작가다. 그의 회화는 대상을 재현하는 듯 보이지만, 그 이면에 감춰진 감각과 정서, 그리고 세계의 보이지 않는 층위를 드러낸다. 이번 전시에서 작가는 더 이상 세계의 중심이 아닌, 쉽게 지나쳐 버리는 가장자리와 모퉁이에 주목한다. 그곳은 잊힌 자리이자 새로운 관찰이 시작되는 지점이다. 작가에게 ‘모퉁이’는 끝이 아닌 시작이며, 세계가 완결되는 장소가 아니라 여전히 열려 있는 틈이다. 작품에 반복적으로 등장하는 가로막힌 벽과 좁은 골목, 깊이를 가늠할 수 없는 밤의 풍경은 공간 묘사를 넘어 존재론적 질문으로 이어진다.

자연을 관찰하고 분류하는 일은 오래전부터 인간에게 내재된 인지적 습성이다. 어린아이들이나 전통적 삶의 방식을 유지해 온 일부 공동체에서 볼 수 있듯, 우리는 자연과의 연결 속에서 세계를 이해하고 생명의 질서를 발견하며 경이를 느껴왔다. 동물과 식물, 먹을 수 있는 것과 없는 것, 위협이 되는 존재와 그렇지 않은 존재를 가르는 일은 생존에 필수적인 행위이기도 하다. 그러나 과학의 발전과 함께 우리는 감각에 귀 기울이기보다 차가운 분류 체계에 의존하며 점차 인간 아닌 존재들과 멀어져 왔다. 이러한 단절은, 우리가 본래 지니고 있던 자연과의 연결성(자연과학자들이 흔히 ‘움벨트’라고 부르는, 각 생명체가 세계를 인지하고 해석하는 능력)을 점차 잃게 만들며, 실존적 위기로 이어지고 있다. ◆말 없는 세계와 눈을 맞추기 동물화가 신수성은 우리의 의식 속에서 밀려난 생명의 세계를 다시 중심으로 끌어온다. 지금까지 1525종(2025년 12월 기준)의 동물을 그려온 그는 ‘발달장애’ 작가라는 타이틀을 넘어 고유한 예술 세계를 구축하고 있다. 그가 가장 오래도록 지속해 온 일은 동물원에 가는 것이다. 초등학교 고학년 무렵부터 매주 홀로 동물원과 수족관을 찾았고, 지금까지도 그 습관을 이어가고 있다. 어린 시절 타인과 눈을 마주치기 힘들어했던 그는 동물들과 시선을 나누며 외부 세계와 관계 맺는 법을 배워 나갔다. 남들과 다르다는 사실이 문제 되지 않는 말 없는 세계에서, 비로소 소통과 연결의 기쁨을 감각했을 것이다. 어쩌면 동물은 그에게 세상을 향해 나아가는 하나의 통로였을지 모른다. 신수성은 특별한 이유 없이 “그저 좋아서” 동물을 그린다. 인간의 관점에서 무명에 가까운 동물들 역시 같은 무게로 다루며, 모든 존재를 그 자체로 존중하는 평등한 입장을 취한다. 그는 장식이나 기교, 과도한 서사 없이 동물 고유의 형상과 감각을 직관적으로 포착한다. 많은 획으로 그려지지 않지만, 한 획에 지난한 관찰의 시간과 애정이 응축되어 있어 선 하나하나에 호흡과 움직임이 담겨 있는 듯하다. 안현정 예술철학 박사는 그의 그림에 대해 “선은 재현의 기교가 아니라 존재의 기질을 붙잡는 도구이며, 색은 장식이 아닌 생명의 온도를 담는 언어”라고 언급했다. 그림 아래에는 종명이 한국어·일본어·영어 순으로 적혀 있다. 이는 단순한 정보 표기라기보다, 오랜 응시와 관찰 끝에 하나의 존재를 분명히 확인하고 기록하는 행위로 볼 수 있다. 재일교포로 태어나 여러 언어를 사용해 온 작가에게, 이 명명은 ‘확실히 보았음’을 증언하는 일종의 존재론적 기록이 된다. ◆조응의 미술 갤러리1(서울 종로구 팔판동)에서 진행되는 개인전 ‘수풀 아래에 서서’(12월6∼30일)는 동물을 향한 작가의 시선을 집약적으로 보여준다. 전시 제목의 ‘수풀’은 생명의 복잡한 망, 곧 생태계 전체를 상징한다. 햇빛과 바람, 빗방울이 스치는 수풀 아래에서, 그는 모든 생명체가 함께 살아가는 거대한 생명의 장(場)을 겸허히 바라본다. 이는 숲과 하늘을 올려다보며 미지의 세계를 상상하던 인간의 원초적 감각을 환기한다. 전시는 동물을 기존의 분류학적 관점이 아닌 다른 방식으로 바라보기를 제안한다. 이를 통해, 잃어버린 자연과의 연결성을 회복하기를 시도한다. 200여 종의 그림들은 깊은 가족애를 지닌 동물들, ‘수집가들’, ‘현자들’ 등으로 그룹 지어진다. 늑대와 비버, 사향소, 앵무새가 한 무리를 이루고, 침팬지와 꿀벌, 까치가 서로 이웃한다. 25종의 원숭이와 15종의 펭귄이 각각 한 벽을 가득 채우며 우리가 하나의 이름으로 일반화해 왔던 존재들이 얼마나 다채로운 군상을 이루는지 드러내기도 한다. 이들은 인간과 동떨어진 종이 아닌, 우리와 연결된 속성을 지닌 존재로 조명된다. 증명사진처럼 정면을 응시하는 동물의 초상들도 있다. 숲을 방문한 사진작가의 카메라를 만지작거리다 셀피를 찍어 유명해진 검정짧은꼬리원숭이부터 북방올빼미와 타조의 얼굴까지, 이들은 인간과 동물 사이의 시선, 나아가 존재론적 위계를 되묻는다. 우리는 거리나 동물원, 매체 속에서 동물을 종종 보지만, 이들을 감응의 대상으로 여기기보다 비인간이라는 커다란 범주 안에서 분류하는 방식으로 바라본다. 그러나 대상화를 거부하며 정면으로 응시하는 동물의 눈은, 우리를 피할 곳 없는 조응의 상태로 이끌며 인간중심적 프레임 속으로 도망치지 못하게 붙잡는다. 이 불편한 마주침은 인간과 동물 사이에 위계가 없던, 오래된 시절의 감각을 환기한다. 그것은 신수성이 처음으로 세상에 말을 걸던 그 순간을 함께 더듬는 일이기도 하다. 지하 공간에는 고래 회화와 심해의 소리를 담은 사운드 작업이 함께 설치된다. 손전등으로 고래를 비추며 함께 유영하도록 구성되어, 깊은 바닷속에서 고래를 만난 듯한 경험을 선사한다. 동시에 물속에서 자라났던 우리의 태곳적 감각을 호출하며, 그 감각을 지금도 품고 살아가는 고래의 몸 위에 우리의 기억을 겹쳐 보게 한다. 설치 작품 ‘노아의 방주’ 역시 동물과 인간이 함께하는 감각을 불러일으킨다. 서로 다른 형상의 동물들은 같은 방향으로 관객을 응시하며 인간과 동물 사이의 시선의 권력을 전복한다. 같은 배를 타고 나아가는 거대한 항해 속에서, 인간은 수많은 생명과 나란히 서 있는 동반자일 뿐이다. 이들은 멸종과 파괴, 환경 위기의 시대에 우리가 어떤 태도로 다음 시간을 향해 가야 하는지 조용히 묻는다. ◆투명한 숨결의 세계 신수성이 느리고 묵묵하게 그려온 동물들은 분리된 개체라기보다 이처럼 하나의 생명의 보고(寶庫)를 이룬다. 그 안에서 우리는 우리의 모습을 발견하고, 인간과 동물, 나아가 자연과의 관계를 새롭게 마주한다. 그는 그림을 그리는 행위 자체가 사랑의 표현이 될 수 있다는 단순한 사실을 일깨운다. 신수성의 그림은 누군가에게 보여주기 위한 결과물이 아니라, 세상을 대하는 한 인간의 태도가 축적된 흔적이기 때문이다. 그는 어떠한 강요나 설득 없이 생명의 세계를 정직하게 드러내며 인간과 비인간, 작가와 관객 사이 조응의 장을 조용하지만 굳건히 쌓아 올린다. 서로가 서로에게 연결되어 있고 함께 호흡하는 투명한 숨결의 세계. 그의 그림 앞에서 오래전 그 숨이 되돌아온다. 신리사 미술사/학고재 기획팀장

포스코미술관이 내년 2월 1일까지 기획전 ‘한지스펙트럼(Hanji Spectrum)’을 개최한다고 17일 밝혔다. 이번 전시는 한국 전통문화의 정수인 ‘한지’를 중심에 두고, 장인의 손끝에서 태어나는 종이의 깊은 품성과 오늘날 동시대 예술로 확장되는 새로운 가능성을 집중적으로 조망한다. 충북 괴산을 기반으로 활동하는 국가무형유산 안치용 한지장은 오랜 세월 전통 방식의 맥을 지키는 한편, 색·질감·문양·공정에 이르기까지 한지의 표현 범위를 넓히기 위해 끈임없는 노력을 이어왔다. 그는 다양한 분야의 창작자들과 협업하며 한지를 미래지향적 재료로 확장시키고, 전통의 대중화에도 앞장서고 있다. 이번 전시는 그의 작업세계에서 출발해, 전통 한지가 자연·재료·기술·표현력으로 이어지는 폭넓은 스펙트럼을 한자리에서 조망할 수 있는 기회를 제공한다. 전시에는 박송희, 소동호 작가가 함께 참여하여 한지의 동시대적 감각을 한층 더 확장한다. 박송희 작가는 전통·자연·일상의 이미지를 한지에 새롭게 입히며 현대적 해석을 더하고, 소동호 작가는 공간과 사물을 통해 한지의 구조적·조형적 가능성을 탐구한다. 장인과 젊은 예술가들의 교차점에서 ‘한지’는 전통을 매개하는 동시에 미래의 창작 언어가 될 수 있음을 강하게 드러낸다. 특히, 이번 전시는 미술관 기부키오스크 모금액을 기반으로 추진됐다는 점에서 더욱 의미가 깊다. 관람객들이 구매한 도록·기념품의 수익으로 조성된 기부금을 통해, 포스코미술관과 포스코1%나눔재단은 안치용 한지장을 위한 포스코 스테인리스 소재의 맞춤형 한지 건조기를 제작·지원했다. 이러한 문화공헌사업은 전통문화의 지속 가능한 보존에 기여하며, 사회적 가치 실현에 대한 의지를 담고 있다. 포스코미술관은 “‘한지스펙트럼’은 한지가 단순한 전통 재료를 넘어 K컬처의 독자적 감성과 세계 문화 속 새로운 영감의 원천이 될 수 있음을 보여주는 자리”라며 “전시 공간을 거닐며 한지 고유의 질감과 빛, 그리고 시간의 층위를 직접 경험함으로써 전통이 현재와 미래 속에서 어떻게 살아 숨 쉬는지 체감할 수 있기를 기대한다”고 전했다. 한편 포스코미술관이 위치한 포스코센터는 연말 분위기가 물씬 풍기는 나무와 눈사람, 조명 등을 활용해 건물 외부와 내부에 경관을 조성해 또다른 재미를 주고 있다.

헤리티크제주는 22일 오전 11시 스페인 출신 전통미술 작가 헤수스 수스(Jesús Susús)의 작품을 상설로 전시하는 전용 미술관 개관식을 개최한다고 17일 밝혔다. 이번 행사에는 헤수스 수스 작가의 아내 이태분 스페인 아라곤주 한인회장, 세계한인경제무역협회(월드옥타) 중국 화동지역 박상윤 회장, 스페인 밀레니엄합창단 임재식 예술감독, 글로벌 미술 전문가 및 국내 미술 관계자, 소더비(Sotheby’s)· 필립스(Phillips) 관계자, 특히 주한 스페인 대사 훌리오 에라이스 에스파냐(Julio Herraiz España) 등 관계자들이 대거 참석할 예정이다. 헤수스 수스는 스페인을 기반으로 유럽 여러 미술관과 갤러리에서 활동해 온 국제적 작가다. 강렬한 색채와 구조적 회화 스타일로 알려져 있다. 그의 작품은 유럽 미술계에서 꾸준한 평가를 받아 왔으며, 이번 제주 전용 미술관은 작가 이름을 내건 첫 한국 상설 공간이다. 전시는 작가의 주요 회화 작품을 중심으로 구성되며, 그의 예술 세계가 제주 자연과 조화를 이루도록 공간이 설계되었다. 헤리티크제주는 이번 개관의 의미를 역사적 맥락과 국제 문화교류의 연장선에서 강조했다. 제주는 1653년 네덜란드 출신 항해사 하멜의 표류 사건을 통해 처음으로 세계에 존재를 알렸다. 예기치 않았던 그 만남은 제주가 세계사에 기록된 첫 순간이었다. 헤리티크제주는 이번 미술관 개관이 그 역사적 흐름을 잇는 또 하나의 상징적 계기라고 설명한다. 다시 말해 “우연의 표류가 제주를 세계에 소개했다면, 이번에는 예술을 통해 제주가 세계와 다시 연결되기를 바란다”는 문화적 메시지를 담고 있다. 헤리티크 제주 관계자는 “370년 전 우연히 제주와 연결되었던 유럽이, 이번에는 예술을 매개로 다시 제주를 찾았다”며 “헤수스 수스 미술관이 제주가 세계와 대화하는 새로운 창이 되고, 제주 관광과 문화산업에도 도움이 되는 공간으로 자리 잡기를 기대한다”고 전했다.

‘성장’이라는 주제어로 현대인의 본능과 내면세계를 탐구해 온 문민정 작가의 ‘V 시리즈’ (VACANCY, VALUE, VOYAGE)인 ‘VIP展’이 지난 1일부터 서울 강남구 와인플레이 갤러리에서 열리고 있다. 이번 전시는 2006년부터 이어져 온 작가의 작업 세계를 총망라하는 자리로, ‘VACANCY’ ‘VALUE’ 그리고 2025년부터 새롭게 시작될 ‘VOYAGE’ 시리즈를 통해 한 인간이 자신을 마주하고 완성해가는 과정을 서사적으로 풀어냈다. 첫 번째 섹션 ‘VACANCY’(2006~2020)는 작가가 자신의 ‘빈자리’를 찾아가는 15년간의 긴 기록이다. 화면 속에 등장하는 ‘빈 의자’는 꿈이 깃들어야 할 자리임과 동시에 욕망과 책임이 팽팽하게 대립하는 공간을 상징한다. 특히 화려해 보이는 ‘왕관’ 이미지를 통해 성장의 과정에서 누구나 겪게 되는 보이지 않는 압박과 내면의 긴장을 역설적으로 드러낸다. 두 번째 섹션 ‘VALUE’(2021~2024)는 성장의 방향을 ‘더 높이’에서 ‘더 깊이’로 전환하는 시점이다. 치열한 경쟁 사회 속에서 작가는 성장을 넘어 ‘존재의 본질적 가치는 무엇인가’라는 질문을 던진다. 자연, 균형, 고요와 같은 요소들을 화면으로 불러들여 삶의 본연의 아름다움을 복원하려는 의지를 담아냈다. ‘VOYAGE’(2025~)는 정체성을 찾아 떠나는 항해이자, 미래의 이상을 탐색하는 과정으로 마지막 섹션이다. 작업은 작가에게 있어 자신을 숨기는 ‘가면’이자 동시에 비추는 ‘거울’이 된다. 작가의 좌우명인 ‘일신우일신’(日新又日新: 날마다 새로워짐)의 정신이 관통하는 이 시리즈는 끊임없이 쇄신하려는 인간의 근원적 욕망을 보여준다. 이번 전시는 한 인간이 자기 자신과 마주하는 방식에 대한 기록이다. 화려함과 공허함, 균형과 혼란, 과거와 미래 사이에서 건져 올린 이미지들이 서로 맞물리며, 작가의 세계를 하나의 긴 서사처럼 직조한다. 관객은 그 여정 위에 놓인 오브제들을 따라가며, 때로는 자신의 일상과 감정을 비춰보며 함께 소통할 기회를 갖게 된다. 전시는 31일까지.