한글 자음과 모음만으로 다양한 예술 세계를 보여온 이건만 작가가 ‘언어의 깊이’를 주제로 한 개인전을 지난달 25일부터 경기도 안양시 YK갤러리에서 열고 있다. 홍익대 미술대학 교수인 그는 텍스트와 이미지가 뒤섞인 현대 시각 환경 속에서, 우리가 ‘실상’이라 여기는 현실 속에서 언어와 시각은 우리와 어떻게 전달되는지를 탐구한다. 특히, 한글이라는 문자 체계를 해체하고 재조합하는 과정을 통해, 언어가 단순한 의미 전달의 도구가 아니라 조형 요소로 기능할 수 있음을 실험하고 있다. 작업은 자음과 모음을 분리하고, 그 순서를 재배열한 후 정해진 사각형의 격자 안에 배치하는 것으로 시작한다. 이 문자들은 겹겹이 겹치고, 접착되고, 색이 덧입혀지고, 때로는 절단되거나 층층이 쌓이며 원래의 읽을 수 있는 형태를 상실한다. 그 결과, 의미는 흐릿해지고 문자들은 이미지로 변모한다. 이 과정을 통해 ‘문자 언어가 진정한 공감과 소통을 가능하게 하는가’에 대한 근본적인 질문을 제기한다. 그에 따르면 캔버스 위에 부착되는 직물은 본래 직조 방식에서 기인한 유연성과 공간성을 지닌다. 경사와 위사로 구성된 천은 부드럽고 자연스럽게 공간에 순응하지만, 이를 자르고 덧붙이며 채색하는 행위를 반복하는 동안 점차 그 물성은 변화한다. 원래의 부드러움은 사라지고, 천은 굳어진 시각적 오브제로 고정된다. 그 결과, 직물은 더는 공간에 순응하지 않고, 특정한 시각 구조 속에 갇히게 된다. 이러한 반복과 구조화의 행위는 시각적으로는 일정한 질서와 아름다움을 제공하지만, 동시에 표현의 자유로움과 상호적 관계를 제한한다. 마치 사람의 손으로 설계된 공원이 자연을 닮은 듯 보이지만 실제로는 폐쇄적 생태계에 머무르듯, 이 이미지들은 언뜻 보기엔 정돈되고 아름다우나 깊은 교감이나 자유로운 해석을 허용하지 않을 수 있다. 이건만의 작업은 단순히 문자를 재료로 삼는 것을 넘어, 한글을 세계를 구성하는 하나의 ‘구조체’로서 다시 생각하게 한다. 전시는 이러한 작가의 여정을 조망하며, 한글이 어떻게 추상회화·기호학·동양미학·디자인·산업문화의 경계를 가로지르는 현대적 조형언어가 되는지를 보여준다. 동시에 한글 예술이 ‘읽기’에서 ‘보기’, ‘보기’에서 ‘사유’로 이동하는 과정을 밝히는 하나의 철학적·미학적 실험장이기도 하다. 그는 한글의 자음과 모음을 겹쳐 패턴화하여 한글 모노그램을 탄생시키고 이를 다양한 분야와 오브제에 접목했다. 세련된 감각으로 창작된 한글 모노그램 작업물은 한글의 새로운 미적 가치와 가능성을 선보이며 한글 모노그램 디자인 작업뿐만 아니라 언어를 기반으로 한 ‘소통’이라는 주제를 지속해서 탐구하며 캔버스에 담아왔다. 박서보, 하종현 등 단색화 사조에 영향을 받아 자신만의 시각적 깊이를 더한 작품 세계를 구축해왔다. 이건만은 ‘가장 아름다운 문자’로 호평받는 한글을 작품 소재이자 조형언어로 다루며 ‘K-아트’의 지평을 넓혀왔다는 평가를 듣고 있다. 국민 생활 속 한글 디자인 개발과 보급에도 힘써 서울 시내 한글 타요 버스, 딤채 김치 냉장고, 갤럭시 노트2 플립 커버, 국립중앙박물관 문화상품에 그만의 독창적인 한글 제품으로 선보였고, 청와대, 정부부처, 공공기관 등과의 한글 디자인 협업 프로젝트에 참여했다. 2012년 서울 핵안보정상회의에 참석한 60개국의 정상들을 위한 의전용 선물로 그가 제작한 한글 넥타이가 공식적으로 채택된 바 있다. 세종문화상 민족문화부문 대통령상, 대한민국 산업전람회-중소벤처기업부 장관상, 제15회 대한민국 디자인대상 산업훈장포장 등을 받은 바 있다. 윤광순 YK갤러리 관장은 “한글의 모음과 자음으로, 아름다운 색면으로, 사람과 삶에 내재 되어있는 시간과 경험을 표현하고 자신의 미학과 생의 철학을 언어와 문자로 소통하고자 하는 이건만 작가의 개념적 미술 세계를 제대로 감상할수 있을 것”이라고 말했다. 전시는 5일까지.

◆인간 이순신 그러나 전장의 밤, 좁은 등잔불 아래에서 남긴 그의 글자는 승리의 보고가 아니라 가족을 떠난 이의 애통함과 죄책감이었다. 40대 후반이던 1593년 6월12일 그는 노모에게 나이 듦을 들키지 않으려 흰 머리를 뽑았다. “아침에 흰 머리카락 십여 가닥을 뽑았다. 희어지는 것을 어찌 꺼릴까. 다만 위로 늙으신 어머님이 계시기 때문이다. 종일 홀로 앉아 있었다.” 비가 내렸던 1594년 5월9일, 지휘관으로서의 절망감과 무거운 마음을 토로했다. “하루 종일 홀로 빈 정자에 앉아 있으니 온갖 생각이 가슴에 치밀어 마음이 어지러웠다. 어찌 다 말할 수 있으랴. 정신이 침침하여 취한 듯, 꿈속인 듯, 멍청한 것도 같고 미친 것 같기도 했다.” “나라에 충성을 다하고자 하였으나 죄가 이미 이 지경에 이르렀고, 어머니에게 효를 하고자 했으나 어머니도 역시 돌아가셨구나. 천지에 어찌 나 같은 사람이 있으랴, 일찍 죽느니만 못하다.” 1597년 4월19일 두 번째 백의종군에 나선 아들을 찾아 배에 오른 어머니가 눈을 감았다. 그는 어머니의 장례를 채 마치지도 못하고 다시 바다로 나가야 했다. 명량대첩 직후인 그해 10월 막내아들 면마저 전사했다. 편지 겉면의 ‘통곡’ 두 글자를 보자마자 “간담이 떨어졌던” 그는 부하들 눈을 피해 외딴 소금 굽는 집에 숨은 후에야 눈물을 흘렸다. “내가 지은 죄 때문에 받아야 할 하늘의 재앙이 네 몸에 미친 것이냐? (중략) 잠시 견디며 목숨을 겨우겨우 이어가겠지만, 마음은 죽었고 껍질만 남았구나. 목 놓아 서럽게 울부짖을 뿐이다. 하룻밤이 1년 같다. 이날 밤, 10시에 비가 내렸다.” ‘난중일기’가 내면을 보여주는 기록이라면, ‘임진장초’는 임금에게 전쟁의 경과를 정리해 올린 공문서였다. 전사자와 부상자를 기리고, 군법을 어긴 자는 신분을 불문하고 엄격히 처벌하며, 포로가 된 백성을 구출하고자 했던 리더 이순신의 지휘 철학이 뚜렷이 담겼다. 이처럼 ‘큰 칼 옆에 차고’ 전쟁터를 호령하던 영웅의 이름 뒤편에는, “가슴에 품은 생각이 만 갈래”였던 인간 이순신이 있었다. 그에게 전장은 두려움과 회한을 끌어안고, 그럼에도 본분을 지키기 위해 끝내 견뎌야 했던 자리였다. ◆우리들의 이순신 인간 이순신을 입체적으로 조명하는 사상 최대 규모의 전시가 열렸다. 광복 80주년, 충무공 탄신 480주년을 기념해 지난달 28일 개막한 국립중앙박물관 특별전 ‘우리들의 이순신’은 그동안 영화나 소설, 드라마 등으로 수없이 가공돼 온 이순신이 아닌, 역사가 기록한 유물로 그의 삶을 담담히 더듬는다. 전쟁의 기록부터 인간 이순신의 내면과 감정, 그의 사후 조선·근대·현대에 걸쳐 시대가 만들어온 상징으로서의 이순신까지 다각도로 조명하는 전시다. 이번 전시 유물은 총 258건 369점으로, 역대 최대 규모다. 이순신 종가가 보관해 온 주요 유물 20건 34점 진본이 서울에서 한꺼번에 공개되는 것은 이번이 처음이다. ‘난중일기’, ‘임진장초’, ‘서간첩’, 이순신 장검, 류성룡의 회고록 ‘징비록’, ‘조선방역지도’ 등 국보 6건 15점에 ‘천자총통’, ‘지자총통’ 등 보물 39건 43점, 이충무공 유적보존 ‘성금대장’ 등 국가등록문화유산 6건 9점이 더해져 이순신 관련 기록물이 한자리에 모였다. 임진왜란의 전황을 알 수 있는 해외 유물도 함께 공개된다. 다치바나 무네시게 가문의 투구와 창, 나베시마 나오시게 가문이 소장해온 ‘울산 왜성 전투도’ 병풍, 도요토미 히데요시의 초상화와 목상 등 일본 다이묘(봉건 영주)가 보관해 온 유물이 국내 처음 공개된다. 조선과 연합한 명나라 군대의 활약을 그린 ‘정왜기공도’ 병풍도 스웨덴에서 건너왔다. 스웨덴 최대의 금융가 발렌베리 가문이 소장하던 작품으로, 전반부 6폭은 스웨덴 동아시아박물관, 후반부 6폭은 국립중앙박물관으로 흩어졌다가 이번 전시를 계기로 처음 한 공간에 모였다. 전시는 1794년 충남 아산에 세운 ‘어제 이순신신도비’ 비문 가운데 명나라 장수가 이순신에 대해 내린 평가로 그의 삶과 정신을 다시금 비춘다. “이순신은 천하를 다스릴 수 있는 능력과 찢어진 하늘을 꿰매고 흐린 태양을 목욕시킨 공로가 있는 분이다.(經天緯地 補天浴日)” 유홍준 국립중앙박물관장은 “인간 이순신을 종합적으로 조명하고 그가 시련을 어떻게 견뎌냈는지를 보여주는 전시”라며 “이번 전시가 어려움을 이겨내고자 하는 모든 이들의 마음을 지지하는 응원의 기록이 되기를 바란다”고 밝혔다. 전시는 내년 3월3일까지.

◆해체된 사물 사물은 오랜 시간 미술의 역사 속에서 하나의 기호로 작동해 왔다. 중세 종교화의 도상부터 북유럽 르네상스 회화 속 권력과 지식의 표상, 그리고 시간의 덧없음과 죽음을 상징하는 17세기 바니타스 정물의 해골과 꽃, 촛불까지ㅡ사물은 그 자체로 존재하기보다 시대의 신념을 단단하게 엮는 상징체계 안에서 존재해 왔다. 박미라의 예술도 언뜻 이러한 회화적 전통 속에 있는 듯 보인다. 사물과 인물로 빼곡히 채워진 흑백의 화면은 여러 도상이 치밀하게 얽혀 있는 알브레히트 뒤러(1471-1528)의 ‘멜랑콜리아 I’를 연상시킨다. 그러나 박미라는 상징체계를 따르기보다 오히려 그 틀을 느슨하게 풀어헤친다. 식별 가능한 사물들로 가득하지만, 화면은 꿈이나 내면의 심층에서 길어 올린 장면처럼 낯설게 뒤섞여 감정과 무의식이 스치는 일종의 장이 된다. ◆절단된 채 나아가기 박미라는 길 위에서 마주한 장면이나 대중문화 속 음악, 오가는 감정과 심리적 상태 등 삶 속에서 관찰한 것들을 흑백 드로잉으로 옮기고, 이를 회화·영상·설치 등으로 확장시킨다. 시간성이 삭제된 흑백의 작품 속에서, 사물의 의미는 물론 서사의 윤곽조차 짐작하기 어렵다. 머리가 CCTV 카메라로 된 새, 반짝이는 전구로 가득 찬 심장, 허공을 날아다니는 눈알, 종이배를 탄 부엉이. 논리와 상식에서 벗어나 있는 이들은 우리가 ‘아는’ 방식으로 존재하지 않는다. 하지만, 박미라가 구축한 세계 안에서 태연하게 거닐고 기어 다니며 바라본다. 좀처럼 읽히지 않는 이 존재들은 사물의 형태를 빌려 감정과 경험의 세계를 열어젖히고, 미지의 차원으로 연결시켜주는 관문이 된다. 박미라는 상징체계를 해체하는 것에서 한발 더 나아가 사물과 신체를 절단시키기도 한다. 잘려 나간 신체와 사물의 파편들은 화면 속에서 느슨하게 연결되어 어딘가 불온하지만 초연한 기운을 드리운다. 그러나 잘린 것들은 필수로 나아간다. ‘밤의 파레트’에서는 칼로 잘라낸 단면 속에서 종이배가 항해하고 있으며, ‘친애하는 발걸음’에서는 절단된 존재들이 나아가는 형태로 그려진다. 문어 다리가 잡아끌어도 흔들림 없이 걸어가는 다리, 몸을 붙잡는 옷걸이를 뒤로한 채 거리낌 없이 나아가는 움직임. 박미라에게 절단은 곧 단절을 의미하지 않는다. 신체와 사물의 파편들은 또 다른 연결의 징후처럼 화면 곳곳에서 되살아나며, 전이와 변환의 가능성을 암시한다. ◆바닷속을 보는 눈 흩어진 파편들이 안전하게 나아가는 것을 지켜보듯 화면 속에는 눈(眼)들이 작은 등불처럼 켜져 있다. 감정이 배제된 무심한 눈빛이지만, 이들은 감시·보호·사색을 오가며 어둠을 가르고 보이지 않는 길을 밝혀주는 안내자처럼 조용히 응시한다. ‘호루스의 눈’처럼 수호하는 눈길은 세계의 이면을 샅샅이 살피며, 단절된 존재들이 좌절하거나 지체하지 않고 앞으로 나아갈 수 있도록 인도한다. 지켜보는 눈들은 동시에 그의 세계가 살아있는, 진행 중인 세계임을 암시한다. 마치 등대가 다가올 배를 전제하고 빛을 비추는 것과 같다. 그러나 그 눈들은 바다 위를 바라보는 동시에 그 속을 함께 들여다본다. 보이는 것과 보이지 않는 것, 사라지는 것과 생겨나는 것 사이를 왕복하는 이들은 잠겨 있다가 어느 순간 떠오르는 정서의 잔향을 포착한다. 화면에 박힌 눈동자들은 보이지 않는 진동을 감각하는 작가의 촉수이자, 이 세계가 완결된 정지가 아니라 계속되는 하나의 흐름임을 증언하는 징표가 된다. ◆영원의 항해, 녹지 않는 눈 보이지 않는 세계를 응시하는 시선은 소멸과 재생이 교차하는 경계로 확장된다. 반복 재생되는 영상 ‘뒷미래’에서는 돌, 나무, 사람, 부엉이, 사슴 등 서로 다른 모습으로 삶의 여정을 항해해 온 이들이 배를 타고 죽음의 세계를 향해 전진한다. 고대 이집트 벽화 속 사후 세계로 건너가는 인간과 동물의 행렬을 닮아 있는 이들은, 바다를 비추는 거대한 달처럼 환하게 빛을 내뿜다 죽음과 가까워질수록 점차 빛을 잃는다. 하지만 힘차게 노를 저으며 망설임 없이 나아가는 모습에서, 이들이 향하는 곳이 정전이 아닌 새로운 빛의 세계임을 짐작해 볼 수 있다. 인류의 오래된 염원을 담고 있는 이 풍경은 죽음에 대한 두려움, 떠나보낸 이에 대한 그리움과 상실감이 극복되는 새로운 차원으로 관객을 이끌며, 영원이라는 공간으로 향하는 통로가 된다. 영원성에 대한 관심은 눈(雪)의 형상으로도 등장한다. 함박눈과 눈사람의 형태로 자주 그려지는 눈은 그의 작품 속에서 사라지지만 잔존하는 감정과 기억을 불러내는 장치가 된다. 어린 시절 눈사람을 정성스럽게 빚어 올리던 손과 곱게 씌운 털모자와 목도리. 다음 날 아침 녹아버린 자리 앞에서 밀려오던 아릿한 슬픔과 공허함. 눈은 녹아 없어져도 눈사람을 만드는 마음은 사라지지 않는다. 작가는 그 마음을 붙잡듯 영원히 내리는 눈을 반복 재생하여 시간 바깥의 풍경을 세운다(‘융점’). 하얗고 소복한 영원의 세계에서 무수한 눈송이들은 사라진 것들에 숨을 불어 넣고, 세월 속에 침잠해 있던 기억의 문을 조용히 두드린다. ◆시간 이후의 세계 마음의 안과 밖에서 수집된 사물과 장면, 인류가 보편적으로 공유해온 정서, 죽음과 그 너머에 대한 사유와 염원까지 포괄하는 박미라의 예술은 일종의 인류학적 풍경이라 할 수 있겠다. 모순과 상충이 당당하게 자리하는 이 공간에서, 현실과 비현실, 삶과 죽음, 인식과 감각은 서로의 영역을 자유롭게 횡단하며 또 다른 차원으로 향하는 문의 틈새를 열어 보인다. 영원히 내리는 눈과 잘린 채 나아가는 다리, 죽음 너머로 항해하는 배. 무엇보다 박미라가 구축한 세계는 ‘끝이 끝이 아닐 것’이라는 믿음 위에 서 있다. 그래서 그는 절단, 상실, 죽음과 같은 어두운 층위를 응시하면서도, 그 안에서 다시 움직이는 힘을 집요하게 포착해 낸다. 절망과 단절의 기록이 아닌, 그 이후를 향해 열려 있는 세상. 검고 하얗고 가득 차 있으며 꿈틀거리는 이곳에서, 시간 이후의 문이 열리고, 우리는 그 문턱에서 아직 알지 못할 가능성의 빛을 목격한다. 신리사 미술사·학고재 기획팀장

제주 ‘포도호텔’ ‘방주교회’ 등을 설계한 재일한국인 건축가 이타미 준(유동룡·1935~2011). 일본에 살면서도 평생 한국 국적을 유지하고, 한국의 자연과 경관을 사랑했던 이타미 준과 그의 딸 유이화(이타미준건축문화재단 이사장) 건축가의 작품을 소개하는 전시가 열린다. 서울 한남동 복합문화공간 페즈(FEZH)에서 다음달 6일부터 열리는 ‘바람의 건축 : 이타미 준과 유이화의 바람이 남긴 호흡’은 총 29점의 건축 작품을 비롯해 회화와 가구 등 두 사람의 다양한 작품이 함께 전시된다. 건축 모형, 드로잉, 스케치, 영상 등으로 구성된 네 개의 테마는 2020년대 유이화의 작품부터 1970년대 이타미 준의 데뷔작까지 시간을 거슬러 전개된다. 이타미 준은 생전에 ‘바람의 언어를 듣는 건축’이라는 철학으로 건축 세계를 펼쳤고, 유이화는 아버지의 건축 철학을 기반으로 ‘그 땅에 살아왔고, 살고 있고, 살아갈’ 생명의 소리에 귀 기울이는 건축 세계를 이어왔다. 이번 전시는 두 건축가의 철학적 흐름을 확인해 볼 수 있도록 구성됐다. 전시 장소인 페즈는 유이화 건축가가 설계한 공간이다. 복잡한 도심 속에서 자연과 인간의 온기와 호흡을 통해 모두의 회복을 향하는 공간으로 설계됐다. 이타미준건축문화재단 관계자는 “두 건축가가 건축으로 전하고자 했던 이야기를 통해 건축이 관계 맺은 땅과 우리 삶의 모습을 함께 그려보는 시간이 되기를 희망한다”고 말했다. 전시는 내년 1월18일까지.

중견 작가 성연웅이 경기도 화성에 ‘안녕 475 갤러리’를 27일 개관한다. 성연웅은 색채와 질감, 그리고 인간 내면의 미세한 떨림을 화면 위에 고요하게 포착해내는 작가로 화단의 사랑을 받고 있다. 그런 그가 이번에 화가에서 갤러리 관장으로 변신해 새롭게 성장하는 수도권 도시 화성에 서 동료 화가들과 화성 시민들을 연결하는 전시 기획자로 나섰다. 사실 화성시는 인구 104만 명을 넘어서는 대도시로 성장했음에도 불구하고, 시민이 일상 속에서 문화를 향유할 수 있는 예술 공간이 부족하다는 지적이 꾸준히 제기돼 왔다. 이러한 지역 상황에서 ‘안녕 475 갤러리’는 화성 시민의 문화적 갈증을 해소하고, 화성 예술 생태계의 다양성과 확장성을 높이는 데 중요한 역할을 할 것으로 기대된다. 성연웅 관장은 “갤러리를 중심으로 주민들이 자연스럽게 모이고, 소통하고, 함께 배울 수 있는 열린 문화 플랫폼으로 역할을 다하겠다”고 개관 소감을 밝혔다. 개관을 기념하는 첫 전시에는 토마스, 강승희, 금사홍, 이만수, 이종한, 박순철 작가를 비롯한 다양한 장르의 국내외 작가가 참여해, 화성 시민과의 본격적인 소통의 장을 연다. 영국 출신의 미국작가인 토마스는 왕립예술학교(RCA) 출신이며, 이번 전시에 출품한 작품은 제2차 세계대전 당시 사용하던 방독면 박스위에 올리브를 물고 있는 자화상을 그려냈다. 어둠 속에서 생명을 지키던 도구가 이제는 그 생명의 회복을 이야기한다. 강승희는 우리나라 대표적인 동판화 작가로서 그의 작품은 동판화 기법으로 마치 먹이 번지는 듯한 수묵화의 느낌을 표현하고 있다. 금사홍 작가는 작가와 자연이 하나가 되는 그만의 독특한 ‘전일적 산수’를 선보인다. 이만수 작가의 작품은 더해지고, 씻어내는 과정을 통해 켜켜히 쌓이는 흔적의 느낌이 깊이있게 다가 온다. 이종한 작가의 작품은 한지를 이용해 감성적으로 따뜻한 정서를 담고 있으며, 박순철 작가는 대담한 붓질로 동양철학적인 사유를 표현한다. 이외에도 회화·조각·도예 등 폭넓은 작품 세계를 통해 관람객은 현재 한국 ‘Contemporary art’의 생생한 흐름을 한자리에서 경험할 수 있다.

도예가 이종능은 평생을 흙과 불을 껴안고 살아왔다. 그가 창시한 ‘토흔(土痕)’은 ‘흙의 표면에 남은 생명의 숨결과 불의 흔적을 쫒아 기어이 우주의 그림자라도 잡아 보려는’ 창작법이다. 인위적 장식이나 완벽을 거부하고, 자연과 인간이 공존하는 흔적 그대로를 쫒아 우주의 잔영을 흙 속에 남긴다. 토흔의 미학은 ‘비움의 미(美)’이자 ‘순환의 철학’이다. 그가 만드는 빈 그릇은 단순한 용기가 아니라, 시간과 생명을 갈아넣어 미궁같은 허공을 만들어 내는 일이다. 그건 “흙이 인간이 되고, 인간이 다시 흙으로 돌아가는 길에 통과하는 버뮤다 같은 공간”을 상징한다. 이종능은 지난 40년 동안 뉴욕, 워싱턴, 런던, 도쿄, 오사카, 두바이, 아부다비, 러시아 등 세계 주요 도시를 순회하며 한국 도자미의 현대적 정수를 알려온 세계가 주목하는 작가 반열에 올랐다. 그의 작품은 순회 전시국 언론으로부터 “자연과 인간의 숨결을 흙으로 빚어 가슴의 불로 숙성시킨 우주 철학자”라는 찬사를 들었다. 이종능이 다음달 3일부터 닷새간 서울 종로구 인사동 통인화랑에서 그의 도예 인생 40년을 집대성하는 회고전을 연다. 전시 제목은 ‘MUNDUS-우주의 파동’. ‘MUNDUS’는 라틴어로 ‘세상, 우주’를 의미한다. 흙을 매개로 생명의 순환과 우주적 에너지를 도자 작품에 담았다. 대표작 ‘Aurora ex Marte(화성에서 온 오로라)’와 ‘Anthleus Primordial(태초의 첫 숨)’은 강렬한 색과 층위감 있는 질감을 통해 생명의 탄생과 우주의 움직임을 암시한다. 그가 창시한 ‘토흔’은 이제 세계가 주목하는 미학의 경계를 넘어 철학적 언어를 교감하는 도구로 진화하고 있다. “흙을 빚어 빈그릇을 만드는 일이 늘 새로운 우주를 만드는 일인 줄 사람들은 모른다. 내가 만든 빈 공간에 무엇을 채우는가를 보아야 그들이 비로소 나와 만나게 될 것이다” 라고 말하는 도예가 이종능은 묻는다. 꽃을 담을까요? 빛을 담을까요? 돈을 ? 아니면 그저 비어있음을….

한국 추상미술 거장 김환기(1913∼1974)의 전면점화가 한국 미술품 경매 사상 두 번째로 높은 가격을 기록했다. 김환기의 1971년작 ‘19-VI-71 #206’은 17일(현지시간) 미국 뉴욕 크리스티가 진행한 ‘20세기 이브닝 세일’에서 본경매가 840만달러(약 123억원)에 낙찰됐다. 구매자 수수료를 포함한 총 낙찰가는 1029만5000달러(약 151억원)다. 이는 2019년 홍콩 크리스티에서 약 153억원에 거래된 김환기의 ‘우주’(05-IV-71 #200)에 이어 두 번째로 높은 기록이다. ‘19-VI-71 #206’은 가로 254㎝, 세로 203㎝ 크기의 전면점화로, 화면 전체를 푸른 점들로 채운 추상 작품이다. 김환기는 1963년 상파울루 비엔날레 참가를 계기로 미국 추상미술의 영향을 받아 뉴욕에 정착했고, 이후 점만으로 화면을 구축하는 ‘점화(點畵)’ 양식을 확립했다. 전면점화 연작은 1970년대 초 기량의 정점에서 제작됐다는 평가를 받아왔다. 크리스티는 해당 작품에 대해 “1971년 전면점화 중 200호 이상은 30점 이내로 추정될 만큼 희소성이 높다”고 설명했다. 이날 경매에는 이우환의 1986년작 ‘바람으로부터’도 함께 출품돼 120만달러(약 17억원)에 낙찰됐다. 한국 작가들의 작품이 크리스티 뉴욕 ‘20세기 이브닝 세일’에 나란히 출품된 것은 이번이 처음이다.

올해 3회째 맞는 장애 예술인과 비장애 예술인이 협업해서 만드는 전시회 ‘오늘, 그림에서’ 가 12월 4일 군포문화예술회관 제1전시실에서 개막한다. 이번 행사는 사단법인 로아트와 한국미술협회 군포지부가 3년째로 협력하여 기획하였으며, 장애와 비장애를 떠난 ‘모두의 예술’을 지향하고, 언어의 문턱을 넘어 붓과 물감, 서로의 상상이 만들어 낸 교감의 기록을 선보인다. 전시 참여 작가는 김소원-임희령, 오승식-이현숙, 이마로-최미사, 이찬영-송인영, 최봄이-류진숙 허민-서소남 등의 작가가 짝을 이루어 참여하여 서로 다른 점을 존중하고, 서로의 예술적 교감을 엮었다. 장벽을 넘어선 예술적 교감은 우리에게 묻는다. “우리는 오늘 무엇을 보고 어떻게 느끼며 어떤 이야기를 함께 이어갈 수 있을까?”를 ‘오늘, 그림에서’를 마주하고 알아보는 기회를 가질 수 있다. 한편 제2전시실에서는 사단법인 로아트 작가들과 서울예술대 학생들이 서로의 유리병을 깨며 새로운 도전을 한 미디어 아트 동화 ‘유리병을 부수며’도 볼 수 있다. 사단법인 로아트에서는 김소원, 이마로, 최봄이, 송상원, 오승식, 이찬영, 서울예술대에서는 김민주, 김윤희, 남하경, 안승주, 이수경, 문성민, 김수빈 작가가 각각 참여한다. 12월 12일까지.

19세기 중반 프랑스에서 ‘이름 난 화가’가 되려면 국가가 주관하는 살롱의 심사를 통과해야 했다. 고전적인 구도와 무겁게 누른 색채, 그리고 영웅과 신화, 역사같이 변하지 않는 주제가 이 세계의 규칙이었다. 그렇지 않은 작품은 심사 단계에서 잘려나가기 일쑤였다. 1874년 4월15일 파리 카퓌신 거리에서 열렸던 첫 인상주의 전시가 조롱과 멸시의 대상이 된 것도 어쩌면 당연한 일이었다. 클로드 모네, 오귀스트 르누아르, 폴 세잔, 카미유 피사로의 같은 이름들이 전혀 특별하지 않았던 때였다. 살롱에서 번번이 낙방하던 젊은 화가 31명은 규칙과 관습을 내다 버리고 빛과 공기의 흐름에 따라 생동하는 순간들을 포착해 캔버스 위로 옮겼다. 호기심에 전시장을 찾았던 관람객과 평론가들은 “캔버스와 물감, 붓을 집어 들고 아무렇게나 몇 가지 색을 던져 놓는다”고 비웃었다. 어떤 이는 모네를 향해 “벽지 무늬 밑그림보다 수준이 낮다”고 했고, 누군가는 르누아르의 인물화를 “보라와 초록 얼룩으로 썩어가는 시체”에 비유했다. 그러나 웃음거리였던 이 전시는 세계 미술사의 흐름을 바꾼 분기점이 됐다. 낡은 주제를 벗어나 바깥에 나가 시시각각 변하는 빛과 삶의 역동성을 포착한 이들의 실험은, ‘인상주의’라는 이름으로 전 세계적으로 가장 사랑받는 사조로 자리 잡았다. 지난해 150주년에 이어 올해도 아카데미즘에서 인상주의가 태동하고, 다시 모더니즘으로 이어지는 서양 미술사를 조망한 전시들이 국내 곳곳에서 열리고 있다. 르누아르의 ‘피아노를 치는 두 소녀’ 유화 완성본 4점 중 2점이 우리나라에서 전시되고 있을 정도다. 1891년 프랑스 정부가 르누아르에게 의뢰해 탄생한 이 작품은 한때 주변부였던 인상주의가 정통 미술의 주류로 편입되기 시작했음을 알린 상징적 사건이다. ◆세상을 바라보는 시선을 바꾼 인상주의 미국 뉴욕 메트로폴리탄미술관(메트)을 대표하는 인상주의 걸작들이 국내에서 처음으로 공개됐다. 국립중앙박물관에서 14일 개막한 특별전 ‘인상주의에서 초기 모더니즘까지, 빛을 수집한 사람들’에서는 리먼 브러더스 투자은행을 경영했던 로버트 리먼(1891~1969)의 컬렉션 65점을 포함해 총 81점의 메트 소장품을 볼 수 있다. 맥스 홀라인 메트 관장은 개막 전날 열린 기자간담회에서 “리먼 컬렉션의 작품들은 단일 대여조차 거의 이뤄진 적이 없었기 때문에 이와 같은 규모의 전시회를 기획하는 것은 매우 특별한 시도”라고 설명했다. 전시는 인상주의가 단순히 ‘아름다운 그림’에 그치지 않고, 19세기 후반 산업혁명을 겪은 프랑스의 급격한 사회 변화 속에서 세상을 바라보는 방식을 근본적으로 바꾼 운동이었다는 점을 환기시킨다. 1부 ‘몸’은 인상주의 화가들이 신화와 역사 속 이상적인 인체에서 벗어나 일상에서 마주하는 현실적이고 인간적인 몸을 탐구한 변화를 다룬다. 세잔의 ‘목욕하는 사람들’ 등은 이상과 현실이 교차하는 자연 속에서 누드화가 표현의 실험장으로 확장된 과정을 보여준다. 2부 ‘지금의 얼굴, 초상과 개성’에서는 오랫동안 상류층의 권위를 드러내기 위한 전유물이었던 초상화 장르가 다양한 계층의 사람들의 개성을 표현해내는 인물화로 변화하는 모습을 확인할 수 있다. 르누아르의 ‘피아노를 치는 두 소녀’와 피에르 오귀스트 코의 ‘봄’은 전통과 변화가 공존하던 예술의 흐름을 드러낸다. 3부와 4부에서는 철도의 발달과 산업혁명, 파리 재개발 이후 변화한 도시와 자연, 전원의 풍경과 생활상을 보여주며 공간을 단순한 배경이 아니라 예술적 탐구의 대상으로 바라본 작가들의 시선을 보여준다. 마지막 5부는 강과 바다 등 물 위에 비친 빛과 색의 변화를 관찰하고 실험을 통해 인상주의가 새로운 예술로 태동하는 과정을 조명한다. 전시는 내년 3월15일까지. ◆세잔, 르누아르… 두 거장의 예술 세계는 국립중앙박물관 전시가 예술의 전환기에 주목하며 당대 거장들의 작품을 다양하게 담았다면, 한국·프랑스 수교 140주년을 맞아 서울 서초구 예술의전당에서 열리고 있는 ‘오랑주리-오르세 미술관 특별전: 세잔, 르누아르’는 인상주의에서 출발해 각기 독창적인 화풍을 구축한 두 거장의 예술 세계를 비교해 볼 수 있는 전시다. 이번 전시를 위해 프랑스 국립 오르세 미술관과 오랑주리 미술관이 협력해 엄선한 작품 50여점이 비행기 4대를 타고 서울에 왔다. 총 6개 섹션으로 구성된 전시는 첫 장면부터 두 사람의 대비되는 화풍을 정면으로 제시한다. 세잔의 인물화인 ‘세잔 부인의 초상’과 르누아르의 인물화 ‘광대 옷을 입은 클로드 르누아르’를 나란히 걸었다. 가족을 향한 작가의 시선이자, 서로 다른 예술 철학의 결정체다. 세잔은 감정을 절제한 정밀한 묘사로 존재의 구조를 해석했고, 르누아르는 빛과 질감에 온기를 담았다. 이처럼 전시는 두 작가의 풍경화와 인물화, 정물화 등을 비교하며 나아간다. 이 전시에도 르누아르의 ‘피아노를 치는 두 소녀’ 한 점이 걸렸다. 르누아르의 손끝에서 피어난 빛의 떨림은 관람객의 시선과 함께 여전히 살아 움직인다. 전시의 마지막은 파블로 피카소로 이어진다. 세잔과 르누아르는 19세기 후반 미술사의 흐름을 이끌며 인상주의를 넘어 현대미술의 기반을 닦는 이정표 역할을 했다. 이들의 작품은 20세기를 대표하는 화가 피카소에게 큰 영향을 미쳤다. 세잔의 분석적 회화는 입체주의의 등장을 견인했고, 르누아르의 색채는 피카소의 고전주의 회귀에 영향을 줬다. 전시는 내년 1월25일까지.

미국 셧다운으로 연기됐던 고(故) 이건희 회장 기증품 첫 국외순회전이 15일(현지시간) 워싱턴에서 개막한다. 국립중앙박물관이 국립현대미술관과 진행하는 고(故) 이건희 회장 기증품 국외순회전의 첫 번째 전시로 ‘한국의 보물: 모으고, 아끼고, 나누다’를 미국 워싱턴 국립아시아예술박물관에서 15일 개최한다고 14일 밝혔다. 국립아시아예술박물관 측은 “미국 연방정부의 일시 업무 중지에 따른 임시 휴관으로 전시 개막일을 한 차례 연기했으나 12일 연방정부 업무 재개로 특별전을 개막하게 됐다”고 설명했다. 국립아시아예술박물관은 미국 스미스소니언 산하 기관으로, 사업가이자 수집가인 찰스 랭 프리어가 아시아 미술품을 기증해 1923년 개관한 박물관이다. 이곳은 미국에서 가장 먼저 한국미술을 전시한 박물관으로 꼽힌다. 이번 전시에는 박물관이 소장한 정선 ‘인왕제색도’를 비롯해 국보 7건, 보물 15건 등 문화유산 172건 297점과 국립현대미술관이 소장한 박수근, 김환기 등 한국근현대미술 24점이 출품된다. 이번 전시는 삼국시대부터 20세기에 이르기까지 수 세기에 걸친 한국미술의 창의성과 혁신을 보여주는 전시다. 조선시대 책가도 병풍을 통해 한국의 수집 문화를 살펴보는 것으로 시작해, 다양하게 수집된 미술품에서 발견할 수 있는 한국 문화사 속 중요한 주제들을 짚어 나간다. 박물관 기증품 중 조선시대 서화로 정선의 ‘인왕제색도’, 선비들의 사랑방과 수집 문화를 보여주는 ‘책가도’, 이명기의 ‘조항진 초상’, 김홍도의 ‘추성부도’ 등이 전시된다. ‘케이팝 데몬 헌터스’로 유명해진 ‘일월오악도’와 한글 역사와 예술성 및 왕실 불교 신앙을 보여주는 ‘월인석보’도 주목된다. 삼국시대 ‘금동보살삼존입상’, 고려 ‘대방광불화엄경 권15’, 조선시대 ‘사직사자도’와 ‘법고대’가 한국 불교문화 전반을 보여준다. 도자로는 대표 고려 상감 청자 ‘청자 상감운학문 완’, 조선 백자 ‘천·지·현·황이 새겨진 백자 사발’, ‘백자 청화 산수무늬병’ 등이 대표적이다. 박물관 관계자는 “이번 전시는 미국과 영국의 한국실 거점 박물관에서 열리는 대규모 한국문화 특별전”이라며 “박물관이 미국과 영국의 주요 박물관을 대상으로 추진해 온 한국실 지원 사업의 오랜 협력이 결실을 맺은 결과”라고 소개했다. 전시는 내년 2월1일 폐막 후, 워싱턴을 떠나 미국 중서부 시카고로 이동해 내년 3월7일부터 7월5일까지 시카고박물관에서 다시 열린다. 이후 영국 런던 영국박물관에서 내년 9월 10일부터 2027년 1월10일까지 개최될 예정이다. 다음 순회지 시카고와 런던에서 각 지역과 개최 기관의 관람객 특성을 반영해 일부 전시품을 새롭게 구성해 선보일 예정이다.