새벽-광안대교“작가로서 고뇌하고 방황하던 시절 새벽 귀가길에 보여진 풍경이 마음을 사로잡았습니다. 다음날 그 시간 그 장소에 가 그림을 그리기 시작했습니다.”새벽도시를 그리는 작가로 잘 알려져 김성호 작가의 작품전이 17∼30일 인사동 선화랑에서 열린다. 작가는 여명이 움트기 전 깊은 밤과 새벽 경계의 도시를 인상적으로 그리는 작가로 정평이 나 있다. 새벽이 그에게는 마음의 본향, 친구나 다름없다. 마음껏 저간의 사정을 풀어 놓아도 어머니품 처럼 말없이 품어주는 시공간이다. 자신을 향해 볼수 있는 관조의 새벽이기도 하다..작가는 포착된 일상적 도시풍경을 다양한 화면구성으로 전개해 나간다.특히 원경, 중경, 근경의 구도는 물론 하늘 위에서 보는 듯한 시점이 그렇다. 넓은 화면 대부분을 과감히 어둠으로 처리하기도 한다.  새벽- 해운대색의 사용에 있어서도 초기 작업에선 색을 혼합해 썼으나, 2000년대 들어서부터는 점점 원색을 두드러지게 부각시키고 있다. 드라마틱한 명도의 차이를 보이는 그림부터, 화려한 원색의 그림과 어슴푸레한 단색의 차분한 그림까지 다채롭다. 화면을 채우는 방식은 두 가지이다. 파란색계열과 블랙에서 회색, 원색(노랑, 녹색 등)을 화면 가득히 과감하게 펼쳐 놓고있다. 밝고, 높은 채도의 색감으로 도시의 눈 부신 불빛을 그려내는 방식과 밝은 바탕 위에 어둠을 넓게 또는 세밀하게 덮어가며 그리기도 한다. 감각적인 터치로 그려진 도시 새벽은 보는 이에게 강하고, 깊은 인상을 남긴다.이번 전시에서는 단색의 작업도 보여준다. 좀 더 아련하고, 따뜻한 느낌을 관객에게 전달하기 위함이다. 다른 단계로의 새로운 작업을 시사하는 대목이다.(02)734-0458

전시장에 사찰이나 한옥 정원에서나 볼 수 있는 물확(돌에 홈을 파서 물을 담아두는 것)이 널려져 있다. 맑은 물이 가득 채워져 있고 푸른 이끼가 무성하다. 전시장 관리자가 정원을 가꾸듯 하루에 서너 번씩 물을 채우고 뿌린다. 그래도 건조한 날씨 탓인지 이끼 일부가 말라 죽었다. 조각가 이영학(66)의 전시장 풍경이다. 언뜻 보면 실내조경 전시회 같은 분위기다. “돌을 쪼아 물확을 만들고 이끼를 키우는 데 10년이 걸린 작품들입니다. 생태환경에 민감한 이끼가 가장 먼저 반응을 보이고 있네요.” 그가 안타까운 듯 전시장 관리자에게 이끼 생태에 대해 이것저것 조언을 해준다. 물확에 낀 이끼도 작품이기에 명화전시 못지않은 습도조절이 급선무다. “제게 물확은 명경지수(明鏡止水)의 세계입니다. 맑은 거울과 조용한 물 같이 티없이 맑고 고요한 세계지요.” 그가 명상에 잠긴 듯 물확을 물끄러미 바라보고 있다.“물확에 시선을 주면 마음이 절로 조용해지지요. 사람들이 거울 대신 비쳐볼 수 있는 물은 흐르는 물이 아니라 가만히 정지해 있는 물입니다.”물확 작품 사이로 들어앉은 이영학 작가. 그가 돌과 무쇠를 만지는 데 가장 중시하는 것은 최소한의 손길만 준 뒤 멈춰야 할 때 딱 멈추는 것이다. 그의 작품이 미니멀한 느낌을 주는 이유다.그에게 물확은 내면의 소리를 듣게 하는 명상으로 이끄는 도구인 셈이다. 작가에게도 그동안 살아 온 인생만큼 많은 일들이 스쳐갔다. 누구나 삶은 파란만장하다 하지 않는가. 그가 요즘 부쩍 물확만 바라보는 시간이 많아졌다. 마음이 집중되니, 마음이 잔잔하다. 다름 아닌 명경지수의 모습이다.“질박한 물확에 담긴 물에 푸른 이끼가 초록물을 들이고, 그 위로 꽃잎이 내려 앉으면 고요한 아름다움에 도취될 수밖에 없어요. 어느새 세상 근심은 저 멀리 달아나 버리지요.”그래서 물확이 있는 공간엔 삶의 여유와 마음의 평화가 있다. 사찰의 스님과 한옥의 선비들이 물확을 가까이 한 이유다. 힐링스페이스가 되는 것이다.“물확은 거처 공간과 자연의 소통 매개체입니다. 마치 제가 물확을 통해 제 자신의 내면과 마주하는 것과 같은 역할이지요.”그는 물확을 일본 정원의 개념처럼 자연을 가두는 도구로 생각해서는 안 된다고 강조했다. “제가 물확을 만드는 것은 연금술사 같은 일이지요. 브라질 소설가 파울로 코엘료의 소설 ‘연금술사’에서 연금술사가 소설속 주인공인 산티아고에 전하는 말이 가슴에 조각처럼 새겨졌습니다.”연금술사는 산티아고에게 이렇게 말했다. ‘바로 이게 연금술의 존재 이유야. 우리 모두 자신의 보물을 찾아 전보다 더 나은 삶을 살아가는 것, 그게 연금술인 거지. (…) 우리가 지금의 우리보다 더 나아지기를 갈구할 때, 우리를 둘러싼 모든 것들도 함께 나아진다는 걸 그들은 우리에게 보여주는 거지.’ 그는 예술이 이 시대의 연금술사 역할을 해야 한다고 했다. 화강석을 부분적으로 자르거나 파내어 만드는 물학이 그렇듯, 그는 녹슨 농기구 쇠붙이로 새 조형작업도 꾸준히 해 오고 있다. 낯설지 않아 마음을 푸근하게 해 주는 작품들이다. 농기구의 변신에 해학과 재치가 넘친다.“예로부터 새는 지상과 천상의 매개체로 여겨졌던 동물입니다. 자유와 꿈의 상징이기도 하지요. 새를 통해 농기구와 함께 했던 이들을 위무하고 싶었습니다.”어쩌면 그는 고단한 인생살이에 대한 변론을 하기 위한 것인지도 모른다. 그의 조각은 낫이나 쇠스랑, 부엌칼 등 우리에게 가깝고 친숙한 삶 주변의 무쇠 연장을 오브제로 하고 있다. 세월과 함께 쌓인 녹은 토속적이고 원초적이기까지 하다.“부지런한 농부를 따라 넓은 땅을 일구다가 닳고 기력이 다해서 쉬고 있던 농기구, 억센 근육을 지닌 대장장이가 쇠를 내리쳐 모양 좋은 연장으로 만들던 망치, 알뜰하고 솜씨 좋은 아낙이 사용하던 부엌 살림도구 등 우리 국토 구석구석과 갑남을녀들의 숨결이 느껴지는 무쇠 연장들입니다. 그들의 고단한 삶이 자유와 꿈으로 결실됐음을 증언해 주고자 했습니다.”녹슨 농기구 쇠붙이로 만든 ‘새’ 시리즈그는 녹슨 농기구에서 우리네 삶을 보았다. 농기구로 새를 만드는 것은 일종의 삶에 대한 찬가다. 바람이자 기원이기도 하다. 소설 ‘연금술사’ 속으로 다시 가 보자. 살렘의 왕 멜기세덱이 양치기 산티아고에게 ‘자아의 신화’를 찾는 모험을 떠나라고 충고하는 대목이다. ‘세상 만물은 모두 한가지라네. 자네가 무언가를 간절히 원할 때 온 우주는 자네의 소망이 실현되도록 도와준다네.’ “멜기세덱의 메시지는 이 세상의 위대한 진실, 그것은 바로 누군가 온 마음을 다해 바란다면 반드시 그렇게 이루어진다는 것입니다. 무언가를 절실히 소망하는 마음은 곧 우주로부터 비롯되기 때문이라는 것이지요.”그의 작품은 ‘염원의 부적’ 같은 것이라 할 수 있다. 생전에 소설가 박완서도 그의 수유동 작업실을 찾은 적이 있다. 당시 박완서 선생이 건넨 연탄 집게와 식칼도 새가 됐다. 박완서는 이영학의 작품에 대해 긴 글도 남겼다. 새가 된 것은 식칼과 연탄 집게뿐은 아니다. 처녀들이 대처로 도망칠 때 밭고랑에 내던진, 혹은 만삭의 아낙이 김을 매다가 그 자리에서 몸을 풀기 위해 힘 없이 놓친 호미도, 기역 자도 모르는 무지랭이의 일생 동반자였던 낫도, 밤새워 등잔불을 돋우고 바느질을 해야 했던 상봉하솔의 고단한 며느리에게 입에 혀처럼 순종했던 인두와 가위도, 울컥울컥 지하수를 토해내던 펌프 주둥이도, 노련한 미장이 솜씨에 의해 진흙 반죽을 길이 잘 든 장판처럼 매끄럽게 다듬어주던 흙손도, 대목이 잘 다듬은 나뭇결에 정확하게 대못을 박던 장도리도, 쓰임새에 따라 섬세하게 모양을 달리하던 쇠스랑도, 기둥과 문짝 사이에 끼어서 생전 햇빛을 못 보던 돌쩌귀도 모두모두 새가 되었다.왜 하필 새였을까. 박완서는 그건 이영학이 그 도구들로 상징되는 고단한 삶을 위무하고 자유와 해방으로 보상하려는 제의 같은 것이라 했다. 새가 된 도구들은 닳고 녹슨 것들뿐이다. 새것은 하나도 없다. “어디에도 끼지 못한 하찮고 낡은 것이라도 삶의 강을 건넌 모든 이들은 새가 된다고 생각합니다. 육체노동 그 신성한 고통을 아는 이들은 자유로운 새로 날 자격이 있습니다.”새는 본래 아름다운 유선형의 자태와, 명랑하고 때로는 구슬프게도 들리는 울음을 지니고 있다. 이는 광대무변한 시공간 속에서도 생명이 박동하며 이어지고 있다는 신호이며 노래이고 상징이다. “‘새’ 작품들이 때론 우리의 우울과 망각의 시간들을 문득 깨워줬으면 하는 바람이 있습니다. 우리의 내면으로부터 아늑하고 우아하고 신비한 날갯짓과 울음소리를 들려주기를 기대합니다.” ‘명상 조각’의 추구라는 얘기다. 28일까지 사간동 현대화랑 개인전. 글·사진=편완식 미술전문기자

디올은 '에스프리 디올-디올 정신' 전시회 관람 및 특별 프로그램 사전 예약을 진행한다고 15일 밝혔다.이번 전시회는 오는 20일부터 8월25일까지 동대문디자인프라자(DDP)에서 개최한다. 크리스챤 디올의 과거 작품들과 디올의 크리에이티브 디렉터 라프 시몬스의 최근 작품을 만날 수 있다.에스프리 디올-디올 정신 웹사이트(espritdior.com)에서 예약할 수 있다. 관람 시간은 오전 10시부터 6시까지다. 마지막 입장은 5시 30분에 마감한다. 입장료는 무료다.전문 가이드와 함께 하는 전시 투어 및 수석 큐레이터의 특별 강연도 마련한다. 가이드 투어는 주중 매일 오후 2시와 4시 가운데 선택할 수 있다. 수석 큐레이터의 특별 강연은 오는 20일 오전 11시에 진행한다. 한편 서울 강남구 청담동에 위치한 '하우스 오브 디올'은 오는 20일 오픈한다. 세계적인 건축가 크리스챤 드 포잠박(Christian de Porzamparc)과 피터 마리노(Peter marino)가 설계 및 인테리어에 참여했다.

서울 용산구 한남동 블루스퀘어  네모(NEMO)에서 프랑스 출신 세계적인 팝 아티스트  '장 샤를 드 까스텔바쟉'의 한국 전시 오프닝 행사가 열렸다.패션디자이너로도 유명한  '까스텔바쟉'의 이번 전시는 12일부터 26일까지 한남동 블루스퀘어 복합문화공간 네모(NEMO)에서 열리며   처음 공개되는 1990년대  회화작품을 포함, 한국 전시를 위해 특별히 그린 신작까지 총 100여점을 선보인다. 남제현 기자 jehyun@segye.com

캔버스에 붓이 아닌 조각칼로 형상과 색채를 표출하는, 독특한 화풍의 작가 이미애의 두번째 초대전이 24일부터 7월 7일까지 희수갤러리에서 열린다.도예기법은 이미애 작품의 가장 큰 모티브다. 도예를 공부하면서 흙과 유약, 그리고 구워내는 소성에 따라 다양한 모양과 기법으로 빚어지는, 깊고 투박한 멋에 매료된 작가는 이를 작품으로 이어갔다. 마침내 그녀는 회화에 도예기법을 적용해 작가 특유의 감각적 이미지로 삶을 표현해낸다. 그녀의 기법은 삶이란 관념의 경계를 넘어 미묘한 형태로 구현된다.지난해 초대전이 도예기법을 적용한 시험적 단계로 다소 거칠게, 태초의 원시적인 힘이 느껴지는 생명력을 표현했다면, 이번 작품들은 보다 정교해진 기법과 풍성한 색채를 여유롭게 드러낸다. 작가는 사람들과의 얽힌 삶을 숲으로, 나무로 표현해낸다. 끝없는 숲속에서 그녀는 잃어버린 자신의 정체성을 꽃잎으로 부활시킨다. 꽃잎은 때론 대지에 깊이 뿌리를 박고 붉은 꽃으로 형상화 되기도 하고, 바람에 나부끼며 숲속 저편 길로 흐드러지게 날아가며 현실로부터 위안과 함께 자유에 대한 열망과 희망의 메시지를 건넨다.이미애는 홍익대 회화과를 졸업하고 SOAF, AHAF, 도어즈 아트페어를 비롯해 개인·그룹전에 출품하며 왕성한 작품활동을 펼치고 있다. (02)737-8869김신성 기자 sskim65@segye.com

우리의 근본에 대해 생각해볼 수 있는 전시가 두 곳에서 열리고 있다. 하나는 서울미술관이 8월 9일까지 진행하는 ‘모든 것이 헛되다(All(is) Vanity)’전이다. 17세기 네덜란드 플랑드르 지역에서 많이 그려졌던 바니타스(Vanitas) 양식의 회화를 모티브로 삼았다. 당시 사람들은 흑사병과 금욕주의 속에 살아야 했고 미술작가들은 그러한 불안과 혼란을 캔버스에 그려냈다. 삶의 덧없음이 화폭에 넘쳐흐른다. 해골, 책, 꺼진 촛불, 시든 꽃, 보석 등은 각각 생명이나 지식, 시간, 젊음, 재물 등의 유한함과 허무함을 상징했다. 전시에는 바니타스 양식을 새롭게 재현한 미디어 아트, 사진, 설치, 조각 등이 출품됐다. 가장 눈길을 끄는 작품은 호주 출신 작가 샘 징크의 작품이다. 의료용 실리콘을 이용해 중년남성이 죽은 노인을 안고 있는 모습, 엎드린 아기들의 모습 등을 보여준다. 머리카락은 실제 인모를 사용해 생체를 보는 듯하다. 샘 징크의 ‘Woman and Child’.전시작 주변 벽이나 바닥에는 ‘당신은 노년의 시간에 대해 생각해 본 적 있습니까’, ‘당신은 오늘 어떤 가면을 쓰고 있었습니까’, ‘당신은 명품입니까’, ‘당신이 보고 있는 것은 모두 진실입니까’ 등의 문구를 붙여놔 관람객에게 생각거리를 던져준다. (02)395-021121일까지 서울 압구정동 청작화랑에서 개인전을 갖는 박은숙(61) 작가의 그림은 우주 빅뱅시대를 화려한 채색으로 옮겨 놓은 듯하다. 무한한 은하계를 광주리에 듬뿍 담아 보여주려는 것 같기도 하다. 우주와 생명 탄생에 대한 경외라 할 수 있다. 빅뱅 시대를 예술적 상상력으로 끌어 오고 있는 것이다.“태초에 대한 찬미라 할 수 있어요. 환희, 희락, 기쁨, 하모니, 엑스터시 등으로 표현해도 늘 부족함이 느껴져요.”그는 태초의 세계, 빛의 세계를 예찬하고 있는 것이다. 보이지 않는 근원의 세계다. 별빛과 정적만이 휩싸고 있다. 고요의 장막이다. 우주시대의 담론의 형상화라 하겠다. “하늘 한번 쳐다보지 못하고 분주하게 잡다함에 떠밀려 살아가는 현대인들에게 태초의 ‘명상 공간’을 환기시켜 주고 싶었습니다.”박은숙의 ‘근원’ 시리즈.그의 그림은 작은 원통 모양이 두드러져 보이다가도 기하학적인 삼각형이 강조되는 듯한 모습으로 이어진다. 수채화 같은 화면 처리는 시적 풍경으로 다가온다. “나이가 들면서 ‘화가는 정원을 가꾸는 사람과 같다’는 마티스의 말에 더욱 공감하게 돼요.” 그가 캔버스에 자신의 정원을 꾸미고 있는 것이다. (02)549-3112편완식 미술전문기자

중견 작가 전병현(57)과 사석원(55)은 늘 새로운 시도로 한국화단을 보다 풍성하게 해주는 작가로 정평이 나 있다. 두 작가가 거의 동시에 전시를 열고 있는 이번에도 색다른 도전을 했다. 전병현 작가는 눈 감은 얼굴 표정과 주변의 소소한 일상의 소재를 과감하게 클로즈업했다. 사석원 작가는 궁궐에 동물이 있는 풍경을 그렸다. 작가로서 쉽지 않은 선택들이다. 한지 부조회화로 한국미의 숙성된 맛을 보여주고 있는 전병현 작가. 그는 “작가에게서 새로운 시도는 상상력을 발동시키는 단초가 된다”고 말했다.전병현 작가는 최근 태광그룹이 운영하는 일주 선화갤러리에서 ‘눈감은 표정’전을 열어 주목을 받았다.“우리는 인생의 절반을 눈을 감고 산다. 눈을 감으면 떠오르거나 생각나는 것이 많다. 눈을 감으면 보이는 것을 그리고 싶었다.”그는 사람이 새롭게 눈을 뜨기 위해서는 반드시 눈을 감고 있어야 한다는 점에 착안했다. 그가 모든 화가들이 버리는 패라 여겼던 눈감은 표정을 작업의 모티브로 삼은 이유다. 동양철학에서 얘기하는 ‘심안의 세계’를 거론하지 않더라도 눈감은 표정에서 내면의 세계를 읽을 수 있다고 믿는다. 사실 눈을 감은 표정을 담는 사례는 극히 드물다. 루브르박물관에 소장된 미완의 미켈란젤로 조각상 ‘빈사의 노예’에서나 볼 수 있다. 두 손으로 머리와 가슴을 쥐어 뜯고 있는 남자 노예는 눈을 감고 있다. 고통을 내면 속 깊게 형상화하고 있는 모습이다. 1890년 화가 르동도 자신의 아내에게 ‘빈사의 노예’처럼 포즈를 취하게 하고 그림을 그렸다. 오르세미술관에 소장된 ‘감은 눈’은 그렇게 탄생됐다.“눈을 감아야 비로소 보이는 얼굴이 있다. 눈을 감아야 비로소 그려지는 얼굴이 있다.”한지 부조작가로 잘 알려진 그는 25일까지 인사동 노화랑에서 여는 ‘전병현 소품 100선’전에서는 또 다른 색깔의 작품을 보여준다. 모자, 숟가락, 젓가락, 촛불, 찻잔, 과일, 김치 등 주변에서 쉽게 볼 수 있는 친숙한 것들을 그린 작품이다. 작가 자신을 둘러싸고 있는 정물들을 시간 날 때마다 애정 어린 눈빛으로 마주하면서 제작한 작품들이다. “주변 것들은 낯설지 않고, 강요하지 않는 편안함으로 다가오게 마련이다. 번잡한 현대인들이 잠시 쉬어갈 수 있는 이미지들이라 할 수 있다. 하지만 흔한 소재일수록 실력이 그대로 드러난다는 점에서 용기가 필요하다.” (02)732-3558강렬한 원색과 폭발력 있는 붓터치로 화단을 풍미하고 있는 사석원 작가. 그는 비록 서양물감을 쓰지만 한국화의 붓으로 새로운 화업을 만들어 내고 있다.12일∼7월 12일 평창동 가나아트센터에서 개인전을 여는 사석원은 동물이 있는 고궁풍경을 담았다. 전시제목은 ‘고궁보월(古宮步月)’이다. 옛 궁궐에서 달의 그림자를 밟으며 그린 듯한 그림이다.“조선의 궁궐을 여기저기 왔다 갔다 하면서 역사 속을 기웃거렸다. 줄곧 궁을 비추는 달처럼 궁 안 풍경을 은근한 시선으로 내려다보고 싶었다.”그는 역사 속 인물들은 사라졌지만 동물들의 아우라로 역사적 허전함을 대신하고, 증언하게 했다. “만약 하늘에 떠 있는 달이 초고화질로 세상의 모든 구석구석까지 보고 있었고 또 본 것을 저장하고 있었다면 달은 역사의 궁금증을 풀어주는 폐쇄회로(CC)TV가 될 것이다.”그는 달을 시공을 초월한 슈퍼 울트라 CCTV로 가정한다. 작가적 상상력이다.사석원의 ‘부엉이가 있는 창덕궁 후원’.“살아오면서 나는 수없이 많은 날들을 달빛 아래서 서성거렸다. 과거 사람들도 달빛에 취한 채 그랬다. 그 밤에 적지 않은 이야기들이 만들어졌을 거다. 조선의 왕들도 고뇌나 희열에 들떠서 달의 그림자를 밟았을 것이다.” 그는 튜브 물감을 그대로 캔버스에 짜 올려 화려하고 두터운 질감을 만들어 낸다. 한국화 붓의 터치와 강렬한 색의 조화는 민화와 단청의 미감을 떠올려주게 한다. 흑백의 물감으로 그린 수묵화 같은 그림도 처음 선보인다. (02)3217-0235편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

김성운 삼육대 커뮤니케이션디자인학과 교수의 15번째 개인전인 ‘고향회귀의 노래 Ⅸ’가 파리 15구에 위치한 퐁데자르갤러리에서 6월10일부터 20일까지 개최된다. 전시 오프닝은 6월10일 오후 6시에 열린다.이번 전시의 주제는 ‘한국 향수(鄕愁), 파리에 마실가다’로 한국적 전통미와 자생미가 넘치는 작품 ‘향(鄕)-인연’, ‘향-구절초’, ‘향-금강초롱’, ‘향-농악’, ‘향-능소화’ 등 21점이 전시된다. 이번 작품들은 수많은 시도의 완결판으로 작가의 독특한 질감인 빗줄기와 양식화되고 조형화된 ‘소그림’에 한글을 적용시켜 기존 작품과 차별화를 뒀다.

영화 스토리보드를 보는 것 같다. 여러 이미지들이 한 화면에 놓여 있고 별 상관도 없어 보이는 글귀들이 쓰여 있다. 1960년대부터 이미지와 텍스트 간의 상호관계에 주목한 회화들로, 개념미술의 새로운 장을 연 미국 작가 존 발데사리(John Baldessari·84)의 작품이다. 그는 대중매체에서 차용한 이미지들을 해체하고 재조립한 작품들을 통해 미디어 이미지가 전하는 메시지를 관습적으로 인식하는 것에 대해 비판을 하고 있다. 일찍부터 이미지 과잉과 조작을 예술로 환기시킨 것이다. 새로운 내러티브의 가능성을 시사하는 것만으로도 이를 충분히 이행하고 있는 셈이다. 이미지와 텍스트의 부조화를 통해 모호함은 강조되고 관람객에겐 그 분절된 관계와 의미의 틈새를 스스로 채우도록 능동적 감상을 유도한다. 능동적 매체소비나 다름없다. 예를 들어 절단된 여성의 이미지는 강력한 서사적 요소를 내포하고 있음에도 정작 그녀가 누구인지, 무엇을 하려는지, 어떤 장면을 묘사하는 것인지에 대한 구체적인 정보를 제공하지 않는다. 여기에 모순적인 잉여적 텍스트 정보까지 부가한다. 이미지가 자연스럽게 연상시키는 연결고리마저 끊어내고 있는 것이다. 3일부터 7월 12일까지 PKM갤러리에서 열리는 그의 개인전엔 근작과 신작(2008∼2015) 20여점이 출품된다. 사실 현대미술사에 지대한 영향을 미친 발데사리였지만 1990년대까지 시장의 야인(野人)이었다. 2000년대 들어서면서부터 상업갤러리들이 앞장서서 그를 재평가하기 시작하면서 작품 값도 급등했다. 이번 전시에 걸린 작품들의 가격도 3억5000만원에서 5억원에 이른다. 그의 초기작 중 하나인 ‘Quality Material(1968)’은 미술경매에서 440만달러(약 45억원)에 낙찰되기도 했다. 발데사리는 1970년 자신이 13년 동안(1953∼1966) 해온 작업을 모두 불태워버리는 ‘화장 프로젝트’로 화제가 되기도 했다. 개념미술이라는 새로운 예술세계를 알리는 퍼포먼스였다. 현대미술의 스타 리처드 프린스, 데이비드 살르, 셰리 레빈 등이 그의 제자들이다.편완식 미술전문기자

아프리카에 뿌리를 둔 두 작가가 한국 전시를 하고 있다. 나이지리아계 영국 작가 잉카 쇼니바레(53)는 런던에서 태어나 세 살 되던 해 변호사인 아버지를 따라 나이지리아로 돌아가 어린 시절을 보냈다. 10대 후반 학업을 위해 다시 영국으로 돌아왔지만 횡단척수염이라는 불치병으로 반신불수가 된다. 신체적 장애에도 골드 스미스 미술대학교를 졸업한 그는 아프리카의 역사에 주목하고 있는 작가다. 세네갈 태생으로 프랑스에서 10년 동안 작품활동을 하고 있는 두츠(42)는 변화하는 아프리카의 오늘을 화폭에 시적으로 풀어내고 있는 작가다. 두 작가의 작품은 아프리카의 과거와 현재를 가늠해 보게 해준다.오는 10월 18일까지 대구미술관에서 전시를 갖는 쇼니바레는 대학 시절 지도교수의 조언으로 아프리카적인 것이 무엇일까 고민하게 된다. 그는 아프리카 상품을 파는 곳으로 유명한 런던 남쪽의 브릭스턴시장 포목점에서 놀라운 사실을 발견한다. 아프리카산 천으로 널리 알려진 옷감의 원산지가 네덜란드이고, 추상적인 패턴을 만들어내는 밀랍염색이 인도네시아 전통 옷감인 바틱에서 왔다는 것을 알게 된다. 이후 머리 없는 마네킹에 밀랍염색 옷감으로 디자인한 옷을 입힌 작품을 내놓기 시작한다.잉카 쇼니바레의 ‘케이크 맨(Cake Man)’ 시리즈. 누군가에겐 달콤함이 다른 사람에겐 고통의 대상이 될 수 있음을 형상화한 작품이다.“아프리카 전통 천이라 믿었던 옷감이 제국주의와 식민주의 산물이란 걸 알고 충격을 받았다.” 그의 작업의 화두인 ‘역사의 이중성’과 ‘문화적 혼성’이 태동하게 된 배경이다.“쓰여진 역사는 항상 두 개의 얼굴을 가질 수밖에 없다. 그리고 어떤 역사도 완전한 진실을 말할 수 없다. 역사가 기록하는 영웅들은 필연적으로 누군가에겐 잔혹한 침략자일 수밖에 없고, 발전은 분명 누군가의 희생을 담보로 한다. 역사 기술의 상대성은 불가피한 것이라 하더라도 역사왜곡은 세계관과 가치관의 왜곡이라는 치명적인 결과를 만들어낸다.” 잉카 쇼니바레쇼니바레는 왜곡된 가치관이 세상을 지배한다고 해도 세상이 찬란한 정원이기를 소망한다. 역사적 맥락에 미술, 음악, 문학 등을 접목해 자신만의 풍성한 이야기들을 풀어내는 이유다. 영국 현대미술의 1세대로 불리는 영 브리티시 아티스트(YBA)의 일원인 그는 이번 전시에서 조각, 평면, 설치, 영상작업 등을 보여준다.그의 대표작 케이크 맨(Cake Man) 시리즈는 형형색색의 옷을 입은 이가 고층 케이크에 짓눌려 허리를 제대로 펴지 못한 채 서 있는 모습이다. 달콤한 케이크가 누군가에겐 고통의 대상이 될 수 있음을 보여주는 작품이다.그는 식민주의와 문화적 정체성, 그리고 세계화라는 서구가 만들어낸 현대사의 비극적 얼룩들을 때로는 해학적으로, 때로는 냉소적으로 표현하며 자신만의 예술언어를 만들어 가고 있다.“내 작품은 아름답고 화려한 색채로 눈길을 끌지만 그 이면에는 깊은 어두움이 자리하고 있다. 관람객들이 다양한 관점에서 계층, 자본, 인종 등의 문제를 통찰 했으면 한다.” 그는 작품을 통해 세상의 불평등, 가난과 부, 다양한 문화와 계층의 간극을 드러내려 한다.“한국인도 식민지 경험을 공유하고 있어 내 작품에 투영된 아픔을 잘 이해해주리라 믿는다. 작품을 시처럼 느끼면서 읽어 주길 바란다.”그는 영국인이지만 나이지리아의 부족어인 요르바어를 함께 쓴다. 영국에서 교육받았기에 그의 내면에는 두 개 문화가 공존하고 있는 것이다.21일까지 부산 월석아트홀에서 열리는 아프리카현대미술전에 참여하고 있는 두츠는 서울 인사동 통큰갤러리에서도 7월 14일까지 개인전을 갖는다. 그의 화폭 속엔 가난한 달동네 풍경과 더불어 자동차와 빌딩이 혼재하고 있다. 아프리카인들의 삶의 변화를 읽게 해준다. 자동차와 현대적 가옥의 소유, 도시화 등도 아프리카의 현실이 되고 있다.세네갈 작가 두츠가 자신의 작품 앞에 서 있다. 그의 화폭은 언제나 우리 삶을 파라다이스로 이끌고 있다.두츠의 풍경엔 강팍함은 없고 파라다이스만 있다. 누추한 달동네 풍경도 아스라히 간직하고 싶은 여운으로 자리한다. “무엇이 진보고 발전인지 되묻고 싶다. 삶의 본질을 잃고 모든 것을 소유한들 무슨 의미가 있는가.” 그의 작품에서 커다란 자동차와 집의 등장은 이를 은유하고 있다. 욕망의 액세서리로 부각되고 있는 모습이다.“예술가는 요리사와 같다. 요리사는 많은 색색의 재료들을 식재료로 삼아 맛있는 음식을 만들어 내는 데 존재 가치가 있다. 화가도 세상 살이의 맛을 화폭에 맛깔나게 차려내야 한다.”그는 자신을 ‘색의 요리사’라고 자칭한다. 색색의 거친 욕망들을 부드럽고 먹음직한 음식으로 만들어 낸다. “삶은 욕망의 액세서리가 많을수록 불행해진다. 간 맞게 적당히 삶의 음식재료로 삼아야 맛 있는 삶이 된다.”그도 요즘 좋은 집과 자동차에 집착해 가는 자신을 본다. 그럴 때마다 그림으로 경계를 삼는다. 세네갈 다카르 국립예술학교를 수석으로 졸업할 당시 그의 연구논문 주제는 ‘서민 지역의 무질서 건축 연구’였다. 그의 그림에서 건축의 구축적 모습이 보이는 것은 우연이 아니다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com