조선시대 양반의 미의식은 흔히 ‘검박함’으로 표현된다. 절제된 형식에서 풍기는 고고함은 그들 세계관과도 맞닿아 있었다. 하지만 모두가 그랬을 리는 없다. 그들 역시 뽐내고 싶어 했고, 단박에 눈길을 사로잡을 무언가를 갈구했다. 호림박물관의 ‘五色燦爛(오색찬란) - 조선의 나전’ 전시회에서 이런 사례를 만나게 된다. 18∼19세기 것으로 추정되는 화살통바둑돌 상자‘화각(華角)’으로 만든 붓18∼19세기 것으로 추정되는 화살통(사진①)은 몸통 전체에 나전으로 모란당초문을 가득 베풀었다. 꽃술과 잎맥, 줄기의 세부 표현으로 입체감도 살렸다. 화살통 용도와는 어울리지 않는 화려함이 두드러진 작품이다. 바둑돌 상자(사진②)도 그렇다. 측면에 매화, 대나무, 꽃을 장식했고 뚜껑에는 ‘喜(희)’자를 새겨 넣었다. 주인은 바둑판 위 형세보다는 상자를 곁에 두고 감상하는 즐거움에 취하지 않았을까 하는 상상을 하게 한다. 소뿔을 가공한 ‘화각(華角)’으로 만든 붓(사진③)은 노란색과 빨강색의 대비가 강렬하다. 붉은색 바탕의 붓은 구름에 싸인 두 마리 용이 아래 위로 배치되어 있고, 뚜껑에는 꽃과 풀이 그려져 있다. 노란색 바탕의 붓에는 소나무, 구름, 석류가 그려져 있어 장수와 다산에 대한 기원을 엿볼 수 있다. 나전 특유의 영롱한 빛에 눈길을 먼저 두게 되는 전시회다. 거기에 짙은 갈색 빛 몸체가 어우러지며 중후한 기품까지 뽐내는 작품들을 모았다. 19세기 제작된 옷상자19세기 제작된 옷상자는 뚜껑의 각 면을 상자 바탕이 보이지 않을 정도로 나전을 정교하고 빽빽하게 붙여 장식했다. 뚜껑 중앙의 ‘喜’ 문양은 주위에 옷칠을 해두어 더욱 도드라진다. 어피(魚皮)와 구리선 등도 적절히 사용해 문양을 만들어 현전하는 19세기 나전함을 대표하는 작품으로 꼽힌다. 나전의 화려함은 역시 여성용품과 궁합이 맞는다. 전시회에서는 여러 점의 경대(鏡臺)가 출품됐다. 경대는 거울과 서랍으로 구성됐는데 상단부를 들어 올리면 거울이 나오고, 서랍에는 빗, 화장품, 뒤꽂이 등의 장신구를 보관했다. ‘나전해포화문경대’는 하단 서랍 중간에 장식된 대나무 이파리 장식이 시원하고, 바다의 파도에서 일어나는 포말을 형상화한 ‘해포(海泡)’ 무늬는 화려함을 더한다.나전귀갑산수문이층농여성들 공간인 안방 주요 가구였던 농을 빼놓을 수는 없다. 나전으로 문양을 더한 농은 조선 초기에는 간략한 문양으로 장식하는 것이 일반적이었으나 후기에 제작 도구가 발달하면서 나전 문양이 농 전체를 덮는 듯한 양상을 띠게 됐다. 19세기 말 ‘나전귀갑산수문이층농’이 이런 사례에 속한다. 특유의 제작방식을 알고보면 나전의 화려함을 이채롭게 감상할 수 있다. 자개를 조각내 새기는 타찰기법, 끊음질기법이 그것이다. 타찰기법은 휘어진 상태의 자개를 망치로 때려 표면에 새기는 것이고, 끊음질기법은 곡선을 표현할 때 짧게 끊어가며 새기는 방식이다. 조각난 자개가 만들어내는 균열의 양상이 나전을 세심하게 감상하는 한 포인트이고, 조명을 받았을 때 자개 조각 각각은 다양한 각도의 빛을 연출해 낸다. 전시회에서는 바다거북 등딱지와 상어 가죽을 사용해 장식하는 대모(玳瑁)와 어피 작품도 감상할 수 있다. 두 가지 재료는 단독으로 사용되기보다 나전 장식 보조로 활용되었다. 대모용으로 쓰인 거북은 아열대 바다에 서식하기 때문에 우리나라에서는 잘 잡히지 않았다. 그래서 조선시대에는 쓰임이 많지 않았다고 한다. 그런데 19세기 작품인 ‘대모상자’는 뚜껑과 몸체 전체를 비교적 두꺼운 대모를 입혀 만들었다는 점에서 이색적이다. 대모를 삼각형으로 만들어 잇대었고, 구리선을 활용해 대모 사이를 구분했다. 면 분할이 간결하고 대모의 색과 문양이 어우러져 추상적이면서도 현대적인 느낌을 주는 작품이다. 소뿔을 얇게 켜 다양한 문양을 화려하게 채색한 화각은 부드럽고 화사한 분위기를 자아내 여성용품에 애용되었다. 박물관 관계자는 “나전은 고려와 조선 시대 전반에 걸쳐 유행하였는데 18, 19세기에 이르면 사용 계층의 확대와 더불어 장식기법이 도안 무늬에서 사군자, 민화 등에서 소재를 차용한 회화 무늬까지 다채로워지는 경향을 보인다”고 설명했다. 이어 “전시 유물을 통해 조선 후기 화려하게 꽃피운 공예품의 다양한 세계를 한눈에 조망해볼 수 있다”고 말했다. 6월30일까지 서울 강남구 호림박물관 신사분관에서 관람할 수 있다.강구열 기자 river910@segye.com

조선시대 양반들의 미의식은 흔히 ‘검박함’으로 표현된다. 절제된 형식에서 풍기는 고고함은 그들의 세계관과도 맞닿아 있었다. 하지만 모두 그랬을 리는 없다. 그들 역시 뽐내고 싶어 했고, 단박에 눈길을 사로잡을 무언가를 갈구했다. 호림박물관의 ‘五色燦爛(오색찬란)-조선의 나전’ 전시회에서 이런 사례를 만나게 된다. 18∼19세기의 것으로 추정되는 화살통(사진①)은 몸통 전체에 나전으로 모란당초문을 가득 베풀었다. 꽃술과 잎맥, 줄기의 세부 표현으로 입체감도 살렸다. 화살통의 용도와는 어울리지 않는 화려함이 두드러진 작품이다. 바둑돌 상자(사진②)도 그렇다. 측면에 매화, 대나무, 꽃을 장식했고 뚜껑에는 ‘喜(희)’자를 새겨 넣었다. 주인은 바둑판 위의 형세보다는 상자를 곁에 두고 감상하는 즐거움에 취하지 않았을까 싶은 상상을 하게 한다. 소뿔을 가공한 ‘화각(華角)’으로 만든 붓(사진③)은 노란색과 빨강색의 대비가 강렬하다. 붉은색 바탕의 붓은 구름에 쌓인 두 마리 용이 아래 위로 배치되어 있고, 뚜껑에는 꽃과 풀이 그려져 있다. 노란색 바탕의 붓에는 소나무, 구름, 석류가 그려져 있어 장수와 다산에 대한 기원을 엿볼 수 있다. 나전 특유의 영롱한 빛에 눈길을 먼저 두게 되는 전시회다. 거기에 짙은 갈색 빛의 몸체가 어우러지며 중후한 기품까지 뽐내는 작품들을 모았다. 19세기에 제작된 옷상자(사진④)는 뚜껑의 각 면을 상자의 바탕이 보이지 않을 정도로 나전을 정교하고 빽빽하게 붙여 장식했다. 뚜껑 중앙의 ‘喜(희)’ 문양은 주위에 옷칠을 해두어 더욱 도드라진다. 어피(魚皮)와 구리선 등도 적절히 사용해 문양을 만들어 현전하는 19세기 나전함을 대표하는 작품으로 꼽힌다. 나전의 화려함은 역시 여성 용품과 궁합이 맞다. 전시회에서는 여러 점의 경대(鏡臺)가 출품됐다. 경대는 거울과 서랍으로 구성됐는데 상단부를 들어 올리면 거울이 나오고, 서랍에는 빗, 화장품, 뒤꽂이 등의 장신구를 보관했다. ‘나전해포화문경대’는 하단 서랍의 중간에 장식된 대나무이파리 장식이 시원하고, 바다의 파도에서 일어나는 포말을 형상화한 ‘해포(海泡)’ 무늬는 화려함을 더한다. 여성들의 공간인 안방의 주요 가구였던 농을 빼놓을 수는 없다. 나전으로 문양을 더한 농은 조선 초기에는 간략한 문양으로 장식하는 것이 일반적이었으나 후기에 제작 도구가 발달하면서 나전 문양이 농 전체를 덮는 듯한 양상을 띠게 됐다. 19세기 말의 ‘나전귀갑산수문이층농’(사진⑤)이 이런 사례에 속한다. 특유의 제작방식을 알고보면 나전의 화려함을 이채롭게 감상할 수 있다. 자개를 조각내 새기는 타찰기법, 끊음질기법이 그것이다. 타찰기법은 휘어진 상태의 자개를 망치로 때려 표면에 새기는 것이고, 끊음질기법은 곡선을 표현할 때 짧게 끊어가며 새기는 방식이다. 조각난 자개가 만들어내는 균열의 양상이 나전을 세심하는 감상하는 한 포인트이고, 조명을 받았을 때 자개 조각 각각은 다양한 각도의 빛을 연출해 낸다. 전시회에서는 바다거북 등껍질과 상어 가죽을 사용하여 장식하는 대모(玳瑁)와 어피 작품도 감상할 수 있다. 두 가지 재료는 단독으로 사용되기보다 나전 장식의 보조로 활용되었다. 대모용으로 쓰인 거북은 아열대의 바당의 서식하기 때문에 우리나라에서는 잘 잡히지 않았고, 그 때문에 조선시대에는 쓰임이 많지 않았다고 한다. 그런데 19세기의 작품인 ‘대모상자’는 뚜껑과 몸체 전체를 비교적 두꺼운 대모를 입혀 만들었다는 점에서 이색적이다. 대모를 삼각형으로 만들어 잇대었고, 구리선을 활용해 대모 사이를 구분했다. 면 분할이 간결하고 대모의 색과 문양이 어우러져 추상적이면서도 현대적인 느낌을 주는 작품이다. 소뿔을 얇게 켜 다양한 문양을 화려하게 채색한 화각은 부드럽고 화사한 분위기를 자아내어 여성용품에 애용되었다. 박물관 관계자는 “나전은 고려와 조선시대 전반에 걸쳐 유행하였는데 18, 19세기에 이르면 사용 계층의 확대와 더불어 장식기법이 도안 무늬에서 사군자 , 민화 등에서 소재를 차용한 회화 무늬까지 다채로워지는 경향을 보인다“며 “전시 유물을 통해 조선 후기에 화려하게 꽃피운 공예품의 다양한 세계를 한 눈에 조망해볼 수 있다”고 말했다. 6월30일까지 서울 강남구의 박물관 신사분관에서 관람할 수 있다.강구열 기자 river910@segye.com

'옷을 기준으로 하면 조선시대 사대부 초상화는 두 갈래로 나뉜다. 정장을 한 ‘관복’(官服) 차림 초상화에는 품계와 상하 위계가 엄격히 드러난다. 관복 중 하나인 흑단령(검은색 무명으로 만든 두루마기)의 가슴과 등에는 계급을 표시한 도안을 새긴 흉배(장식품)가 붙어 있다.여인들 옷은 사내들의 그것과는 달랐다. 옷맵시를 돋보이게 하는 장신구를 더해 몸단장을 마무리했다. 노리개는 단조로운 옷에 화사하고 품위 있는 아름다움을 부각했고, 장식기능뿐 아니라 저마다의 염원이 담겨 있어 궁중에서부터 서민들에까지 널리 사용됐다. 열화당책박물관에서 5월 15일까지 열리는 ‘한복의 미’ 전시회는 각종 문헌을 통해 한국 복식의 변화상과 아름다움을 살펴본다. 열화당책박물관 제공경기도 파주출판도시의 열화당책박물관에서 5월 15일까지 열리는 ‘한복의 미: 문헌으로 보는 우리 옷의 역사와 아름다움’ 전시회는 우리 옷의 다양한 면모를 보여준다.제1전시실에서는 복식 관련 단행본, 전시유물 도록 등을 통해 한복의 시대적 흐름과 특징을 개관한다. 계층이나 의례 등에 따른 다양한 복식 형태를 살펴보고 직물의 종류 및 색과 문양, 한복 맵시를 돋보이게 하는 장신구, 규방문화까지 일별할 수 있다. 1부 전시에 포함된 자수는 장식성을 더하는 소재였지만 당대 사람들의 소망과 기원을 담고 있었다. 남성용은 주로 장수, 출세, 선비의 기상·권력 등을 염원했고 여성용은 다산과 관련됐다. 제2전시실에서는 의궤 영인본과 실학연구서 등을 통해 조선시대의 엄격한 복식제도를 살펴본다. 일제강점기 생산된 조선에 관한 문화연구서, 풍물사진집, 서양인들 기록 등을 통해 당대 복식 생활뿐 아니라 이방인 시선으로 포착한 고유 풍습을 고찰할 수 있다. 3000∼5000원. (031)955-7020강구열 기자 river910@segye.com

마규대·이민수·김소하불교미술이 진화하고 있다. 붓다와 보살들이 유리조형으로 탄생하고, 민화의 현대화 기법으로도 태어난다. ‘디지털 암실’ 작업을 통해 유화의 면모를 보여 찬탄을 자아낸다. 이런 작업들은 불심이 깊어야 가능할 것 같은데, 의외로 이웃종교 작가가 많아 흥미롭다. 일단 이들 작품은 소장하고 싶다는 평가를 받는 데 성공했다. 지난 15일 서울 대치동 서울무역전시관(SETEC)에서 폐막된 ‘제3회 붓다아트페스티벌(BAF)’에서 불교미술의 진보를 이끈 세 작가의 ‘3인 3색’ 예술과 종교 세계를 들여다본다.마규대씨의 유리조형 불상 작품# 유리조형의 달인 마규대“부처님이나 보살님들이 제 손을 이용했을 뿐 제가 제작했다고 할 수 없습니다.”유리조형 전문업체 ‘마가’의 마규대(63) 대표의 말이다. 유리조형예술가인 그가 출품한 불상 부조(浮彫)는 유리가 주는 정갈함과 조명의 따스함, 작가 특유의 감미로운 색채감이 어우러져 붓다가 지닌 자애로움의 극치를 보여준다. 불교를 알지 못하고서는 도저히 표현하기 어려운 경지를 펼쳐보인 그는 서울 도곡동성당 소속 가톨릭 신자다. “예수님과 부처님 마음이 다르지 않다고 봅니다. 작품을 제작하면서 부처님의 자비심에 흠뻑 빠져들 수 있었습니다.”그는 이번 전시회에 미완성 관음보살상도 한 점 가지고 나왔다. 채색이 안 된 상태였는데, 전시회 전날 관음보살상이 꿈에 나타나 자신도 데려가 달라고 조르더란다. 놀라서 잠을 깬 그는 아침에 대충 채색을 해 전시장에 내놨다. 분명 미완성인데 관람객들 관심도 많이 끌고, 전시작으로 손색없어 흐뭇했다. “유리조형은 제작과정이 복잡해 손이 많이 가는 작업이지요. 부처님 마음으로 다듬고 채색하지 않으면 느낌이 나지 않아요. 저는 손만 빌려드리고 그분이 만든 거나 다름없습니다.”“유리조형을 하면서 얻은 교훈이 있어요. 착하고 어린아이 같은 마음을 가지면 무슨 일이든 이룰 수 있고, 자신을 낮추고 또 낮출 때 어떤 고난도 극복할 수 있다는 사실입니다.” 마 대표에겐 두 개의 꿈이 있다. 1000년 넘도록 이어질 유리조형 공방을 만드는 것과 만인이 찬탄하는 유리불상을 제작하는 일이다. 이를 위해 기회가 주어지면 신심이 깊은 가톨릭 수사나 불교 스님들에게 유리조형 기법을 전수할 생각이다. 이민수씨의 작품 ‘반가사유상’# 디지털 암실 작업의 귀재 이민수“수년 동안 산사를 다니며 사진을 촬영했는데, 그중에서도 불상 사진이 많아 자연스럽게 성상(聖像)에 관심을 가지게 됐지요.”붓다아트페스티벌에 ‘와우정사 불두(佛頭)’ ‘석왕사 와불(臥佛)’ 등 성상을 주제로 수십 점의 불상사진을 출품한 사진작가 이민수(49)씨의 작품은 수채화나 유화를 보는 듯한 착각에 빠진다. 그만큼 느낌이 강렬하다. 이 때문인지 그의 작품 앞에는 한동안 미동도 않고 응시하는 관람객들이 많다. ‘디지털 암실’ 기법을 도입해 사물의 증폭된 느낌을 얻어낸 결과다. 디지털 암실은 사진편집기에 의한 편집작업으로, 사진예술의 진화이자 무한한 가능성에 불을 지폈다는 평가를 받고 있다. “돌이나 나무, 청동으로 제작된 불상이지만 여러 각도에서 들여다보면 불상마다 독특함이 묻어 있어요. 이러한 특징을 디지털 암실 작업을 통해 극대화시켜 봤습니다.”일본 도쿄예술대 사진과를 나와 디자인아트페어(DAF) 등 유명 전시회에 참가하며 이름을 알린 그도 5대째 내려오는 천주교 모태신앙이다. “불교는 우리나라의 전통 종교이고, 천주교와도 가르침이 비슷해 전혀 거부감이 없고 친근합니다.”2012년 ‘꽃의 독백’ 시리즈를 마무리할 무렵이었다. 이씨는 산사의 불상에서 다양한 신의 모습을 발견했다. 불상은 보이는 않는 신을 시각화·인격화해 놓은 조각상으로, 신에 대한 만든 이들의 생각이 고스란히 담겨 있었다. 어떤 것은 죄지은 인간을 징벌하는 모습으로, 어떤 것은 어머니가 자식을 사랑하듯이 다정하고 온화한 모습으로 신을 표현했다. “다양한 재료로 만들었지만, 제게는 하나같이 거룩하고 위대하고 초월적인 존재였죠. 성상을 촬영하며 신의 거룩함과 온화함을 느꼈고 사랑과 위로를 많이 받았어요.”김소하씨의 작품 ‘노래하다-축복’# 민화(民畵)의 현대화 개척자 김소하 “탱화와 달마도, 먹화 등 우리 불화(佛畵)도 소재를 더욱 발전시키고 다양화해야 일반인들에게도 수용되고 감흥을 줄 수 있다고 봅니다.”민화 현대화 작업에 몰두해온 한국화가 김소하(58) 대구예술대 교수는 ‘즐거움-노래하다’는 주제로 창작민화 여러 점을 출품해 좋은 반응을 얻었다. 익살스러운 형태와 우중충한 색채를 가진 전통 민화와 달리 그의 ‘진화된 민화’는 은유적 소재에 화려한 색채를 사용해 편안함과 즐거움을 준다. 특히 작품 ‘노래하다-축복’은 형언하기 어려운 붓다의 온화한 표정을 통해 관람객들 발길을 잡았다. “직설적이거나 표면적 관념의 종교화나 민화라는 의미만을 강조하지 않으면서 한국 전통과 불교미술이 의도하는 사상들을 은유적으로 전달해 보고 싶었어요.”김 교수는 중국미술대 유학시절 박사논문으로 한·중미술 색채를 연구하다 한국 색채에 불교미술이 많이 내재돼 있다는 사실을 알게 됐고, 이 부분을 현대적으로 재해석하는 작업을 시도해 오늘에 이르렀다. 그는 2000년 초 ‘동양철학과 화론(畵論)’에 관심을 갖고 대구 동화사 말사에서 한 스님에게 설법을 듣던 중 자연스럽게 불교에 귀의했다.“유학을 마치고 돌아온 2008년 이후 집중적으로 한국적 색채와 소재를 찾았어요. 처음에는 야생화와 인물에 대해 작업을 하다가 민화적 내용과 불교적 소재에 끌려 대상을 바꿨지요.”작업재료도 한 가지만을 고집하다 한지와 캔버스, 석채와 파스텔, 아크릴 등으로 확대했다. 전통과 불교미술의 현대화 작업은 우리 고유의 소재와 사상으로 표현할 수 있어서 자신은 물론, 관람객들의 마음을 정화시키는 힘을 지닌다. 고전에서의 화려한 색채 사용은 즐거움과 희망을 불어넣었다.“민화는 장식 용도와 함께 장수와 부귀, 귀신을 쫓아내는 벽사의 의미가 담겨 있지요. 제가 재해석한 민화 역시 보는 이들로 하여금 좋은 기운을 지니게 하고 행복과 평안이 깃들기를 기원하는 염원을 담았어요.”정성수 종교전문기자 tols@segye.com

‘무제’(1953)그림을 통해 감정소통의 극대화를 추구했던 마크 로스코(1903∼1970)의 작품 50점이 23일부터 6월28일까지 예술의전당 한가람미술관에 내걸린다. 미국 워싱턴국립미술관 소장품으로 보험 평가액이 2조5000억원에 이른다. 작품당 평균 가격이 500억원이라는 얘기다.러시아 유대인 가정에서 태어난 로스코는 10대에 미국으로 이주했다. 그는 생전에 “나는 추상주의에 속하는 화가가 아니다. 색채나 형태에는 관심이 없다. 나는 비극, 아이러니, 관능성, 운명 같은 인간의 근본적인 감정을 표현하는 데만 관심이 있다”고 토로했다. 그는 “내 그림 앞에서 우는 사람은 내가 그것을 그릴 때 가진 것과 똑같은 종교적 경험을 하고 있는 것”이라고 말했다. 단순한 색면으로 구성된 그의 그림 앞에 서 있으면 사람들은 명상에 빠져들고 마음의 정화를 경험하게 된다고들 한다. 2011년 세상을 떠난 스티브 잡스가 그의 그림에 심취한 이유다.이번 전시에서는 로스코의 작품으로 벽면을 채운 미국 휴스턴 소재 ‘로스코 채플’을 일부 재현한다. 그의 어두운 색감의 회화 7점이 벽면을 채운다. 성인 1만5000원, 청소년 1만원, 어린이 8000원.

뉴미디어와 대규모 설치작업이 주를 이루면서 미술의 중심에서 오랜 시간 멀어졌다고 치부되던 회화가 최근 전 세계에서 다시 조명받고 있다. 2013년 하반기 독일 베를린에서 ‘Painting Forever’ 전이, 영국에선 ‘Painting Now’ 전이 열렸다. 2014년에는 미국에선 ‘The Forever Now’라는 대규모 회화전이 개최됐다. 국내에서도 현대회화의 흐름을 살펴보는 몇몇 기획전이 열렸다. 삼성미술관 플라토가 이런 추세에 맞춰 국내외 미술계에서 주목받는 차세대 작가들을 통해 현대미술에서 회화의 의미를 재조명하는 ‘그림/그림자-오늘의 회화’ 전을 19일부터 6월7일까지 연다. ‘회화의 죽음’이 언급되고 있는 요즘 역설적으로 ‘회화의 기원’으로 돌아가 매체의 본질을 성찰하고자 하는 것이다.플리니우스는 ‘박물지’(77년)에서 그리스 코린토스지역의 부타데스라는 도공의 딸이 곧 떠나갈 연인의 그림자를 벽에 따라 그린 것이 인류 최초의 그림이라고 기록했다. 이 일화는 오늘날 선포된 ‘회화의 죽음’만큼이나 하나의 허구적 신화에 불과하다. 하지만 디지털 영상 기술의 발달로 무한한 이미지가 생산·소비되는 이 시대에 매체의 의미를 근본적으로 사유해보는 하나의 출발점이 될 수 있다. 고대부터 현대까지 회화의 역사에서 끊임없이 재탐사되고 있는 ‘고대 그리스 여인’의 전설은 회화를 단순한 ‘재현’의 차원을 넘어 시각뿐 아니라 더욱 폭넓은 ‘감각’의 행위로서 바라보게 해준다. 인상주의에서부터 신표현주의까지 모든 사조를 차용하면서 대담하고 새로운 표현들을 드러내고 있는 미국의 데이나 슈츠의 ‘싱어송라이터’.회화와 그림자의 관계는 서양미술사뿐 아니라 우리의 고유 문화에서도 순수우리말로 ‘그림’과 ‘그리다’ 그리고 ‘그림자’가 그 어원을 같이 하고 있는 데서 찾을 수 있다. 이번 전시는 그림자의 상징성을 통해 회화의 새로운 가능성을 모색하고 있다. 한국, 영국, 미국, 중국, 루마니아, 폴란드 출신 12명의 작가들이 디지털이미지부터 레디메이드까지 무한히 확장하고 있는 현대회화의 맥락에서 붓과 물감, 그리고 캔버스로 이루어지는 가장 전통적인 ‘붓질’의 새로운 가능성을 탐색하고 있다. 우선 정보 네트워크를 적극 활용해 다양한 분야와 역사를 쉽게 가로질러 나름의 방식으로 내러티브를 만들어 내고 있는 점이 흥미롭다. 미국의 헤르난 바스는 데카당스 문학과 초자연적 현상에 대한 관심사를 지속적으로 드러내며 무한한 내러티브를 풀어내고 있다. 영국의 리넷이아돔 보아케는 서양미술사의 초상화 전통을 끌어들인다. 미국의 데이나 슈츠는 인상주의에서부터 신표현주의까지 모든 시대를 차용하면서 대담하고 새로운 표현들을 드러내고 있다. 미국의 브라이언 캘빈은 생동감을 불어넣는 세심한 붓질로 실제하지 않는 상상의 인물 초상화를 만들어 낸다. 허구적 인물화들은 마네와 세잔 등 과거 거장들의 작품들을 의도적으로 암시하며 서양미술사의 초상화 전통을 참조한다. 한국의 백현진은 붓질이야말로 내면의 감성을 표현하는 ‘촉각적 감각’임을 보여준다.또 하나의 현상은 스마트폰 시대가 도래하면서 생겼다. 사람들은 디지털 이미지 홍수 속에 회화의 위기를 예견했지만 많은 동시대 작가들은 다른 이미지 매체로 대신할 수 없는 회화만의 특성으로 시간과 기억의 표현을 탐색하기 시작했다.중국의 리송송에게 역사란 항상 기억되어야 하는 것이 아니라 때로는 잊어야 하는 것이다. 그는 다양한 미디어 매체에서 수집한 이미지를 불규칙한 그리드로 나누어 강조와 삭제를 모순적으로 대조시키고 있다. 루마니아의 셰르반 사부는 모국의 평범한 일상을 촬영하고 포토샵을 활용해 회화적으로 재구성한다. 오래된 사진을 떠올리게 하는 빛바랜 톤은 미묘하게 과거를 회상하게 하며, 현재에 여전히 맴도는 실패한 공산주의 유토피아의 모습을 떠올리게 해준다. 폴란드의 빌헬름 사스날은 미니멀한 스타일에서 극적인 표현주의적 붓질에 이르기까지 매우 자유롭다. 사진적 이미지를 회화로 전환하는 한국의 박진아는 동시대 삶의 순간들을 결합해 또 다른 차원의 시간을 시각화하고 있다. 일군의 작가들은 디지털이미지를 활용해 새로운 표현을 모색하기도 한다. 회화를 전통적인 재현에서부터 접근하여 새로운 전략을 시도한 작가들도 있다. 영국의 질리안 카네기는 다양한 회화적 기법을 동원해 물감의 물질성을 극대화한다. 미국의 조세핀 할보슨은 사물의 시각적 느낌보다 촉각적인 느낌, 더 나아가 작가가 느낀 본능적인 인상을 회화로 옮긴다. 영국의 케이티 모란은 재현과 추상이란 두 개념의 상호작용이 회화의 새로운 가능성을 열어줄 수 있다고 증명한다. 자신의 회화를 의도적으로 작고 친밀한 사이즈의 캔버스로 제한하여 그리는 작가는 재치 있고 유희적인 작품 제목으로 관객에게 그림 속에서 자신만의 해석을 시도하게 한다. 회화의 근본뿌리에서 출발해 동시대 회화작가들의 다양한 모색을 통시적으로 보여주고 있다는 점에서 작가들은 물론 미술애호가들에게 추천해 주고 싶은 전시다.편완식 미술전문기자 wansik@segye.com

“질기면서도 포용력이 있는 한지에서 우리네 여인을 보았다. 한지는 내게 어머니의 삶을 들여다보는 창이 됐다. 나를 역사속 여인으로까지 이끌고 갔다.”30여년간 한지 콜라주와 전통채색 작업으로 나름의 입지를 굳힌 정종미(58·고려대 디자인조형학부 교수) 작가가 깨달은 ‘한지의 DNA’다. 1994년 미국 뉴욕에 머물 때 그는 종이공방에서 세계 여러 나라의 종이를 접하면서 비로소 한지의 진면목을 제대로 알게 됐다. 4월 12일까지 고려대 박물관에서 열리는 그의 개인전 ‘여성성에 바치는 헌사 4―여성을 위한 진혼곡’은 ‘한지 여인’을 갈무리해 볼 기회다. 전통채색과 한지부조를 조화시킨 작품 ‘She’.천연 염색한 종이와 천을 붙여 여인을 표현한 부조 작품인 ‘종이부인’ 시리즈, 고려 불화 도상에 한국 여인의 얼굴을 조합한 ‘오색 보살’ 시리즈 등 대표작 80여점이 나왔다. 전통채색화 연구에 몰두하고 있는 작가는 감, 도토리, 치자 등을 천연염료로 사용하고 콩즙을 코팅제로 이용한다.“종이 재료를 연구하다 보니 자연스럽게 고려불화 등 고화기법에도 관심을 가지게 됐다. 자연채색은 사람을 굉장히 편안하게 해준다. 은근하게 품어준다는 점에서 한지와 비슷하다. 화학적 인공발색은 자극적이고 충동적이다. 자연색을 도자기에 견주한다면 인공색은 플라스틱에 비유할 수 있다.”그는 자연적인 전통채색과 한지에서 힐링이 됐다고 말한다. 명성황후, 허난설헌, 논개부터 어머니까지 한국 여인의 한풀이에 한지부조와 전통채색을 동원하는 것도 같은 맥락이다.“때론 내가 무당이 된 느낌이 들기도 한다. 천연채색 오방색 한지로 살풀이춤을 추는 여인이다.”그는 여인들의 억울한 영혼을 달래기 위한 진혼곡을 쓰기 위해 천과 씨름하며 바느질도 하고, 염색을 반복하는 작업 과정도 감내하고 있다. 대구의 의사 집 딸로 태어나 서울대 미대를 나왔고, 변호사 남편을 둔 그가 ‘여성의 한’에 그토록 집착하는 이유가 뭘까.“아버지가 참 많은 여인을 사랑하셨다. 모든 걸 인내하신 어머니는 내게 성모이자 부처였다. 가족에게조차 버림받아 우리 집에 머물며 나를 돌보던 위안부 할머니도 계셨다. 결혼 후 극심한 고부 갈등을 겪으며 이 같은 여인네들의 한을 불러내기 시각한 것이 내 작업의 시작이다.” 사실상 그의 한지 채색작업이 치유의 굿판과 별반 다를 게 없다는 얘기다. (02)3290-1514편완식 미술전문기자

광복 70주년과 안중근 의사 순국 105주년을 맞아 서울 용산구가 국내 최초로 열리는 ‘안중근 문화예술전 한국전’을 지원한다고 16일 밝혔다.‘영웅 안중근, 용산의 꽃으로 피다’라는 제목으로 안중근 의사 주제의 미술 작품 총 150점을 소개하는 이번 전시는 17∼19일 용산아트홀 전시장에서 무료로 열린다. 이번 전시는 한국과 중국의 문화예술인이 함께 연다는 데 의의가 있다. 한국작가, 아동·청소년 105명의 작품을 볼 수 있으며 용산미술협회와 중국 하얼빈미술가협회 작가의 작품도 소개된다.앞서 지난달 7∼9일 중국 하얼빈에서 ‘안중근 기념관’ 1주년을 기념하기 위해 ‘안중근 문화예술전 중국전’이 열렸다. 당시 한·중 합작 뮤지컬 ‘영웅’도 함께 공연됐다. 이번 행사는 (사)한국예술문화단체총연합회가 주최하며 안중근 문화예술전 조직위원회, 안중근 한·중 우호교류협회가 주관한다. 현재 용산구 효창원 내에는 안중근 의사의 가묘가 있다. 이 가묘는 1946년 백범 김구 선생 주도로 조성됐으며 이봉창, 윤봉길, 백정기 의사 묘 바로 옆에 자리했다.성장현 용산구청장은 “자랑스러운 우리의 역사와 위인을 추념할 수 있는 자리인 만큼 많은 관심을 바란다”고 말했다.백소용 기자 swinia@segye.com

한지회화 야생화 화가로 잘 알려진 마진식(52·사진)씨가 천안시 신부문화회관에서 21일부터 2주 동안 개인 전시회를 연다.지금까지 40여차례 개인전을 연 마씨는 ‘야생화, 한지 위에 피다’라는 주제로 70여 점의 작품을 선보일 예정이다.작가는 참꽃마리, 미나리 아재비, 양지꽃, 앵초 등의 들꽃을 오래된 문짝, 고재, 괴목, 헝겊, 천연염색, 한지 등 한국의 전통소재와 접맥해 작품을 만들어 낸다.그는 “어머니 품속 같은 마음을 담아 한지위에 야생화를 피워낸다”며 “천안에서는 첫 개인전인 만큼 작품에 심혈을 기울였다”고 말했다.충남 서산이 고향인 그는 지난 2006년 프랑스 파리 국제박람회에 초청된 이후 프랑스와 미국, 일본, 독일 등에서는 한국을 대표하는 야생화 작가로 평가받고 있다.천안=김정모 기자 race1212@segye.com

전통 장작가마에서 구운 도자기 가운데 국내에서 가장 큰 도자기가 탄생했다.한국기록원은 13일 울산시 울주군 삼동면의 옥재요 도예갤러리에서 국내에서 가장 큰 도자기임을 인정하는 공식인증 기록증 수여식을 열었다.이 도자기는 전통 망댕이 장작가마에서 소성한 항아리 도자기다. 분청사기의 한 종류인 이 도자기는 높이 109㎝, 둘레 192.8㎝에 이른다.도예가 윤상길씨가 국내에서 가장 큰 도자기로 기록된 도자기를 소개하고 있다. 울산=연합뉴스도예가인 윤상길(53)씨가 2011년 9월에 도자기를 제작했다. 도자기 제작에는 2개월가량이 걸렸다. 그동안 갤러리에서 보관해두다가 지난해 한국기록원에 가장 큰 도자기 기록을 신청했다. 윤씨는 “2011년 세계 최대 옹기를 울산에서 제작하는 데 성공하는 모습을 보고 가장 큰 도자기를 만드는 데 도전했다”고 말했다.울주군 외고산 옹기마을에는 2011년 6월28일 기네스 월드 레코드(GWR) 심판관으로부터 기네스 세계기록 인증서를 받은 세계 최대 옹기가 있다. 기네스북에 세계 최대옹기로 등재된 이 옹기는 수직높이 223㎝, 옹기입구 둘레 214㎝, 최대둘레 517.6㎝, 바닥둘레 285㎝, 옹기입구 지름(외경) 69.4㎝에 이른다.울산=이보람 기자 boram@segye.com