‘의수(義手) 화가’ 석창우 화백이 47번째 개인전을 서울 종로구 인사동 갤러리 아리수에서 다음달 5일부터 11일까지 연다. 석 화백은 우리나라 장애예술계의 상징적인 인물이다. 그가 어깨에 단 의수에 붓을 꽂고 곡예 하듯 펼치는 ‘수묵 크로키’ 작업은 보는 이로 하여금 감동을 넘어 인간승리의 한 장면이다. 청년 시절 어이없는 감전사고로 두 팔을 잃고 한때 실의에 빠졌으나 그의 그림 재능을 발견한 아내 덕에 세계인이 인정하는 ‘의수 화가’로 우뚝 섰다. 그의 작품은 초등학교 학습만화, 중·고교 17종의 교과서에 실렸다. 2014년 소치 동계패럴림픽 폐막식과 2018 평창 동계패럴림픽 폐막식에서 전 세계인이 보는 가운데 ‘수묵 크로키’ 퍼포먼스를 펼쳐 해외 언론의 극찬을 받은 인물이다. 그가 순간의 생명력을 포착하는 ‘수묵크로키’ 신작을 이번에 새롭게 선보인다. 코로나 시기에 작업했던 작품과 2023년 울산 고래재단에서 선보였던 46회 개인전의 주요 작품들을 다시 공개해 그의 예술 여정을 입체적으로 조망할 수 있다. 서예와 크로키를 결합한 ‘석창우식 수묵크로키’는 전통과 현대, 신앙과 예술이 교차하는 한국 미술사에 유례없는 독창적 화풍으로 평가받는다. 서예의 필획이 지닌 호흡과 집중의 정신에, 서양 드로잉의 스피드와 생명감을 결합한 이 표현은 전통 수묵화의 미학을 완전히 새롭게 해석한 시도였다. 그는 한 획, 한 붓질 속에 인체의 운동, 순간의 긴장, 생명의 떨림을 담는다. 피겨선수의 회전, 경륜선수의 질주, 무용수의 몸짓은 그의 붓 아래서 생생히 살아난다. 비평가들은 그의 작업을 두고 “대상의 혼을 포착한다”고 말한다. 그의 선(線)은 묘사가 아니라 행위이며, 시각이 아닌 ‘체험으로서의 드로잉’이다. 빠른 속필과 격렬한 농담의 대비는 마치 현장의 생중계를 보는 듯한 박진감을 자아내며, 동양화의 고요한 명상성에 역동적 에너지를 부여한다. 미술사 박사인 김윤섭 평론가는 이번 전시를 ‘침묵을 일깨우는 정중동의 크로키 미학’이라 명명한다. 석 화백의 선(線)을 ‘삶의 울림을 깨우는 기도’로 해석한다. 김 평론가는 “그의 그림은 ‘팔이 없는 화가’의 이야기를 넘어, 몸과 믿음, 예술의 본질을 묻는 조용한 기도로 다가온다. 붓을 든 그의 몸은 결핍되어 있지만, 그 선은 오히려 더 충만하다. 그가 그리는 한 줄의 선(線)에는 인간의 의지와 영혼의 떨림이 동시에 깃들어 있다. 그 침묵의 선율이야말로, 우리가 잊고 있던 삶의 울림을 일깨운다”고 말했다. 이번 전시에서 석창우 화백은 예술이 단순한 육체의 극복을 넘어, 믿음과 생명의 자유로 향하는 여정임을 드러낸다. 석 화백은 GKL사회공헌재단 이사와 한국장애문화예술원 이사를 역임했고, 지난해 4월부터 (사)한국장애예술인협회 회장으로 취임해 작품 활동 외에도 장애 예술인의 권익과 창작 활동을 지원하기 위해 다양한 일을 하고 있다.

화이트 스톤 갤러리 서울은 김덕한 작가의 ‘OVERLAID : 겹쳐진 시간, 기억의 형상’을 개최한다고 24일 밝혔다. 전시는 25일부터 12월 7일까지 서울 용산구 화이트 스톤 갤러리 서울에서 열린다. 이번 전시는 5년 만에 선보이는 김 작가의 개인전이다. 그간 화이트 스통 베이징과 타이페이에서 전통적 재료와 동시대적 미감을 교차시키며 꾸준히 작업 세계를 확장해온 작가가 서울에서 다시 관객과 조우하는 자리다. 김 작가는 옻칠이라는 전통 재료를 기반으로 물질과 정신, 시간과 기억의 층위를 탐구하는 독자적 언어를 구축해왔다. 옻칠을 덧입히고 갈아내는 반복적 과정은 단순히 물리적 흔적의 축적이 아니라, 기억이 퇴적되고 시간의 심연이 드러나는 일종의 실존적 수행이다. 그의 화면은 단색의 평면이 아니라 보이지 않는 시간의 흔적이 압축된 형상(形象)이다. 이는 곧 존재의 본질을 가시화하는 정신적 이미지라 할 수 있다. 2층 전시 공간에는 길이 12m, 높이 6m의 초대형 설치 작품 ‘DIVISION Series’가 관객을 압도한다. 물질을 압축해내는 과정에서 생성된 입체작업 ‘COMPRESSED Series’, 평면과 오브제를 넘나드는 새로운 ‘OVERLAID Series’의 신작들은 작가가 구축해온 사유의 지층을 한층 다변화해 보여준다.

한국화가 송수련이 초대 개인전 ‘내적 시선(內的視線)’을 연다고 24일 밝혔다. 이번 전시는 22일부터 11월 4일까지 서울 종로구 가람화랑에서 열린다. 작가가 2016년부터 꾸준히 탐구해 온 ‘자아에 대한 사유’를 중심으로, 반복된 필획과 내면의 흐름을 통해 형상화한 드로잉과 회화 30여점을 선보인다. 송 작가는 종이의 뒷면에 채색을 하여 앞면으로 은은히 물감이 배어 나오게 하는 ‘배채법(背彩法)’을 활용해 독창적인 회화 세계를 구축해왔다. 2018년 동덕아트갤러리 개인전 이후로는 ‘쓰기를 닮은 회화적 행위’를 통해 회화의 본질에 대한 성찰을 이어가며, 이번 전시에서는 그 탐구를 한층 심화한 신작들을 공개한다. 그의 화면은 낙서 같으면서도 필사처럼 느껴지는 자유로운 드로잉으로 채워져 있다. 읽을 수 없는 문자 형태의 끄적임과 독백적 언어가 반복적으로 중첩되며, 마치 작가의 사유가 종이 위에 직접 스며든 듯한 인상을 준다. 전통 동양화의 여백과 먹빛의 깊이를 토대로 현대적 감각을 결합한 그의 작업은 ‘보이지 않는 사유의 시각화’를 시도하고 있다. 그의 예술 세계를 관통하는 키워드는 ‘관조(觀照)’로, 존재의 본질을 응시하는 ‘내적 시선’을 뜻한다. 송 작가는 “내적 시선이 닿을 때 사물은 감각의 틀을 벗어나 생명력 있는 존재로 다시 태어난다”며 “그 시선은 나만의 것이 아니라 우리 모두의 것이며, 작품이 타인의 내면을 울리는 감정의 통로가 되길 바란다”고 밝혔다.

때는 전쟁의 상흔이 채 가시지 않았던 1950년대 말이었다. 고단하고 신산한 폐허 속에서도 삶은 다시 세워지고 있었다. 그들의 붓끝 역시 시대의 잔해를 더듬고 새로운 시대의 언어를 모색했다. 젊은 작가들은 일본 아카데미즘적 사실주의를 벗어나지 못한 대한민국미술전람회(국전) 중심의 기성 미술에 반기를 들었다. 권위와 위계에 반발한 화가들은 제도 밖에서 길을 찾았고, 협회와 동인은 분열했다. 그 혼란 속에서 모던아트협회가 등장했다. 1957년 결성된 모던아트협회는 ‘현대회화의 문제’를 공통의 기조로 삼으며 국전의 고답적인 사실주의와 앵포르멜(비정형 추상미술)의 급진성을 넘어서는 ‘제3의 길’을 모색하기 시작했다. 불꽃은 그리 오래 타오르지 않았다. 요절과 유학, 생계의 사정 속에 연대는 4년 만에 흩어졌다. 짧은 활동 기간에도 불구하고 협회의 행보는 한국 현대미술사의 변곡점이 됐다. 동시대 세계 미술의 언어를 흡수하려 했던 그들의 실험은 서구 추상의 모방이 아니라 한국적 모더니즘의 탐색이었다. 이들은 생활과 자연, 일상의 풍경을 추상적 언어로 전환하는 실험을 이어갔으며, 추상을 단순한 양식이 아니라 삶과 정신, 현실과 사유를 통합하는 태도로 이해하며 온건한 모더니즘을 구현해냈다. “그룹전이라면 더러는 전시장에서 서로 좋은 자리에 자기 그림을 걸려고 전전긍긍하는 바보들의 행진 같은 야박스러운 일이 있을 수도 있지만 한국 최초로 결성된 그룹 모던아트 동인들은 모두가 초연한 자세여서 그런 부끄러운 일이 추호도 없었다.” 모던아트협회에 합류한 천경자는 1984년 이같이 회고했다. 특정한 양식을 강제하지 않고 구상과 추상, 표현주의와 절대추상을 모두 아우르며 폭넓은 스펙트럼을 허용한 이 ‘열린 연대’는 이후 한국 현대미술의 다양한 작가 그룹과 실험적 전시의 토대가 됐다. 국립현대미술관 청주에서 열리는 ‘조우(遭遇), 모던아트협회 1957-1960’은 그 짧고도 치열했던 시간들을 다시 불러낸다. 질서와 해체가 교차하던 시대 이들의 조우는 반세기가 지난 오늘에도 예술이 어떻게 시대와 마주해야 하는가를 묻는다. 전시는 협회에 참여한 작가 11명의 작품 156점과 아카이브 30점을 통해 전쟁 직후의 궁핍한 현실과 재건의 긴장 속에서 1세대 모더니스트들의 노력을 조명한다. 전시는 총 3부로 구성됐다. 1부에서는 작가들이 모던아트협회를 결성하기 전의 작업을 돌아본다. 이들은 피난의 궁핍한 생활 속에서도 ‘하꼬방’을 아틀리에로 개조해 화업을 이어갔다. “좁디 좁은 대지에 여러 식구들이 살아야겠고, 일하는 방도 있어야겠다는 한 끝 부푸르기만 하는 욕심은 위로 자라서 결국은 명색 삼층을 짓고 말았다. … 이것이 두 팔 가량 되는 나의 피난 화방이다.”(한묵) 좁은 방에서도 그리기를 멈추지 않은 작가들의 삶과 예술에의 의지를 엿볼 수 있다. 2부에서는 모던아트협회의 활동 시기인 1957년부터 1960년에 그려진 작품 71점이 작가별로 전시된다. 모던아트협회는 1957년 박고석, 유영국, 이규상, 한묵, 황염수가 참여했던 동화화랑에서의 제1회전을 시작으로 1960년까지 여섯 차례 전시를 열었다. 문신, 정점식, 정규, 김경, 천경자, 임완규가 합류하면서 창작의 폭이 넓어졌다. 포용성과 개방성을 바탕으로 개별 작가의 조형 의식과 실험을 존중하면서도 공동의 문제의식을 공유한 모던아트협회의 가치와 의의를 느낄 수 있다. 마지막 3부는 모던아트협회가 해산된 이후, 1970년 중반까지 개별 작가들의 작업과 활동을 보여주는 작품들로 짜였다. 이번 전시에는 일반에 처음 공개되는 작품도 다수 포함됐다. 황염수의 1950년대 작품 ‘나무’와 김경의 1960년작 ‘조우’, 박고석의 1961년작 ‘소’, 유영국의 1966년작 ‘새벽’, 한묵의 1965년작 ‘무제’ 등이다. 전시를 기획한 이효진 국립현대미술관 학예연구사는 “모던아트협회로 활동한 기간이 워낙 짧고 많은 작가가 이후 화풍이 크게 달라지면서 이 시기 작품들은 상대적으로 덜 주목받았다”며 “하지만 이들이 남긴 문제의식은 이후 단색화, 민중미술 등으로 확산하며 한국 현대미술의 또 다른 출발점이 된 만큼 연구하고 재조명할 가치가 충분하다”고 설명했다. 1950년대 이후 참여 작가들의 작업과 활동, 인공지능(AI) 기술로 전시를 생동감 있게 재현한 김시헌 작가의 영상작품 ‘전위의 온기’, 작가들의 삶과 교유, 현대미술에 관한 생각을 담은 수필과 비평도 함께 전시돼 관람객의 이해를 돕는다. 미술관 2층 ‘보이는 수장고’에는 1970년대 이후 ‘장미의 화가’로 불린 황염수의 장미 연작과 꽃 그림 등을 감상할 수 있는 공간도 마련됐다. 전시는 내년 3월8일까지.

20명의 관객과 10명의 미술작가가 자기 이미지를 성찰하는 특별한 전시회가 열린다. ‘외모 꾸미기 미학과 페미니즘’ 저자 김주현이 기획한 ‘셀프 아트: 자화상, 셀피, AI 퍼포먼스’다. 미술사의 자화상부터 일상의 ‘셀피’에 이르기까지 자기 이미지에 관한 질문을 던진다. ‘셀프 아트’는 푸코의 개념으로 스스로 예술작품처럼 아름답게 살아가는 삶의 실천을 뜻한다. 10월 21일부터 25일까지 서울 왕십리역사 갤러리 허브에서 열리는 전시 1부, ‘나를 입다: 바디 챌린지 셀피쇼’에서는 관객 퍼포머 20명이 몸을 통해 자기 정체성을 질문한다. 20명의 관객 퍼포머는 전시 두 달 전부터 설문을 통해 모집했으며 나이, 성별, 섹슈얼리티, 인종, 신체스펙, 장애, 병력, 직업 등을 고려하여 선정했다. 이들은 뷰티존, 헤어존, 패션존에서 자기를 확인하고 셀피존과 AI 존에서 이미지의 경계를 넘어 자기와 만나고 소통한다. 각 존에는 메이크업, 헤어, 패션 디자이너와 AI 아티스트가 배치되어 관객의 자기 탐구를 돕는다. 28일부터 11월 1일까지 열리는 전시 2부 ‘나를 보다: 거울에서 인터페이스’에서는 자기 탐구에 천착해온 30~40대 미술작가 10명의 자화상을 전시한다. 출품작가는 곽인탄(조각), 권민경(포토몽타주), 김송리(설치), 김자영(도예), 남솔(도예), 백주미(단채널비디오), 웁쓰양(회화), 이은경(회화), 조경미(디지털프린트), 최준(회화설치)이다. 이들의 작업은 1부의 전시와 연계하여 자기 이미지의 계보를 묻고 셀피·포스트셀피의 시대를 성찰한다.

발달장애인 아티스트 70여명과 비장애인 예술가가 함께하는 예술 축제가 경기 파주에서 개최된다. 한젬마 예술감독의 네이버 커뮤니티 ‘그림엄마’는 오는 24일부터 26일까지 ‘한젬마와 천재아티스트’라는 이름으로 파주아트 팩토리 NJF에서 열리는 ‘Artpartmant Week 2025’ 아트페어에 참가한다고 17일 밝혔다. ‘Artparment Week’는 예술(Art)과 삶의 공간(Apartment)을 결합한 개념으로, 예술을 일상으로 끌어들이고 시민들이 함께 어우러지는 새로운 형식의 복합문화예술 축제다. 갤러리스트인 배우 이광기가 기획한 다양한 갤러리들이 함께 참여하는 대규모 예술행사다. 무엇보다 한젬마와 함께하는 발달장애작가 74명과 1명의 비장애 영재작가가 동참해 더욱 의미를 더할 예정이다. 네이버 카페 ‘그림엄마’는 2020년부터 운영되는 대한민국과 해외 교민사회의 발달장애 아티스트들과 미술 영재들이 함께 멘토링과 전시하며 정보를 나누고 성장을 도모하는 커뮤니티다. 그림엄마 작가들에게는 두 개의 전시 부스에서 탁월한 미술 재능의 신세계를 보여주는 순수하고 다채로운 작품들이 선보일 예정이다. 전시 기간 참여 아티스트들의 엄마들이 직접 그림을 설명하는 도슨트도 운영된다. 특히 25일에는 한젬마 감독이 직접 그림엄마 아티스트들과 소통하는 멘토링 프로그램이 진행될 예정이다. 이를 통해 발달장애 아티스트들은 창작 경험과 소통의 기회를 나누고 시민들과 전시를 관람하는 분들에게는 예술이 삶 속으로 스며드는 특별한 시간이 마련된다. 예술 크리에이터인 한젬마 감독은 저서 ‘그림 읽어주는 여자’ 등을 통해 미술작품을 알기 쉽게 소개해주는 ‘그림 DJ’로도 잘 알려져 있다. 10여년 넘게 발달장애 예술가들과 동행하며 그들의 탁월한 작품 세계를 대중에게 읽어주는 일을 해오고 있다. 한젬마 감독은 “단 4일 만에 참가자가 국내외 75명이나 모였다. 아트페어라는 특수성으로 많은 이들을 전시하기에 어려움이 있는 상황이지만 순식간에 참여 희망자가 모인 것은 함께 협력해 세상에 빛을 보내고, 또 더 많은 이들에게 손을 내밀자는 커뮤니티의 협심이 바탕이 되었기 때문”이라고 말했다. 이어 “작은 공간에 이처럼 많은 이들의 전시를 해야 하는 행복한 고민에 빠졌다. 우리의 국내외 참여 아티스트들 덕에 행사가 국제 행사가 되는 것 같다”고 말했다. 발달장애 화가 양예준군의 어머니는 “이번 아트페어는 예술의 언어로 세상과 소통하려는 장애 청년, 영재작가들과 한명의 비장애 미술영재아동이 만드는 세상을 향한 부드러운 힘이며, 이들의 작품을 통해 미술의 고정 관념을 바꾸고 새롭게 배우는 시간이 될 것”이라고 전했다.

국립중앙박물관의 연간 누적 관람객이 500만명을 돌파하며 박물관 관람객 ‘세계 5위’ 수준으로 올라섰다. 국립중앙박물관은 이달 15일 기준 연간 누적 관람객이 501만6382명을 기록했다고 17일 밝혔다. 이는 전년 동기(295만5789명) 대비 약 70퍼센트 증가한 수치로 역대 최대 규모다. 미술 전문 매체 ‘아트 뉴스페이퍼’가 발표한 지난해 세계 박물관 관람객 기준으로 보면, 국립중앙박물관은 세계 5위 박물관에 이름을 올리게 된다. 루브르 박물관(873만7050명), 바티칸 박물관(682만5436명), 런던박물관(647만9952명), 메트로폴리탄박물관(572만7258명)에 이어 다섯 번째다. 특히, 올해는 외국인 관광객이 크게 늘었다. 외국인 누적 관람객 수는 18만5705명으로, 역대 최다를 기록했던 지난해 수치(19만8085명)를 넘어설 것으로 전망된다. 지난 6월 20일에 출시한 넷플릭스 애니메이션 영화 ‘케이팝 데몬 헌터스’ 개봉 이후 방문 관람객을 살펴보면, 7월에는 74만7679명, 8월에는 약 86만4977명이 방문했다. 이는 지난해 7월 약 36만1493명, 8월 약 42만8217명 방문한 것과 비교하면 약 2배 증가한 수치다. 이 같은 성과는 국립중앙박물관이 ‘K-컬쳐’ 시대를 대표하는 전통문화 중심지로 자리매김한 것을 보여준다. 국립중앙박물관은 “전시공간의 새 단장, 관람객 참여 프로그램 개발 등 다방면의 노력이 어우러진 결과로 분석된다”고 밝혔다. 2021년 국보 반가사유상 2점을 나란히 전시한 ‘사유의 방’을 시작으로 ‘분청사기·백사실’, ‘청자실’, ‘기증관’,‘외규장각 의궤실’, ‘선사·고대관’ 등 상설전시관을 혁신적으로 개편하였다. 또한, 약 6000명이 찾아 화제를 모은 ‘2025 국중박 분장놀이’를 비롯해 공연예술축제인 ‘박물관 문화향연’ 등 계기별 문화 행사 및 공연 등을 개최해 관람객들이 박물관을 더욱 다채롭게 즐길 수 있게 했다. 유홍준 국립중앙박물관장은 “K-컬쳐의 확산과 함께 전통문화에 대한 내·외국인의 관심이 커지며 박물관을 찾는 관람객 규모가 확대되고 있다”밝혔다. 이어 “관람객 중심의 전시 콘텐츠 확장과 관람 환경 개선, 문화유산 보존·관리 기능 강화로 국민이 일상 속에서 문화를 즐길 수 있는 박물관으로 발전해 나가겠다”고 강조했다.

‘한지 귀금속’이라는 독창적인 장르를 개척하며 유럽 무대에서 활동해온 김경신 작가가 18일부터 24일까지 서울 종로구 인사동 아지트미술관에서 개인전을 연다. 이번 전시는 ‘빛과 색깔, 그리고 조형’이라는 주제로 한지와 귀금속, 옻칠, 도자 등 그만의 독창적인 주요 작품을 선보인다. 김경신은 종이 장신구와 종잇조각 분야에서 세계적인 명성을 얻은 작가다. 종이와 귀금속을 결합하여 독특한 종이 장신구를 제작한다. 35년 동안 독일과 한국에서 활발하게 활동하며 유럽에서만 100회가 넘는 전시회를 열었다. 1998년 독일 공예전에서 공예 대상을 받으면서 한국 종잇조각의 미지의 영역에 진입하여 세계적인 작가로 주목받고 있다. 당시 유럽 심사위원단은 “빛과 색채, 재료의 융합”, “동서양의 미학을 연결한 독보적 예술”이라며 금속과 유리 중심 공예계의 틀을 깬 혁신적 시도라 평가했다. 김경신의 작품 세계는 북촌에서 보낸 유년 시절의 기억에 깊이 뿌리내리고 있다. 아침 햇살이 한지 창호지를 투과하며 방안을 가득 채우던 순간의 기억은 작가의 작품 전체를 관통하는 핵심 영감이 됐다. 이번 전시는 한지를 통해 자연의 빛과 인간의 내면, 전통과 현대, 동양과 서양이 교차하는 조화로움을 만나는 특별한 기회라는 것이 주최 측의 설명이다. ‘세상의 모든 빛을 한지에 담아낸다’는 작가의 미학이 한층 깊어진 작품들을 관람객이 볼 수 있다. 그는 “어릴 적 북촌 한옥의 크림색 창호지를 비추던 햇살처럼, 한지는 세상의 빛을 품고 있다. 그 빛을 담아내는 일, 그것이 제 예술의 시작이자 여정이었다”고 말했다. 김경신은 1999년 독일 공예대상 심사위원, 2010년 대한민국 공무원 미술대전 심사위원, 2019년 전주에서 열린 제25회 전국 한지공예대전 심사위원장 등을 역임했다.

패션을 건축을 바라보는 시선으로 전시하는 ‘패션 런웨이 타이폴로지’가 이태원 복합문화공간 한스타일스튜디오에서 열리고 있다. 서울대학교 문화예술원 워크샵 ‘패션 런웨이 타이폴로지’에서 만들어진 32점의 드로잉 결과물 전시다. 일시적으로 생산, 소비되는 패션이라는 영역을 건축이라는 영구성을 고려하는 분야의 눈으로 바라본다. ‘패션쇼 건축 드로잉’이라는 다른 곳에서 보기힘든 자료들을 감상할 수 있다. 패션쇼의 임시성, 배타성이라는 특징 때문에 대중에겐 공개되지 않은 작품들이다. 2010년대부터 지금까지 루이뷔통, 프라다, 샤넬 등 초일류 브랜드들이 세계 주요 도시에서 행한 패션쇼가 전시 대상이다. 건축가 렘 콜하스는 ‘패션쇼 건축’은 영원성을 고려하는 다른 건축과 다르게 일시적이라고 지적했다. 이번 전시 기획자이자 건축가 최나욱은 이러한 일시성으로부터 건축적 담론을 발견하려는 시도를 전시장에 펼쳤다. 전시를 준비하면서 불과 수년 전의 패션쇼임에도 자료 조사가 어려웠다고 한다. 특히 2010년대 디지털 미디어를 통한 패션쇼 바이럴이 많아지며 패션쇼가 증가했으나, 세계적인 불경기로 인해 패션쇼의 개수가 확연히 줄어든 상황에서 이번 전시회가 열리게 됐다. 최나욱은 “무대를 짓는 데만 적게는 수억 원, 많게는 수십억 원이라는 웬만한 건축비에 해당하는 비용이 소요되지만, 이는 부차적인 요소에 그친다. ‘영속성’과 ‘일시성’이라는 서로 지향하는 바가 상반되는 건축과 패션의 경계에 존재하는 탓에 어느 분과의 조명을 받기에 모호했고, 무엇보다 임시적으로 제작되고 곧장 폐기되는 특성으로 인해, 패션쇼의 공간과 장소에 대한 논의는 제대로 이뤄지기 어려웠다”며 이번 전시가 갖는 의의를 설명한다. 그는 “일련의 드로잉은 공간과 장소에 대응하는 시각적인 장치는 물론, 브랜드에 영향을 끼치는 철학적, 사회적, 예술적 맥락을 표현한다”고 밝혔다. 최나욱은 건축가이자 작가로 현대문화의 일시성을 다루는 ‘클럽 아레나’, 역사의 현대성을 다루는 ‘자하신위’를 출간했다. ‘패션 런웨이 타이폴로지’는 서울대학교에서 강의한 내용을 바탕으로 준비한 전시로 책으로 출간 예정이다. 한국예술종합학교와 영국왕립예술대학에서 건축을 전공했으며, 서울시립미술관 신진미술인에 선정되어 ‘방으로 간 도시들’을 비롯한 여러 전시를 기획하고 디자인했다. 11월 2일까지.

세계서예전북비엔날레 조직위원회는 ‘한글의 멋을 담은 K-서예, 푸른돌·취석 송하진 전(展)’을 오는 22일부터 11월 2일까지 정부세종청사 박연문화관에서 연다고 15일 밝혔다. 이번 전시는 ‘한글문화도시’로 지정된 세종시 초청으로 열리며, 송하진(73) 작가의 서예 작품 60여 점이 선보인다. 작품에는 “한글 서예는 기존 서예에 얽매이지 않고 '거침없이 나아가야 한다”는 작가의 지론을 담았다. 기존 서예가 추구한 미적이고 정돈된 글씨가 아닌 다소 거칠고 자유분방한 서체로 서예의 개념을 확장하고, 한글로 이뤄진 서예에 대한 분위기를 탐구한 노력이 엿보게 한다. 송 작가는 서예가이자 유학자인 유재(裕齋) 송기면(1882-1956) 선생의 손자이자 근현대 한국서예를 대표하는 강암(剛庵) 송성용(1913∼1999) 선생의 자녀다. 전주시장과 전북도지사를 각각 두번 지낸 뒤 2023년부터 세계서예전북비엔날레 조직위원장을 맡으며 서예가로서 작품 활동에도 매진하고 있다. 송 작가는 한글을 어순에 맞게 가로로 거침없이 쓰면서 고유의 조형미를 살리는 서예를 지향한다. 특히 글자의 크기와 먹색의 농담을 조화롭게 표현해 한국적 분위기를 물씬 풍기는 서체로 주목받고 있다. 그는 “한국 서예만큼은 한글이 주인이 돼야 한다는 생각으로 가로쓰기 서체를 연구하고 있다”며 “이번 전시가 한글문화의 아름다움을 널리 알리는 계기가 되길 바란다”고 말했다. 앞서 송 작가는 지난해 서울 한국미술관과 전주 현대미술관에서도 ‘거침없이 쓴다, 푸른돌·취석 송하진 초대전’을 열어 한글서예의 현대적 감성과 새로운 예술적 가능성을 제시한 바 있다.