서울 서초구 무늬와 공간 갤러리는 22일부터 다음달 11일까지 사진작가 민연식 초대전 ‘고요한 파동’을 개최한다. 24일 오후 3시부터는 김경훈 교수의 ’이야기와 함께 하는 미술사‘ 특강에 이어서, 보이차와 함께 하는 작가와의 대화가 이어질 예정이다 중앙대 예술대학원에서 순수사진을 전공한 민연식 작가는 산악인이다. 산을 오르며 느끼는 자연의 경외감, 인간과 자연의 관계, 그리고 어려운 오름들을 꿋꿋이 오르는 수행적 과정들이 작품 안에 배어있다. 그의 사진이 단순히 시각적 아름다움을 넘어 철학적 성찰과 인간적 메시지를 담고 있다는 평가를 받는 이유 중 하나다. 특히 폭포 시리즈에서는 자연의 위엄과 폭포의 물줄기가 끊임없이 변화하면서도 본질을 유지하는 모습을 사진적 기법을 활용해 먹의 농담으로 재현했다. 어둠 속에서 작업을 수행하는 그의 접근은 불필요한 외형적 요소를 배제하고 본질을 강조하려는 의도로, 이는 동양 서예의 유려한 붓질과 같은 표현적 깊이를 사진에 담아냈다. 이는 민 작가가 조선후기 추사 김정희 선생을 흠모하는 것과도 관련 있다. 추사는 시, 문, 서, 화에 능했고, 금석학과 그의 마지막 결정체인 추사체를 통해 자신을 완성시켜 나갔다. 그림으로는 제주도 유배 시절 제자 이상적에게 그려준 세한도(歲寒圖)가 대표작이다. 세한도는 추사의 깊은 내공이 함축돼 시대적 아픔과 유배지에서의 힘든 상황을 군더더기 없이 본질(本質)만을 간단명료하게 표현한 최고의 걸작이다. 민 작가는 “소재의 화려한 외형적 모습에 심취돼 그것만을 담으려 노력했는데, 작업 뒤에는 공허함만 남았을 뿐 가슴을 울리지 못했다”며 “사물의 본질을 깨닫는 것은 나에게 있어 오랜 고뇌와 수행의 자세이며 목표였다”고 밝혔다.

세밀함과 정교함이 함축된 작은 작품은 작가의 눈과 손, 대상과의 거리가 가장 가까운 상태에서 만들어진다. 예술의 본질과 작가의 의도, 그리고 시각적인 경험이 크기와는 상관없이 강력할 수 있다는 메시지를 전한다. 리처드 페티본의 몹시 작은 크기(4.2 x 4.2㎝) 회화는 세밀한 관찰과 표현으로 큰 감동을 주고, 칼 안드레의 정사각 알루미늄으로 구현된 조각은 오히려 더 넓은 상상력을 자극한다. 대형설치나 대형회화가 미술계의 주류를 이루는 경향 속에서, ‘크기’라는 물리적 조건이 예술적 감동과 메시지의 깊이를 제한하지 않는다는 사실을 재조명하려는 자리가 마련된다. 6월19일부터 7월13일까지 서울 용산구 이태원 뉴스프링프로젝트 갤러리에서 열리는 단체기획전 ‘스몰 이즈 뷰티풀(Small is Beautiful)’이다. 전시될 작품들은 각 작가들 대표 시리즈의 작은 버전으로 조각과 회화, 드로잉 등 다양한 매체의 특성들을 함축하고 있다. 스위치 버튼을 소재 삼아 존재와 부재, 기억과 망각을 표현한 레이철 화이트리드, 예술의 복제와 차용을 주제로 창작의 고유성과 예술의 경제적 가치에 대한 질문을 던진 리처드 페티본의 미니어처 작품들, 풍선처럼 보이지만 레진으로 만든 미샤 칸의 위트 있는 미니거울, DNA를 추적하여 인간의 근원을 찾아 나간 잔느 실버손의 고무로 만든 인물 피겨, 현대사회에서 직업이 갖는 의미와 그에 대한 열망을 표현한 찰스 레드레이의 정장, 주로 사용했던 상징적 도상의 미니어처 조각들이 칸마다 배치되어 마치 인형의 집을 연상시키는 테리안의 박스 등 다양한 서사를 지닌 작품이 한 공간에 모인다. 또한 디지털 매체를 활용하여 삶과 죽음, 시간의 순환을 탐구하는 미야지마 다쓰오의 작업과 작가의 순간적인 움직임이 고스란히 담긴 제여란의 회화까지, 평소 만나기 어려운 작품들을 작은 형태로 감상할 특별한 기회다. 크기의 한계를 넘어 작은 것이 지닌 거대한 의미를 발견하는 이번 전시는 작은 것들이 모여 만들어내는 확장된 예술의 세계를 경험케 한다.

‘새로운 여정(NEW JOURNEY)’ 올해 10주년을 맞은 ‘조형아트서울(PLAS) 2025’가 내세운 전시 주제다. 그간 미술 시장에서 조각·설치·유리·미디어 등 다양한 장르를 아우르며 조형예술 분야 간판 아트페어로 군림해온 조형아트서울은 올해 다양한 특별전을 통해 새로운 여정의 시작을 알린다. ‘입체조형 중심 아트페어’라는 정체성을 더욱 강화하면서 새 출발을 선언하는 것이다. 22일부터 25일까지 서울 코엑스에서 열리는 조형아트서울 2025에서는 국내외 86개 갤러리가 출품한 3300여점의 조형작품을 만나 볼 수 있다. 올해 특이점은 든든한 사령관의 탑승이다. 이희범 부영그룹 회장이 새 조직위원장을 맡아 기수를 잡고 웅비할 채비를 마쳤다. “소득도 좋지만 예술이 바로 서야 비로소 선진국”이라는 이 위원장은 앞서 가진 간담회에서 “예술인과 기업인이 만나 예술의 산업화를 견인하고 조직의 이사진도 재편해 작가와 관객 모두가 신나는 전시장을 꾸미겠다”고 밝혔다. 산업자원부장관을 지낸 뒤 한국무역협회 회장, 한국경영자총협회 회장, 평창동계올림픽 조직위원장, 경북문화재단 대표이사 등을 역임한 이 위원장은 “우리나라 예술인들의 재능이 세계 최고인 데 비해 운동장(예술시장)이 좁은 게 안타깝다”며 “예술과 기업, 둘 사이 네트워크를 구축해 내겠다”고 말했다. 전시장에 들어서면 가장 먼저 눈길을 끌 곳은 권치규, 김성복, 최승애 등 8인의 작가가 참여하는 대형 조각 특별전이다. 권치규의 5.5m 조각 등 3m 이상 6점의 작품들이 중심부에 포진한다. 3000만원에서 1억원 사이 가격대인 대형작품은 기업이나 기관 등이 소장 설치할 수 있도록 공공조형물 시범 기획으로 선을 보인다. 할리우드 스타 키아누 리브스의 연인으로 알려진 미국 작가 알렉산드라 그랜트의 특별전도 챙겨볼 만하다. 문학과 철학을 기반으로 언어와 조형의 경계를 허무는 작업을 이어오고 있는 그랜트는, 리브스와의 협업 프로젝트로도 잘 알려져 있다. 이번 전시에는 직접 내한해 회화·실크스크린 신작 ‘에브리싱 빌롱 투 더 코스모(Everything Belong to the Cosmo)’를 포함한 미학적 텍스트 실험을 선보인다. 전국 10개 대학이 참여하는 ‘텐 바이 텐(TEN×TEN) 조각 특별전’은 교수와 신진 작가들이 함께 조형예술의 가능성을 선보이는 자리다. 200만원 이하 가격대의 작품을 통해 젊은 작가들의 실질적 시장 진입을 도모한다. 강원대, 국민대, 단국대, 동국대, 부산대, 성신여대, 전남대, 중앙대, 충남대, 홍익대 등이 출품한다. 조형아트서울은 국제교류에도 관심이 크다. 대만 원 아트 타이베이, 캐나다 아트 밴쿠버와 파트너십을 맺고 있으며, 오는 7월에는 오사카 엑스포 기간 중 일본 예술단체 스터디(Study)와 함께 ‘스터디 바이 플라스 아시아 아트페어(Study x PLAS Asia Arts Fair)’를 공동 개최한다. 부대 프로그램으로는 사이버폭력 문제를 예술로 풀어낸 ‘스톱! 사이버-불링(Stop! Cyber-Bullying)’ 특별전, 국제 세미나, VIP 라운지 전시 등 다양한 연계 행사가 이어진다. ‘Stop! Cyber-Bullying’에는 강석태, 곽인상, 권지안, 김원근, 김진우, 일로스, 알렉산드라 그랜트, 서승준, 하지원, 최석영, 더 웨이브가 작품을 내놓는다. 조형아트서울 손성례 운영위원장은 “입체예술의 저변 확대와 공공성, 시장성의 균형을 아우르는 ‘새로운 여정’에 함께해 달라”고 당부한다.

배우이자 제작자이며 평창 동계올림픽 개·폐막식 총감독으로 송승환이 걸어온, 예술 인생 60년을 조명하는 전시회가 열린다. 이 전시는 송승환의 궤적을 통해 대한민국의 대중문화 예술이 어떻게 성장하고 세계로 확장되었는지 지난 60년을 들여다볼 수 있다. 이번 전시는 무대, 스튜디오, 촬영장에서의 송승환 모습을 담은 약 150점의 사진으로 구성돼, 그의 60년 예술 여정을 조명한다. 송승환은 1965년, 여덟 살의 나이로 KBS 라디오 드라마 ‘은방울과 차돌이’에서 차돌이 역으로 데뷔했다. 이후 연극 30여 편, 영화 20여 편, 드라마 70여 편에 출연하며 폭넓은 연기 활동을 펼쳐왔다. 또 다수의 방송 프로그램에서 DJ와 MC로 활약했고, 공연 기획자로서 ‘난타(NANTA)’를 비롯한 60여 편의 연극과 뮤지컬을 제작했다. 2018 평창동계올림픽에서는 개·폐막식 총감독을 맡아 전 세계에 한국 문화 예술의 진면목을 알렸다. 송승환은 “그냥 그렇게 지나갈 수도 있었는데, 친구와 후배들의 권유와 도움으로 책이 한권 출간되었고, 사진전도 열게 되었다”며 “오랜 시간 함께해 준 선후배, 동료, 팬분들과 지난 이야기를 편안하게 나눌 수 있는 자리가 되었으면 좋겠다”고 소감을 밝혔다. 전시를 주관한 북촌 스페이스의 강혜숙 대표는 “이번 전시는 단순한 개인의 기록을 넘어, 배우이자 공연 제작자로서의 송승환의 인생을 통해 지난 60년간의 한국 대중문화를 되돌아보는 기회가 될 것”이라고 말했다. 송승환 데뷔 60주년 기념 사진전은 오전 10시부터 오후 6시까지 운영되며, 월요일은 휴관한다.

유난히 길고 눈이 많이 내린 겨울이 지나고, 어느새 녹음이 온 대지를 뒤덮은 5월이 되었다. 봄과 가을이 점점 짧아지고 있는 기후 위기의 시대. 그래서인지 계절의 변화가 유독 급작스럽게 느껴진다. 도무지 바뀌지 않을 것 같던 계절도, 절기가 다가오면 자기 차례를 기다렸다는 듯 고개를 빼꼼 내밀고 새로운 풍경을 찬란하게 펼쳐낸다. 자연은 틀리는 법 없이 언제나 완벽하다. 아무도 지켜보지 않아도 자연은 스스로 조용히 결실을 맺고, 때가 되면 거두며, 다음을 위해 조용히 숨을 고른다. 보이지 않고 들리지 않지만 끊임없이 이어지는 생(生)의 맥박. 나무는 그 고요한 리듬 속에서 묵묵히 살아간다. 땅속 깊숙이 뿌리를 내리고, 조급해하거나 불평하지 않으면서 충실하게 변화한다. 나무는 말이 없지만, 그 침묵 속에 세상의 모든 이야기를 품고 있다. ◆나무와의 여정 호크마 김은 나무의 고요한 몸짓과 흐름에 감각을 기울이며 생명과 존재의 본질을 사유한다. 거센 바람을 온몸으로 견디며 살아가는 뉴질랜드의 기울어진 나무들, 길을 걷다 마주친 거대한 버드나무의 흔들림, 보고 싶은 사람들의 얼굴을 떠올리게 하는 제주의 이름 모를 나무, ‘온몸으로 별을 쏟아내는’ 단풍나무 등 세상의 모든 나무 속에서 그는 세상을 본다. 나무와의 여정은 짙은 고민과 아픔을 품고 지내던 어느 날 우연히 마주한 나무 앞에서 시작됐다. “나는 그냥 늘 여기에 있어.” 어떤 조건도, 생각도 덧붙이지 않고 생명으로 존재하는 나무의 삶의 방식이 갈라진 마음의 틈에 조용히 스며들었다. 서로에게 별종일지도 모를 나무들이 함께 살아가는 것처럼, 다른 무엇이 되려 애쓰지 않아도 괜찮다고. 생명을 지닌 존재들은 이미 그 자체로 충분하기에 존재하는 그 자체가 살아가는 방식이 될 수 있다고 나무는 말없이 전했다. ◆치유의 숲 6월 15일까지 금성문화재단 KCS 서울에서 진행되는 호크마 김의 개인전 ‘Eternal Spring, 온새미로: 자연 그대로, 언제나 변함없이’는 작가와 나무 사이에서 오고 간 무언(無言)의 대화를 들려준다. 평면 13점과 영상 1점으로 구성된 비교적 작은 규모의 전시지만, 나무를 통해 세상의 본질과 영원에 가닿고자 하는 작가의 여정에서 마주친 작은 오두막처럼 아늑하고 비밀스럽게 다가온다. 나무를 통해 작가가 느꼈을 치유와 회복의 순간은, 전시장에서 가장 먼저 마주하게 되는 작품 ‘바로 그 오두막에서 새순이 돋다’에서 상징적으로 드러난다. 장지 세 폭을 엮어 총 586cm에 달하는 대작으로, 영화 ‘오두막’의 서사에서 착안해 구상되었다. 영화 속에서 오두막은 주인공 매켄지의 딸이 유괴당한 비극적인 장소이지만, 이후 이곳으로 신비로운 초대를 받으며 내면의 아픔이 치유되는 경험을 한다. 작가는 이 서사를 자신이 나무와의 교감을 통해 회복을 경험한 순간으로 확장한다. 시작과 끝이 연결된 듯 둥글진 형태로 전시되는 작품은 나무를 마주하는 관객을 포근히 감싸안는다. 생명의 경이를 간직한 채, 자신의 존재를 있는 그대로 보이며 관객을 응시하는 나무들. 길게 굽어진 종이를 따라 눈이 없는 나무들과 눈을 맞춰본다. 나무의 ‘얼굴’을 이렇게 가까이 들여다본 적이 있었을까. 세상의 소음으로부터 멀리 떨어진 침묵의 세계를 거닐며 그 안에서 나를, 세상을 발견한다. 그림자 같은 실루엣과 색면으로 표현된 나무의 정령들은 작가가 교감했을 나무의 실체를 즉각적으로 마주하게 한다. 여전히 나무의 옷을 입고 있지만, 덜어낼 것들을 덜어내서인지 어딘지 더 유연하고 자유로운 모습이다. 구겨진 장지로 표현된 나무의 피부는 지나온 생의 흔적과 무수한 상처와 덧남, 치유를 겪으며 단단해진 나무의 시간을 눈으로 더듬어가도록 돕는다. ◆이름 없는 나무들의 초상 나무를 영적 존재로 바라보는 작가의 태도는 대자연 속 모든 존재를 동등하게 여기고 존중하는 북미 원주민의 자연관을 떠올린다. 이들에게 나무는 시간과 감정이 축적된 신성한 존재로, 각각 고유한 이름과 영혼을 지닌다고 여겨진다. 나무를 ‘형제’나 ‘자매’라 부르고, 반대로 사람에게 ‘자작나무’나 ‘떡갈나무’처럼 나무의 이름을 붙이기도 한다. 전시장 안쪽에 자리한 호크마 김의 작은 그림들은 각 나무의 고유성을 더욱 직관적으로 드러낸다. 어디선가 마주쳤을 이름 모를 나무들의 감정과 몸짓이 독사진처럼 포착되어 있어, 오랜 시간 그 앞에 머물며 보듬었을 작가의 시선을 상상하게 한다. 하나의 존재를 온전히 인정하고 받아들이는 이러한 태도는 이름 없는 존재에게 이름을 붙이는 의례처럼 느껴진다. (실제로 그는 자신의 조각 작품에 ‘파파,’ ‘조조,’ ‘모모’와 같은 이름을 붙이기도 한다). 만약 나무에게 이름이 있다면, 그것은 그가 살아온 시간과 겪어낸 계절, 품고 있는 고요한 기억을 부르는 방식일 것이다. 나무의 존재를 있는 그대로 바라보고 받아들이는 호크마 김은 적막으로 가득한 겨울 풍경에서도 생의 온기를 느낀다. 겨울의 끝자락, 무채색의 공기 속에 홀로 서 있는 앙상한 나무도 사실 여느 때와 다르지 않게 숨 쉬고 있던 것이다. (‘봄을 기다리는 맨몸’). 마침내 새싹이 움트고 잎이 돋기 시작하면, 나무는 빛의 방향으로 고개를 들고 찬란한 생의 리듬 속에서 왈츠를 추기 시작한다. (‘겨울과 봄 사이의 왈츠’). ◆나무의 가르침 호크마 김의 나무들을 보고 가로수들이 줄지은 찬란한 5월의 거리를 걷는다. 그의 그림 앞에 머문 시간만큼, 이름 모를 나무에 온 마음을 열고 눈을 맞춘다. 바라볼수록 그 흔들림과 색채가, 뿜어내는 향이 또렷하게 다가온다. 나무와의 만남은 내면의 대화로 번져간다. ‘자연 그대로’ 존재하는 나무들은 어떠한 계몽적 가르침을 주입하지 않는다. 대신, 내 안의 나를 마주하도록 부드럽게 이끌어준다. 어쩌면 호크마 김이 나무와 나눈 대화는 나무라는 거울을 통해 가능해진 자신과의 조용한 마주침이었는지도 모른다. 혹은 마음 깊은 곳에 뿌리내리고 자라고 있는, 아직 이름 붙이지 못한 한 그루의 나무일 수도 있다. 나무의 가르침. 그것은 우리 내면에 잠들어 있던 씨앗이 다시 대지 위로 솟아나게 할 수 있는 힘을 주는 것이다. 생의 힘보다 강한 것은 없다. 신리사·미술사, 학고재 기획팀장

왜 하필 인간의 탈을 쓰려는걸까. 숲 속의 동물들이 사람의 가면을 들고 있다. 탐욕과 사치, 분열과 갈등, 억압과 지배 ··· 결국 추악한 민낯을 보게될 것이다. 동물들마저 순수함을 잃어버린다면, 이 세상은 살 만한 가치가 있는 것인가. 어두운 분홍색 톤의 그림 ‘변신’이 마치 ‘지옥도’처럼 보이는 이유다. 옆에 걸린 진회갈색 작품 ‘나이트 패너스(Night Fanners)’도 착상이 재미있다. 선풍기 바람에 사람이 죽을 수도 있다는 말을 소재로 삼았다. 선풍기 날개들(Fans)을 킬러들같은 느낌이 들도록 만들고자 뒤에 ‘ers’를 붙였다. 러시아 작가 류드밀라 바로니나의 작품들이다. 11일까지 부산 해운대구 우동 벡스코(BEXCO)에서 열리는 ‘아트부산2025’ 미스(MYTH) 갤러리 부스(A-6)에 가면 볼 수 있다. 상반기 국내 최대 아트페어 ‘아트부산 2025’에는 김환기, 박서보, 김창열, 이강소, 우고 론디노네 등 묵직한 거장들의 작품만 내걸리는게 아니다. 다소 엉뚱하고 해학적이며 재치있는 그림들도 많다. 올해 14회를 맞이한 아트부산은 참여 갤러리 심사 기준을 강화하고, 콘텐츠의 다양성과 국제성을 확대했다. 국제갤러리, 갤러리현대, 아라리오, 리안갤러리, 조현화랑, 가나아트, PKM 등 한국 대표 갤러리와 마시모데카를로, 코타로 누카가, 탕 컨템포러리 아트, 화이트스톤, 캐나다, 에스더 쉬퍼 등 해외 주요 갤러리들이 포진했다. 17개국 109개 갤러리가 야심작들을 선보이고 있다. 특별전시 섹션인 ‘커넥트(CONNECT)’도 미술 애호가들의 눈길을 붙잡는다. ‘영토와 경계’를 주제로 잡았다. 총 11개 프로젝트로 이루어졌다. 벡스코 내부에서 진행되는 주제전 ‘조각난 경계, 살아있는 것들’은 물론, 외부 야외공간 도모헌에서도 조각가 정현의 대형 작품이 관객을 반긴다. 올해 하나금융그룹 후원으로 신설된 퓨처 아트 어워드(FUTURE ART AWARD)는 퓨처 섹션 참여 작가 중 1인을 선정, 상금 1000만원을 수여한다. 첫 수상자는 WWNN갤러리 소속의 중국계 캐나다인 작가 제프리 청 왕이 선정됐다.

오래된 아파트 구석에 생겨난 거미줄이나 균열조차도 그의 캔버스에선 예술이 된다. 작가 구지윤은 작업실로 가는 길에 다세대 주택에 둘러싸인 백제시대 고분을 보면서 이 도시가 얼마나 많은 층위로 이루어져 있는지를 새삼 생각한다. 익숙한 풍경이지만, 수천 년의 시간이 켜켜이 쌓여 있다. 내비게이션의 지시에 따라 달리는 아스팔트 도로 아래에는 또 다른 서울이 존재한다. 신축 공사 중 우연히 드러나는 과거의 흔적들을 마주할 때, 지나간 시간과 사라진 것들이 얼마나 얇고 취약한 층을 이루며 우리와 공존하고 있는지 실감하는 것이다. 누군가 서울의 색을 물어보면, 그는 ‘회색’과 ‘은색’ 사이에서 고민한다. 회색은 모든 것을 흡수하고 평평하게 만드는 특유의 불투명성으로 사라진 것이 있던 자리 위에 새로운 것을 덧씌우는 색이다. 작업실 창을 통해 보는 롯데타워, 대규모 신축 아파트 단지…. 오래되고 익숙한 것의 흔적을 지우는 공허한 색이다. 반면 은색은 반사해낼 줄 안다. 과거의 빛을 받아 되돌려보내며, 우리가 알지 못했던 시간의 흔적을 순간적으로 되살려 놓는다. 그것은 한강의 부서지는 물비늘에서, 공사장에서 발견된 토기의 파편에서 반짝인다. 은색은 오래된 것과 새로운 것, 지워진 것과 남겨진 것 사이를 떠도는 빛이다. 은색은 축적된 기억의 반사이자 순간적으로 나타나 존재하는 과거이며 사라지지 않는 시간의 잔영이다. 구지윤은 그림을 그리며 붓 자국의 중첩이 도시의 시간성과 닮아 있다고 생각한다. 색이 쌓이고, 지워지고, 다시 겹쳐지는 과정에서 그 표면은 더 이상 단순한 이미지가 아니라, 시간이 스며든 장(場)으로 변한다. 작업 과정에서 처음에는 무질서하게 보였던 붓 자국들이 이제껏 쌓인 이미지와 함께 서서히 의미 있는 구조를 형성하다가 사라지기를 반복하는데, 어느 순간 그것이 결코 우연한 배치가 아니라는 것을 깨닫는다. 구지윤의 개인전이 6월7일까지 서울 종로구 원서동 아라리오갤러리에서 열린다. ‘실버’라는 열쇠말 아래 도시의 시간성을 회화의 언어로 풀어낸 신작 21점을 선보인다. 구지윤은 일상에서 마주하는 서울의 풍경으로부터 추출한 인상과 정서를 추상회화의 언어로 번안하는 작업을 지속해왔다. 그는 끝없이 솟아나고 무너지기를 반복하는 건물과 도로, 갖가지 인공 구조물이 밀집한 도시의 속성에 생물학적 유기체의 모습을 투영한다. 생성과 소멸을 거듭하는 유기적 존재들처럼 언젠가 기억 속에만 남게 될 도시의 운명을 연민하는 것이다. 전시명 ‘실버’는 주제로서의 도시와 매체로서의 회화 양측에 내재한 ‘빛’과 ‘시간’을 동시에 상징한다. ‘실버’는 대상의 표면에 맞닿은 빛을 반사하여 보는 자에게 되돌려주는 매개체이자 투영체다. 이는 은빛 자체를 지시하는 단어라기보다, 모든 색에 ‘빛’과 ‘시간’의 속성이 내재해 있다는 사실을 환기하는 상징이다. 회화의 화면 위에 중첩된 다양한 색은 제각기 다른 파장을 지닌 빛의 편린이다. 서로 다른 물리적 성질에 따라 반사된 빛은 우리 시각 체계에 의해 때로는 찬란한 유채색으로, 때로는 고요한 무채색으로 포착된다. 대상을 경유하여 색으로 되돌아온 빛은 보는 자의 감정과 정서에 관여하는 심미적 요소로 거듭난다. 시간은 구지윤의 작품세계를 구축하는 또 하나의 중심 개념이다. 그는 물감의 층위를 쌓아 올리는 붓의 움직임에 도시의 시간을 입힌다. 색이 쌓이고 묻히기를 거듭하는 회화의 과정 속에서, 화면은 마침내 ‘시간이 스며든 장’으로서의 정체성을 획득하게 된다. ‘실버’라는 전시명과 ‘빈티지’, ‘파티나’, ‘빛바랜 실버’, ‘화석’ 등의 작품명은 저마다 ‘시간의 축적’과 ‘나이 듦’의 감각을 떠올린다. 수많은 것이 바삐 지어지고 금세 사라지는 오늘날 도시의 생태 가운데, 어떠한 대상과 존재들은 오래도록 같은 자리에 머물며 나이 들어 간다. 기억과 역사를 품은 사물과 장소, 사람들은 그 ‘시간’을 반사하여 세상에 되돌려줌으로써 더욱 찬란하게 빛나는 존재로 거듭나기도 한다. 오래되고 낡은 것을 연상시키는 낱말들은 구지윤의 화면 위에서 ‘소멸’이 아닌 ‘축적’을 이야기한다. 출품작들은 회화의 언어로 묘사된 대상들이 각자 어떠한 시간을 반사하고 투영하는지, 그럼으로써 어떻게 인지되는지에 관한 탐구의 결과물이다. 구지윤은 지금, 여기를 그리려 한다. 그림을 남기는 일은 단순한 풍경의 기록이 아니라, 지금 여기로 되돌아오는 시간의 흔적을 붙잡는 일이다. 마치 지금은 사라진 것들이 화석이 되어 현재로 되돌아오는 것처럼, 현재의 것을 기록하고 견고하게 물질화해, 내일 혹은 더 먼 미래로 보내고 그것을 다시 보고 싶어 하는 마음으로 그림을 그린다. 그는 우리가 잊었다고 생각했던 것들, 사라졌다고 믿던 것들이 빛에 반사된 먼지처럼 여전히 어딘가에 머물고 있다고 여긴다. ‘회색’으로 둘러싸인 여기에서 ‘은색’을 찾는다. 반사되는 빛 속에서 우리는 한때 존재했던 가치들을 마주하게 된다.

프랑스 럭셔리 패션하우스 디올(DIOR)의 ‘Christian Dior: Designer of Dreams(크리스챤 디올: 디자이너 오브 드림스)’ 전시회가 서울의 상징적인 동대문디자인플라자에서 7월 13일까지 계속된다. 이번 전시회에서는 75년 이상 창조적인 활기로 가득한 디올 하우스의 다양한 역사들을 만나볼 수 있다. Christian Dior(크리스찬 디올)의 열망과 패션의 역사를 빛낸 수많은 순간의 배경이 되어 준 몽테뉴가 30번지는 진귀한 아카이브 문서로 가득한 매력적인 공간으로 재현되었으며, 패션과 우아함에 대한 기존의 비전에 혁신적인 변화를 가져온 New Look(뉴 룩)은 시선을 사로잡는 영상 연출과 함께 다채롭게 재해석된 디자인들을 통해 감상할 수 있다. 이번 전시회에서는 자연을 향한 Christian Dior(크리스챤 디올)의 애정을 담아낸 디올 정원 공간도 만나볼 수 있다. 한국 문화에서 중요한 의미를 지니는 정원에 경의를 표하는 이 공간은 전통 도자기인 거대한 달항아리를 형상화한 구성이 돋보인다. 한국 아티스트 김현주가 식물의 다양한 형태를 한국 전통 종이인 한지로 표현한 작품은 사계절의 모습을 담은 영상 연출과 함께 여유로운 순간을 선사하며 무슈 디올이 소중히 여겼던 삶과 자연의 순환에 찬사를 보낸다. 시대를 초월한 작품으로 사랑받고 있는 Lady Dior(레이디 디올)은 이번 전시회에서 다채로운 디자인을 통해 색다른 매력을 발산한다. 한국 아티스트의 아이디어로 탄생한 Dior Lady Art 프로젝트의 작품 9점과, Lady Dior As Seen By 컨셉으로 구현된 작품 17점으로 구성된 이번 전시 공간은 디올 하우스와 한국 사이의 강력한 유대 관계를 예찬한다. 1947년부터 현재까지 디올 아티스틱 디렉터들이 선보인 독창적인 아이디어는, 한국 전통 패치워크 기법인 조각보에서 영감을 받은 독특한 공을 통해 표현된다. Christian Dior(크리스챤 디올)과 그의 뒤를 이은 아티스틱 디렉터들의 작품이 하나의 내러티브로 이어지며, 전시의 마지막에는 아티스트 Zadie Xa(제이디 차)가 완성한 Christian Dior(크리스챤 디올)의 초상화를 만나볼 수 있다. 디올 아뜰리에의 탁월한 노하우를 기념하는 공간은 화이트 컬러의 캔버스를 배경으로, 화려한 시각적 요소와 빛 반사 효과를 통해 디올 아뜰리에의 섬세한 손길을 표현한다. 또한, 컬러라마 전시 공간은 색채 조합을 활용한 몰입형 설치 작품을 선보이며, 디올 액세서리의 중요성을 다시 한번 강조한다. 이외에도 세계적인 스타들이 착용해 아름다움을 빛낸 드레스들은 놀라운 감동을 선사하며, Soo Sunny Park(수 써니 박)의 설치 미술 작품과 함께 선보이는 디올 무도회 공간은 시간이 멈춘 듯한 순간 속에서, 눈부신 드레스들이 만들어내는 경이로움으로 가득 찬 오디세이를 완성한다. 이 외에도, Christian Dior(크리스챤 디올)이 키워왔던 향수의 정신과 예술에 향한 열정은 미스 디올 공간을 통해 조명된다. 나탈리 포트먼이 착용한 아름다운 드레스와 에바 조스팽의 설치 작품이 어우러져 감각적인 연출을 선보이며, 베르사유 궁전에서 영감을 받아 탄생한 쟈도르의 이야기를 담은 전시 공간도 함께 만나볼 수 있다. 75년 이상 창조적인 활기로 가득한 디올 하우스의 역사를 기념하는 Christian Dior: Designer of Dreams(크리스챤 디올: 디자이너 오브 드림스) 전시회의 입장권은 디올 공식 웹사이트에서 구매 가능하다.

흩날리는 한복 자락과 오방색 깃발. 산 너머 메아리치는 북소리와 날카롭게 고공하는 꽹과리 소리가 하늘을 가르며 깨지면 그 틈 사이로 웃음소리가 새어 나온다. 관객과 무희의 경계는 희미해지고, 달콤 쌉싸름한 술 향기가 후끈대는 공기 속을 타고 퍼져나간다. 사람들은 분홍빛 연희의 열광 속에서 웃고, 떠들고, 먹고, 뱉어내며 찬란한 순간을 온몸으로 들이마신다. 한국 전통 축제의 풍경이 물을 머금은 듯 몽환적인 색채와 안개처럼 번지는 붓질 속에서 낯설게 부유한다. 독일에서 태어나 현재 영국을 기반으로 활동하고 있는 소피 폰 헬러만(1975∼)이 그린 한국의 명절 ‘단오’의 모습이다. ◆기념과 믿음의 장 소피 폰 헬러만의 국내 첫 개인전이 4월 9일부터 마곡동 스페이스K 서울에서 열리고 있다. ‘축제’라는 제목의 이번 전시는 한국의 대표적인 봄 명절, 단오에서 출발한다. 1년 중 태양의 기운이 가장 센 음력 5월 5일, 농사일을 잠시 멈추고 풍요와 건강을 기원하던 단오는 회복과 휴식을 위한 날이었다. 씨름과 그네, 음식과 제사로 채워진 단오는 사람들의 웃음으로 가득했다. 한국을 방문한 적이 없었지만 작가에게 단오는 생소한 명절이 아니었다. 5월의 첫날, 여름의 시작을 기념하고 건강과 풍요를 염원한 영국의 메이데이처럼, 폰 헬러만은 단오에서 삶을 ‘기념’하고 노래하는 사람들의 모습을 보았다. 그는 이처럼 사람들의 믿음과 소망이 집단적으로 피어오르는 것에 관심을 둔다. ◆언어와 시공의 경계 너머 독일과 영국을 오가며 성장한 그에게 회화는 언어의 한계를 넘어서는 대안적 매체였다. 두 문화권의 언어, 정서, 사고방식이 완전히 호환되지 않는 틈 속에서, 그는 말로 표현할 수 없는 감각과 사유를 시각적으로 탐색해 나갔다. 동시에 시공을 초월한 인간 보편의 감각이 반영된 신화와 고전에 자연스레 이끌렸을 것이다. 그의 작품 속에서 이러한 이야기들은 단순한 문화적 참조가 아니라, 차이를 연결하고 분열을 봉합하는 장치로 기능한다. 작가는 고전의 서사와 현대의 상징을 결합하여, 과거와 현재가 혼재된 환상적 지형을 만들어낸다. 이번 전시에서는 김소월의 ‘진달래꽃’, ‘춘향전’과 같은 문학 작품을 적극적으로 인용했다. 특히 ‘춘향전’ 속 두 주인공은 특유의 표현주의적 화법으로 인물의 정서를 극대화하여 고전에 새로운 생명을 불어넣었다. 몽룡은 붉은빛을 머금은 화살을 힘껏 쏘는 듯한 모습으로, 춘향은 생기를 머금은 표정과 춤추듯 유려한 자세로 그려 각각 큐피드와 비너스를 연상시키는 인물로 묘사했다. 주로 감정과 몸짓의 표현을 절제한 한국 전통 회화와 달리, 작가는 강렬한 색채와 리듬감 있는 화면 구성으로 동서양의 상상력이 스며든 장면을 만들어냈다. ◆소피 폰 헬러만의 ‘천지창조’ 이번 전시를 위해 작가는 높이 9m, 폭 80m에 달하는 미술관 벽면을 불과 물, 산과 바다로 가득 채웠다. 폰 헬러만의 붓끝에서 일어난 ‘천지창조’는 축제라는 현상 이면에 흐르는 근원적 에너지로 되돌아간다. 불꽃과 회오리바람, 하늘을 뒤흔드는 뇌우는 파괴적인 힘을 행사하지만 그 속에서 찬란한 무지개를 피워낸다. 요란한 천지개벽이 일어난 자리에는 찬란한 사계절이 차례로 펼쳐지고, 그 안에서 사람들은 축제의 장을 연다. 벽에 걸린 그림들이 축제의 순간을 포착한다면, 그것의 배경이 되는 벽화는 만물을 생성케 한 자연의 원초적 모습이자, 축제가 생성하는 격변의 에너지와 창조력으로 이어진다. 폰 헬러만의 벽화는 단순히 축제가 벌어지는 물리적 공간을 넘어, 생성과 소멸, 질서와 혼돈이 뒤얽힌 하나의 우주가 된다. 그 안에서 축제는 단지 흥겨운 장면이 아니라, 삶을 일으키는 생명의 파동으로 그려진다. 작가는 거시적 힘(생명의 기원)과 미시적 힘(개인이 발생시키는 에너지)이 교차하며 서로를 증폭시키는, 역동적인 생(生)의 공간을 펼쳐낸다. ◆끝나지 않는 축제 축제의 장면은 미술사에서 시대와 작가에 따라 다양한 함의를 품고 그려졌다. 제임스 앙소르(1860∼1949)가 인간 내면의 불안과 사회적 위선을 드러내기 위해 기괴한 가면으로 가득 찬 카니발을 그렸다면, 앙리 드 툴루즈-로트렉(1864∼1901)은 벨 에포크 시대 프랑스의 활기를 현실에 기반한 관능적 풍속화로 담아냈다. 이와 달리 소피 폰 헬러만은 축제를 ‘자연의 순환 속에서 삶을 회복하는 집단적 의식’으로 승화한다. 그것은 투쟁이나 갈등의 현장이라기보다, 인생의 고단함을 웃음과 유희로 환원하고, 뱉어냄으로써 다시 들이킬 수 있는 공간을 만드는 것이다. 긍정의 에너지로 가득한 소피 폰 헬러만의 제전은, 러시아 사상가 미하일 바흐친(1895∼1975)의 ‘카니발리즘’ 개념과 공명한다. 바흐친은 축제를 단순한 욕망 실현의 장이 아닌, 경직된 일상의 질서를 무너뜨리고 억눌린 생의 에너지를 해방하는 비일상의 시공간으로 보았다. 육체적 행위를 수반한 온갖 놀이와 시끄러운 이야기, 상류층에 대한 풍자와 전복이 깃든 축제는 기존의 위계와 규범을 해체하고 억압된 감각을 분출시키는 민주적 ‘광장’이 된다. 폰 헬러만의 작품에서도 축제는 이러한 해방의 무대로 펼쳐진다. 감각과 상상이 자유롭게 넘나드는 이 가능성의 공간에서, 이야기들은 끊임없이 태어나고, 동시대 신화가 새롭게 구축된다. 소피 폰 헬러만이 그려낸 달큰한 축제의 장면들은 생성과 파괴가 순환하며 자연이 지속하듯, 기쁨과 슬픔의 교차 속에서 인간이 성숙하고 살아갈 힘을 얻게 된다는 것을 상기한다. 따라서 작가가 포착한 ‘순간’들은 덧없이 흘러가며 소멸하는 시간의 조각이 아니라, 찰나 속에 영원이 있다고 속삭인다. 삶을 축복으로 바라보는 이러한 긍정의 시선은 인생의 여정을, 무수한 별들이 수놓아진 밤하늘처럼 빛나게 한다. 축제 그 자체로서의 삶. 그렇기에 축제의 소음과 열기가 가셔도 축제는 끝나지 않는다. 전시는 7월 6일까지. 신리사·전시기획자, 학고재 기획팀장

한국 근현대 미술의 거장 장욱진(1917∼1990)의 작품들이 뉴욕 나들이를 한다. 양주시립장욱진미술관은 다음 달 7일부터 7월 19일까지 미국 뉴욕의 한국문화원에서 ‘장욱진: 영원한 집’이란 문패를 달고 그의 첫 뉴욕 특별전을 연다. 자연과 가족, 일상을 단순하고 순수한 형상 안에 담아낸 장욱진은 김환기, 박수근, 이중섭, 유영국과 함께 한국 근현대 미술을 대표하는 서양화가이자, 한국 모더니즘의 기틀을 다진 ‘1세대 모더니스트’로 손꼽힌다. 소박한 주제를 통해 자신만의 독창적인 시각 언어를 구축해온 그는 새와 나무 같은 자연과 가족 등 일상의 주제를 따뜻하고 흐뭇하게 그려낸 작가로 사랑받는다. 이번 전시에서는 양주시립장욱진미술관의 대표 소장품인 ‘가족도’(1972)와 ‘집과 아이’(1959)를 비롯해 장욱진의 작품 40여점을 소개한다. 장욱진 특유의 조형 언어가 지닌 철학적 깊이와 미적 긴장감을 제대로 보여주는 걸작들로, 국내에서도 좀처럼 한자리에서 보기 어려운 작품들이다. 특히 1992년 뉴욕에서 발간된 화집 ‘황금방주’가 실물로 전시된다. ‘황금방주’는 뉴욕의 예술출판사 ‘한정판 출판클럽’(Limited Editions Club·LEC)이 한국을 대표하는 작가로 장욱진을 선정해 제작한 것이다. 작가가 생전에 직접 고른 12점의 유화를 바탕으로 만든 정교한 수작업 판화집이다. 당시 200부 한정판으로 발간됐다. 관람객들은 전시장에서 ‘황금방주’의 실제 페이지를 직접 넘겨보면서 장욱진의 미감과 철학을 체험할 수 있다. 이계영 관장은 “장 화백의 작품을 세계 문화예술의 중심지 뉴욕에서 펼쳐보이는 뜻깊은 자리이자 우리의 문화 역량을 알리는 기회”라며 “그의 작품을 연구하고 소개해온 미술관으로서도 의미 있는 결실을 거둘 수 있을 것”이라고 밝혔다.